Mar del Plata atraviesa un verdadero boom cafetero. Según datos oficiales y relevamientos del sector, entre 2021 y febrero de 2025 se tramitaron 468 habilitaciones para nuevas cafeterías en el Partido de General Pueyrredon, una cifra que refleja el crecimiento sostenido de una actividad que no para de expandirse.

El dato implica un promedio de una nueva cafetería cada tres días en la ciudad. Solo durante 2024 se otorgaron 123 permisos para la apertura de locales, convirtiéndose en el año con mayor crecimiento reciente.

En comparación con otras ciudades del país, el crecimiento de Mar del Plata en el rubro cafetero es notable. Con más de 40 cafeterías de especialidad y 468 nuevas habilitaciones desde 2021, la ciudad ya se posiciona como la segunda plaza de Argentina en este segmento, solo por detrás de la Ciudad de Buenos Aires. Incluso, al analizar la relación entre cantidad de locales y población, el fenómeno marplatense cobra aún más relevancia: con cerca de 700 mil habitantes, muestra una densidad de cafeterías muy superior a la de grandes centros urbanos como Córdoba, Rosario o Mendoza, consolidándose como una de las ciudades con mayor crecimiento del café de especialidad en el país.

Pero más allá de los números, tomar café forma parte de la identidad marplatense. Ya sea en una mesa frente al mar, en una pausa laboral en el centro, en una charla entre amigos en Güemes o como ritual de fin de semana en alguna cafetería de barrio, la costumbre de “ir a tomar un café” está profundamente arraigada en la vida cotidiana de la ciudad. La tradición de los cafés históricos convive hoy con el auge de las cafeterías de especialidad y refuerza un hábito que atraviesa generaciones.

Además, el fenómeno no se limita a los cafés tradicionales. Mar del Plata se posicionó como la segunda ciudad del país con más cafeterías de especialidad, solo detrás de la Ciudad de Buenos Aires. Actualmente, el segmento supera los 40 locales, con una expansión marcada desde fines de 2020.

Desde el Municipio atribuyen este crecimiento, en parte, a la ordenanza de habilitaciones implementada en 2023, que permite gestionar permisos comerciales en menos de 48 horas, agilizando la apertura de nuevos emprendimientos gastronómicos.

La tendencia continúa durante 2026. De acuerdo con información oficial de la Municipalidad de General Pueyrredon, en el primer trimestre del año se iniciaron 1.291 trámites de habilitación comercial, lo que representa un incremento del 9,78% respecto al mismo período de 2025. Además, el 80% de esos trámites corresponden a nuevos proyectos comerciales.

Otro dato que grafica el crecimiento del sector es la formación de mano de obra especializada: desde 2023, más de 300 marplatenses se capacitaron como baristas a través de programas impulsados por el Municipio junto a empresas del rubro.

Con corredores gastronómicos cada vez más fuertes en zonas como Güemes, Olavarría, Alem, Constitución y el centro, Mar del Plata consolida una nueva identidad ligada al café de especialidad, el emprendedurismo y una cultura gastronómica que sigue ganando terreno.

El regreso de Evaristo Páramos a la Argentina no es solo un evento musical: es un síntoma cultural que atraviesa generaciones. El histórico líder de La Polla Records se presentará el próximo 26 de abril en el Movistar Arena, con un show que promete condensar décadas de historia, crítica social y vigencia artística.

Lejos de una gira nostálgica, el anuncio pone en evidencia un fenómeno que trasciende la escena punk: artistas que surgieron en contextos de crisis y rebeldía siguen encontrando eco en públicos actuales. En el caso de Evaristo, su obra mantiene una potencia particular porque dialoga con problemáticas que continúan vigentes, desde la desigualdad hasta la desconfianza en las instituciones.

El recital será un recorrido por todas las etapas de su carrera, incluyendo no solo clásicos de La Polla Records, sino también temas de proyectos como The Kagas, The Meas, Gatillazo y su actual banda, Tropa do Carallo. La propuesta busca ofrecer una experiencia integral, donde el pasado y el presente conviven sin concesiones.

Su última visita al país dejó en claro esa conexión intacta. Con entradas agotadas, el show en el Estadio Malvinas Argentinas se extendió por más de dos horas, con más de 40 canciones y una respuesta del público que confirmó su lugar como referente del punk en español. No fue solo un recital, sino una expresión colectiva donde distintas generaciones compartieron un mismo lenguaje.

En un contexto donde la industria musical tiende a la inmediatez, la permanencia de figuras como Evaristo plantea una pregunta más amplia: ¿qué hace que ciertos discursos resistan el paso del tiempo? La respuesta parece estar en la coherencia. Su lírica, atravesada por la ironía y la crítica, sigue incomodando y señalando, sin adaptarse a modas ni suavizar su mensaje.

El show en Buenos Aires se proyecta así como algo más que una fecha en la agenda cultural. Es una oportunidad para ver en vivo a una figura que no solo marcó una época, sino que continúa dialogando con el presente, en un país donde el espíritu contestatario del punk encuentra, una vez más, terreno fértil.

La llegada de Public Image Ltd a Mar del Plata no solo genera expectativa por el regreso de una de las bandas más influyentes del post-punk, sino también por la participación de dos proyectos locales que abrirán la noche: Tomates en Verano y Buenos Vampiros.

Tomates en Verano llega con “Sin Ton ni Son”, su cuarto álbum de estudio, donde conviven climas melancólicos con capas de ruido y una impronta marcada por el shoegaze. El grupo, integrado por Carina Monjeau en voz y bajo, Ignacio Giobellina en guitarra y Pedro Moscuzza en batería, construye un sonido envolvente que dialoga con el mar y el desamor como ejes temáticos. La producción estuvo a cargo de Graham Sutton, con masterización en Nueva York, lo que refuerza su perfil sonoro internacional.

Por su parte, Buenos Vampiros se consolidó como una de las bandas emergentes más destacadas del nuevo rock argentino. Formados en 2018, combinan melodías oscuras y bailables con influencias del post-punk, new wave y dream pop. Integrada por Ignacio Perrotta, Irina Tuma, Luana Giobellina y Mora Murguet, la banda ya recorrió escenarios clave del país y realizó giras internacionales, incluyendo presentaciones en Europa.

El show del 12 de abril se perfila así como una fecha que cruza generaciones y estilos: desde la impronta histórica de PIL hasta el presente de la escena independiente marplatense. Una oportunidad para ver cómo dialogan en vivo distintas capas del rock alternativo, con fuerte identidad local.

Con la llegada del invierno, especialistas advierten por un escenario preocupante: más de 160 mil bebés en Argentina podrían enfrentar la temporada sin protección frente a la bronquiolitis, una de las infecciones respiratorias más peligrosas en la primera infancia.

El foco está puesto en la baja adhesión a la vacuna contra el virus sincicial respiratorio (VSR), principal causante de esta enfermedad. Esta inmunización, que se aplica durante el embarazo, permite transferir anticuerpos al bebé antes de nacer y reducir significativamente las formas graves.

Sin embargo, la cobertura actual está lejos de los niveles esperados. Esto deja a una gran cantidad de recién nacidos en situación de vulnerabilidad, especialmente durante los meses de mayor circulación viral.

La bronquiolitis afecta sobre todo a menores de un año y puede generar cuadros severos que requieren internación, especialmente en bebés pequeños.  

Aunque en los últimos años se registraron avances, como la incorporación de la vacuna al calendario, los especialistas insisten en que la prevención sigue siendo clave para evitar complicaciones y reducir la presión sobre el sistema sanitario.  

Además de la vacunación, recomiendan medidas básicas como la higiene frecuente de manos, evitar el contacto con personas con síntomas respiratorios y mantener los ambientes ventilados. 

El tradicional The New Brighton cerró sus puertas en la Ciudad de Buenos Aires, marcando el final de uno de los lugares más emblemáticos de la gastronomía y la vida social porteña.

A lo largo de su trayectoria, el restaurante supo alcanzar reconocimiento internacional: fue considerado el mejor de la Ciudad de Buenos Aires y llegó a ubicarse entre los cinco mejores de toda América, consolidando su prestigio más allá del país.

Su historia se remonta a 1908, cuando el lugar funcionaba como una sastrería de lujo frecuentada por la alta sociedad. Con el paso del tiempo, el espacio fue transformándose hasta convertirse en un restaurante distinguido, manteniendo siempre su impronta elegante, con salones clásicos, vitrales y una ambientación que evocaba otra época.

Pero más allá de lo gastronómico, The New Brighton era parte de la identidad cultural de la ciudad y del país. Durante décadas fue punto de encuentro de empresarios, artistas y figuras de la política, además de un atractivo para turistas que buscaban vivir una experiencia tradicional porteña. Incluso contaba con reconocimientos internacionales y distinciones que reforzaban su valor simbólico.

Uno de los capítulos más recordados de la historia de lugar está ligado a la visita del entonces príncipe de Gales, Edward VIII, quien quedó fascinado con el lugar durante su paso por Buenos Aires. Como gesto de admiración, envió un obsequio (dos esculturas talladas en madera con el emblema de las tres plumas de Gales) que durante años fue exhibido como símbolo del prestigio internacional del restaurante. Ese vínculo con la realeza reforzó la imagen de exclusividad del espacio, que además se destacaba por su imponente arquitectura: salones amplios, vitrales, detalles en madera tallada y una ambientación clásica que conservaba el espíritu de principios del siglo XX, convirtiéndolo en una verdadera pieza viva de la historia.

Su cierre no solo implica la pérdida de un restaurante, sino también de un espacio cargado de historia y memoria colectiva. En un contexto donde el microcentro atraviesa cambios profundos, la desaparición de este tipo de lugares deja en evidencia el impacto cultural que tiene la transformación urbana en Buenos Aires.

Ahora, el futuro del edificio es incierto. Aunque su valor patrimonial podría proteger parte de su estructura, queda abierta la incógnita sobre si alguien logrará recuperar el espíritu de un sitio que supo ser sinónimo de elegancia, tradición y excelencia.

La revista Time incluyó a Mariska Hargitay entre “Las Mujeres del Año” de la edición 2026, destacando no solo su trayectoria artística sino también su fuerte labor como activista y defensora de derechos.

Conocida mundialmente por su papel en Law & Order: Special Victims Unit, la actriz fue reconocida por su compromiso con sobrevivientes de abuso sexual, violencia doméstica y maltrato infantil, una causa que impulsa desde hace años. A través de su fundación, trabaja para mejorar el acceso a la justicia y acompañar procesos de recuperación.  

En la entrevista publicada por la revista, Hargitay reflexionó sobre el valor de contar historias personales y cómo ese proceso puede ayudar a sanar. En ese sentido, en los últimos años dio un paso más en su carrera al convertirse en directora de documentales, enfocándose en su propia historia familiar y en el legado de su madre.  

Además, la publicación resaltó su rol como figura influyente que logró transformar su trabajo en la ficción en una plataforma para generar cambios reales, impulsando leyes y campañas de concientización. Entre esos logros, se destacan iniciativas para combatir la difusión de contenido íntimo sin consentimiento y mejorar el tratamiento de estos casos.  

Cada año, Time selecciona a mujeres que se destacan por su impacto en la sociedad y su capacidad de impulsar transformaciones. En esta edición, Hargitay fue una de las figuras elegidas por su liderazgo y su aporte a la construcción de un mundo más justo.  

La actriz estadounidense Lauren Graham, recordada por su papel de Lorelai en la serie Gilmore Girls, celebra hoy, 16 de marzo, su cumpleaños número 58, en un momento especial de su carrera tras el reciente lanzamiento de su nueva película No te olvidaré, un drama romántico basado en una popular novela de la escritora Colleen Hoover.

El film, cuyo título original es Reminders of Him, se estrenó en marzo de 2026 y está dirigido por Vanessa Caswill. La historia sigue a Kenna Rowan, una mujer que intenta reconstruir su vida después de haber pasado años en prisión por un accidente que provocó la muerte de su novio. Al salir, intenta recuperar el vínculo con su hija, que quedó bajo la custodia de los padres del joven fallecido.  

En la película, Graham interpreta a Grace Landry, la madre del joven que murió en el accidente. Su personaje atraviesa un profundo duelo y mantiene una fuerte tensión con la protagonista, lo que aporta una carga emocional importante a la trama.  

La actriz contó que este papel fue muy diferente a los que suele interpretar y que requirió una preparación emocional intensa para ponerse en la piel de una madre que enfrenta una pérdida tan dolorosa. Según explicó, el proceso le dejó una reflexión importante sobre el perdón y las segundas oportunidades.  

El elenco también incluye a Maika Monroe, Tyriq Withers, Rudy Pankow y Bradley Whitford. La adaptación está basada en la novela homónima publicada en 2022, que se convirtió en un bestseller entre los lectores de romance contemporáneo.  

Así, mientras celebra un nuevo año de vida, Lauren Graham vuelve a la pantalla grande despues de 5 años con un proyecto que combina drama, redención y emociones intensas, demostrando una vez más su versatilidad como actriz.

La pelicula se podra ver en cines a partir de este mes en distintas salas del país, mientras que para las plataformas de streaming deberá esperar un pco más.

En el marco del juicio por el homicidio de Kim Gómez, la niña de 7 años asesinada en La Plata en febrero de 2025, la fiscalía pidió una pena de 23 años y 4 meses de prisión para el principal acusado, hoy de 18 años.  

El pedido de condena fue formulado durante los alegatos finales del proceso que se desarrolla en el Tribunal de Responsabilidad Penal Juvenil de La Plata, donde se investiga la participación del joven en el brutal hecho.  

La audiencia para conocer la sentencia fue programada para el próximo 16 de marzo, cuando los jueces definan la pena que deberá cumplir el imputado si se confirma la culpabilidad.  

La causa se originó el 25 de febrero de 2025, cuando Kim y su madre fueron sorprendidas por delincuentes que intentaron robarles el vehículo en el barrio Altos de San Lorenzo. En medio de la huida, la menor fue arrastrada por varias cuadras hasta que los agresores la abandonaron tras chocar contra un poste, en un crimen que conmovió a la comunidad.  

Una figura indiscutida en la historia de la música  

Andrew James Summers nació el 31 de diciembre de 1942 en una localidad de Lancashire, Inglaterra. Desde muy joven comenzó a tocar la guitarra, formándose en pubs y bares de Londres, donde interpretaba jazz y rhythm and blues. Más adelante continuó su formación en la Universidad Estatal de California, donde profundizó en composición y música clásica contemporánea. A fines de los años 50 ya trabajaba profesionalmente en el circuito londinense y durante los años 60 integró distintas bandas como la que tuvo junto a Zoot Money y Eric Burdon and The Animals, además de estar vinculado a la escena psicodélica británica. 

Su gran salto a la fama llegó en 1977 cuando se incorporó a The Police junto a Sting y Stuart Copeland, con esta formación desarrolló un sonido innovador que mezclaba rock, reggae, punk y jazz, en donde su guitarra cumplía un rol central, no tanto desde el virtuosismo tradicional sino desde la creación de atmósferas y texturas mediante el uso de chorus, delays y acordes abiertos poco convencionales. 

Entre 1978 y 1983, la banda lanzó álbumes fundamentales y se convirtió en uno de los grupos más famosos del mundo, vendiendo alrededor de 80 millones de discos. 

Summers se consolidó como una figura destacada en el mundo de la música, premiado con dos premios Grammy a la Mejor interpretación instrumental de rock por Reggatta de Blanc y por Behind My Camel, esta última compuesta íntegramente por él. 

Tras la separación de The Police en 1984, Summers desarrolló una prolífera carrera solista explorando la experimentación sonora y participando en colaboraciones destacadas como las realizadas con Robert Fripp. Publicó numerosos discos en solitario, compuso música para cine y televisión y también se destacó como fotógrafo y escritor. 

A lo largo de más de seis décadas de trayectoria, Andy Summers se ha mantenido activo y creativo, siendo incluso reconocido por la revista Rolling Stone como uno de los mejores guitarristas de todos los tiempos. Su estilo, sus particulares riffs y su fuerte formación musical redefinió el rol de la guitarra en el formato trío y dejó una marca profunda en generaciones posteriores de músicos. 

 Every breath you take 

Si hay una canción que caracterizó a una generación y a la década de los 80 fue Cada vez que respiras, canción que pertenece al quinto y último disco de estudio de The Police. La balada se convirtió en el mayor éxito de 1983, encabezando la lista Billboard de los 100 sencillos más vendidos durante ocho semanas, la cual fue motivo también de que la banda ganara el premio a la Mejor interpretación pop por grupo, y la cual los colocó en el puesto número 84 de la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos por la revista Rolling Stone. 

Si bien la canción fue escrita por Sting y Summers no aparece como autor de la canción, la pieza fundamental de este éxito fue el guitarrista, quien creó el famoso riff de la canción, un inconfundible arreglo de guitarra en el cual Andy se inspiró en Bela Bartok, un mérito que no siempre se le reconoce. 

Su primer paso por Mar del Plata 

En diciembre de 1980, The Police vino por primera vez a la Argentina como parte de su primera gira mundial, presentando su álbum Zenyattà Mondatta, que ya estaba teniendo mucho éxito en todo el mundo.   

Después de tocar en una discoteca y en el Estadio Obras en Buenos Aires, el 16 de diciembre de 1980 la banda llegó a Mar del Plata y dio un recital en el Teatro Radio City. Allí tocó frente a un público bastante pequeño, no se vendieron todas las entradas, pero el show fue intenso y moderno, con canciones que con el tiempo se convirtieron en clásicos.   

 La banda tocó temas como Don’t Stand So Close to Me, Walking on the Moon, Roxanne y Message in a Bottle, entre otros, durante más de una hora de concierto. El sonido era directo y sin grandes efectos, mostrando a un trío enérgico y técnicamente sólido.   

Esa visita no fue sólo un concierto: al día siguiente, los tres músicos, Sting, Andy Summers y Stewart Copeland, grabaron escenas en el Parque Camet vestidos de gauchos, para un documental de la gira (las imágenes se pueden ver en The Police Around The World).

Con el paso de los años, esa presentación en Mar del Plata quedó en la memoria de quienes estuvieron allí como un momento especial de la historia musical local y hoy se la recuerda incluso con placas conmemorativas.  Luego, Andy Summers tuvo una segunda presentación en la ciudad en el año 1995 junto a John Etheridge (ex Soft Machine) en el Teatro Auditorium en un espectáculo íntimo con guitarras acústicas. 

La noche del regreso de Andy Summers 

Luego de 30 años de su segunda visita, el guitarrista subió al escenario del Radio City a rememorar los clásicos de la banda con su grupo Call The Police, acompañado por los músicos brasileños Rodrigo Santos, conocido por la banda Barao Vermelho y Joao Barone de la banda Os Paralamas Do Sucesso. 

Ante una audiencia compuesta mayormente por los jóvenes de los 80, que cantaron en cada coro y acompañaron con palmas, la banda se lució con extrema fidelidad al clásico sonido de The Police sin defraudar a la nostalgia de la audiencia. La apertura fue con Driven to Tears, seguido de Synchronicity II, Spirits in the Material World, Walking on the Moon, De Do Do Do, De Da Da Da, Invisible Sun, Tea in the Sahara, King of Pain, Can't Stand Losing You, Roxanne, Every Breath You Take, Message in a Bottle, y se despidieron con So Lonely y Every Little Thing She Does Is Magic, en donde los espectadores se pusieron de pie y se acercaron al escenario a bailar en un clima completamente festivo. 

No faltó oportunidad para que Mr Summers se tomara un momento de canción en canción para interactuar con sus fans en un intento tierno de español, mostrándoles su afecto y agradecimiento, también se refirió a la ciudad: “Estoy muy contento de estar aquí, siento una gran afinidad con Mar del Plata porque me recuerda al lugar donde crecí”, haciendo referencia a la pequeña villa costera del condado de Lancashire. 

Cuando apareció Cumbres Borrascosas, el público victoriano no supo cómo reaccionar. La crítica la calificó de perturbadora, excesiva y moralmente cuestionable. No era la típica historia romántica de la época: la relación entre Heathcliff y Catherine no idealiza el amor, lo muestra en su versión más cruda, obsesiva y autodestructiva. 

La violencia emocional, la venganza y el resentimiento atraviesan cada página, mientras los páramos de Yorkshire, con su clima hostil y sus paisajes desolados, funcionan casi como un personaje más, reflejando la intensidad salvaje de sus protagonistas. 

Su autora, Emily Brontë, publicó la novela bajo el seudónimo masculino Ellis Bell. No fue un capricho: en el siglo XIX, las mujeres escritoras eran frecuentemente subestimadas o ignoradas. Sus hermanas también adoptaron nombres masculinos: Charlotte Brontë firmó como “Currer Bell” y Anne Brontë como “Acton Bell”. En un hecho casi irrepetible en la historia literaria, en 1847 las tres publicaron novelas el mismo año: Emily lanzó “Cumbres Borrascosas”, Charlotte presentó “Jane Eyre” y Anne dio a conocer “Agnes Grey”. Tres hermanas, tres obras fundamentales y un mismo impulso creativo nacido en el aislamiento del pequeño pueblo de Haworth. 

La vida de las Brontë estuvo marcada por la pérdida y la enfermedad. Crecieron en un entorno rural, rodeadas de naturaleza agreste y atravesadas por la muerte temprana de varios miembros de la familia. Emily murió en 1848, apenas un año después de la publicación de su novela, sin llegar a saber que su obra sería considerada una de las más influyentes de la literatura inglesa. Durante años, el libro fue visto con desconfianza; recién con el tiempo se reconoció su audacia narrativa, su estructura en capas, con narradores que cuentan historias dentro de otras historias, y la complejidad psicológica de Heathcliff, un personaje que oscila entre villano y antihéroe. 

Hoy, casi dos siglos después, Cumbres Borrascosas sigue incomodando y fascinando. No propone un amor dulce ni redentor, sino una pasión que arrasa con todo a su paso. Tal vez por eso permanece vigente: porque entiende que el amor, cuando se mezcla con orgullo, trauma y deseo de venganza, puede ser tan tempestuoso como el viento que sopla en los páramos ingleses.

Existió una época en que el amor no necesitaba de filtros ni de redes sociales para cautivar al mundo entero; bastaba con la química de dos leyendas bajo la luz de los estudios. En la Época Dorada, mientras las cámaras rodaban, nacieron historias que desafiaron guiones, superaron escándalos y sobrevivieron al paso del tiempo. Desde la complicidad silenciosa en los sets de blanco y negro hasta las pasiones volcánicas que incendiaron la prensa internacional, estas parejas no solo vendieron entradas de cine, sino que nos enseñaron el verdadero significado de la palabra “idilio”.

El magnetismo del "Tipo Duro" y la “Mirada”

Cuando Humphrey Bogart conoció a Lauren Bacall en el set de Tener y no tener (1944), el aire en el estudio cambió. Ella, con apenas 19 años y una voz de terciopelo, desafió la coraza del actor más rudo de la industria. No fue un romance de marketing; fue una colisión de autenticidad que duró hasta el último suspiro de Bogart. Juntos demostraron que la diferencia de edad se desvanece ante una complicidad que traspasa el celuloide.

Tras el divorcio de Bogart con su tercera esposa, Mayo Methot, se casó con Lauren en 1945 y formó una de las uniones más sólidas y respetadas de la industria, alejándose de los escándalos típicos de las estrellas de cine. Juntos protagonizaron cuatro clásicos del cine negro donde su complicidad era evidente, compartiendo una vida privada llena de navegación y criando a sus dos hijos. Sin embargo, este romance de película tuvo un final prematuro en 1957, cuando Bogart falleció de cáncer de esófago. Lauren Bacall, quien quedó viuda a los 32 años, mantuvo vivo el legado de su esposo por el resto de su vida, asegurando siempre que ningún guionista podría haber escrito una historia de amor tan perfecta como la que ellos vivieron en la realidad.

Un volcán en el set: Taylor y Burton

Si Bogart y Bacall eran la elegancia, Elizabeth Taylor y Richard Burton eran el exceso. Su historia comenzó entre las columnas de mármol de Cleopatra, desatando un escándalo que llegó hasta el Vaticano. Se amaron con la misma intensidad con la que se destruyeron: dos matrimonios, dos divorcios y una colección de joyas que hoy son leyenda. Eran el reflejo de una pasión indomable que Hollywood nunca ha vuelto a replicar con tal magnetismo.

A diferencia de otras parejas, Taylor y Burton no podían estar juntos pero tampoco separados, lo que los llevó a casarse y divorciarse en dos ocasiones distintas. Durante sus años de gloria, rodaron juntos 11 películas, destacando ¿Quién teme a Virginia Woolf?, donde proyectaron en pantalla una crudeza matrimonial que muchos sospechaban era un reflejo de su propia realidad. 

A pesar de los costosos regalos (como el diamante Taylor-Burton de 68 quilates) y la pasión desenfrenada, sus demonios personales y adicciones terminaron por desgastar el vínculo físico, aunque el emocional permaneció intacto. Incluso tras su segundo divorcio definitivo y el fallecimiento de Burton en 1984, Elizabeth confesó que él fue el gran amor de su vida y que, de haber vivido más tiempo, probablemente se habrían casado una tercera vez.

El pacto silencioso de Tracy y Hepburn

En el otro extremo del espectro se encontraban Katharine Hepburn y Spencer Tracy. Su relación fue el secreto mejor guardado (y más respetado) de la colina. Protagonistas de nueve películas, su amor se basaba en el respeto intelectual y una devoción silenciosa. Aunque las convenciones de la época les impidieron formalizar su unión, su lealtad de 26 años se convirtió en el estándar de oro de la madurez emocional en un mundo de apariencias.

Todo comenzó en 1942 en el set de La mujer del año; en su primer encuentro, Hepburn, con su característica altura y tacones, comentó que temía ser demasiado grande para él, a lo que el productor respondió: «No te preocupes, él ya se encargará de cortarte a tu medida». Esa chispa inicial dio paso a una conexión mental y emocional que los llevó a protagonizar muchas películas juntos, donde su química se basaba en el duelo de ingenio y la admiración mutua.  

Lo que hacía única a esta pareja era la complejidad de su situación personal: Tracy era un católico devoto que, debido a sus convicciones religiosas, nunca se divorció de su esposa, Louise Treadwell, a pesar de estar separado de ella. Hepburn, una mujer adelantada a su tiempo y profundamente independiente, aceptó esta realidad sin quejas, viviendo un amor en las sombras pero con una devoción inquebrantable. Ella se convirtió en el pilar que ayudó a Tracy a lidiar con sus problemas de salud y sus episodios de alcoholismo, sacrificando incluso su carrera en los últimos años para cuidarlo. Su romance terminó con la muerte de Tracy en 1967, apenas días después de terminar el rodaje de Adivina quién viene a cenar; por respeto a la familia de él, Hepburn ni siquiera asistió al funeral, demostrando que su amor no necesitaba de ceremonias ni papeles legales para ser el más genuino de la colina de Hollywood.

El manjar en Casa: El triunfo de la lealtad sobre el glamour

La historia de Paul Newman y Joanne Woodward es el testimonio más sólido de que el amor verdadero podía sobrevivir, e incluso florecer, en el terreno volátil de Hollywood. Se conocieron en 1953 mientras trabajaban en la obra de Broadway Picnic, pero no fue hasta el rodaje de El largo y cálido verano en 1957 que su conexión se volvió innegable. 

Tras el divorcio de Newman de su primera esposa, Paul y Joanne se casaron en Las Vegas en 1958, iniciando un matrimonio que duraría 50 años hasta la muerte del actor en 2008. Lo que los hacía únicos era su rechazo absoluto al glamour superficial de la industria; decidieron mudarse a una granja en Connecticut para criar a sus tres hijas lejos de los paparazzi, demostrando que su prioridad no era la fama, sino la familia y el respeto mutuo.

A diferencia de las parejas tormentosas de la época, ellos funcionaban como un equipo equilibrado: ambos eran actores ganadores del Oscar que se admiraban profundamente y que no competían por el ego. Rodaron juntos 10 películas y Newman la dirigió en varias ocasiones, encontrando en ella a su musa definitiva. 

Su relación se convirtió en leyenda gracias a la famosa respuesta de Paul cuando le preguntaban sobre la fidelidad en un entorno de tantas tentaciones: «¿Para qué salir a buscar una hamburguesa si tengo un manjar en casa?». 

Su legado no solo fue cinematográfico, sino también filantrópico, trabajando codo a codo en innumerables causas benéficas. Al final, los Newman demostraron que el secreto de un amor eterno en la gran ciudad no eran los diamantes ni los escándalos, sino la risa compartida y la lealtad incondicional de dos personas que nunca dejaron de ser mejores amigos.

Vivien Leigh y Laurence Olivier: La tormenta shakesperiana

La historia de Vivien Leigh y Laurence Olivier fue la representación más pura del drama shakesperiano trasladado a la vida real. Se conocieron en 1936 y, a pesar de que ambos estaban casados, iniciaron un romance clandestino y febril que escandalizó a la sociedad británica de la época. Para el mundo, eran la pareja perfecta: la mujer más bella del cine, inmortalizada como Scarlett O'Hara en Lo que el viento se llevó, y el actor más respetado del teatro clásico. 

Su boda en 1940 marcó el inicio de un reinado cultural donde el talento y la belleza parecían no tener límites, convirtiéndose en la realeza absoluta de los escenarios de Londres y los sets de Hollywood. Sin embargo, detrás de las ovaciones, su relación fue una batalla constante contra la tragedia y la fragilidad mental. Vivien padecía un trastorno bipolar no diagnosticado en aquel entonces y episodios graves de tuberculosis, lo que provocaba cambios de humor extremos y crisis que Olivier, a pesar de su profunda admiración, encontraba cada vez más difíciles de manejar. 

Su amor fue una hoguera que brilló con una intensidad cegadora pero que terminó por consumirlos; tras veinte años de un matrimonio marcado por el genio artístico y el sufrimiento privado, se divorciaron en 1960. A pesar del dolor de la separación y de que ambos intentaron rehacer sus vidas, nunca dejaron de amarse en la distancia: se dice que hasta el día de su muerte, Vivien mantuvo el retrato de Larry en su mesilla de noche, y él, ya anciano, fue encontrado llorando frente a una de sus películas, lamentando el destino de un amor que fue demasiado grande para la realidad. 

Clark Gable y Carole Lombard: La comedia y la tragedia

La historia de Clark Gable y Carole Lombard fue el romance más vibrante y genuino de los años treinta, una bocanada de aire fresco en un Hollywood obsesionado con las apariencias. Él era el "Rey de Hollywood", el galán rudo de Lo que el viento se llevó, y ella era la reina de la comedia, una mujer eléctrica, malhablada y divertidísima que no temía burlarse de la seriedad de su esposo. 

Se conocieron en 1932, pero el flechazo real ocurrió años después en un baile de disfraces; desde entonces, formaron una pareja que rompía todos los moldes. En lugar de asistir a fiestas glamurosas, preferían pasar el tiempo en su rancho de Encino, vistiendo ropa vieja, cazando, criando pollos y gastándose bromas pesadas que eran legendarias en toda la ciudad. 

Sin embargo, esta comedia romántica de la vida real se transformó en una tragedia nacional en 1942. Durante la Segunda Guerra Mundial, Lombard se entregó con fervor a la venta de bonos de guerra; tras una exitosa gira en su estado natal de Indiana, decidió tomar un avión de regreso a casa antes de lo planeado para reencontrarse con Gable. El avión se estrelló contra una montaña en Nevada, terminando con su vida a los 33 años. Gable, devastado, nunca volvió a ser el mismo; se alistó en la Fuerza Aérea para cumplir misiones de combate en un intento de buscar el mismo destino que ella. Aunque se casó dos veces más años después, al morir en 1960, su última voluntad fue ser enterrado al lado de Carole, demostrando que ella fue la única que realmente conquistó el corazón del Rey. 

El legado del blanco y negroEstas parejas no solo vendieron entradas de cine; construyeron el lenguaje del romance moderno. Nos enseñaron que el amor podía ser irónico como el de Cary Grant, sofisticado como el de Fred Astaire o inquebrantable como el de Paul Newman.Hoy, al ver sus películas, no solo vemos actuaciones; vemos los ecos de vidas que se vivieron con la misma intensidad con la que se iluminaban sus rostros en la oscuridad de una sala de cine.

Este viernes 13, el Teatro Tronador será escenario de una despedida especial. Cyrano, la ambiciosa y aclamada puesta del clásico de Edmond Rostand protagonizada por Gabriel “El Puma” Goity, se despide del público marplatense luego de dos temporadas consecutivas, funciones a sala llena, giras por distintas ciudades del país y un recorrido artístico marcado por el reconocimiento unánime de la crítica y del público.No se trata simplemente del final de una obra, sino del cierre de un ciclo que confirmó al Tronador como uno de los espacios teatrales más relevantes de la escena nacional, capaz de albergar producciones de gran escala, calidad artística y verdadera proyección federal.

Un Cyrano contemporáneo y premiado

Lejos de una versión solemne o anacrónica, Cyrano encontró en esta puesta una lectura viva, actual y profundamente emocional. El texto clásico dialoga con el presente a través de temas universales como el amor imposible, la identidad, la palabra como arma y refugio, y el orgullo llevado hasta las últimas consecuencias.En el centro de la escena, Gabriel Goity construyó uno de los trabajos más celebrados de su extensa trayectoria. Su Cyrano —intenso, irónico, sensible y trágico— fue distinguido con los principales premios teatrales del país, entre ellos el Premio ACE de Oro, además de galardones como mejor actor protagónico, consolidando una interpretación que ya es referencia dentro del teatro argentino contemporáneo.

Reconocimientos para una obra integral

La obra en su conjunto también fue distinguida en múltiples rubros. Cyrano obtuvo premios y nominaciones por mejor obra, dirección, puesta en escena, diseño de vestuario, iluminación y adaptación, tanto en los Premios ACE como en los Estrella de Mar, además de menciones especiales de asociaciones de críticos y jurados especializados.Estos reconocimientos no hicieron más que ratificar lo que se percibía función tras función: un espectáculo de alto nivel artístico, sostenido por un elenco sólido y un equipo creativo que cuidó cada detalle de la puesta.

Un elenco y una producción a la altura del clásico 

Acompañado por un gran elenco, Goity encabezó una propuesta que se destacó por su rigor actoral, su potencia visual y una dirección que supo equilibrar respeto por el texto original con una dinámica escénica ágil y moderna. La cuidada escenografía, el vestuario y la iluminación contribuyeron a construir un universo teatral inmersivo, que atrapó tanto a espectadores habitués como a nuevos públicos.

Giras, temporadas y un vínculo con el Tronador

Tras su estreno, Cyrano emprendió giras por distintas ciudades del país, confirmando su alcance nacional y su capacidad de conmover a públicos diversos. Las temporadas en Mar del Plata, en tanto, reforzaron un vínculo especial con el Teatro Tronador, que se convirtió en una verdadera casa artística para la obra.

Un adiós que es celebración

La última función de Cyrano en el Tronador no es solo una despedida, sino una celebración del teatro como hecho cultural, del trabajo colectivo y de la vigencia de los grandes clásicos cuando son abordados con inteligencia y pasión.

Este viernes el telón bajará por última vez en Mar del Plata para una obra que ya forma parte de la memoria teatral reciente. Cyrano se despide dejando una huella profunda: la confirmación de que el gran teatro sigue vivo cuando hay artistas comprometidos, espacios que apuestan fuerte y un público dispuesto a emocionarse.

Información de la última función:La función despedida de Cyrano tendrá lugar este viernes 13 a las 20:30 en el Teatro Tronador (Santiago del Estero 1746, Mar del Plata). Las entradas se encuentran disponibles en la boletería del teatro y a través del sistema Ticketek.

Mar del Plata se prepara para una noche de voltaje puro. La llegada de Marky Ramone no es simplemente la visita de un músico internacional; es el desembarco del último guardián de una filosofía que cambió la música para siempre en 1974. A sus 73 años, el neoyorquino demuestra que el punk no era una moda pasajera, sino un motor de combustión que sigue rugiendo con la misma urgencia que en el CBGB.

​Un legado que trasciende los parches​Marc Steven Bell, nombre real del músico, ya era una figura respetada en la escena de Nueva York mucho antes de calzarse la campera de cuero negra. Fue parte de Dust, pioneros del heavy metal estadounidense, y de The Voidoids, donde junto a Richard Hell grabó el himno fundacional Blank Generation.​Sin embargo, su destino se selló en 1978 cuando se unió a Joey, Johnny y Dee Dee para reemplazar a Tommy Ramone. Su entrada inyectó una potencia nueva al grupo, consolidando el estilo "blitzkrieg" de batería: un ataque incesante, sin matices y a una velocidad que pocos podían sostener. Marky fue el motor detrás de álbumes esenciales como Road to Ruin (1978), que incluía el eterno "I Wanna Be Sedated", y sobrevivió a las tormentosas grabaciones de End of the Century bajo la producción del excéntrico Phil Spector. Tras un intervalo, regresó en 1987 para quedarse hasta el último acorde en 1996, participando en el renacimiento de la banda en los 90 con discos como Mondo Bizarro.​​Tras la disolución de los Ramones y el fallecimiento de sus miembros fundadores, Marky asumió la misión de mantener vivo el catálogo. Con su proyecto Marky Ramone's Blitzkrieg, que hoy cuenta con la voz de Iñaki “Pela” Urbizu, ofrece un setlist que es una verdadera ráfaga: más de 30 canciones ejecutadas casi sin respiro, respetando la pureza del sonido que nació en Queens.​En el show de este miércoles, no faltarán los himnos que son parte del ADN cultural argentino: desde Blitzkrieg Bop y Sheena Is a Punk Rocker hasta Pet Sematary y The KKK Took My Baby Away.​​La cita en nuestra ciudad tendrá un fuerte componente local. La apertura estará a cargo de The Garkas y Triste Realidad, dos bandas que portan la bandera del punk marplatense y que servirán de preludio ideal para la leyenda. La relación de Marky con el público argentino es un fenómeno único; él mismo ha confesado que aquí se siente como en casa, ante una audiencia que mantiene viva la llama ramonera como en ninguna otra parte del mundo.​Marky Ramone es miembro del Rock & Roll Hall of Fame y recibió un Grammy a la trayectoria, lo que subraya la importancia de su visita para la agenda cultural de Mar del Plata este verano.

​Datos del Evento​Fecha: Miércoles 11 de febrero.​Lugar:Diagonal Garibaldi 4830, Mar del Plata.​Horario: Apertura de puertas 20:00 hs.​Bandas invitadas: The Garkas y Triste Realidad.​Entradas: Disponibles a través del sistema Articket y puntos de venta físicos (La Casa de las Guitarras y Conex).