Cada 1° de octubre se celebra el Día Internacional del Café, una fecha que pone en primer plano a una bebida que forma parte de la rutina de millones de personas. En Mar del Plata, esa costumbre tiene características propias: el cortado, el café con leche y la infaltable medialuna siguen ocupando un lugar privilegiado, aunque el avance del café de especialidad comienza a modificar algunos hábitos.

Aylen Carrizo, barista de la cafetería de especialidad Nat Coffee, explicó que entre los pedidos de los marplatenses todavía predominan dos clásicos: el cortado y el café con leche.

“El cortado es más que nada para tomarse algo ligero, más al paso, y el café con leche porque al marplatense le gusta que sea abundante, calentito. A algunos les gusta más intenso, a otros más suave”, señaló.

Sin embargo, hay una combinación que sobresale entre las costumbres locales. “Cada marplatense es un mundo, pero siempre destaca el cortado en jarrito con la medialuna”, aseguró Carrizo.

En los últimos años, la expansión del café de especialidad comenzó a convivir con esas preferencias tradicionales. Según la barista, existe un sector que todavía se muestra reticente frente a las nuevas propuestas, mientras que otros consumidores buscan conocer cada vez más sobre lo que llega a su taza.

“Hay un sector que está un poco reacio al cambio y a la nueva ola del café que está teniendo más peso cada día. Los jóvenes prefieren informarse más sobre lo que están consumiendo y están más abiertos a los conocimientos que los baristas queremos transmitir”, explicó.

Las diferencias también aparecen entre los residentes y quienes visitan Mar del Plata. “El marplatense es más clásico y por ahí el turista se la juega un poco más”, sostuvo Carrizo. Según detalló, los visitantes suelen animarse a pedir otras bebidas y ser “más exóticos” en sus preferencias.

El clima también modifica el consumo. Con la llegada de las temperaturas más altas, ganan terreno las bebidas frías a base de café y otras alternativas que ofrecen las cafeterías.

En cuanto a los horarios, existen dos momentos que concentran buena parte del movimiento. “Pueden ir variando, pero por lo general bien temprano en la mañana para arrancar el día, o a partir de las 5 de la tarde para ya finalizarlo”, indicó.

Las expectativas frente a una taza también dependen del tipo de cafetería al que esté acostumbrado cada cliente. Quienes provienen de una tradición más clásica suelen buscar sabores conocidos, mientras que el público habituado al café de especialidad presta atención a otros aspectos.

“Algunos están más afianzados a la cafetería tradicional y esperan que sirvamos un café idéntico al que toman, y el que está acostumbrado a la cafetería de especialidad busca sabores más equilibrados y que demuestren la calidad tanto del producto como la mano de quien lo prepara”, explicó Carrizo.

Para la barista, no existe una única cafetería o preparación capaz de resumir por completo el gusto local. “Todas tienen un poquito de los marplatenses. Cada cafetería es única como sus clientes, tenés diversas elecciones que se ajustan a las preferencias de cada uno”, concluyó.

Así, en pleno crecimiento de las nuevas formas de consumir café, Mar del Plata conserva un paladar mayormente clásico, con el cortado en jarrito y la medialuna como protagonistas, mientras una generación más joven comienza a interesarse por nuevos sabores, métodos y conocimientos alrededor de cada taza.

Evelyn Marzoa

Brigitte Bardot habría cumplido este lunes 92 años. Nacida en París el 28 de septiembre de 1934, la mujer que se convirtió en uno de los grandes símbolos del cine europeo murió el 28 de diciembre de 2025, a los 91 años, en La Madrague, la casa de Saint-Tropez que durante décadas funcionó como su refugio frente a la fama. 

Sus últimos meses estuvieron marcados por problemas de salud. A fines de noviembre había regresado a su casa después de una internación en Toulon y una intervención quirúrgica. En aquellos días, mientras permanecía en convalecencia, pidió tranquilidad y privacidad a quienes seguían con preocupación las noticias sobre su estado. Más tarde, su esposo, Bernard d'Ormale, reveló que Bardot atravesaba un cáncer y sufría fuertes dolores de espalda que llegaron a agotarla incluso cuando permanecía acostada. 

Pero hubo algo que no abandonó. Según relató d'Ormale, se mantuvo consciente y preocupada por los animales hasta el final. Apenas dos semanas antes de su muerte, la fundación que lleva su nombre todavía difundía públicamente su rechazo al sacrificio masivo de ganado sano en Francia. Era la misma lucha que había elegido décadas atrás, cuando dejó definitivamente las cámaras para convertirse en una de las voces más reconocidas de la protección animal. 

La madrugada del 28 de diciembre murió en su propia cama, acompañada por su marido y sus gatos. D'Ormale contó después que dormía a su lado cuando la escuchó pronunciar “Pioupiou”, el apodo íntimo que ambos utilizaban. Poco después advirtió que había dejado de respirar. Así terminó, lejos de los flashes que alguna vez la persiguieron, la vida de una mujer que había elegido pasar sus últimos años rodeada de naturaleza y animales. 

Bardot también había pensado en lo que ocurriría cuando ella ya no estuviera. En uno de sus últimos mensajes para la publicación de su fundación dejó claro que confiaba en quienes continuarían su tarea y aseguró que “el combate continuará, conmigo o sin mí”. La organización mantiene actualmente su actividad y sostiene el trabajo iniciado por la actriz hace cuatro décadas.

Durante años también había expresado su deseo de descansar en La Madrague, cerca de los animales y del lugar que consideraba su verdadero hogar. Finalmente fue sepultada el 7 de enero de 2026 en el cementerio marino de Saint-Tropez. Su marido explicó posteriormente que nunca se había realizado el pedido administrativo necesario para enterrarla en la propiedad y que ambos habían considerado las dificultades que supondría convertir aquel espacio privado en un lugar de peregrinación. 

Hoy, en el día en que habría cumplido 92 años, su recuerdo excede a la estrella. Bardot pasó de ser uno de los rostros más fotografiados del siglo XX a elegir una existencia cada vez más apartada, con una prioridad que mantuvo hasta sus últimos días: que la fama que alguna vez la rodeó siguiera sirviendo, incluso después de su muerte, para proteger a los animales.

Este 2026 marcó un aniversario fundamental para la historia del punk: se cumplieron 50 años del lanzamiento de Ramones, el álbum debut con el que la banda irrumpió en 1976 y comenzó a transformar para siempre las reglas del rock. Medio siglo después de aquel disco, Mar del Plata conserva su propio capítulo dentro de la historia del mítico grupo de Queens.

Para encontrarlo hay que retroceder hasta 1994, otro año especial para la banda: se cumplían dos décadas de su nacimiento y Ramones protagonizó un hecho sin precedentes en Argentina al realizar dos giras por el país en un mismo año.

Tras llenar el estadio de Vélez en mayo junto a Motörhead, la banda regresó en noviembre en el marco del Acid Chaos Tour, presentando Acid Eaters, su álbum de covers. Aquella gira sudamericana incluyó destinos inéditos en el interior argentino, como Rosario, Bahía Blanca y, por supuesto, Mar del Plata.

El 17 de noviembre de 1994, La Feliz vivió una noche consagratoria. Después de presentarse el día anterior en Rosario, la banda enfrentó serios contratiempos logísticos: el cierre del aeropuerto los obligó a viajar por ruta en micro y llegaron a Mar del Plata con el tiempo justo para una breve prueba de sonido de Marky Ramone.

El fervor de los seguidores ya se hacía sentir. Joey ingresó al recinto protegido e incógnito bajo alfombras para evitar la multitud que esperaba a los músicos.

Pese a los imprevistos, Go! Disco lucía colmado por miles de fanáticos marplatenses, seguidores provenientes de distintos puntos de la región y otros que habían viajado desde Buenos Aires especialmente para verlos.

“¡Hola, Mar del Plata!”, lanzó Joey antes de dar paso al mítico “One, Two, Three, Four!” de C.J., que antecedió a uno de los grandes himnos de la banda: Blitzkrieg Bop.

Mar del Plata tuvo así su propia comunión ramonera al ritmo del “Hey Ho, Let's Go!” original, en un recital demoledor que quedó inmortalizado por las cámaras del programa de cable local Viva la Pepa, conducido por Adrián Mena.

Tras el histórico show, la banda recibió a la prensa local y los camarines de la discoteca se transformaron en improvisadas salas de entrevistas individuales. Allí se produjo uno de los momentos más significativos de aquella visita.

En un mano a mano con el periodista Marcelo Gobello, amigo personal de integrantes de la banda y autor de tres libros sobre Ramones, Johnny Ramone entregó una primicia de alcance mundial: “Nos retiramos. No nos separamos, nos retiramos como campeones. El próximo será el último año de los Ramones”.

La declaración dio la vuelta al mundo y se convirtió en una de las revelaciones más impactantes de la etapa final de la agrupación, anticipando el principio del fin de una de las bandas fundamentales de la historia del punk.

Originalmente, la agenda establecía que Ramones debía partir inmediatamente hacia Bahía Blanca. Sin embargo, tras una recomendación de Gobello para que disfrutaran de los atractivos locales, el grupo decidió permanecer durante todo el 18 de noviembre en Mar del Plata.

Alojados en el céntrico Hotel República, sobre la calle Córdoba, los músicos vivieron una jornada muy diferente a la intensidad del escenario.

Marky Ramone recorrió la peatonal San Martín ante la mirada incrédula de quienes se cruzaban con ellos. Johnny Ramone, por su parte, recorrió librerías de la ciudad en busca de volúmenes de colección relacionados con el cine.

Mientras tanto, en las instalaciones del hotel, C.J. y Joey Ramone realizaban hidroterapia en la piscina. Joey lo hacía con una remera puesta sobre su espigado cuerpo de casi dos metros, mientras C.J. dejaba ver sus característicos tatuajes.

Por la noche, Johnny, Marky, Gobello y representantes de la producción local (Pablo Baldini, quién fue el productor que llevó al grupo a la ciudad) cenaron en un emblemático restaurante de Playa Chica, hoy desaparecido.

Allí dejaron ver una particular costumbre gastronómica: pedían dos platos variados por persona y luego compartían toda la comida sobre la mesa.

El paso de Ramones por Mar del Plata no solo dejó una huella entre quienes tuvieron la oportunidad de presenciar aquel recital, sino que también consolidó la amistad de los músicos con Gobello.

Al año siguiente, en agosto de 1995, Joey y Marky lo invitaron a Nueva York, donde convivió con ellos y pudo presenciar ensayos, grabaciones y shows privados.

De aquella experiencia nació Too Tough to Die (Demasiado duros para morir), libro de autoría de Gobello editado tanto en Argentina como en Europa y dedicado a reconstruir la historia y el universo de la legendaria banda.

A medio siglo del disco que inició la historia de Ramones, el eco del “One, Two, Three, Four” todavía permanece en la memoria del rock marplatense. Fue la noche en que cuatro muchachos de Queens hicieron vibrar La Feliz y dejaron en la ciudad una de las páginas más recordadas de la historia local del punk.

Las playas de Mar del Plata esconden mucho más que caracoles debajo de la arena. Décadas de actividad turística, el movimiento permanente del mar y la erosión de los acantilados hicieron que, con el paso de los años, salieran a la luz objetos de todo tipo: monedas, anillos, cadenas, piezas curiosas y restos de animales que habitaron la región hace millones de años.

La multitudinaria reunión de detectoristas realizada este fin de semana en Playa Grande, que convocó a más de 300 participantes de distintos puntos de Argentina y Uruguay, volvió a poner el foco sobre aquello que permanece oculto bajo la superficie y despertó una pregunta inevitable: ¿cuáles fueron algunos de los hallazgos más sorprendentes registrados en la historia de Mar del Plata y su costa?

Uno de los casos documentados corresponde a un detectorista marplatense que en 2023 contó uno de sus descubrimientos más particulares. Mientras realizaba una búsqueda en la zona del Espigón de Pescadores encontró un recipiente que contenía collares de perlas, anillos de plata y cadenas bañadas en oro.

El hallazgo despertó una particular incógnita. El buscador consideró que los elementos podrían haber sido depositados en el mar junto con las cenizas de una persona, aunque nunca pudo determinarse con certeza cuál era el origen de las piezas.

Los anillos de oro también aparecen entre los objetos de mayor valor encontrados en las playas. El mismo detectorista relató haber localizado piezas de varios gramos y explicó que el sector próximo al agua suele ser uno de los puntos elegidos para realizar las búsquedas.

La explicación está relacionada con la propia dinámica de una jornada de playa: las personas pueden perder anillos, cadenas, pulseras, monedas y otros objetos pequeños sin advertirlo, mientras que el movimiento de las olas y de la arena termina por enterrarlos.

No todos los descubrimientos, sin embargo, son valiosos. Entre los elementos encontrados por los aficionados aparecen también llaves, monedas contemporáneas, latas y numerosos residuos metálicos. Incluso se registraron objetos tan inesperados como una dentadura postiza.

La búsqueda de tesoros en las playas marplatenses está lejos de ser una actividad reciente. Ya a comienzos de este siglo se documentaba la presencia de personas que esperaban la caída del sol para recorrer la costa con detectores y pequeñas palas en busca de monedas, anillos y piezas de oro perdidas durante las temporadas de verano.

Para quienes practican esta actividad, los temporales pueden convertirse en aliados inesperados. El oleaje y las fuertes mareas modifican el perfil de las playas, retiran importantes cantidades de arena de determinados sectores y pueden dejar expuestas capas que permanecieron enterradas durante años.

Existe además una particularidad en las playas céntricas. A fines de la década de 1990 se realizó el histórico refulado, una gigantesca obra mediante la cual se incorporó arena para recuperar superficie costera. Aquella intervención cambió profundamente la fisonomía de sectores emblemáticos y también sepultó bajo nuevas capas elementos que hasta entonces se encontraban mucho más cerca de la superficie.

Por eso, después de fuertes sudestadas, los buscadores suelen prestar especial atención a los sectores donde el mar retiró arena: debajo pueden aparecer objetos que permanecieron ocultos durante décadas.

Pero no todos los tesoros marplatenses surgieron de un detector de metales. La ciudad también fue escenario de la recuperación de objetos históricos cuyo interés trasciende ampliamente su precio.

Uno de los casos más singulares ocurrió en 2021, cuando la Policía Federal recuperó en una vivienda de Mar del Plata un antiguo cañón naval inglés de mediados del siglo XIX.

La pieza estaba siendo ofrecida para la venta y fue localizada después de una investigación que se había iniciado a partir de una denuncia efectuada en España. Los especialistas determinaron que poseía un importante valor patrimonial y cultural y el procedimiento quedó bajo intervención de la Justicia Federal de Mar del Plata. Si bien el cañón no fue encontrado debajo de la arena, constituye una de las piezas antiguas más llamativas recuperadas en la ciudad.

Sin embargo, para encontrar los auténticos gigantes ocultos en el suelo marplatense hay que retroceder muchísimo más en el tiempo.

La costa de Mar del Plata y sus alrededores es reconocida por la riqueza paleontológica de sus acantilados. Allí, la erosión provocada por el viento, las precipitaciones y el mar deja progresivamente al descubierto sedimentos antiguos y, en ocasiones, restos de animales que vivieron en la región mucho antes de la aparición del ser humano moderno.

En 2024, Patricia Salicio caminaba por las playas acantiladas frente al GADA 601 cuando observó restos que llamaron su atención. El descubrimiento terminó revelando la presencia de tres perezosos terrestres gigantes de la especie Scelidotherium leptocephalum.

Los restos estaban asociados a una antigua paleocueva, una circunstancia que convirtió al hallazgo en un registro particularmente interesante para los especialistas. Estos animales eran muy diferentes de los pequeños perezosos actuales y formaron parte de la megafauna que habitó Sudamérica durante la prehistoria.

Ese mismo año se produjo otro descubrimiento extraordinario, esta vez en las playas de Santa Isabel. Un niño de apenas cuatro años que caminaba junto a familiares observó huesos que sobresalían del terreno.

Los especialistas determinaron que pertenecían a un Glossotherium robustum, otra especie de perezoso terrestre gigante que habitó la región durante el Pleistoceno.

Entre los restos recuperados apareció un impresionante cráneo de aproximadamente 55 centímetros, además de dientes, costillas y otras partes del esqueleto. El ejemplar pasó a integrar la colección paleontológica del Museo Municipal de Ciencias Naturales Lorenzo Scaglia y llamó especialmente la atención por sus dimensiones.

Chapadmalal también guarda bajo sus barrancas una historia que se remonta millones de años. En 2023, una nena de nueve años que recorría la playa junto a su familia descubrió restos que posteriormente fueron identificados como pertenecientes a dos gliptodontes.

La antigüedad estimada de aquellos fósiles fue situada entre 2,5 y 3 millones de años, convirtiendo una simple caminata por la costa en el punto de partida de un importante descubrimiento paleontológico.

Los gliptodontes fueron grandes mamíferos acorazados emparentados con los actuales armadillos. Su presencia está ampliamente registrada en la región pampeana y sus restos forman parte de la extraordinaria riqueza fósil preservada en los acantilados bonaerenses.

Desde anillos de oro, collares de perlas, cadenas, monedas y una insólita dentadura postiza, hasta un cañón inglés del siglo XIX, cráneos de enormes perezosos terrestres y restos de gliptodontes de millones de años, los hallazgos registrados en la ciudad muestran que no todos los tesoros tienen el mismo valor.

Algunos pueden cotizarse por el metal con el que fueron fabricados. Otros valen por la historia personal que probablemente tuvieron detrás. Y existen aquellos cuyo verdadero tesoro es la información que ofrecen sobre un pasado remoto.

La costa marplatense funciona, de alguna manera, como un enorme archivo del tiempo. Cada temporal que remueve la arena y cada fragmento de acantilado que queda expuesto abre una nueva posibilidad: que otro pedazo de la historia vuelva a salir a la superficie.

Los pronunciamos todos los días y forman parte de la identidad marplatense. Sin embargo, detrás de algunos de los barrios más conocidos existe una historia que no siempre es recordada. Hoteles que desaparecieron, accidentes geográficos, apellidos de antiguos propietarios y hasta una pequeña capilla construida antes de la fundación dejaron palabras que, más de un siglo después en algunos casos, continúan apareciendo en el mapa.

Uno de los ejemplos más interesantes es La Perla. El nombre no nació con el barrio: comenzó a instalarse cuando aquel sector costero todavía era conocido como la Sección Norte y Mar del Plata daba sus primeros pasos como destino balneario.

Durante la temporada de 1886-1887 ya funcionaba allí el balneario La Estrella Argentina y poco después se sumó San Sebastián Argentino. Pero la denominación que terminaría identificando definitivamente a la zona apareció con un establecimiento que se convirtió en una referencia de aquellas playas.

El empresario Alfredo Martínez Vivot impulsó debajo de la barranca un gran hotel de madera llamado La Perla, inaugurado en 1892. Su construcción era especialmente llamativa porque avanzaba sobre el mar, en un sector que por entonces tenía una fisonomía muy diferente a la actual.

La elección del diseño y del nombre tiene una conexión documentada con Europa. Una investigación académica sobre la formación de la Playa Norte recoge el testimonio del nieto de Martínez Vivot, quien relató que su abuelo había realizado un boceto durante una estadía en Biarritz, Francia, inspirado en un moderno hotel de aquella ciudad balnearia que avanzaba sobre el mar y que también se llamaba La Perla.

La influencia francesa no resulta extraña en aquella Mar del Plata. Las ciudades balnearias europeas eran una referencia para el desarrollo turístico local y Biarritz, en particular, ejerció una importante influencia sobre la forma en que comenzó a imaginarse la villa de veraneo argentina.

El hotel marplatense alcanzó tal notoriedad que su nombre dejó de designar únicamente al establecimiento. Las playas comenzaron a ser identificadas como La Perla y, posteriormente, el barrio que creció sobre la barranca heredó esa misma denominación. La Rambla Norte también pasaría a ser conocida como Rambla La Perla.

Así, el nombre que actualmente identifica a uno de los sectores tradicionales de Mar del Plata tiene su origen concreto en aquel hotel de madera y conserva, al mismo tiempo, una llamativa conexión con la costa francesa de fines del siglo XIX.

Muy diferente es el caso de Punta Mogotes, cuya denominación nació de las características naturales del lugar.

Antes de que existiera el enorme complejo de balnearios que hoy domina el paisaje, ese punto de la costa estaba marcado por pequeñas elevaciones y formaciones que sobresalían del terreno. De esos “mogotes” surgió la denominación Punta de los Mogotes, posteriormente simplificada como Punta Mogotes.

Pero esa no fue siempre la única forma de reconocer el lugar. Antes de 1880 el sector era conocido como Lobería Grande, una denominación relacionada con la importante presencia de lobos marinos que poblaban esa parte del litoral. El antiguo nombre constituye un recuerdo de una costa todavía poco urbanizada, donde la fauna y las características naturales servían como referencias para identificar el territorio.

Con el tiempo, Punta de los Mogotes fue imponiéndose como denominación geográfica. Una muestra de su antigüedad es el histórico Faro Punta Mogotes, inaugurado el 5 de agosto de 1891, muchas décadas antes de la construcción del actual complejo turístico.

Los Troncos, por su parte, debe su nombre a una vivienda que terminó bautizando a toda una zona.

Durante la primera mitad del siglo XX se levantó allí una residencia conocida como Casa de Los Troncos, caracterizada por el empleo de grandes piezas de madera, entre ellas quebracho y lapacho provenientes del norte argentino.

Su aspecto hizo que se convirtiera en una referencia fácilmente reconocible en un sector que comenzaba a transformarse en una de las áreas residenciales más distinguidas de Mar del Plata. Poco a poco, decir "Los Troncos" dejó de ser solamente una forma de referirse a aquella propiedad.

Con la aparición de nuevos chalets y la urbanización de los alrededores, la denominación se extendió hasta terminar identificando al barrio. Las fuentes históricas presentan diferencias sobre el año exacto de construcción de la residencia, pero coinciden en vincular el origen del nombre de la zona con aquella particular vivienda.

Detrás de Chauvín, en cambio, aparece la historia de un hombre y de unos jardines que alguna vez ocuparon una enorme extensión de la ciudad.

José Francisco Chauvín era uruguayo e hijo de franceses. Durante las primeras décadas del siglo XX adquirió unas 18 hectáreas delimitadas aproximadamente por las actuales Juan B. Justo, Matheu, Córdoba y un sector comprendido entre Hipólito Yrigoyen y Mitre.

Chauvín era florista y convirtió aquellas tierras en un destacado espacio dedicado al cultivo de flores, plantas y árboles. Allí levantó también su vivienda, conocida como Villa Chauvín, y creó jardines con fuentes y estatuas que llegaron a convertirse en un lugar reconocido en la Mar del Plata de la época.

Su actividad estuvo estrechamente relacionada con las grandes residencias de las familias que veraneaban en la ciudad, para las que diseñaba jardines y proporcionaba flores y plantas.

Con el paso del tiempo, las tierras fueron urbanizadas y aquel enorme espacio verde desapareció casi por completo, pero el apellido de su propietario sobrevivió. Chauvín pasó de identificar una villa y sus jardines a convertirse en el nombre del barrio que se desarrolló sobre aquellas tierras. Parte del antiguo predio corresponde actualmente a la zona donde se encuentra el Hospital Privado de Comunidad.

Más al sur aparece Alfar, un caso en el que un emprendimiento turístico terminó modificando el nombre de toda una urbanización.

El barrio había nacido hacia fines de la década de 1940 bajo otra denominación: Barrio Faro Punta Mogotes. El proyecto fue impulsado por una sociedad que había adquirido una importante extensión de tierras al sur del faro, donde comenzaron a construirse chalets y distintos servicios destinados a acompañar el crecimiento turístico de esa zona costera.

Entre aquellas construcciones apareció un importante establecimiento hotelero y casino conocido como Alfar. El edificio se convirtió en una referencia tan reconocible que su nombre comenzó a extenderse al área circundante.

Finalmente, la denominación Alfar terminó desplazando en el uso cotidiano a Faro Punta Mogotes y pasó a identificar al barrio. De esta manera, un nombre asociado originalmente a un emprendimiento turístico quedó incorporado definitivamente a la geografía del sur marplatense.

Parque Luro conserva, en cambio, uno de los apellidos más ligados a los primeros tiempos de Mar del Plata.

Parte de las tierras sobre las que posteriormente se desarrolló el sector estuvieron vinculadas a María Luro de Elissathe Chevalier, hija de Pedro Luro. Este último tuvo un papel destacado en el crecimiento económico de la localidad durante las décadas posteriores a su fundación.

Con el avance de la ciudad hacia el norte, aquellas extensiones comenzaron a lotearse y poblarse, mientras que el apellido Luro permaneció asociado al lugar. Así terminó consolidándose la denominación Parque Luro.

A mediados del siglo XX la identidad barrial ya estaba claramente instalada: en 1947 existía la Sociedad de Vecinos Zona Parque Luro y poco después fue reconocida oficialmente la sociedad de fomento del sector.

Finalmente, Santa Cecilia permite retroceder prácticamente hasta el nacimiento mismo de Mar del Plata.

En 1873, un año antes de la fundación oficial de la ciudad, Patricio Peralta Ramos mandó construir una pequeña capilla en la entonces denominada Sierra de la Chacra. El templo fue levantado en memoria de su esposa fallecida, Cecilia Robles Olavarrieta, y quedó bajo la advocación de Santa Cecilia.

La construcción terminó desempeñando un papel fundamental en la formación de Mar del Plata. Cuando Peralta Ramos encargó al agrimensor Carlos de Chapeaurouge el trazado del futuro pueblo, la capilla fue utilizada como referencia para organizar el plano y establecer las calles.

La elevación comenzó a ser conocida como Loma de Santa Cecilia y el nombre del templo se extendió posteriormente al sector que se desarrolló a su alrededor. De allí proviene la denominación que todavía conserva esa parte del área fundacional.

La capilla, además, continúa en pie y es uno de los edificios históricos más antiguos de Mar del Plata. Fue declarada Monumento Histórico Nacional en 1971.

Detrás de nombres que hoy parecen naturales aparecen, entonces, historias completamente diferentes. La Perla nació de un hotel inspirado en un establecimiento observado en Biarritz; Punta Mogotes tomó su denominación de la geografía después de haber sido conocida como Lobería Grande; Los Troncos heredó el nombre de una residencia; Chauvín, de los jardines de un florista; Alfar, de un emprendimiento turístico; Parque Luro, de una familia estrechamente vinculada con el desarrollo local; y Santa Cecilia, de una capilla dedicada a la esposa del fundador.

La ciudad cambió y gran parte de aquellos paisajes desapareció. Hoteles de madera, enormes jardines y extensiones prácticamente despobladas dieron lugar a edificios, avenidas y barrios densamente urbanizados.

Los nombres, sin embargo, sobrevivieron. Y cada vez que un marplatense habla de La Perla, Chauvín, Los Troncos o Punta Mogotes está pronunciando, quizás sin saberlo, una pequeña parte de la historia de Mar del Plata.

Cada 4 de septiembre se conmemora en Argentina el Día del Inmigrante y la historia de Mar del Plata ofrece numerosos ejemplos de cuánto influyeron quienes llegaron desde otros países en el crecimiento de la ciudad. Su participación puede rastrearse incluso antes de la fundación oficial de 1874 y continúa en actividades que terminarían siendo características de la vida marplatense: el comercio, la construcción, el turismo y, especialmente, la pesca.

Uno de esos primeros nombres fue José Coelho de Meyrelles. En 1856, un consorcio brasileño-portugués encabezado por él adquirió las tierras donde luego surgiría Mar del Plata para instalar un saladero. Fue la primera actividad industrial de importancia de la zona. A su alrededor aparecieron un muelle, un molino, galpones, viviendas y comercios, formando un pequeño núcleo poblacional que sería la base del futuro pueblo. El establecimiento finalmente pasó a manos de Patricio Peralta Ramos, quien consiguió en 1874 el reconocimiento oficial de Mar del Plata.

Pocos años después apareció otro inmigrante decisivo para aquella localidad todavía incipiente. Pedro Luro Oficialdegui, empresario vasco-francés, llegó a Mar del Plata en 1877. Se hizo cargo del saladero y la grasería, construyó un nuevo muelle, instaló un molino harinero e impulsó la agricultura. Algunos trabajos históricos señalan incluso que promovió la llegada de trabajadores inmigrantes para incorporarlos a sus emprendimientos. Su actividad ayudó a sacar al poblado del período de estancamiento que atravesaba en aquellos años.

La inmigración crecería rápidamente. En 1895, el partido de General Pueyrredon contaba con 8.175 habitantes y 3.220 eran extranjeros, cerca del 40% de su población. Para 1914 eran 32.940 habitantes, de los cuales 15.495 habían nacido fuera de Argentina, es decir, alrededor del 47%. Españoles e italianos constituían los grupos más numerosos.

Muchos encontraron sus primeras oportunidades como albañiles, carpinteros, herreros, artesanos, comerciantes, trabajadores rurales o empleados vinculados con los servicios que demandaba el crecimiento turístico. Las redes familiares fueron fundamentales: era frecuente que quien conseguía instalarse ayudara después a hermanos, hijos, cuñados o vecinos de su pueblo de origen a viajar y conseguir su primer empleo.

Una historia que permite observar ese proceso es la de los Tiribelli. Félix Tiribelli, zapatero oriundo de Sant’Angelo in Vado, Italia, llegó a Mar del Plata en 1897 siguiendo una cadena migratoria familiar. Un año después se reunieron con él su esposa Águeda Góstoli y sus hijos. Algunos integrantes de la familia realizaron inicialmente tareas modestas hasta incorporarse al creciente mundo de la construcción. Con el tiempo crearon Tiribelli Hermanos, firma que llegó a intervenir en obras de enorme importancia, entre ellas el Gran Casino Provincial, sectores de Playa Grande y el Golf Club y los hoteles Nogaró, Savoy y Hermitage.

No fue un caso aislado. Investigaciones sobre empresarios constructores inmigrantes muestran la participación de numerosas familias italianas en el desarrollo edilicio local. Entre ellas aparecen también los Gáspari: Luis Gáspari llegó a Argentina en 1905 con 16 años y se incorporó a la empresa de sus familiares Anselmo y Olinto. En 1920, miembros de esa firma participaron en la construcción de la cripta ubicada debajo del altar mayor de la Catedral marplatense.

La colectividad española también dejó una huella material que continúa en pleno centro. Durante la década de 1880 comenzaron a organizarse distintas entidades de ayuda mutua de residentes españoles. De ese entramado surgió la institución que impulsó el Teatro Colón. Hubo un primer teatro inaugurado en 1893 y el actual edificio abrió sus puertas en 1924. Fue proyectado por el arquitecto Ángel Pascual y construido por Martín Marcó e hijos. Su arquitectura combina elementos románicos, góticos, renacentistas, moriscos y andaluces y constituye uno de los principales testimonios patrimoniales de la presencia española en la ciudad.

También hubo inmigrantes que dejaron una marca particular en la imagen arquitectónica de Mar del Plata. El ingeniero constructor italiano Alula Baldassarini llegó desde Roma a Argentina en 1909 y comenzó a trabajar en la ciudad en 1914. En 1925 construyó el chalet La Marina, su residencia de verano. Baldassarini se convirtió en uno de los nombres relevantes del pintoresquismo local y su trabajo con la piedra tuvo influencia en la arquitectura residencial que posteriormente sería identificada con la ciudad.

Entre esas historias familiares sobresale además un apellido que terminaría llevando el nombre de Mar del Plata por el mundo: Piazzolla. Por la rama paterna, los antepasados de Astor provenían de Trani, en la región italiana de Puglia. Su abuelo, Pantaleone Piazzolla, emigró a la Argentina y se instaló en Mar del Plata. Por el lado materno estaban los Manetti, provenientes de la Toscana.

Esa rama familiar dejó una huella muy concreta en el paisaje urbano. Luis Manetti, abuelo materno de Astor Piazzolla, tenía una quinta en los alrededores de la actual Plaza Mitre y participó de la forestación del espacio. En 1887 recibió autorización municipal para trabajar y cultivar esas tierras, cuando la plaza todavía era conocida como Londres. Con el tiempo, la familia quedó asociada a buena parte del arbolado del lugar.

Asunta Manetti se casó con Vicente “Nonino” Piazzolla y de esa unión nació Astor Piazzolla en Mar del Plata, el 11 de marzo de 1921. De esta manera, la historia del músico que revolucionó el tango también quedó atravesada por las corrientes migratorias italianas que ayudaron a formar la ciudad. Actualmente, Plaza Mitre integra incluso los recorridos vinculados a la vida del compositor por su relación con la familia materna.

Pero probablemente ningún sector conserve una asociación tan fuerte entre inmigración y trabajo como el Puerto. Durante las décadas de 1910 y 1920 se instalaron allí numerosas familias italianas procedentes principalmente de Sicilia, Campania y Puglia. Muchas conocían las técnicas de pesca, salazón y conservación y trasladaron esos saberes al nuevo lugar donde habían decidido vivir. Españoles y trabajadores de otras nacionalidades también formaron parte de aquel núcleo.

Los registros muestran la magnitud de esa presencia extranjera. En un censo de pescadores profesionales realizado durante los años veinte, de unas 690 personas dedicadas a la captura apenas el 15% era de origen argentino. En otro relevamiento municipal de 1937, entre los hombres pertenecientes a familias relacionadas con la pesca que vivían en el Puerto, el 88% era italiano y el 8% español.

Con el paso de los años se volvieron habituales en la comunidad portuaria apellidos de origen italiano como Di Iorio, De Rosa, Iacono, De Angelis, Mellino, Greco, Buono, Di Meglio, Puglisi, Di Scala o Moscuzza, entre muchos otros. Los estudios que los registran corresponden a distintas etapas de la inmigración, por lo que resulta más preciso considerarlos parte de la consolidación de la colectividad italiana del Puerto y no necesariamente como sus primeras familias.

La concentración fue tan importante que ese sector llegó a ser estudiado como una “pequeña Italia”. Allí sobrevivieron durante décadas el idioma, las comidas, las devociones religiosas y las redes entre familias procedentes de los mismos pueblos. Después de la Segunda Guerra Mundial, nuevas oleadas de italianos renovaron aquella comunidad y se incorporaron a una Mar del Plata que nuevamente atravesaba una etapa de fuerte expansión.

La influencia de aquellos hombres y mujeres quedó mucho más allá de sus lugares de nacimiento. Está en el Puerto, en antiguos comercios y empresas familiares, en el Teatro Colón, en hoteles y edificios históricos, en los chalets de piedra, en Plaza Mitre y en apellidos que siguen formando parte de la vida cotidiana local.

En el Día del Inmigrante, recorrer esas historias permite entender que una parte importante de la Mar del Plata actual fue levantada por personas que cruzaron el océano, comenzaron muchas veces desde los trabajos más sencillos y terminaron haciendo de esta ciudad su hogar.

La conmemoración fue impulsada por la Sociedad Argentina de Escritores (SADE), entidad fundada en 1928 con el objetivo de promover la actividad literaria y defender los intereses de los autores. Lugones fue su primer presidente y una de las personalidades más influyentes del ámbito intelectual de su época. Tras su fallecimiento, la institución decidió establecer el día de su nacimiento como una fecha de reconocimiento para todos los escritores del país.

Considerado uno de los autores más importantes de la literatura argentina, Leopoldo Lugones desarrolló una extensa trayectoria como poeta, narrador, ensayista, periodista y conferencista. Su obra ejerció una profunda influencia en varias generaciones de escritores y se destacó por la innovación estética, la riqueza de su lenguaje y la diversidad de temas abordados.

Entre sus trabajos más destacados se encuentran Las montañas del oro (1897), una de las obras fundamentales del modernismo argentino; Lunario sentimental (1909), libro que revolucionó la poesía en lengua española por su originalidad y experimentación; y La guerra gaucha (1905), una recopilación de relatos inspirados en la lucha de los gauchos del norte argentino durante la Guerra de la Independencia. Esta última obra fue llevada al cine en 1942 y es considerada un clásico de la cultura nacional.

Además de su producción poética y narrativa, Lugones fue uno de los primeros escritores argentinos en incursionar en los relatos fantásticos y de ciencia ficción. Libros como Las fuerzas extrañas mostraron un interés por la ciencia, el misterio y los avances tecnológicos, convirtiéndolo en un pionero dentro de esos géneros en el país.

La figura de Lugones, sin embargo, también genera debates debido a algunas de sus posiciones políticas e ideológicas a lo largo de su vida. Aun así, su aporte literario continúa siendo ampliamente reconocido por especialistas, académicos y lectores, quienes lo consideran una pieza clave para comprender la evolución de la literatura argentina durante el siglo XX.

Más allá del homenaje a este autor, el Día del Escritor busca poner en valor el papel que cumplen quienes dedican su vida a la creación literaria. A través de novelas, cuentos, poemas, ensayos, obras teatrales y textos periodísticos, los escritores reflejan las inquietudes de cada época, cuestionan la realidad, preservan historias y ayudan a construir la identidad cultural de una sociedad.

La literatura ha sido, a lo largo de la historia, una herramienta fundamental para transmitir conocimientos, promover la reflexión y fomentar la imaginación. Por eso, esta fecha también invita a acercarse a las obras de autores argentinos de distintas generaciones, desde los clásicos hasta las nuevas voces que continúan enriqueciendo el panorama cultural del país.

En bibliotecas, escuelas, universidades y espacios culturales, el Día del Escritor suele convertirse en una oportunidad para recordar el legado de grandes autores nacionales y destacar la importancia de la lectura como una práctica capaz de ampliar horizontes, fortalecer el pensamiento crítico y mantener viva la riqueza del patrimonio literario argentino.

Federico García Lorca nació el 5 de junio de 1898 en Fuente Vaqueros, un pequeño pueblo de Granada, España. Autor de obras fundamentales como "Bodas de sangre", "Yerma" y "La casa de Bernarda Alba", es considerado uno de los escritores más importantes del siglo XX. Sin embargo, una parte fundamental de su historia ocurrió lejos de su tierra natal: en Argentina.

El 13 de octubre de 1933, Lorca llegó a Buenos Aires a bordo del transatlántico Conte Grande. Su visita tenía como objetivo acompañar el extraordinario éxito que estaba obteniendo "Bodas de sangre", representada por la compañía de la actriz española Lola Membrives. Lo que inicialmente iba a ser una breve estadía terminó extendiéndose durante casi seis meses, hasta marzo de 1934.

Durante toda su permanencia se alojó en la habitación 704 del Hotel Castelar, sobre la Avenida de Mayo. Desde allí observaba el ritmo de una ciudad que atravesaba uno de sus momentos de mayor efervescencia cultural. La habitación todavía se conserva como un espacio histórico dedicado a recordar su paso por Buenos Aires.

Cuando Lorca llegó al país, "Bodas de sangre" ya era un verdadero fenómeno. La obra alcanzó alrededor de 150 funciones y convocó a miles de espectadores, una cifra excepcional para la época.

El poeta no se limitó a disfrutar del éxito desde la platea. Durante su estadía participó activamente en la vida teatral porteña, supervisando y dirigiendo puestas de sus obras. Además de "Bodas de sangre", trabajó en producciones de "Mariana Pineda", "La zapatera prodigiosa" y "Retablillo de don Cristóbal".

La repercusión fue tan grande que los diarios seguían de cerca cada una de sus actividades. Sus conferencias llenaban salas y sus apariciones públicas despertaban una atención poco habitual para un escritor.

Lorca se integró rápidamente a la vida intelectual porteña. Frecuentó cafés, teatros, reuniones literarias y encuentros con artistas. Entre las figuras con las que compartió actividades se encontraban Pablo Neruda, quien entonces era cónsul de Chile en Buenos Aires, Victoria Ocampo, Alfonsina Storni, Juana de Ibarbourou y otros referentes de la cultura latinoamericana.

Junto a Neruda protagonizó uno de los eventos más recordados de aquella época: el "Discurso al alimón sobre Rubén Darío", una intervención conjunta en homenaje al poeta nicaragüense. También ofreció numerosas conferencias, entre ellas la célebre "Cómo canta una ciudad de noviembre a noviembre".

Durante esos meses recorrió distintos rincones de Buenos Aires y quedó cautivado por la pasión cultural de los argentinos. En cartas y declaraciones posteriores expresó el afecto que había desarrollado por el país. Una de sus frases más recordadas resume ese sentimiento: "Yo sé que existirá una nostalgia de la Argentina de la cual no me veré libre".

Uno de los episodios más comentados de la visita de Lorca es su posible encuentro con Carlos Gardel. Diversos testimonios e investigaciones sostienen que ambos coincidieron en Buenos Aires durante noviembre de 1933 y que habrían compartido una reunión privada.

Sin embargo, los historiadores aclaran que no existe documentación definitiva que permita reconstruir con precisión aquel encuentro. Por ese motivo, el episodio permanece entre la historia y la leyenda, aunque la mayoría de las investigaciones coincide en que al menos existió un contacto entre las dos figuras.

No escribió aquí las obras que lo harían inmortal, pero sí desarrolló una intensa actividad creativa. Durante su estadía revisó textos, preparó conferencias, corrigió materiales teatrales y avanzó en proyectos literarios que continuaría trabajando tras su regreso a España.

Además, la experiencia argentina le permitió alcanzar una estabilidad económica inédita gracias al éxito de sus obras, algo que hasta entonces no había conseguido en su país.

Tras casi seis meses en Buenos Aires, Lorca se despidió de la ciudad a fines de marzo de 1934. Dejaba atrás un período que muchos especialistas consideran uno de los más felices y exitosos de su vida.

Dos años más tarde, el 18 de agosto de 1936, fue asesinado al comienzo de la Guerra Civil Española. Tenía apenas 38 años. Su muerte temprana transformó su figura en un símbolo universal de la literatura y la libertad artística.

A 128 años de su nacimiento, el recuerdo de aquellos meses en Argentina sigue vivo. El poeta encontró aquí un público apasionado, amistades entrañables y un reconocimiento que consolidó su prestigio internacional. Buenos Aires lo recibió como a un artista admirado y Lorca respondió enamorándose de una ciudad que, según confesó, nunca pudo olvidar.

Este 18 de mayo se cumplen 51 años de la muerte de Aníbal Troilo, uno de los grandes nombres de la historia del tango argentino. Bandoneonista, director de orquesta y compositor, “Pichuco” construyó una forma propia de decir desde la música: intensa, profunda y atravesada por una emoción que todavía permanece vigente.

Nacido en Buenos Aires el 11 de julio de 1914, Troilo comenzó a tocar el bandoneón desde muy chico y rápidamente encontró en ese instrumento una manera de expresar el pulso de la ciudad. En 1937 formó su propia orquesta típica, que se convirtió en una de las más influyentes del género y marcó a varias generaciones de músicos y cantores.

Por su agrupación pasaron voces fundamentales como Francisco Fiorentino, Edmundo Rivero y Roberto Goyeneche. Con ellos, Troilo consolidó un estilo inconfundible, en el que el bandoneón no solo acompañaba: respiraba, contaba y emocionaba.

También dejó una obra clave como compositor. Entre sus piezas más recordadas aparecen “Sur”, “Barrio de tango”, “Che bandoneón” y “Responso”. Su vínculo artístico con Homero Manzi dio origen a algunas de las páginas más profundas y reconocidas de la música popular argentina.

Troilo siempre rechazó los grandes gestos de vanidad. Alguna vez, al hablar del lugar que ocupaba en el afecto popular, dejó una frase que resume su relación con la ciudad y con la gente: “Yo sé que la gente me quiere… No sé si soy un ídolo… Por otra parte, no soy tan vanidoso como para creerme eso… ¿Buenos Aires? No, qué voy a ser Buenos Aires… Pero yo quisiera ser media calle de un barrio cualquiera de mi ciudad…”.

Esa imagen parece explicar mejor que cualquier definición la dimensión de “Pichuco”: no solo como músico fundamental, sino como parte del paisaje sentimental de Buenos Aires y de la historia grande del tango.

A medio siglo de su partida, Aníbal Troilo sigue siendo una referencia inevitable. Su música, su orquesta y su manera de tocar el bandoneón permanecen como una marca profunda en la identidad argentina.

Mar del Plata atraviesa un verdadero boom cafetero. Según datos oficiales y relevamientos del sector, entre 2021 y febrero de 2025 se tramitaron 468 habilitaciones para nuevas cafeterías en el Partido de General Pueyrredon, una cifra que refleja el crecimiento sostenido de una actividad que no para de expandirse.

El dato implica un promedio de una nueva cafetería cada tres días en la ciudad. Solo durante 2024 se otorgaron 123 permisos para la apertura de locales, convirtiéndose en el año con mayor crecimiento reciente.

En comparación con otras ciudades del país, el crecimiento de Mar del Plata en el rubro cafetero es notable. Con más de 40 cafeterías de especialidad y 468 nuevas habilitaciones desde 2021, la ciudad ya se posiciona como la segunda plaza de Argentina en este segmento, solo por detrás de la Ciudad de Buenos Aires. Incluso, al analizar la relación entre cantidad de locales y población, el fenómeno marplatense cobra aún más relevancia: con cerca de 700 mil habitantes, muestra una densidad de cafeterías muy superior a la de grandes centros urbanos como Córdoba, Rosario o Mendoza, consolidándose como una de las ciudades con mayor crecimiento del café de especialidad en el país.

Pero más allá de los números, tomar café forma parte de la identidad marplatense. Ya sea en una mesa frente al mar, en una pausa laboral en el centro, en una charla entre amigos en Güemes o como ritual de fin de semana en alguna cafetería de barrio, la costumbre de “ir a tomar un café” está profundamente arraigada en la vida cotidiana de la ciudad. La tradición de los cafés históricos convive hoy con el auge de las cafeterías de especialidad y refuerza un hábito que atraviesa generaciones.

Además, el fenómeno no se limita a los cafés tradicionales. Mar del Plata se posicionó como la segunda ciudad del país con más cafeterías de especialidad, solo detrás de la Ciudad de Buenos Aires. Actualmente, el segmento supera los 40 locales, con una expansión marcada desde fines de 2020.

Desde el Municipio atribuyen este crecimiento, en parte, a la ordenanza de habilitaciones implementada en 2023, que permite gestionar permisos comerciales en menos de 48 horas, agilizando la apertura de nuevos emprendimientos gastronómicos.

La tendencia continúa durante 2026. De acuerdo con información oficial de la Municipalidad de General Pueyrredon, en el primer trimestre del año se iniciaron 1.291 trámites de habilitación comercial, lo que representa un incremento del 9,78% respecto al mismo período de 2025. Además, el 80% de esos trámites corresponden a nuevos proyectos comerciales.

Otro dato que grafica el crecimiento del sector es la formación de mano de obra especializada: desde 2023, más de 300 marplatenses se capacitaron como baristas a través de programas impulsados por el Municipio junto a empresas del rubro.

Con corredores gastronómicos cada vez más fuertes en zonas como Güemes, Olavarría, Alem, Constitución y el centro, Mar del Plata consolida una nueva identidad ligada al café de especialidad, el emprendedurismo y una cultura gastronómica que sigue ganando terreno.

El regreso de Evaristo Páramos a la Argentina no es solo un evento musical: es un síntoma cultural que atraviesa generaciones. El histórico líder de La Polla Records se presentará el próximo 26 de abril en el Movistar Arena, con un show que promete condensar décadas de historia, crítica social y vigencia artística.

Lejos de una gira nostálgica, el anuncio pone en evidencia un fenómeno que trasciende la escena punk: artistas que surgieron en contextos de crisis y rebeldía siguen encontrando eco en públicos actuales. En el caso de Evaristo, su obra mantiene una potencia particular porque dialoga con problemáticas que continúan vigentes, desde la desigualdad hasta la desconfianza en las instituciones.

El recital será un recorrido por todas las etapas de su carrera, incluyendo no solo clásicos de La Polla Records, sino también temas de proyectos como The Kagas, The Meas, Gatillazo y su actual banda, Tropa do Carallo. La propuesta busca ofrecer una experiencia integral, donde el pasado y el presente conviven sin concesiones.

Su última visita al país dejó en claro esa conexión intacta. Con entradas agotadas, el show en el Estadio Malvinas Argentinas se extendió por más de dos horas, con más de 40 canciones y una respuesta del público que confirmó su lugar como referente del punk en español. No fue solo un recital, sino una expresión colectiva donde distintas generaciones compartieron un mismo lenguaje.

En un contexto donde la industria musical tiende a la inmediatez, la permanencia de figuras como Evaristo plantea una pregunta más amplia: ¿qué hace que ciertos discursos resistan el paso del tiempo? La respuesta parece estar en la coherencia. Su lírica, atravesada por la ironía y la crítica, sigue incomodando y señalando, sin adaptarse a modas ni suavizar su mensaje.

El show en Buenos Aires se proyecta así como algo más que una fecha en la agenda cultural. Es una oportunidad para ver en vivo a una figura que no solo marcó una época, sino que continúa dialogando con el presente, en un país donde el espíritu contestatario del punk encuentra, una vez más, terreno fértil.

La llegada de Public Image Ltd a Mar del Plata no solo genera expectativa por el regreso de una de las bandas más influyentes del post-punk, sino también por la participación de dos proyectos locales que abrirán la noche: Tomates en Verano y Buenos Vampiros.

Tomates en Verano llega con “Sin Ton ni Son”, su cuarto álbum de estudio, donde conviven climas melancólicos con capas de ruido y una impronta marcada por el shoegaze. El grupo, integrado por Carina Monjeau en voz y bajo, Ignacio Giobellina en guitarra y Pedro Moscuzza en batería, construye un sonido envolvente que dialoga con el mar y el desamor como ejes temáticos. La producción estuvo a cargo de Graham Sutton, con masterización en Nueva York, lo que refuerza su perfil sonoro internacional.

Por su parte, Buenos Vampiros se consolidó como una de las bandas emergentes más destacadas del nuevo rock argentino. Formados en 2018, combinan melodías oscuras y bailables con influencias del post-punk, new wave y dream pop. Integrada por Ignacio Perrotta, Irina Tuma, Luana Giobellina y Mora Murguet, la banda ya recorrió escenarios clave del país y realizó giras internacionales, incluyendo presentaciones en Europa.

El show del 12 de abril se perfila así como una fecha que cruza generaciones y estilos: desde la impronta histórica de PIL hasta el presente de la escena independiente marplatense. Una oportunidad para ver cómo dialogan en vivo distintas capas del rock alternativo, con fuerte identidad local.

Con la llegada del invierno, especialistas advierten por un escenario preocupante: más de 160 mil bebés en Argentina podrían enfrentar la temporada sin protección frente a la bronquiolitis, una de las infecciones respiratorias más peligrosas en la primera infancia.

El foco está puesto en la baja adhesión a la vacuna contra el virus sincicial respiratorio (VSR), principal causante de esta enfermedad. Esta inmunización, que se aplica durante el embarazo, permite transferir anticuerpos al bebé antes de nacer y reducir significativamente las formas graves.

Sin embargo, la cobertura actual está lejos de los niveles esperados. Esto deja a una gran cantidad de recién nacidos en situación de vulnerabilidad, especialmente durante los meses de mayor circulación viral.

La bronquiolitis afecta sobre todo a menores de un año y puede generar cuadros severos que requieren internación, especialmente en bebés pequeños.  

Aunque en los últimos años se registraron avances, como la incorporación de la vacuna al calendario, los especialistas insisten en que la prevención sigue siendo clave para evitar complicaciones y reducir la presión sobre el sistema sanitario.  

Además de la vacunación, recomiendan medidas básicas como la higiene frecuente de manos, evitar el contacto con personas con síntomas respiratorios y mantener los ambientes ventilados. 

El tradicional The New Brighton cerró sus puertas en la Ciudad de Buenos Aires, marcando el final de uno de los lugares más emblemáticos de la gastronomía y la vida social porteña.

A lo largo de su trayectoria, el restaurante supo alcanzar reconocimiento internacional: fue considerado el mejor de la Ciudad de Buenos Aires y llegó a ubicarse entre los cinco mejores de toda América, consolidando su prestigio más allá del país.

Su historia se remonta a 1908, cuando el lugar funcionaba como una sastrería de lujo frecuentada por la alta sociedad. Con el paso del tiempo, el espacio fue transformándose hasta convertirse en un restaurante distinguido, manteniendo siempre su impronta elegante, con salones clásicos, vitrales y una ambientación que evocaba otra época.

Pero más allá de lo gastronómico, The New Brighton era parte de la identidad cultural de la ciudad y del país. Durante décadas fue punto de encuentro de empresarios, artistas y figuras de la política, además de un atractivo para turistas que buscaban vivir una experiencia tradicional porteña. Incluso contaba con reconocimientos internacionales y distinciones que reforzaban su valor simbólico.

Uno de los capítulos más recordados de la historia de lugar está ligado a la visita del entonces príncipe de Gales, Edward VIII, quien quedó fascinado con el lugar durante su paso por Buenos Aires. Como gesto de admiración, envió un obsequio (dos esculturas talladas en madera con el emblema de las tres plumas de Gales) que durante años fue exhibido como símbolo del prestigio internacional del restaurante. Ese vínculo con la realeza reforzó la imagen de exclusividad del espacio, que además se destacaba por su imponente arquitectura: salones amplios, vitrales, detalles en madera tallada y una ambientación clásica que conservaba el espíritu de principios del siglo XX, convirtiéndolo en una verdadera pieza viva de la historia.

Su cierre no solo implica la pérdida de un restaurante, sino también de un espacio cargado de historia y memoria colectiva. En un contexto donde el microcentro atraviesa cambios profundos, la desaparición de este tipo de lugares deja en evidencia el impacto cultural que tiene la transformación urbana en Buenos Aires.

Ahora, el futuro del edificio es incierto. Aunque su valor patrimonial podría proteger parte de su estructura, queda abierta la incógnita sobre si alguien logrará recuperar el espíritu de un sitio que supo ser sinónimo de elegancia, tradición y excelencia.

La revista Time incluyó a Mariska Hargitay entre “Las Mujeres del Año” de la edición 2026, destacando no solo su trayectoria artística sino también su fuerte labor como activista y defensora de derechos.

Conocida mundialmente por su papel en Law & Order: Special Victims Unit, la actriz fue reconocida por su compromiso con sobrevivientes de abuso sexual, violencia doméstica y maltrato infantil, una causa que impulsa desde hace años. A través de su fundación, trabaja para mejorar el acceso a la justicia y acompañar procesos de recuperación.  

En la entrevista publicada por la revista, Hargitay reflexionó sobre el valor de contar historias personales y cómo ese proceso puede ayudar a sanar. En ese sentido, en los últimos años dio un paso más en su carrera al convertirse en directora de documentales, enfocándose en su propia historia familiar y en el legado de su madre.  

Además, la publicación resaltó su rol como figura influyente que logró transformar su trabajo en la ficción en una plataforma para generar cambios reales, impulsando leyes y campañas de concientización. Entre esos logros, se destacan iniciativas para combatir la difusión de contenido íntimo sin consentimiento y mejorar el tratamiento de estos casos.  

Cada año, Time selecciona a mujeres que se destacan por su impacto en la sociedad y su capacidad de impulsar transformaciones. En esta edición, Hargitay fue una de las figuras elegidas por su liderazgo y su aporte a la construcción de un mundo más justo.  

La actriz estadounidense Lauren Graham, recordada por su papel de Lorelai en la serie Gilmore Girls, celebra hoy, 16 de marzo, su cumpleaños número 58, en un momento especial de su carrera tras el reciente lanzamiento de su nueva película No te olvidaré, un drama romántico basado en una popular novela de la escritora Colleen Hoover.

El film, cuyo título original es Reminders of Him, se estrenó en marzo de 2026 y está dirigido por Vanessa Caswill. La historia sigue a Kenna Rowan, una mujer que intenta reconstruir su vida después de haber pasado años en prisión por un accidente que provocó la muerte de su novio. Al salir, intenta recuperar el vínculo con su hija, que quedó bajo la custodia de los padres del joven fallecido.  

En la película, Graham interpreta a Grace Landry, la madre del joven que murió en el accidente. Su personaje atraviesa un profundo duelo y mantiene una fuerte tensión con la protagonista, lo que aporta una carga emocional importante a la trama.  

La actriz contó que este papel fue muy diferente a los que suele interpretar y que requirió una preparación emocional intensa para ponerse en la piel de una madre que enfrenta una pérdida tan dolorosa. Según explicó, el proceso le dejó una reflexión importante sobre el perdón y las segundas oportunidades.  

El elenco también incluye a Maika Monroe, Tyriq Withers, Rudy Pankow y Bradley Whitford. La adaptación está basada en la novela homónima publicada en 2022, que se convirtió en un bestseller entre los lectores de romance contemporáneo.  

Así, mientras celebra un nuevo año de vida, Lauren Graham vuelve a la pantalla grande despues de 5 años con un proyecto que combina drama, redención y emociones intensas, demostrando una vez más su versatilidad como actriz.

La pelicula se podra ver en cines a partir de este mes en distintas salas del país, mientras que para las plataformas de streaming deberá esperar un pco más.

En el marco del juicio por el homicidio de Kim Gómez, la niña de 7 años asesinada en La Plata en febrero de 2025, la fiscalía pidió una pena de 23 años y 4 meses de prisión para el principal acusado, hoy de 18 años.  

El pedido de condena fue formulado durante los alegatos finales del proceso que se desarrolla en el Tribunal de Responsabilidad Penal Juvenil de La Plata, donde se investiga la participación del joven en el brutal hecho.  

La audiencia para conocer la sentencia fue programada para el próximo 16 de marzo, cuando los jueces definan la pena que deberá cumplir el imputado si se confirma la culpabilidad.  

La causa se originó el 25 de febrero de 2025, cuando Kim y su madre fueron sorprendidas por delincuentes que intentaron robarles el vehículo en el barrio Altos de San Lorenzo. En medio de la huida, la menor fue arrastrada por varias cuadras hasta que los agresores la abandonaron tras chocar contra un poste, en un crimen que conmovió a la comunidad.  

Una figura indiscutida en la historia de la música  

Andrew James Summers nació el 31 de diciembre de 1942 en una localidad de Lancashire, Inglaterra. Desde muy joven comenzó a tocar la guitarra, formándose en pubs y bares de Londres, donde interpretaba jazz y rhythm and blues. Más adelante continuó su formación en la Universidad Estatal de California, donde profundizó en composición y música clásica contemporánea. A fines de los años 50 ya trabajaba profesionalmente en el circuito londinense y durante los años 60 integró distintas bandas como la que tuvo junto a Zoot Money y Eric Burdon and The Animals, además de estar vinculado a la escena psicodélica británica. 

Su gran salto a la fama llegó en 1977 cuando se incorporó a The Police junto a Sting y Stuart Copeland, con esta formación desarrolló un sonido innovador que mezclaba rock, reggae, punk y jazz, en donde su guitarra cumplía un rol central, no tanto desde el virtuosismo tradicional sino desde la creación de atmósferas y texturas mediante el uso de chorus, delays y acordes abiertos poco convencionales. 

Entre 1978 y 1983, la banda lanzó álbumes fundamentales y se convirtió en uno de los grupos más famosos del mundo, vendiendo alrededor de 80 millones de discos. 

Summers se consolidó como una figura destacada en el mundo de la música, premiado con dos premios Grammy a la Mejor interpretación instrumental de rock por Reggatta de Blanc y por Behind My Camel, esta última compuesta íntegramente por él. 

Tras la separación de The Police en 1984, Summers desarrolló una prolífera carrera solista explorando la experimentación sonora y participando en colaboraciones destacadas como las realizadas con Robert Fripp. Publicó numerosos discos en solitario, compuso música para cine y televisión y también se destacó como fotógrafo y escritor. 

A lo largo de más de seis décadas de trayectoria, Andy Summers se ha mantenido activo y creativo, siendo incluso reconocido por la revista Rolling Stone como uno de los mejores guitarristas de todos los tiempos. Su estilo, sus particulares riffs y su fuerte formación musical redefinió el rol de la guitarra en el formato trío y dejó una marca profunda en generaciones posteriores de músicos. 

 Every breath you take 

Si hay una canción que caracterizó a una generación y a la década de los 80 fue Cada vez que respiras, canción que pertenece al quinto y último disco de estudio de The Police. La balada se convirtió en el mayor éxito de 1983, encabezando la lista Billboard de los 100 sencillos más vendidos durante ocho semanas, la cual fue motivo también de que la banda ganara el premio a la Mejor interpretación pop por grupo, y la cual los colocó en el puesto número 84 de la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos por la revista Rolling Stone. 

Si bien la canción fue escrita por Sting y Summers no aparece como autor de la canción, la pieza fundamental de este éxito fue el guitarrista, quien creó el famoso riff de la canción, un inconfundible arreglo de guitarra en el cual Andy se inspiró en Bela Bartok, un mérito que no siempre se le reconoce. 

Su primer paso por Mar del Plata 

En diciembre de 1980, The Police vino por primera vez a la Argentina como parte de su primera gira mundial, presentando su álbum Zenyattà Mondatta, que ya estaba teniendo mucho éxito en todo el mundo.   

Después de tocar en una discoteca y en el Estadio Obras en Buenos Aires, el 16 de diciembre de 1980 la banda llegó a Mar del Plata y dio un recital en el Teatro Radio City. Allí tocó frente a un público bastante pequeño, no se vendieron todas las entradas, pero el show fue intenso y moderno, con canciones que con el tiempo se convirtieron en clásicos.   

 La banda tocó temas como Don’t Stand So Close to Me, Walking on the Moon, Roxanne y Message in a Bottle, entre otros, durante más de una hora de concierto. El sonido era directo y sin grandes efectos, mostrando a un trío enérgico y técnicamente sólido.   

Esa visita no fue sólo un concierto: al día siguiente, los tres músicos, Sting, Andy Summers y Stewart Copeland, grabaron escenas en el Parque Camet vestidos de gauchos, para un documental de la gira (las imágenes se pueden ver en The Police Around The World).

Con el paso de los años, esa presentación en Mar del Plata quedó en la memoria de quienes estuvieron allí como un momento especial de la historia musical local y hoy se la recuerda incluso con placas conmemorativas.  Luego, Andy Summers tuvo una segunda presentación en la ciudad en el año 1995 junto a John Etheridge (ex Soft Machine) en el Teatro Auditorium en un espectáculo íntimo con guitarras acústicas. 

La noche del regreso de Andy Summers 

Luego de 30 años de su segunda visita, el guitarrista subió al escenario del Radio City a rememorar los clásicos de la banda con su grupo Call The Police, acompañado por los músicos brasileños Rodrigo Santos, conocido por la banda Barao Vermelho y Joao Barone de la banda Os Paralamas Do Sucesso. 

Ante una audiencia compuesta mayormente por los jóvenes de los 80, que cantaron en cada coro y acompañaron con palmas, la banda se lució con extrema fidelidad al clásico sonido de The Police sin defraudar a la nostalgia de la audiencia. La apertura fue con Driven to Tears, seguido de Synchronicity II, Spirits in the Material World, Walking on the Moon, De Do Do Do, De Da Da Da, Invisible Sun, Tea in the Sahara, King of Pain, Can't Stand Losing You, Roxanne, Every Breath You Take, Message in a Bottle, y se despidieron con So Lonely y Every Little Thing She Does Is Magic, en donde los espectadores se pusieron de pie y se acercaron al escenario a bailar en un clima completamente festivo. 

No faltó oportunidad para que Mr Summers se tomara un momento de canción en canción para interactuar con sus fans en un intento tierno de español, mostrándoles su afecto y agradecimiento, también se refirió a la ciudad: “Estoy muy contento de estar aquí, siento una gran afinidad con Mar del Plata porque me recuerda al lugar donde crecí”, haciendo referencia a la pequeña villa costera del condado de Lancashire. 

Cuando apareció Cumbres Borrascosas, el público victoriano no supo cómo reaccionar. La crítica la calificó de perturbadora, excesiva y moralmente cuestionable. No era la típica historia romántica de la época: la relación entre Heathcliff y Catherine no idealiza el amor, lo muestra en su versión más cruda, obsesiva y autodestructiva. 

La violencia emocional, la venganza y el resentimiento atraviesan cada página, mientras los páramos de Yorkshire, con su clima hostil y sus paisajes desolados, funcionan casi como un personaje más, reflejando la intensidad salvaje de sus protagonistas. 

Su autora, Emily Brontë, publicó la novela bajo el seudónimo masculino Ellis Bell. No fue un capricho: en el siglo XIX, las mujeres escritoras eran frecuentemente subestimadas o ignoradas. Sus hermanas también adoptaron nombres masculinos: Charlotte Brontë firmó como “Currer Bell” y Anne Brontë como “Acton Bell”. En un hecho casi irrepetible en la historia literaria, en 1847 las tres publicaron novelas el mismo año: Emily lanzó “Cumbres Borrascosas”, Charlotte presentó “Jane Eyre” y Anne dio a conocer “Agnes Grey”. Tres hermanas, tres obras fundamentales y un mismo impulso creativo nacido en el aislamiento del pequeño pueblo de Haworth. 

La vida de las Brontë estuvo marcada por la pérdida y la enfermedad. Crecieron en un entorno rural, rodeadas de naturaleza agreste y atravesadas por la muerte temprana de varios miembros de la familia. Emily murió en 1848, apenas un año después de la publicación de su novela, sin llegar a saber que su obra sería considerada una de las más influyentes de la literatura inglesa. Durante años, el libro fue visto con desconfianza; recién con el tiempo se reconoció su audacia narrativa, su estructura en capas, con narradores que cuentan historias dentro de otras historias, y la complejidad psicológica de Heathcliff, un personaje que oscila entre villano y antihéroe. 

Hoy, casi dos siglos después, Cumbres Borrascosas sigue incomodando y fascinando. No propone un amor dulce ni redentor, sino una pasión que arrasa con todo a su paso. Tal vez por eso permanece vigente: porque entiende que el amor, cuando se mezcla con orgullo, trauma y deseo de venganza, puede ser tan tempestuoso como el viento que sopla en los páramos ingleses.

Existió una época en que el amor no necesitaba de filtros ni de redes sociales para cautivar al mundo entero; bastaba con la química de dos leyendas bajo la luz de los estudios. En la Época Dorada, mientras las cámaras rodaban, nacieron historias que desafiaron guiones, superaron escándalos y sobrevivieron al paso del tiempo. Desde la complicidad silenciosa en los sets de blanco y negro hasta las pasiones volcánicas que incendiaron la prensa internacional, estas parejas no solo vendieron entradas de cine, sino que nos enseñaron el verdadero significado de la palabra “idilio”.

El magnetismo del "Tipo Duro" y la “Mirada”

Cuando Humphrey Bogart conoció a Lauren Bacall en el set de Tener y no tener (1944), el aire en el estudio cambió. Ella, con apenas 19 años y una voz de terciopelo, desafió la coraza del actor más rudo de la industria. No fue un romance de marketing; fue una colisión de autenticidad que duró hasta el último suspiro de Bogart. Juntos demostraron que la diferencia de edad se desvanece ante una complicidad que traspasa el celuloide.

Tras el divorcio de Bogart con su tercera esposa, Mayo Methot, se casó con Lauren en 1945 y formó una de las uniones más sólidas y respetadas de la industria, alejándose de los escándalos típicos de las estrellas de cine. Juntos protagonizaron cuatro clásicos del cine negro donde su complicidad era evidente, compartiendo una vida privada llena de navegación y criando a sus dos hijos. Sin embargo, este romance de película tuvo un final prematuro en 1957, cuando Bogart falleció de cáncer de esófago. Lauren Bacall, quien quedó viuda a los 32 años, mantuvo vivo el legado de su esposo por el resto de su vida, asegurando siempre que ningún guionista podría haber escrito una historia de amor tan perfecta como la que ellos vivieron en la realidad.

Un volcán en el set: Taylor y Burton

Si Bogart y Bacall eran la elegancia, Elizabeth Taylor y Richard Burton eran el exceso. Su historia comenzó entre las columnas de mármol de Cleopatra, desatando un escándalo que llegó hasta el Vaticano. Se amaron con la misma intensidad con la que se destruyeron: dos matrimonios, dos divorcios y una colección de joyas que hoy son leyenda. Eran el reflejo de una pasión indomable que Hollywood nunca ha vuelto a replicar con tal magnetismo.

A diferencia de otras parejas, Taylor y Burton no podían estar juntos pero tampoco separados, lo que los llevó a casarse y divorciarse en dos ocasiones distintas. Durante sus años de gloria, rodaron juntos 11 películas, destacando ¿Quién teme a Virginia Woolf?, donde proyectaron en pantalla una crudeza matrimonial que muchos sospechaban era un reflejo de su propia realidad. 

A pesar de los costosos regalos (como el diamante Taylor-Burton de 68 quilates) y la pasión desenfrenada, sus demonios personales y adicciones terminaron por desgastar el vínculo físico, aunque el emocional permaneció intacto. Incluso tras su segundo divorcio definitivo y el fallecimiento de Burton en 1984, Elizabeth confesó que él fue el gran amor de su vida y que, de haber vivido más tiempo, probablemente se habrían casado una tercera vez.

El pacto silencioso de Tracy y Hepburn

En el otro extremo del espectro se encontraban Katharine Hepburn y Spencer Tracy. Su relación fue el secreto mejor guardado (y más respetado) de la colina. Protagonistas de nueve películas, su amor se basaba en el respeto intelectual y una devoción silenciosa. Aunque las convenciones de la época les impidieron formalizar su unión, su lealtad de 26 años se convirtió en el estándar de oro de la madurez emocional en un mundo de apariencias.

Todo comenzó en 1942 en el set de La mujer del año; en su primer encuentro, Hepburn, con su característica altura y tacones, comentó que temía ser demasiado grande para él, a lo que el productor respondió: «No te preocupes, él ya se encargará de cortarte a tu medida». Esa chispa inicial dio paso a una conexión mental y emocional que los llevó a protagonizar muchas películas juntos, donde su química se basaba en el duelo de ingenio y la admiración mutua.  

Lo que hacía única a esta pareja era la complejidad de su situación personal: Tracy era un católico devoto que, debido a sus convicciones religiosas, nunca se divorció de su esposa, Louise Treadwell, a pesar de estar separado de ella. Hepburn, una mujer adelantada a su tiempo y profundamente independiente, aceptó esta realidad sin quejas, viviendo un amor en las sombras pero con una devoción inquebrantable. Ella se convirtió en el pilar que ayudó a Tracy a lidiar con sus problemas de salud y sus episodios de alcoholismo, sacrificando incluso su carrera en los últimos años para cuidarlo. Su romance terminó con la muerte de Tracy en 1967, apenas días después de terminar el rodaje de Adivina quién viene a cenar; por respeto a la familia de él, Hepburn ni siquiera asistió al funeral, demostrando que su amor no necesitaba de ceremonias ni papeles legales para ser el más genuino de la colina de Hollywood.

El manjar en Casa: El triunfo de la lealtad sobre el glamour

La historia de Paul Newman y Joanne Woodward es el testimonio más sólido de que el amor verdadero podía sobrevivir, e incluso florecer, en el terreno volátil de Hollywood. Se conocieron en 1953 mientras trabajaban en la obra de Broadway Picnic, pero no fue hasta el rodaje de El largo y cálido verano en 1957 que su conexión se volvió innegable. 

Tras el divorcio de Newman de su primera esposa, Paul y Joanne se casaron en Las Vegas en 1958, iniciando un matrimonio que duraría 50 años hasta la muerte del actor en 2008. Lo que los hacía únicos era su rechazo absoluto al glamour superficial de la industria; decidieron mudarse a una granja en Connecticut para criar a sus tres hijas lejos de los paparazzi, demostrando que su prioridad no era la fama, sino la familia y el respeto mutuo.

A diferencia de las parejas tormentosas de la época, ellos funcionaban como un equipo equilibrado: ambos eran actores ganadores del Oscar que se admiraban profundamente y que no competían por el ego. Rodaron juntos 10 películas y Newman la dirigió en varias ocasiones, encontrando en ella a su musa definitiva. 

Su relación se convirtió en leyenda gracias a la famosa respuesta de Paul cuando le preguntaban sobre la fidelidad en un entorno de tantas tentaciones: «¿Para qué salir a buscar una hamburguesa si tengo un manjar en casa?». 

Su legado no solo fue cinematográfico, sino también filantrópico, trabajando codo a codo en innumerables causas benéficas. Al final, los Newman demostraron que el secreto de un amor eterno en la gran ciudad no eran los diamantes ni los escándalos, sino la risa compartida y la lealtad incondicional de dos personas que nunca dejaron de ser mejores amigos.

Vivien Leigh y Laurence Olivier: La tormenta shakesperiana

La historia de Vivien Leigh y Laurence Olivier fue la representación más pura del drama shakesperiano trasladado a la vida real. Se conocieron en 1936 y, a pesar de que ambos estaban casados, iniciaron un romance clandestino y febril que escandalizó a la sociedad británica de la época. Para el mundo, eran la pareja perfecta: la mujer más bella del cine, inmortalizada como Scarlett O'Hara en Lo que el viento se llevó, y el actor más respetado del teatro clásico. 

Su boda en 1940 marcó el inicio de un reinado cultural donde el talento y la belleza parecían no tener límites, convirtiéndose en la realeza absoluta de los escenarios de Londres y los sets de Hollywood. Sin embargo, detrás de las ovaciones, su relación fue una batalla constante contra la tragedia y la fragilidad mental. Vivien padecía un trastorno bipolar no diagnosticado en aquel entonces y episodios graves de tuberculosis, lo que provocaba cambios de humor extremos y crisis que Olivier, a pesar de su profunda admiración, encontraba cada vez más difíciles de manejar. 

Su amor fue una hoguera que brilló con una intensidad cegadora pero que terminó por consumirlos; tras veinte años de un matrimonio marcado por el genio artístico y el sufrimiento privado, se divorciaron en 1960. A pesar del dolor de la separación y de que ambos intentaron rehacer sus vidas, nunca dejaron de amarse en la distancia: se dice que hasta el día de su muerte, Vivien mantuvo el retrato de Larry en su mesilla de noche, y él, ya anciano, fue encontrado llorando frente a una de sus películas, lamentando el destino de un amor que fue demasiado grande para la realidad. 

Clark Gable y Carole Lombard: La comedia y la tragedia

La historia de Clark Gable y Carole Lombard fue el romance más vibrante y genuino de los años treinta, una bocanada de aire fresco en un Hollywood obsesionado con las apariencias. Él era el "Rey de Hollywood", el galán rudo de Lo que el viento se llevó, y ella era la reina de la comedia, una mujer eléctrica, malhablada y divertidísima que no temía burlarse de la seriedad de su esposo. 

Se conocieron en 1932, pero el flechazo real ocurrió años después en un baile de disfraces; desde entonces, formaron una pareja que rompía todos los moldes. En lugar de asistir a fiestas glamurosas, preferían pasar el tiempo en su rancho de Encino, vistiendo ropa vieja, cazando, criando pollos y gastándose bromas pesadas que eran legendarias en toda la ciudad. 

Sin embargo, esta comedia romántica de la vida real se transformó en una tragedia nacional en 1942. Durante la Segunda Guerra Mundial, Lombard se entregó con fervor a la venta de bonos de guerra; tras una exitosa gira en su estado natal de Indiana, decidió tomar un avión de regreso a casa antes de lo planeado para reencontrarse con Gable. El avión se estrelló contra una montaña en Nevada, terminando con su vida a los 33 años. Gable, devastado, nunca volvió a ser el mismo; se alistó en la Fuerza Aérea para cumplir misiones de combate en un intento de buscar el mismo destino que ella. Aunque se casó dos veces más años después, al morir en 1960, su última voluntad fue ser enterrado al lado de Carole, demostrando que ella fue la única que realmente conquistó el corazón del Rey. 

El legado del blanco y negroEstas parejas no solo vendieron entradas de cine; construyeron el lenguaje del romance moderno. Nos enseñaron que el amor podía ser irónico como el de Cary Grant, sofisticado como el de Fred Astaire o inquebrantable como el de Paul Newman.Hoy, al ver sus películas, no solo vemos actuaciones; vemos los ecos de vidas que se vivieron con la misma intensidad con la que se iluminaban sus rostros en la oscuridad de una sala de cine.