CABALLO SALVAJE NUEVE de Martin McDonagh, con John Malkovich, Sam Rockwell, Steve Buscemi.

-McDonagh vuelve sobre los pasos de su cine, las duplas, la amistad, el cinismo, el humor negro, para contar el recorrido zigzagueante de un par de agentes de la CIA en los meses previos al golpe de estado de 1973 en Chile. La película es provocadora y, por momentos, bastante alocada, aunque se empantana con algunos simbologismos repetidos y personajes de reparto que no funcionan y abren incógnitas. Pero allí donde falla, funcionan la letra, el texto de McDonagh y las actuaciones de Malkovich y Buscemi, dos actores inmensos que encuentran aquí personajes que les sientan perfectos. Y es, también, visualmente admirable con su uso de los colores y una mirada extraviada de la geografía de la Isla de Pascua.

EL AGONISTA dirigida por Sebastián Manusovich y Pablo Pintor.

-Este documental está centrado en la figura de Manusovich, que es uno de los directores, una persona que nació con una discapacidad y que ha atravesado una vida intensa. Básicamente la película cuenta esa experiencia de vida, las dificultades pero también los momentos de luz y amabilidad, entre amigos, familiares, parejes, ex parejas e hijos que aparecen en cámara para interactuar con el protagonista. Si algo busca El agonista es no ser paternalista ni descarnada por el hecho de serlo, sino que muestra una, se atreve a trasgredir límites y a pensar desde un lugar diferente un tema que para sectores de la sociedad resulta un tabú.

THE ONLY LIVING PICKPOCKET IN NEW YORK de Noah Segan, con John Turturro, Giancarlo Esposito, Will Price.

-La película de Segan tiene la estética de lo que suponemos un film neoyorquino: la geografía, los personajes, la urbanidad como un ser viviente, incluso un leve tono de policial existencialista que le sienta bien. El director filman notablemente la ciudad y construye un relato que, en primera instancia, resulta fascinante: el día a día de un melancólico carterista, que por un hecho azaroso termina involucrado en una trama que lo supera. El problema es que en vez de abrazar el género como superficie, se vuelve discursivo. Y la película se va licuando entre secuencias de poco interés y apariciones de gente famosa que hace su numerito. Turturro está excelente, eso sí, y Buscemi… siempre Buscemi.

SHAUN EL CORDERO: EL MONSTRUO DE MOSSY BOTTOM dirigida por Steve Cox y Matthew Walker.

-La nueva película de los estudios Aardman es un deleite absoluto. Si la compañía estuvo en la cima de la creatividad durante muchos años, hay que reconocer que en la última década había ingresado en un pantano de películas del montón. Pero el regreso de Shaun en una trama que mezcla el disparate con el terror clásico a partir de un químico que hace crecer las cosas, es un deleite absoluto. No sólo la película tiene esa calidad narrativa del stop motion virtuoso, sino que además construye un relato que va siempre para adelante, que no se detiene a dar lecciones y que pone a la aventura y el humor como su norte principal. Una maravilla que nos reconecta con Aardman.  

RISA Y LA CABINA DE VIENTO dirigida por Juan Cabral, con Diego Peretti, Elena Romero, Cazzu, Joaquín Furriel.

-Si bien esta película se vio en la edición anterior del Festival -y está disponible en Netflix-, bien vale la oportunidad de volver a verla en una pantalla grande. Es una historia de pérdidas, de fantasmas y de niños con inventiva. Un teléfono en un pueblo perdido tiene la virtud de conectar a la gente con los muertos, que esperan en una suerte de limbo. El film de Cabral no sólo es bello visualmente y sabe integrar lo fantástico al drama humano, sino que fusiona elementos no tan habituales para el cine argentino, y lo hace con absoluta pertinencia. Merece volver a verse o descubrirla.

John Leguizamo es uno de los actores latinos con más presencia en Hollywood, uno de esos intérpretes de reparto que a fuerza de talento y carisma ha ganado protagónicos y reconocimiento. Nacido en Colombia en 1960, a los cuatro años se mudó con su familia a Estados Unidos donde hacia fines de los 80’s comenzó a insertarse en el mundo de la televisión y el cine: su primer crédito es nada más y nada menos que en una película del vanguardista Paul Morrissey (Mixed blood) y rápidamente trabajó bajo las órdenes de nombres importantes como Brian De Palma (Pecados de guerra, Carlito’s way) o Tony Scott (Revancha), e incluso apareció en tres episodios de la icónica División Miami, a la que ahora regresa en la anunciada Miami Vice ‘85. Y hasta fue el primer Luigi de la fallida adaptación del videojuego Súper Mario Bros. allá por 1993. Sin embargo, ese largo camino de más de cuatro décadas parece haber sido la preparación para lo que considera un “regalo increíble”, haber sido convocado por Christopher Nolan para interpretar a Eumeo en la exitosa La odisea, ya que según dice “cuando Nolan te pone en una película, es como si el Papa te hubiera bendecido”.

Leguizamo tenía que llegar a Brasil para participar de la 50ª edición del Festival Internacional de Cine de San Pablo, donde iba a recibir el Premio León Cakoff a la trayectoria. Sin embargo, problemas logísticos impidieron el viaje, aunque quedó la promesa para el año próximo. Sin el decorado brasileño de fondo, finalmente Leguizamo atiende a El Marplatense y Funcinema desde su departamento en Nueva York, donde se lo observa entusiasmado con la repercusión que ha tenido su interpretación y con la posibilidad de trabajar con el director de El origen y El caballero de la noche. “Cuando aparecés en un proyecto así, todo el mundo te ve y reconoce”, confiesa.

En la película, Leguizamo interpreta al noble Eumeo, el principal apoyo de Odiseo en su regreso a Ithaca, un personaje que se corre de los villanos que ha interpretado a lo largo de su carrera y con los que lo tenemos relacionado. “Yo te digo que soy una buena persona (risas), aunque haga muchos villanos o gánsteres. Soy una persona muy leal, muy de mi casa, de mi familia y muy humano. Nolan vio más allá del estereotipo; vio la humanidad que tengo por dentro”, cuenta el actor.

-¿Por qué creés que “La odisea” sigue siendo tan actual?Si ha sobrevivido 3000 años es porque habla de la situación de la humanidad. Cambian las civilizaciones, la tecnología, la industria y las ciudades crecen, pero la humanidad no cambia. La gente sigue buscando a su familia, queriendo estar en su casa y en su tierra. Siguen existiendo guerras y traiciones. Por eso sigue siendo relevante para nuestro mundo.

-¿Pensaste alguna vez que había un personaje para vos en esta historia?Nunca. Nunca me lo imaginé ni lo soñé. Cuando Nolan me dijo que me quería para Eumeo, y que iba a ser uno de los personajes más leales de la historia del oeste de Europa me emocionó mucho, pero también sentí una responsabilidad grandísima. Siempre que hacen una película de época, a los latinos nos borran. Que me ponga en una obra así es un regalo tan lindo para nuestra gente y para el mundo.

-¿Fuiste a través de algún proceso de casting o fuiste elegido directamente?El me llamó y fuimos a cenar; fue una cena de dos horas. Me contó su vida, que fue tan increíble que, si no me daba el papel, no me importaba, porque la pasé muy bien con un genio como él. Cuando me ofreció el papel al final de la cena, traté de actuar cool: “Ay, gracias, gracias”. Pero salí, corrí a mi casa, abracé a mi esposa, bailamos, saltamos, cenamos y celebramos.

-Muchos actores del elenco ya habían trabajado con Nolan, pero vos no. ¿Consultaste con ellos cómo era la experiencia?No conocía a nadie del elenco. A Lupita (Nyong’o) la conocía, pero creo que también era su primera vez trabajando con él. Estaba muy emocionado porque es el director más grande de esta época y seguro será uno de los grandes de la historia del cine. Esta película es arte: es bella y está muy bien escrita. Leí La odisea tres veces en mi vida -a los 13, a los 19 y ahora- y él logró hacerla aún mejor. Es atrevido decirlo, pero me atrevo.

-¿Cómo es para un actor trabajar en una producción que vuelve a lo físico, a escenarios reales y sin tanta presencia de lo digital?Llevo casi 45 años en esta carrera. Empecé cuando todo era orgánico, hecho a mano y en la cámara, hasta que todo se volvió digital. Para los actores es mucho más fácil actuar con elementos reales que con inteligencia artificial o pantallas; permite ser más real. Además, Nolan demanda que seas súper-orgánico. No quiere falsificaciones, quiere realismo. Como actor de método formado en el instituto Strasberg, eso es lo que amo: me gusta la realidad.

-¿En qué momento de tu carrera te toma este proyecto y qué sentís que te dio?Nunca pensé que estaría trabajando a los 60 años, ni siquiera que estaría vivo, por lo dura que fue mi infancia en la pobreza en Estados Unidos. Pero aquí estoy y le estoy profundamente agradecido a Chris Nolan por ver este personaje en mí, por haberme dado este regalo. Cuando Chris Nolan te pone en una película, es como si el Papa te hubiera bendecido: ahora todo el mundo te ve y te reconoce. Formar parte de este proyecto y que ahora otros directores me estén buscando -Joseph Kosinski para Miami Vice ’85; Mike Flanagan, el mejor director de miedo, para El exorcista; o Los Daniels, que la última vez que estrenaron ganaron seis Oscar’s- es un regalo increíble.

LUPIN (serie) creada por George Kay, con Omar Sy, Ludivine Sagnier, Antoine Gouy. En Netflix.

-El último rastro que teníamos de Lupin era de 2023, así que hay que hacer un poco de esfuerzo para recordar en qué habían quedado los personajes. Un poco con eso juega esta cuarta temporada, que retoma al protagonista (el eficiente Sy) en prisión y siempre al borde de lo inverosímil. Lo mejor de la serie sigue siendo precisamente eso, esa apuesta por el disparate y lo lúdico, por llevar la lógica del truco de magia al (de)orden narrativo. Lo peor, cuando quiere explicar lo inexplicable y cuando usa su lógica para apuntalar el drama familiar. En esta temporada aparece un némesis que copia los pasos del protagonista y eso la vuelve mucho más alocada, ya directamente sostenida en el disparate de lo improbable. En todo caso, una demostración de poder de la industria audiovisual francesa, dispuesta a comprobar que ellos también saben hacerlo. Un efectivo entretenimiento.

EL DE MATTHEW PERRY (miniserie) dirigida por Mary Robertson, con testimonios de Matthew Perry, Mia Perry Bowick, Roger Castillo. En Netflix.

-De los seis protagonistas de la icónica sitcom Friends, el más querido por la mayoría de la audiencia fue Matthew Perry. Tanto sea por su capacidad para el humor físico y el verbal, como por las características de su personaje, una bomba de tiempo andante que desacartonaba al resto. También, porque Perry fue el más complicado con su propia existencia, entre adicciones y crisis varias, que desembocaron en su reciente muerte. Un poco esta miniserie documental se inspira en algo que conocimos en el especial de HBO Max, cuando recuperó la serie para su plataforma: Perry padecía hasta lo hiperbólico el asunto de tener que ser el gracioso. Corporización de la metáfora del payaso triste, el actor casi que usó de confesión final ese programa y la audiencia lo quiso mucho más. Con algunos testimonios interesantes y con buen material de archivo, El de Matthew Perry es más un homenaje, y una advertencia respecto de los riesgos de la fama. De paso, volvemos a recordar a Chandler y sonreímos. Efectivo como complemento de lo que ya conocemos. No mucho más que eso.

SENSATEZ Y SENTIMIENTOS (película) dirigida por Georgia Oakley, con Daisy Edgar-Jones, Esmé Creed-Miles, Caitríona Balfe. En cines.

-Nueva adaptación de la obra de Jane Austen, que tuvo allá por los 90’s una muy celebrada versión dirigida por Ang Lee. Cuenta otra vez las desdichas de las hermanas Elinor y Marianne Dashwood, contrariadas por los dilemas sentimentales pero, sobre todo, los apremios económicos que llevan a las tensiones sociales. La duda con estos regresos a clásicos de la literatura romántica es si la posmodernidad se bancará adaptarlos sin firuletes reformistas, como ocurrió con la reciente y fallidísima Cumbres borrascosas. Lo primero que hay que decir que es Oakley actualiza donde debe, pero respeta el original sin caer en la solemnidad ni lo pomposo. No obstante, su Sensatez y sentimientos no termina de ser más que un drama de época aceptable, bien actuado y vestido. Un regreso al qualité, pero sin tanto miriñaque.  

EL PODER DE LA RED (película) dirigida por Aaron Sorkin, con Jeremy Allen White, Mikey Madison, Wunmi Mosaku. En cines.

-Sorkin escribió el guion de Red social, la maravillosa película de David Fincher que además de narrar el origen de Facebook era un notable muestrario de un tiempo y un lugar. Ese mundo se profundizó y este presente es aún más horrible, y de eso un poco habla El poder de la red, secuela espiritual de aquella, nuevamente escrita pero además dirigida por Sorkin. Si bien las comparaciones son odiosas, se hacen inevitables: lo que separa a una película de la otra es la capacidad de Fincher por trascender su tema, mientras Sorkin apenas (mejor guionista que director, mejor escritor de diálogos que guionista) se conforma con reproducir la lógica del thriller político setentoso a estos tiempos. Por esa superficie y por varios diálogos, El poder de la red exuda cinefilia, y a la vez ingenio como en los profusos diálogos que escribe Sorkin. El problema de El poder de la red es que no hay mucho más que esa habilidad, y un elenco sólido para reproducir esos textos. En todo caso, una película que despierta algunos debates sobre el presente. No está del todo mal.

ANGEL (miniserie) dirigida por Manuel Soriano, con Antonella Costa, Gustavo Garzón, Gustavo Suarez. En BarceMax+.

-Esta producción uruguaya lanzada por el streaming de la Revista Barcelona es una apuesta provocadora, que se puede adivinar desde la suma de palabras que integran la sinopsis: pederastia, aborto, homofobia, machos, deconstrucción y siguen las firmas de elementos constitutivos de una serie indicada para estos tiempos. Es verdad que habla de sus cosas desde un lugar extraño y hasta disruptivo (un profesor de teatro, bastante patético, de singulares métodos que convive con su padre y su esposa), pero muchas veces ingresa en territorios arduos, más propios de lo experimental e incluso de ciertos ejercicios de improvisación actoral. Funciona cuando se asume como comedia absurda, cuando propone un juego en la disociación de los elementos con las palabras, pero expulsa en su apuesta por el drama pasado de rosca, e incluso cuando cree estar siendo más provocadora de lo que es. En todo caso una rareza que se corre de la experiencia bastante atomizada de las plataformas.

“Treinta y pico años de carrera. Tenía pelo por entonces”. Con humor, el compositor Emilio Kauderer recibió el pasado lunes en el Palacio Libertad la distinción de reconocimiento a su trayectoria que le otorgó el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, quien lo contará este año como una de sus visitas distinguidas: estará en la ciudad para acompañar las proyecciones de Un lugar en el mundo y Parque Lezama, dos de las películas a las que el músico les aportó su talento.

Acompañado por la Orquesta Nacional de Música Argentina Juan de Dios Filiberto, Kauderer se presentó en el espacio principal del centro cultural para ofrecer un impecable concierto con composiciones para cine de su propia autoría, evento que sirvió como broche de oro a la presentación de la programación de la 41ª edición del certamen cinematográfico marplatense, que se desarrollará del 5 al 15 de noviembre próximos. “Vivo hace muchísimo afuera, extraño mucho mi patria, y cada reunión que voy de manera internacional, en cualquier lado del planeta, destaco el orgullo y el respeto con el que me reciben por nuestro legado musical”, resaltó el compositor antes de tomar la batuta y llevar a la audiencia por un viaje de imágenes y sonido de más de una hora.

En diálogo con El Marplatense, antes de salir al escenario del Palacio Libertad, Kauderer aseguró sentirse “en la gloria” ante el reconocimiento que le otorga el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA) y el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata. “Es un regalo extra del Festival de Mar del Plata no solo darme el premio a la trayectoria, que encima lleva el nombre de Astor Piazzolla, a quien admiro profundamente y tuve el privilegio de conocer”, destacó.

Kauderer se encuentra trabajando actualmente en la banda sonora de la serie con la que Juan José Campanella se meterá en el universo de Mafalda, aunque como señaló “no puedo revelar demasiado”. Sin vueltas, reconoce su gusto por trabajar en la música de cine, un arte que además sigue con pasión: “Siempre hay buen cine. A veces me preguntan qué música me gusta y respondo lo mismo: la buena música. En cada género hay buena música y hay buen cine”.

La relación del compositor con el cine arrancó allá por 1980 de la mano de Adolfo Aristarain y La discoteca del amor, un vínculo que luego se extendió a films como Tiempo de revancha o Un lugar en el mundo. Precisamente, el nombre del director muerto este año surgió durante el concierto, donde Kauderer además recordó a otras figuras del cine argentino que fallecieron recientemente, como Luis Brandoni y Eugenio Zanetti, con los que también colaboró. Componente sensible y humano, que el artista vincula con su actividad: “Música compuesta por humanos para humanos, antes de que se imponga la inteligencia artificial”.

-Hablando con otros músicos se percibe que el cine fue perdiendo el sentido del leitmotiv o tema principal en las bandas sonoras. ¿Coincide con esa mirada?Sí, creo que sí. Hollywood armó un esquema basado en ruidos, efectos y cosas especiales donde muchos se olvidaron de los temas. Lo digo con orgullo: no sé cuántos compositores pueden hacer hoy un concierto completo basado en temas melódicos.

-¿Responde a una imposición de la industria o a un cambio en el oído del público? Creo que es una cuestión puramente industrial. El oído del público no cambia. No creo que la gente prefiera escuchar un clásico como Lo que el viento se llevó transformado por máquinas que hacen ruidos en lugar de melodías.

-¿Qué tan difícil es para un compositor proponer algo distinto a lo que exige la industria?Hoy en día es casi una misión imposible (risas).

LO DEJAMOS ACÁ (película) dirigida por Hernán Goldfrid, con Ricardo Darín, Diego Peretti, Antonia Bengoechea. En Netflix.

-Hace ya muchos años Goldfrid dirigió la muy buena comedia Música en espera, casualmente con Peretti en el protagónico junto a Natalia Oreiro. Eran tiempos de un cine pseudo industrial en la Argentina, que tenía la ansiedad de transitar diversos géneros no demasiado explorados. Funcionaba muy bien y hacía prever un futuro promisorio para su director. Lamentablemente el camino no fue lo esperado y ahora lo tenemos a Goldfrid nuevamente, otra vez con Peretti (y otra vez con Darín, como en la discreta Tesis sobre un homicidio), en una comedia que transita algunos campos de pretendida intelectualidad surfeando las superficies del psicoanálisis y la literatura a través de dos personajes, un psicólogo y un escritor, que construirán un vínculo progresivamente enfermizo. Hay buenas intenciones, algunos chistes que funcionan y un trabajo sobre los estereotipos que no siempre da en el clavo, como si tanto lugar común de la comedia negra no terminara de estar bien resuelto. En Lo dejamos acá hay, además, una textura visual que es más propia del telefilm que de lo cinematográfico, lo que le quita valor a los aciertos que cada tanto tiene Goldfrid (sobresaliendo un fallido final por la vía de la canchereada cínica). Un film que es aceptable, pero que es mucho menos de lo que sus involucrados podrían ofrecer.

LA CAÍDA DE LA BALLENA (película) dirigida por Brian Duffield, con Austin Abrams, Josh Brolin, Elisabeth Shue. En cines.

-Visto en las recientes Resident evil: noche cero y La hora de la desaparición, Austin Abrams es uno de los actores del momento, o al menos uno al que le sientan bien las películas de género fantástico o terror con ínfulas artísticas. Y algo de aprovechar eso hay aquí en La caída de la ballena, que si bien es un drama hecho y derecho, es también un film que bordea el horror a partir de la experiencia de su protagonista: un joven que tras los restos de su conflictivo padre, termina siendo engullido por una ballena y sobreviviendo en su interior mientras analiza la forma de salir. Es decir, en lo concreto es un drama paterno-filial bastante recargado, pero también una película de premisa: ¿cuánto puede el director Duffield sostener la tensión de ese único y espantoso espacio? Hay que decir que lo logra a fuerza de inverosimilitudes y también de una sabia construcción de los climas. Hay momentos desagradables y otros fascinantes, como la notable secuencia en que el protagonista sufre el accidente. Y si el drama no termina funcionando del todo, La caída de la ballena se sostiene como espectáculo, aunque a veces apueste tanto a lo desagradable que pareciera estar expulsando a los espectadores. La incomodidad es lo que la distingue, para bien o para mal.

ANIMALES (película) dirigida por Ben Affleck, con Ben Affleck, Kerry Washington, Gillian Anderson. En Netflix.

-Affleck debutó como director con una película indispensable, Desapareció una noche, un thriller moral que ponía al espectador en un lugar sumamente incómodo. Con Animales parece querer volver a esas formas, aunque el material que tiene entre manos no termina siendo del todo atractivo. Un político con problemas de fondos sufre el secuestro de su hijo, situación que más allá de lo crítica en sí tiene la poca virtud de destapar múltiples ollas. El problema de Animales es que se queda en lo discursivo y se pierde en situaciones poco interesantes, que arrastran consigo a las actuaciones y a determinadas lógicas argumentales. Recién hacia el final Affleck parece encontrar la forma de poner en tensión los temas que integran su película. El epílogo es pura farsa y habría que preguntarse si no amerita una revisión, para verla desde ese lugar: una sátira sobre la política y la construcción de figuras públicas en tiempos de progresismo pasado de rosca. Aún con lo interesante que podría exhibir esta teoría, Animales no termina de levantar vuelo.

DON’T LOOK BACK IN ANGER (película) dirigida por Dylan Southern y Will Lovelace, con Noel y Liam Gallagher. En Disney+.

-Este documental podría ser apenas un elemento más de merchandising que acompañe la millonaria gira de regreso del grupo Oasis. Lo es, pero también es otra cosa: es un documental sobre dos hermanos que se llevaban mal y que tienen que aprender a tolerarse sobre el escenario, pero sobre todo uno sobre los fanáticos de esos hermanos y el sentido de su fanatismo. Ahí surgen miradas sobre las canciones que son atractivas, especialmente en la vida propia que tomó el tema que le da título a la película. Hay sí demasiado franeleo y buena onda, pero en contrapartida tenemos algunos pasajes puramente cinematográficos que van de la mano de una puesta en escena que se luce con la utilización de varias cámaras dispuestas para captar desde momentos grupales a otros más íntimos. Entre su potencia visual y algunos aciertos discursivos y narrativos, este documental es finalmente más que un muñequito coleccionable.

CARRERA CONTRA EL TIEMPO (película) dirigida por Kevin Macdonald, con Gal Gadot, Damian Lewis, Rory Wilmot. En Prime Video.

-Gal Gadot es una de esas personas que tuvo la fortuna de caer en el lugar y en el momento justo. De ahí, que integró elencos de algunos tanques muy populares que sirvieron para inflar su figura. Sin embargo, el talento actoral no es algo que le sobre. Si bien este thriller de premisa se vale del movimiento y la acción, requiere también un aplomo en su figura que no termina de ser todo lo sólido que necesita. La actriz interpreta a una mujer de la Justicia que es extorsionada por teléfono para cometer un crimen a cambio de que liberan a su hijo secuestrado. Ella es runner, por lo cual lo de correr de una punta a la otra de Londres no le resulta nada difícil. Lo que sí le resulta difícil es al guion sostener esto, más allá del esfuerzo de todos los involucrados. Carrera contra el tiempo es un film menor, que si en algún momento logra distraernos a fuerza de un ritmo que no se detiene, algunos giros un tanto discutibles terminan de hacernos perder el interés en lo que vemos.  

Hace 36 años se estrenaba una de las mejores películas de su director, Martin Scorsese, y por defecto, de la historia del cine: Buenos muchachos. Tras su estreno en el Festival Internacional de Cine de Venecia el 9 de septiembre de 1990, donde fue reconocida y premiada, la película tuvo una serie de lanzamientos limitados y premieres en distintas ciudades de Estados Unidos hasta su estreno definitivo el 21 de septiembre. Obra cumbre del cine de Scorsese, resume en sí misma aspectos narrativos y temáticos caros a su obra, de esos que señalan a viva voz la presencia de un autor.

Admirador confeso del talentoso y discutido Elia Kazan, hay una relación bien directa entre Buenos muchachos y Nido de ratas, tal vez la película más reconocida de Kazan. Obviamente, ese hilo conductor es la figura del delator. Precisamente Kazan, uno de los directores inevitables del período clásico de Hollywood, se convirtió en una figura desplazada luego de que tomara la decisión de delatar a antiguos colegas comunistas ante el Comité de Actividades Antiestadounidenses durante la era McCarthy en 1952. En 1999 Scorsese y Robert De Niro presentaron el Oscar honorífico a Kazan, una controversia que se extendió a la platea, donde parte de la audiencia se negó a aplaudir.

La película de Scorsese es una adaptación del libro Wise Guys. Life in a Mafia Family, de Nicholas Pileggi, que cuenta el ascenso y caída del mafioso Henry Hill, quien aterrado ante los peligros que corría avanzada su carrera criminal, decidió colaborar con el FBI y sumarse al programa de protección de testigos, delatando a una larga lista de ex colegas, lo que desembocó en el juicio de un medio centenar de mafiosos. Curiosamente, el director retomaría el asunto en 2019 con El irlandés, donde precisamente el mafioso interpretado por De Niro se llevaba a la tumba cientos de datos y nombres, en una película que parece reaccionar en oposición a Buenos muchachos.

Cuenta la leyenda que Scorsese devoró el libro de Pileggi mientras esperaba en un aeropuerto en 1986 y se obsesionó con adaptarlo. El director venía de rodar El color del dinero y se estaba por meter en otro de sus grandes líos con La última tentación de Cristo, película que le valió amenazas de muerte por parte de agrupaciones cristianas. Si bien Scorsese había ganado prestigio con films emblemáticos como Taxi Driver o Toro Salvaje, una serie de rotundos fracasos comerciales y su adicción la cocaína lo habían puesto por ese entonces al borde de la muerte tanto artística como física. Su figura, discutida puertas adentro de la industria, pero también atacada por sectores de la crítica que cuestionaban cierta vulgaridad en su cine, lo hacían pendular entre las posibilidades del artista y la necesidad de hacer películas por encargo. Todo esto se puede ver en la gran serie documental Mr Scorsese.

Sin embargo Buenos muchachos puede ser considerada la película que reinventó a Scorsese y la que le dio un nuevo lugar en la industria. No es que haya sido un éxito en su momento y hasta pasó desapercibida en los Oscar, donde sólo se llevó una de las seis estatuillas a las que aspiraba (Joe Pesci como actor de reparto), pero sin dudas mostró una vitalidad y una contundencia que con el tiempo ha sido reconocida y celebrada. Tras Calles salvajes (un film de gángsters más intimista), era su regreso a los relatos mafiosos, camino reafirmado en una suerte cierre de tríptico unos años después con la tan ampulosa como excitante Casino.

Esos cuatro años que llevaron desde la lectura del libro al estreno de la película, fueron de diversas disputas entre Scorsese y todos los que se le ponían delante (mientras esquivaba las amenazas por La última tentación de Cristo). En primera instancia, colaborar con Pileggi en la escritura del guión (colaborarían nuevamente en la citada Casino), del que hubo hasta 11 versiones hasta llegar a la definitiva. También pelear por la obtención de los derechos de la novela, que afortunadamente estaban en manos de un viejo amigo y productor del director, Irwin Winkler. Hasta la concreción del elenco, en la que se rodeó de varios amigos como De Niro, Pesci, Lorraine Bracco (esposa por entonces de Harvey Keitel), su pareja de entonces Ileana Douglas y hasta sus padres en roles menores. La verdadera apuesta fue poner a Ray Liotta como protagonista, un actor con más experiencia en televisión y con participaciones secundarias en algún hit como El campo de los sueños. Cuentan que el actor se le acercó a Scorsese, que estaba rodeado de guardaespaldas por las amenazas mencionadas, y hubo algo en su forma de proceder que convenció al director. Claro, ahora no podríamos imaginar a alguien mejor que Liotta para interpretar a Henry Hill; en la que es sin dudas su la mejor actuación de su carrera.

Sin embargo la mejor colaboración con Scorsese en Buenos muchachos es sin dudas la que lleva adelante su con histórica montajista, Thelma Schoonmaker. Tal vez lo de Buenos muchachos pueda espejarse con lo que lograron décadas después en la desquiciada El lobo de Wall Street. Películas que sobre todo son sobre la cocaína y su quiebre de la percepción, la manera en que Schoonmaker va acelerando el montaje a medida que el protagonista va entrando en un espiral de locura, es absolutamente magistral. Como lo son esos planos congelados y esos zooms violentos, que reproducen un estado de ánimo, que es básicamente el vigor que corre por Buenos muchachos y las mejores películas de Scorsese. Sólo el plano secuencia del Copacabana, un momento virtuoso que tiene justificación narrativa (y que es estudiado en escuelas de cine), es una muestra del valor y la relevancia que tiene Buenos muchachos para el cine. Si hay que valorar las películas por la vitalidad que logran mantener con el paso del tiempo, a 36 años de su estreno sin dudas que Buenos muchachos debería estar en la cima de cualquier lista.

“El espacio: la última frontera. Estos son los viajes de la nave estelar Enterprise, en una misión que durará cinco años, dedicada a la exploración de mundos desconocidos, al descubrimiento de nuevas vidas y nuevas civilizaciones, hasta alcanzar lugares donde nadie ha podido llegar”. Así invitaba el capitán James T. Kirk (en la voz de William Shatner) a los espectadores a subirse a la nave y enfrentar cada semana una aventura diferente. Y así, como quien no quiere la cosa, se daba inicio también a uno de los grandes hitos de la historia de la televisión y el cine: un 6 de agosto de 1966 se emitía La trampa humana, el primer episodio de Star Trek, conocida por estos pagos como Viaje a las estrellas.

En verdad el 6 de agosto se vio en una cadena canadiense y posteriormente, el 8 de agosto, se emitió por la NBC de Estados Unidos, así que la fecha de comienzo está discutida. Lo que no está discutido, claro, es el valor cultural de la serie creada por Gene Roddenberry, una producción que no sólo sentó las bases para muchos elementos del género de la ciencia ficción, sino que también desarrolló un espíritu humanista que aún se recuerda por su valentía para afrontar diversos aspectos que para la sociedad de aquella época eran tabú, especialmente en la Estados Unidos en pleno debate de los derechos civiles.

En La trampa humana, el primer episodio, el Dr. McCoy se enfrenta a la muerte de los miembros de su tripulación por una repentina falta de sal en sus cuerpos. Será el comienzo de una larga historia, que hoy cuenta en películas y nuevas series con presupuestos fastuosos y efectos digitales de última generación, pero que en aquellos tiempos se valía mucho más de la imaginación y la fascinación de los espectadores en la suspensión de la incredulidad. Decorados evidentes y pelucas que se notaban (algo que hoy, con la remasterización de las primeras temporadas, queda en evidencia), además aspectos narrativos que no estaban del todo pulidos. Sin embargo, el carácter exploratorio que proponía la serie, de indagar más allá de las fronteras del cielo en un tiempo donde la espacio era un territorio a ganar, dio lugar al éxito. 

También era una época donde la tecnología iba imponiendo criterios de producción. Con la televisión como centro de interés de las familias, la posibilidad del color motivaba que la serie recurriera a colores fuertes en los decorados y los trajes de sus protagonistas: hay quienes dicen que eso servía al contraste en la reproducción de los televisores en blanco y negro, aunque están los malpensados que señalan que se hacía para incentivar las ventas de aparatos a color.

Con influencias como los cuentos de la nave espacial Space Beagle de A. E. van Vogt, la serie de relatos Marathon de Eric Frank Russell y la película Planeta prohibido, Roddenberry creó una serie que a la vez sería ejemplo para los continuadores. Roddenberry fue piloto y se alistó en la Segunda Guerra Mundial, pero su vida cambiaría para siempre cuando conoció la televisión e intuyó que este medio sería fundamental en la sociedad. Así fue como abandonó su profesión y se mudó a Los Angeles, donde comenzó a trabajar de guionista en esos años iniciales de la TV mientras desarrollaba tareas como integrante del departamento de policía de Los Ángeles, donde llegó a ser sargento.

Sin embargo el éxito progresivo como escritor lo terminó de convencer de abandonar la fuerza y tomar ese nuevo rumbo en su vida. Sin dudas, terminó convirtiéndose en una figura fundamental de la televisión. Roddenberry murió el 24 de octubre de 1991 y en 1992 una tripulación del transbordador Columbia llevó una primera porción de sus cenizas al espacio.

Como suele ocurrir en estos casos, el piloto de Star Trek fue rechazado, en este caso por considerarlo demasiado cerebral, pero finalmente cuando la serie se estrenó por la NBC se convirtió en un suceso inmediato que se extendió a lo largo de tres temporadas y 80 episodios. Y como sabrán, ese no fue el fin: luego vinieron películas y series, con una franquicia que se sigue extendiendo hasta nuestros días. El éxito de aquella serie original queda demostrado, como suele ocurrir, a partir de las varias figuras reconocidas que realizaron cameos, en este caso con una lista que incluye a Joan Collins, Ricardo Montalbán, Mark Lenard, Teri Garr, Frank Gorshin o William Campbell.

Sin embargo, la serie fue popular también por meterse desde el plano de la más absoluta fantasía de ciencia ficción con temas fuertes de la cultura norteamericana de esos tiempos. Por ejemplo, en épocas de segregación racial, apostaba firmemente a la multiculturalidad a partir de una tripulación integrada por personajes de diversas razas y nacionalidades, e incluso con personajes con diversidad de sexos, teniendo en cuenta que bajo su mirada, el sexismo habría desaparecido para ese futuro que imaginaba la serie. Pero también aportaba soluciones de producción, como viajes a la velocidad de la luz y teletransportaciones, que permitían a los personajes ir de un lugar al otro ahorrando en transiciones, escenas y sets. Como se ve, Star Trek funcionaba en todos los niveles posibles.

Si bien aquella serie original esperaba tener una continuidad en los 70’s, finalmente fue cancelada por el suceso de algo conocido como Star Wars (¡ejem!), lo que dio motivo a la primera película de una larga franquicia de seis films estrenados entre 1979 y 1991 (de hecho muchos de los temas de la frustrada serie se utilizarían en la primera de estas producciones). En 1997 llegaría a la televisión La nueva generación y ese sería el regreso definitivo de Star Trek, con videojuegos y varias series, incluso versiones animadas, que se pueden ver actualmente, disponibles en la plataforma Paramount+.

Pero el legado de Roddenberry está vivo no sólo en películas, series y merchandising, sino sobre todo en la comunidad de fanáticos, conocidos como “trekkers”, un grupo con fuerte presencia sobre todo en Estados Unidos, pero también extendida a tierras inhóspitas como… Argentina. Aquí por ejemplo los fanáticos demostraron su poder al lograr que una distribuidora estrenara una de las películas de la franquicia, que no iba a llegar a los cines. Más allá de lo pintoresco de las convenciones y los cosplay, el valor de la obra de Roddenberry está impreso en el sentido de que los “trekkers” tienen un carácter social, preocupándose en ocasiones en diversas acciones de ayuda hacia los demás, algo que -de alguna manera- continúa el espíritu humanista de la serie. Finalmente el autor alcanzó “lugares donde nadie ha podido llegar”.

PEPITA, LA PISTOLERA (película) dirigida por Lucía Puenzo, con Luisana Lopilato, Alberto Ajaka, Camila Peralta. En cines.

-Relatos de ascensos y caídas en el mundo del hampa hemos visto de a montones, con Scorsese como uno de los grandes maestros del subgénero. Pepita, la pistolera quiere inscribirse en esa tradición. El film de Lucía Puenzo hace una suerte de collage de hitos de la marginalidad marplatense de los años 80’s y 90’s, tomando como eje a Margarita Di Tullio y su camino que abarca el mundo de la prostitución y del delito. Pero claro, vientos de época al fin, el objetivo es construir a partir del personaje una suerte de vengadora feminista del reviente, apostando a imágenes de impacto casi pulp (mujeres en bikini disparando en la playa) y datos históricos que se mezclan como en una coctelera y se amparan en las licencias que se anuncian desde el comienzo. El problema no está en las licencias (Tarantino ha hecho obras maestras con eso), sino lo que se quiere decir con esas licencias. La película no funciona en ninguno de sus planteos, mucho menos en un último acto donde quiere inscribirse en la senda del policial violento y no sabe generar un solo clima. Se observa el esfuerzo de todos, especialmente de Lopilato por correrse de sus roles habituales, algo que se agradece pero que no termina de dar resultados.

SUSURRAN TU NOMBRE (película) dirigida por James Ashcroft, con Robert De Niro, Michelle Monaghan, Adam Scott. En Netflix.

-Un asesino serial de niños anda suelto y sus crímenes parecen replicar otros cometidos tiempo atrás, por los que un peligroso psicópata está cumpliendo su condena. Mientras la policía investiga, la presencia de un viudo junto a su hijo terminará siendo la clave para desentrañar todo, especialmente algunos vínculos familiares torcidos. Historia de padres e hijos, el problema de la película no es que use el policial como excusa, sino que la cuerda genérica esté narrada con absoluta falta de intriga y generación de climas, como si al director Ashcroft le interesara hablar de otras cosas, aunque tampoco tenga algo demasiado interesante para decir. Con todo esto, lo único que queda es la energía de un elenco estelar, que está bien y cumple, tal vez demasiado para la película discreta que tienen entre manos. Un film descartable, como muchos de esos thrillers que en los 90’s iban directo al dvd.

MATERIA OSCURA (serie) creada por Blake Crouch, con Joel Edgerton, Jennifer Connelly, Alice Braga. En AppleTV.

-Segunda temporada de la serie de ciencia ficción que indaga en universos paralelos y segundas oportunidades. Segunda temporada que, avanzados los hechos de la primera, logra construir un relato más lúdico y menos solemne aunque haya una pesadez que abruma en algunos pasajes. Materia oscura trata sobre la invención de una caja en la que uno ingresa y, por medio de una droga, logra viajar a otro universo y encontrarse con diferentes versiones de su vida. Si la primera estaba centrada casi en la experiencia del protagonista, la serie gana en dinamismo con la inclusión de otros personajes en la aventura. Sin embargo, el tema sigue siendo el mismo: la posibilidad de reinventarse, de lograr aquello que no pudo, segundas oportunidades que ahora son más un deseo colectivo que individual. En esa ligera corrección, Materia oscura se vuelve más interesante, juguetona y fluida. 

CHAD POWERS (serie) creada por Glen Powell y Michael Waldron, con Glen Powell, Perry Mattfeld, Steve Zahn. En Disney+.

-La comedia deportiva regresó con una segunda temporada en donde se potencian los elementos de la primera. Chad Powers está centrada en una mentira: un jugador de fútbol americano que ante un fracaso personal, maquillaje por medio, se reinventa falseando su identidad y convirtiéndose en la estrella de otro equipo. Elemento fundamental del género, lo interesante en esta nueva temporada es que el elemento de la mentira trasciende a otro nivel, poniendo al protagonista siempre al límite. Si la mentira y cómo sostenerla es un juego atractivo, lo es mucho más ahora que otros personajes van descubriendo la doble identidad de Russ Holliday/Chad Powers y eso potencia la tensión cómica y dramática. Pocos capítulos y cortos, algo que vuelve mucho más efectiva a esta comedia. No es menor, la serie cuenta además con uno de los mejores repartos de la actualidad, con Powell a la cabeza.

TERMINATOR 2: EL JUICIO FINAL (película) dirigida por James Cameron, con Arnold Schwarzenegger, Linda Hamilton, Edward Furlong. En cines.

-El regreso a los cines de uno de los clásicos del cine de acción de los 90’s (si no la mejor película de acción de la historia) es la invitación a una generación que tal vez la vio sólo en el televisor de la casa, para disfrutarla en la pantalla gigante. La película mantiene una vitalidad única y es la muestra de una sumatoria de talentos que encontraron aquí una cima artística. Hay que pensar en la época en que la película se estrenó, para entender la potencia de esas imágenes, que estaban atravesando por la vía de la digitalización un viaje hacia el futuro del cine, que es nuestro presente, con todo lo bueno y lo malo de eso. Terminator 2 es comparable a Jurassic Park, por la forma en que exploraban las posibilidades de la tecnología con una visión netamente cinematográfica, creaban imágenes nuevas e inolvidables, y pensaban el cine como una cruza entre cierta especulación tecnológica, la injerencia de grandes autores en la industria y la posibilidad del entretenimiento para las grandes masas. No es exagerado decir que ya no se hacen películas como estas, porque básicamente ya no existen esos tiempos donde los espectadores suspendían la incredulidad en la puerta del cine y se prestaban gozosos a los relatos sin mayores cuestionamientos. Gran cine, eso es Terminator 2, y poder disfrutarla en una sala es una invitación imposible de rechazar.

MORIA (miniserie) creada por Javier van de Couter, con Moria Casán, Sofía Gala Castiglione, Griselda Siciliani. En Netflix.

-La auto-biopic producida y protagonizada por Moria Casán es un recorrido por su vida, especialmente por aquellos exabruptos que la han convertido en una de las figuras más representativas y singulares del entretenimiento vernáculo. Provocadora, disruptiva, pero también dueña de una autoindulgencia que es acompañada por su adeptos, la miniserie es un poco como ella misma: exuberante, creída de sí, un poco irritante pero a la vez interesante. Hay una puesta en escena virtuosa y un director, Javier van de Couter, que demuestra tener herramientas más que válidas para ir un poco más allá de lo esperable. Jugando con lo kitsch pero sin volverlo justificación, es una acertada recreación de un tiempo del espectáculo argentino que tenía la capacidad de conmover a las masas. Tal vez ahí reside parte de la relevancia de la melancolía que atraviesa algunos pasajes. Interesante porque, aún cuando cae en algunos regodeos, logra correrse de los grandes éxitos de Casán para pensar un poco más allá del ícono.

SÓLO POR UNA NOCHE (película) dirigida por Will Gluck, con Callum Turner, Monica Barbaro, Maya Hawke. En cines.

-Una comedia romántica. En cines. Una rareza. Género muerto un poco por su propio agotamiento, pero también porque en su vertiente más tradicional no comulga mucho con los vientos de época, a Gluck sin embargo parece gustarle ir por la tradición para sabotearla un poco a puro chiste. A veces lo logra, como esta película, que tiene la feliz idea de encontrar una pareja con toda la química: Turner y Barbaro encienden la pantalla y entienden el juego. El problema de la película es su premisa, que imagina un mundo en el que el Gobierno decretó la prohibición del sexo extra marital y su habilitación en una sola noche al año. No sólo que las premisas suelen chocar con el cine, sino que además esta premisa propone algo tan complejo que la película sola se mete en el lío de tener que decir algo. Y se demora y no dice mucho, y deja la puerta abierta a que la acusen de tibia, conservadora o algún insulto contemporáneo. Pero más allá de eso hay que decir que Sólo por una noche funciona en cuanto a lo que quiere contar: chico conoce chica, se aman se pelean, se vuelven a amar. 

GUTIÉRREZ IS MAI NEIM (serie) dirigida por Jesús Braceras, con Darío Barassi, Yayo Guridi, Juliana Savioli. En Disney+.

-Las plataformas habilitaron a la producción local para recrear un tipo de comedia que no tenía forma en otros soportes. Gutiérrez is mai neim es una comedia policial, con dos agentes bastante impresentables que tienen que hacerse cargo de investigar el crimen del embajador ruso en Argentina. La serie transita la vertiente de un tipo de comedia incorrecta y un poco absurda, ese tipo de humor en el que los personajes no terminan de darse cuenta de que están dentro de una comedia, y avanzan como si nada. Un poco en ese plan están Barassi y Guridi, ambos muy divertidos y construyendo una dupla tan improbable como eficaz. Gutiérrez is mai neim tiene un nivel de producción interesante y una apuesta por cierta marginalidad bonaerense, como si se tratase de una versión paródica de ciertas zonas del denominado Nuevo Cine Argentino.

AANG: EL ÚLTIMO MAESTRO DEL AIRE (película) dirigida por Steve Ahn, William Mata y Lauren Montgomery, con las voces de Eric Nam, Dave Bautista y Jessica Matten. En Paramount+.

-Extensión del universo que ya se había conocido en la serie, esta película animada explora a los personajes en su adultez, cuando la utopía que habían soñado se terminó concretando. Claro, algo viene a romper la paz de manera imprevista y allí tendrán que salir nuestros héroes para resolver el asunto. Entre la serie original y esta película, hubo una película fallida de Shyamalan y una serie (también de acción real) producida por Netflix, que acaba de emitir su segunda temporada. Con estos antecedentes, reconocer que la historia de Avatar funciona mucho mejor en la lógica de la animación. Y esta película viene a confirmarlo, primero con un diseño visual bellísimo, pero luego con una apuesta por lo fantástico y por un surrealismo espiritual que se vale de la técnica de ilustración para conformar un entretenimiento con su personalidad, más que aceptable.

FUTURAMA (serie) creada por David X. Cohen y Matt Groening, con las voces de John DiMaggio, Billy West, Katey Sagal. En Disney+.

-La animación para adultos de fines de los 90’s sigue viva y coleando en las plataformas. Futurama volvió hace unos años y desde entonces ha demostrado que sus formas del humor tienen bastante contacto con los modos del humor actual. La serie ambientada en el futuro, en el centro de la tripulación de una empresa de correos intergaláctico, mantiene con sus desniveles la efectividad de otrora. Lo mejor es la inventiva para pensar diversas posibilidades para el mundo que vivimos y expresarlas en una comicidad. Futurama cruza eso con cierta nostalgia a partir del personaje de Fry, emblema generacional del joven confundido, de hace 27 años o de ahora mismo. 

El pasado 17 de agosto cumplió 83 años Robert De Niro, sin dudas uno de los actores cuyo nombre es sinónimo de cine. Actor que integró allá por los 70’s la renovación de Hollywood en cuanto a los códigos de actuación, también fue uno que recorrió casi todas las posibilidades que un intérprete de una trayectoria tan extensa puede recorrer: la joven promesa, la realidad, el actor de prestigio, el que salva película discretas, el que se entrega a la maquinaria de la industria y filma de todo, hasta este presente en el que es una leyenda. Pero que no se detiene y sigue filmando: el próximo viernes se estrenará en Netflix el thriller Susurran tu nombre, que lo tiene como protagonista. Nominado nueve veces al Oscar, apenas ganó dos (y hace ya mucho tiempo) como actor de reparto por El padrino 2 y como protagonista por El Toro Salvaje. Si bien sus primeros créditos son de los años 60’s, es imposible encontrar películas suyas de esos años en plataformas. Sin embargo, sí es posible hallar producciones, una por cada década, desde los 70’s en adelante. Vamos a recomendar algunas. ¡Feliz cumpleaños Robert!

Taxi driver (1976), de Martin Scorsese

Tras años de recorrer algunos pasillos de los márgenes de Hollywood, finalmente De Niro logró un espaldarazo mayúsculo con El padrino 2. Desde allí, fue un camino de gloria, especialmente a partir de su relación con Scorsese, que le otorgó varios personajes memorables y lo adoptó como actor fetiche. En Taxi Driver interpretaría uno de sus personajes icónicos: Travis Bickle, ese taxista con serios problemas, es un también emblema de transformación casi visceral de un actor para darle vida a un personaje. Película desbordada y muestra de cómo el cine norteamericano de los 70’s atravesaba el desencanto de una sociedad con un tono revulsivo y sintomático. Disponible en HBO Max.

Los intocables (1987), de Brian De Palma

Una de las grandes películas de De Palma es también una de las grandes actuaciones de De Niro. Ya convertido en estrella y termómetro del cine importante de los 80’s, su interpretación como Al Capone es memorable, y cada momento en que entra en escena se come la película a fuerza de una presencia arrolladora y exuberante. Los intocables es una obra maestra, un film operístico plagado de momentos inolvidables, de cinefilia, de amor por el cine, en el que De Palma y todos los involucrados estaban iluminados, en absoluto estado de gracia. Disponible en Paramount.

Buenos muchachos (1990), de Martin Scorsese

Los 90’s comenzarían para De Niro con otra obra maestra. En su nueva colaboración con Scorsese regresarían al universo de la mafia, pero desde un lugar diferente al de Calles peligrosas. Si bien lo barrial sigue presente, este es un mundo más ampuloso (algo que terminarían de redefinir en Casino), donde la delación y sus consecuencias se convierte en el gran tema (juntos volverían a retomar eso muchos años después en El irlandés). De Niro interpreta a Jimmy Conway, otros de esos personajes explosivos. La película es Scorsese puro, en pleno poder de su conocimiento de la herramienta cinematográfica, además de un film clásico y moderno, casi una reversión de El padrino. Disponible en Prime Video.

La familia de mi novia (2000), de Jay Roach

El nuevo siglo le permitiría a De Niro retomar una carrera que comenzaba a mostrar síntomas de desgaste por la vía de participar en películas más populares y relajadas, cine de género que si bien estaba por fuera de su tradición de actor de prestigio le permitió mantenerse en la memoria cinéfila. Si en 1996 había probado que la comedia podía caerle bien en Analízame, fue finalmente La familia de mi novia la que lo terminó de convencer de que podía ser un buen plan (también es cierto que luego explotaría hasta el hartazgo el rol del abuelo caótico). Aquí se presta al obvio esquema de la rivalidad suegro-yerno con enorme gracia y logrando una dupla memorable con Ben Stiller. Gran comedia sobre la incomodidad de los vínculos familiares, construyó una saga más bien discreta que en breve tendrá un nuevo capítulo en cines. Disponible en Mercado Play.

Guasón (2019), de Todd Phillips

Fue 2019 tal vez uno de los mejores años en la carrera de De Niro: no sólo participó en esta maravilla, sino que también estuvo en El irlandés, la gran película de Scorsese. Pero recomendemos esta, que es también una película significativa por cuanto no sólo pone a De Niro como espejo y némesis del Arthur Fleck de Joaquin Phoenix, sino que utiliza también la iconografía del actor al surfear dos de sus películas emblemáticas: Taxi Driver y El rey de la comedia, ambas dirigidas por Scorsese. Guasón no sólo es una película muy original y creativa para adaptar un personaje histórico del cómic, sino que además demuestra una cinefilia capaz que superar la línea del museo para volverse materia y subtexto. Disponible en HBO Max.

Los asesinos de la luna (2024), de Martin Scorsese

De manera lateral esta columna es también sobre Scorsese. Es que sin lugar a duda muchas de las mejores películas de De Niro son las que hizo en su colaboración con el director. Aquí, además, cruzándose con su nuevo gran fetiche: Leonardo DiCaprio. Este film revisionista del director marca un momento de la historia, donde una tribu norteamericana había alcanzado cierto estatus social revirtiendo una historia de discriminación y exclusión. La película se mete con la serie de crímenes que va limando el poder de los osage y De Niro interpreta a un personaje memorable: un tipo tan hipócrita, capaz de hacerse amigo mientras por otro lado era el gran verdugo. Con ocho décadas encima, De Niro y Scorsese siguen haciendo grandes películas. Disponible en AppleTV.

El 16 de agosto de 1958 nacía en un hogar de Bay City, Míchigan, una tal Madonna Louise Veronica Ciccone, quien con el paso del tiempo sería conocida simplemente como Madonna, y con más precisión con ese apodo nada grandilocuente de “la reina del pop”. El ascenso de la figura de Madonna se daría en los 80’s y es indudable que lo audiovisual estuvo presente desde el origen, ya sea por la injerencia de MTV y el videoclip, pero también porque la cantante entendió que el cine era una plataforma fundamental para impregnar su estilo y su presencia. Por lo tanto, podemos rastrear su vínculo con el cine desde casi su nacimiento artístico.

La presencia de Madonna en aquellos 80’s fue tanto con canciones para películas que se convirtieron en grandes hits y en algunas actuaciones celebradas, como en aquella comedia Buscando desesperadamente a Susan o en ¿Quién es esa chica? (dos clásicos de esa década). Si bien Madonna no ganó técnicamente el Oscar, sí lo ganaron dos canciones interpretadas por ella como Sooner or later compuesta por Stephen Sondheim para Dick Tracy y You must love me compuesta por Andrew Lloyd Webber y Tim Rice para la adaptación cinematográfica de Evita. Per sí ganó el Globo de Oro por Masterpiece para la película W.E. que ella misma dirigió, pero además ganó como Mejor Actriz por su actuación en Evita. Lo curioso es que ganó antes como actriz que por una canción.

Si bien la lista de canciones de Madonna para el cine es bastante más extensa, vamos a hacer un recorrido por épocas y estilos diferentes, como para resumir a una artista que es, sí, imposible de resumir. ¡Larga vida a la reina del pop!

Crazy for you de Vision quest (1985)

Into the groove de Buscando desesperadamente a Susan

Who’s that girl de ¿Quién es esa chica? (1987)

Sooner or later de Dick Tracy (1990)

You must love me de Evita (1996)

Die another day de Otro día para morir (2002)

Masterpiece de W.E. (2011)

Beautiful stranger de Austin Powers: el espía seductor (1999)

EL FINAL DE LA CALLE OAK (película) dirigida por David Robert Mitchell, con Anne Hathaway, Ewan McGregor, Maisy Stella. En cines.

-Ecléctico don David Robert Mitchell, que tiene en su haber un celebrado film de terror como Te sigue, pero también una de esas comedias dramáticas adolescentes evocativas como The Myth of the American Sleepover. Aquí parece haber cruzado ambos territorios, en uno de los films más extraños y singulares del año. Es 1982 y la vida de la familia protagónica parece resquebrajarse a partir de la crisis del matrimonio, mientras los hijos surcan los dilemas de su edad. En ese contexto, con un aire indudablemente spilberguiano, de pronto sucede algo inusitado: el barrio se traslada mágicamente a los tiempos de los dinosaurios. Básicamente El final de la calle Oak es un relato sobre la recomposición familiar mediado por una forma de la ciencia ficción que hacía rato no veíamos: lúdica, juguetona, sin la mayor gana de dar alguna explicación y con el objetivo de impactar, emocionar, movilizar al espectador. La película lo logra porque el director trabaja la puesta en escena de manera notable, con algunas de las secuencias de acción y suspenso mejor construidas del mainstream hollywoodense en años. Imperdible.

YO, NARCISO (película) dirigida por Adrián Suar, con Adrián Suar, Natalia Oreiro, Julieta Zylberberg. En cines.

-Con una carrera repleta de comedias discretas o malas, pero con una química indudable que lo hace conectar con una parte importante del público, Suar se ha erigido como una de las carta de éxito para el cine argentino. Alguien que corta entradas, y eso es mucho decir. No obstante su anterior película, Mazel tov, había sido una sorpresa, por lo que la expectativa estaba dada en ver si el actor y director había generado un cambio en su carrera. El tráiler de Yo, Narciso no nos hacía prever lo mejor, pero el reparto reunido generaba expectativa. Así las cosas, la historia de una socióloga que está escribiendo sobre narcisismo y se contacta con un egocéntrico cirujano estético parecía tomar elementos de varias comedias románticas para mezclarlo con el universo Suar. La película es un regreso a los peores guiños cinematográficos del cine del actor-director, con escasos momentos dignamente cómicos y con una resolución que, clausurada la vía de la comedia romántica, sólo puede derivar hacia el molesto moralismo que es tradición. Sin dudas, un paso atrás en la filmografía de Suar.

REACHER (serie) creada por Nick Santora, con Alan Ritchson, Sydelle Noel, Agnez Mo. En Prime Video.

-La adaptación de las novelas de Lee Child en formato serie ya va por la cuarta temporada. Nuevamente Ritchson se pone en la piel del brutal y sagaz detective, quien ahora queda involucrado en un caso policial que se origina en una situación a simple vista azarosa: Reacher duda de una mujer que parece algo nerviosa en el subte, para terminar involucrado en un suicidio que abre múltiples aristas. Son los primeros episodios de la temporada, pero la serie demuestra haber construido un universo sólido, y además disfrutar del humor ácido del personaje a la vez que de su fisicidad extrema para la acción. Una serie fuera del radar de lo que piden hoy las series, pero muy divertida.

BOMBA EN EL PAN AM 103 (miniserie) creada por Jonathan Lee y Adam Morane-Griffiths, con Connor Swindells, Patrick J. Adams, Lauren Lyle. En Netflix.

-Esta miniserie británica sigue de manera obsesiva la investigación detrás de la explosión real de un avión, ocurrida hacia fines de los años 80’s sobre un pueblito escocés. Todo deriva en un atentado terrorista y en la participación de agencias de varios países, especialmente la CIA y el FBI, por la presencia de muchos pasajeros norteamericanos muertos en avión. Sólida, bien narrada y actuada, Bomba en el Pan Am 103 es de ese tipo de propuestas que buscan darle un sesgo documentado a lo que cuentan, con breves y necesarias intromisiones de la ficción. El caso tendrá consecuencias inusitadas y se extenderá en el tiempo, y eso le servirá a esta propuesta para indagar en ese cruce trágico en que los estados y las instituciones terminan interfiriendo en la vida de los individuos. Está lo político, está lo especulativo y está lo humano, en una miniserie a la que podríamos cuestionar solamente por su determinada frialdad, aunque se agradece en el fondo porque así se evitan destellos melodramáticos.

JUNTAS O MUERTAS (serie) creada por Tessa Coates, con Octavia Spencer, Hannah Waddingham, Ed Skrein. En Prime Video.

-Esta serie mezcla acción, espionaje, comedia y drama a partir de la relación de dos amigas, una de ellas agente especial a escondidas. Con un buen nivel de producción y secuencias de acción imaginativas que no eluden ciertos ecos a lo James Bond, Juntas o muertas es un relato sobre la amistad hecho para el lucimiento de sus dos protagonistas, Octavia Spencer y Hannah Waddingham.

Mar del Plata, una de las ciudades más filmadas de la Argentina, tanto por registros caseros de turistas y locales, como por producciones cinematográficas y publicitarias que eligen este destino por su belleza o su iconicidad. Mar del Plata, cuna del único festival de cine Clase A de la región y donde anualmente varios cientos de estudiantes deciden cursar carreras que tienen que ver con lo audiovisual. Mar del Plata, entonces, la ciudad que desde este 10 de agosto conmemorará por primera vez en su historia del Día del Realizador Audiovisual, convirtiéndose -según registros no oficiales- en la primera ciudad del país en conmemorar a la gente que piensa las imágenes en movimiento.

La elección del 10 de agosto no es azarosa, aunque sí tiene que ver con un hecho fortuito: hace unos años, mientras investigaba para un libro sobre salas de cine en la ciudad, el empleado municipal Rubén Viaro encontró en los depósitos del Archivo Histórico Municipal en Villa Mitre unas latas que contenían en su interior material fílmico. Difícil era saber a simple vista qué iban a encontrar ya que los rótulos no condecían con los registros. Sin embargo, unas que estaban etiquetadas con el nombre de Mateo Bonnin llevaron a la sorpresa: en las cintas había fotogramas de lo que parecía ser una película rodada en la Mar del Plata de las primeras décadas del Siglo XX.

Como si del final de Los cazadores del Arca Perdida se tratara, la apertura de las latas reveló algo tan histórico como fantástico, aunque afortunadamente nadie murió derretido aquí. Más bien, todo lo contrario. La investigación también involucró, entre otros, al realizador Miguel Monforte y a Mercedes Monteverde, que es familiar y biógrafa de Bonnin, lo que permitió profundizar en el origen del material encontrado. Se trataba de un largometraje titulado Agradable despertar, una producción en cinco actos que según indican los registros es el primer largometraje argumental producido en la ciudad, con dirección y actores locales, en locaciones icónicas como el Torreón del Monje, el Paseo Gral. Paz, Cabo Corrientes y los palacetes de la avenida Colón. ¿Su estreno? Claro que sí: el 10 de agosto… de 1924.

Antes de esa fecha histórica y fundacional, hay que decir que Bonnin fue un inmigrante balear que llegó a Sudamérica tras la muerte de sus padres. Luego de un paso por Perú, Brasil y Chile, finalmente arribó a Argentina en 1901, donde rápidamente comenzó a desempeñarse como fotógrafo y corresponsal. Es así como cuatro años después terminó radicándose en Mar del Plata, ciudad en la que abrió su primer estudio propio y donde se convirtió en un referente a la hora de retratar a la Belle Epoque local. Muchas de las imágenes que hemos visto de la Mar del Plata de antaño pertenecen a su lente.

Como muchos de los personajes de aquellos tiempos, además de fotógrafo Bonnin tenía vocación de emprendedor. Así fue como terminó instalando su primera sala de proyección, el Bar Cinematógrafo Bonnin, además de un biógrafo en Bahía Blanca junto a su cuñado Manuel Suárez. En su relación con Mar del Plata y los turistas, entre 1912 y 1913 publicó sus primeros álbumes de imágenes, y mantuvo su estudio tanto en la rambla de madera como en la nueva Rambla Francesa. Como distinción y para notar el grado de relevancia que tenía en la sociedad local, fue nombrado fotógrafo oficial del Mar del Plata Golf Club.

Apasionado de la imagen, Bonnin adquirió su propia cámara de cine para realizar los primeros registros documentales de la ciudad, material que dio origen al primer noticiero local. Sin embargo, su mayor hito llegó el 10 de agosto de 1924 con el estreno de su proyecto más ambicioso: el primer largometraje íntegramente marplatense. Ese día seguramente habrá sido muy importante en la vida de Bonnin, aunque tal vez nunca imaginó el grado de trascendencia que iba a tener. A más de un siglo, esa fecha comenzará a ser recordada e identificatoria de todos los que hacen producción audiovisual en Mar del Plata.

La concreción del Día del Realizador Marplatense, no obstante, llevó un largo camino administrativo que incluyó la declaración de la película como “de Interés” por el Concejo Deliberante de General Pueyrredon, además de la determinación de imponer el 10 de agosto como fecha conmemorativa. Mientras, se trabaja con el objetivo de avanzar en el proceso de recuperación y preservación de estas cintas y otras encontradas en la Villa Mitre. Una tarea que a decir de Miguel Monforte no es tan onerosa, pero sí requiere del interés del poder político local, de interpretar la importancia para la cultura de una ciudad de recuperar parte de su pasado a través de los fotogramas de la película de Bonnin.

Como una forma de celebrar, este lunes se realizará una charla conmemorativa y la exhibición del cortometraje recuperado Brisas del Atlántico, acompañados por una exposición sobre la preservación de archivos audiovisuales ante la migración tecnológica. Y habrá más actividades el miércoles 12 con una capacitación abierta de introducción a la postproducción de sonido y el viernes 14 con una muestra de cortometrajes de carreras y talleres locales.

SPIDER-MAN: UN NUEVO DÍA (película) dirigida por Destin Daniel Cretton, con Tom Holland, Zendaya, Mark Ruffalo. En cines.

-La cuarta película individual de Spider-Man viene a confirmar por qué el personaje es el más exitoso de todos los superhéroes en la taquilla de los cines mundiales. Básicamente, porque el personaje contiene una serie de conflictos cercanos con el espectador. Contra lo grandilocuente, a Peter Parker le duele el desamor, el olvido de sus amigos. Y con eso, esta película construye un relato algo extenso centrado en las consecuencias de los actos del personaje, cuando en la película anterior borró la mente de todo el mundo para evitar que algún otro ser querido resulte dañado. Claro, no lo logrará del todo porque en este mundo de gente poderosa no hay hechizo que sea imbatible. La película es cómica cuando debe serlo, tiene secuencias de acción muy creativas y suma un componente de melancolía que ya estaba presente en el final de la entrega anterior, pero aquí se precipita a toda la narración. Puede que tenga algunos problemas de guión, pero la esencia se mantiene. A los aciertos de la película, hay que sumarle la química alcanzada entre Holland, Zendaya y Batalon, que nos hacen olvidar por momentos lo virtual de todos estos asuntos de Marvel.

TED LASSO (serie) creada por Jason Sudeikis, Brendan Hunt y Joe Kelly, con Jason Sudeikis, Hannah Waddingham, Jeremy Swift. En AppleTV.

-Otro que volvió fue Ted Lasso, el famoso entrenador de la Premier League que se había retirado al final de la temporada 3 para dedicarse a lo familiar. Claro, el retiro no dura mucho, ni mucho menos la ansiedad de las plataformas por estirar aquello que funciona. Y el personaje (y varios otros) regresó para una cuarta temporada que lanzó AppleTV esta semana con un primer episodio mucho más dramático que cómico, centrado en la decisión bisagra que tendrá que tomar el personaje ante el ofrecimiento de volver a Inglaterra para entrenar un equipo de la Liga Femenina. Entre algunas obviedades discursivas, el regreso se sintió sin el timing del pasado y habrá que ver si a partir de los próximos episodios la serie recupera ese sentido del humor que la caracterizaba y la convirtió en una de las más exitosas de los últimos años. Por lo pronto un comienzo en piloto automático, surfeando sobre el carisma de sus personajes antes que encontrando algo interesante que contar.

LA INVITACIÓN (película) dirigida por Olivia Wilde, con Seth Rogen, Olivia Wilde, Penélope Cruz, Edward Norton. En cines.

-La nueva película de Wilde como directora trabaja sobre algunos esquemas reconocibles. Una pareja burguesa que evidente crisis invita a cenar a unos vecinos extravagantes, en una reunión que avanza sobre diversas incomodidades hasta que detona cuando lo íntimo, lo privado, se revela y los personajes comienzan a explorar un grado de sincericidio peligroso. El gran acierto de Wilde es afrontar esto como una comedia y, desde ahí, observar la psicología de cada personaje, especialmente el que interpreta ella y su pareja, Seth Rogen, en estado de gracia. Por momentos La invitación evade ciertas responsabilidades, pero cuando centra su mirada, aplica algunos golpes más que efectivos sobre cierta moral conservadora. Otro detalle para nada desdeñable es que la actriz y directora propone una puesta en escena dinámica, que haga olvidar la presencia de lo teatral, incluso con encuadres provocadores. También hay un trabajo afinadísimo con los diálogos, lo que evidencia un trabajo detrás de la película que busca un tono autoral a algo que podría ser más impersonal.

MALCOLM IN THE MIDDLE: LA VIDA SIGUE SIENDO INJUSTA (miniserie especial) creado por Linwood Boomer, con Frankie Muniz, Bryan Cranston, Jane Kaczmarek. En Disney+.

-Dos décadas después del final, una buena parte del elenco regular de la serie Malcolm in the middle se reunió para esta suerte de miniserie especial integrada por cuatro episodios de casi media hora. Y como podíamos esperarlo, el asunto no está a la altura porque más allá de intentar recuperar ese humor cáustico y virulento de la gran sitcom, los vientos de época convocan a cierta tibieza para no dañar a nadie. La excusa es el aniversario de bodas del matrimonio de Lois y Hal, el reencuentro familiar y la revelación de una gran mentira del neurótico Malcolm: para llevar una vida más o menos ordenada, le ocultó a su hija la existencia de su familia. Esto, que era una idea potencialmente divertida, se debilita en el último episodio, que cae en demasiadas concesiones melodramáticas, impropias del espíritu de la serie. Algunos momentos divertidos y, sí, la alegría de volver a ver algunos personajes que estaban en nuestro corazón.

THE DINK: PASIÓN POR EL PICKLEBALL (película) dirigida por Josh Greenbaum, con Jake Johnson, Mary Steenburgen, Aaron Chen. En AppleTV.

-Greenbaum es un gran director de comedias y Johnson es una estupendo comediante. Todo esto sumado a la presencia de Ben Stiller como productor (y reservándose un pequeño y divertido personaje) y a los creadores de Dodgeball, una de las mejores comedias deportivas de todos los tiempos, detrás del asunto, hacían prever que la película podía estar más que bien. Y realmente lo está, otra gran comedia deportiva, en este caso sobre un tenista fracasado que encuentra un horizonte en su vida de la manera menos esperada. No sólo hay chistes muy buenos, actuaciones y personajes memorables, sino algunas ideas osadas (la relación entre Johnson y Seenburgen) y la construcción de un universo que recuerda las mejores películas de Will Ferrell. Como frutilla del postre, la presencia de algunos ídolos del tenis que se divierten haciendo versiones exageradísimas de ellos mismos. Hay que verla.

Si miramos la taquilla por estos días, las dos primeras películas -al menos en cines argentinos- son Spider-Man: un nuevo día y La odisea. Son dos tanques millonarios, pero también dos propuestas opuestas en cuanto a sus ambiciones. Sin embargo, tienen una cosa en común: ambas están protagonizadas por Tom Holland. Uno de los actores más populares de su generación, el británico tiene tanto el carisma para convencer con su enésima interpretación de Peter Parker como el talento para interpretar a un Telémaco obsesionado con la figura de su padre en el film de Christopher Nolan. Cuando termine 2026, sin dudas, dos de las películas más vistas del año tendrán a Holland como figura principal.

Holland cumplió 30 años el pasado 1 de junio. Hasta el momento en el sitio especializado IMDB su nombre aparece relacionado con 44 proyectos previos, mientras que hay otros 3 en carpeta hacia el futuro. Y de esos 44, casi una decena están vinculados con películas de Spider-Man o del Universo Marvel, lo que sin dudas le ha dado al actor un nivel de exposición notable, pero también un condicionamiento: ¿hay vida por fuera de Marvel, de las películas de superhéroes y de Spider-Man? Holland lo intentó, trabajando en películas de autores o que requieren un compromiso dramático más intenso, aunque también buscó otros tanques para hacer pie en el cine comercial. Sin embargo, recién en este 2026 parece haber completado el círculo.

Lo hemos visto en tantas películas de Marvel, su figura es tan repetida en redes sociales, sobre todo por su romance con Zendaya, y pasa todo tan rápido que pareciera que Holland comenzó a actuar hace muchísimos años. Sin embargo, su primera película es de 2012 (algo curioso, comenzó en cine siendo ya adolescente ya que antes se dedicaba a la danza y el teatro, con éxito como protagonista de la versión sobre tablas de Billy Elliot). Claro, no debutó en cualquier película: lo hizo en Lo imposible, aquel dramón de supervivencia basado en hechos reales, dirigido por J.A. Bayona y protagonizado por dos estrellas como Naomi Watts e Ewan McGregor. Sin embargo, el británico logró resaltar.

Con semejante dramón en el origen de todo, nada hacía prever cuál iba a ser el camino del actor en el futuro. Sin embargo, no tardó mucho en confirmarse como el número puesto para tomar la posta de un nuevo Peter Parker. Fue el 23 de junio de 2015, apenas tres años después de su debut en cine, que Marvel lo confirmó oficialmente para interpretar al superhéroe más popular de todos. Tenía 19 años y su vida estaba a punto de cambiar para siempre. Cuentan que en el casting lo dio todo, incluyendo unas piruetas que sorprendieron a los presentes.

Holland se ganó el cariño del público desde la mismísima aparición del personaje en Captain America: Civil War. Ya para cuando se estrenó el primer film individual del héroe arácnido, todo el mundo sabía quién era Tom Holland. Y si bien el actor nunca renegó de la popularidad que alcanzó, tampoco de las películas, y se lo nota disfrutar mucho con la promoción de cada film, ha explorado en todos estos años caminos alternativos que lo puedan exhibir como algo más que el pibe que hace de Spider-Man.

Por un lado exploró películas de grandes directores o de nuevos autores, como En el corazón del mar o El diablo a todas horas, e incluso en series más complejas psicológicamente como The crowded room, pero no tuvo la respuesta que tal vez esperaba. También exploró en el mercado de los tanques y las franquicias con el objetivo de encontrar películas de alto perfil que le permitan correrse un poco de Marvel, pero tampoco funcionó. Tanto Uncharted: fuera del mapa como Caos: el inicio fueron dos films absolutamente fallidos que representaron un debut y despedida para ambos proyectos con ínfulas de saga.

Pero como quien espera la oportunidad, Holland sigue camino siempre con una sonrisa encima. Y ha mostrado su habilidad para insertarse en la industria, aunque alguna vez haya declarado que Hollywood le daba un poco de miedo. Por ejemplo en una reciente entrevista para el podcast Dish, el actor se mostró conforme con este presente que lo tiene como protagonista de dos de las películas más populares del año. “Cuando promocionas películas de las que estás muy orgulloso, es muy fácil. Porque cuando te preguntan por qué la gente debería ir a verla, no le mientes a nadie. De verdad crees que deberían verla. Ya me ha pasado antes que me pregunten: ‘¿Por qué deberías ver esta película?’, y en el fondo pienso: ‘No deberías, porque es una porquería’”. Honestidad brutal.

Después de 14 años de carrera, finalmente Holland parece haber cerrado el círculo: el éxito con una película híper industrial como Spider-Man: un nuevo día, pero también el éxito con una película de autor que seguramente aspirará a muchos premios el año próximo en los Oscars. Si bien el éxito nunca le faltó, es cierto que la búsqueda del prestigio es algo que muchos actores obsesiona, incluso los que no paran de pegar éxito tras éxito de taquilla. Después de tirar tantas sonrisas en ruedas de prensa y campañas promocionales de sus películas, la vida le devolvió en este 2026 una sonrisa él.

Cuando uno repasa la trayectoria de muchas de las estrellas de Hollywood, sin dudas se le escapa completamente la trayectoria de esta actriz que no participa de escándalos y mantiene un notable perfil bajo, y que con poco más de tres décadas sobre el lomo ostenta una de las carreras más impresionantes de la industria del cine norteamericano. Como que fue dirigida por James Mangold en El tren de las 3:10 a Yuma, por Todd Phillips en la trilogía de ¿Qué pasó ayer?, por Cameron Crowe en Un zoológico en casa y hasta por el mismísimo Steven Spielberg en Los Fabelman. Pavada de currículum.

Nuestra protagonista nació el 6 de mayo de 1994 y su debut fue en 1997, a los 3 años, en George de la selva, la adaptación de acción real protagonizada por Brendan Fraser, en la que fue una de las tantas comedias familiares que protagonizó, como la remake de Doctor Doolitle (y su secuela) junto a Eddie Murphy. Mencionamos a Fraser y Murphy, y a esta actriz sin dudas se le haría costumbre trabajar junto a comediantes, con los que logra una química sin igual, e incluso complementa siempre al servicio del capocómico de turno.

La actriz estuvo junto a Adam Sandler y Kevin James en El zoológico, también con Jim Carrey en Las locuras de Dick y Jane. Pero si tenemos que mencionar dos sagas donde tuvo un notable protagonismo, no podemos dejar de mencionar Una noche en el museo, donde brilló junto a Ben Stiller, y ¿Qué pasó ayer?, interactuando con Bradley Cooper, Ed Helms y Zach Galifianakis. En ¿Qué pasó ayer? tuvo algunos pasajes de humor incorrecto, una de sus especialidades desde su experiencia en la comedia escatológica American Pie de 1999.

Como toda estrella de estos tiempos, las series no le fueron un territorio desconocido. Tuvo una breve participación en Malcolm in the middle, junto a Frankie Muniz y Bryan Cranston, y una presencia mucho más extensa, apareciendo en varios capítulos, en Community. Dos grandes comedias televisivas, ya que básicamente ella es una actriz de comedia. Ken Jeong, compañero suyo tanto en Community como en ¿Qué pasó ayer?, no tuvo problemas en calificarla como “posiblemente la mejor intérprete con la que he trabajado”.

Cuentan que por su participación en la serie Animal practice tuvo un sueldo altísimo para una figura no tan popular, al cobrar alrededor de $12.000 dólares por episodio, superando el salario de muchos de los actores secundarios. No es para menos, ya que es una suerte de amuleto: las películas en las que participó fueron nominadas y hasta ganaron cuantiosos premios, pero además una taquilla total de entre $3500 a $4000 millones de dólares.

Como a esta altura se estarán preguntando a quién nos estamos refiriendo, les develaré el misterio diciéndoles que se trata nada más y nada menos que de Crystal the Monkey, un ejemplar de mono capuchino que es la actriz animal más famosa, prolífica y mejor pagada de la historia moderna de Hollywood. Actualmente vive y es entrenada por Tom Gunderson, con quien comparte casa en California junto a otros animales actores. Y recientemente la vimos en Bad Monkey junto a Vince Vaughn, donde interpreta a Driggs, y posiblemente regrese en la segunda temporada.  

HERMANITO (película) dirigida por Matt Spicer, con John Cena, Eric André, Michelle Monaghan. En Netflix.

-Tal vez la comedia norteamericana quiera dar vuelta de página al asedio del wokismo global, o tal vez sea sólo una ilusión. Lo cierto, es que Hermanito es una película que acierta más de lo que falla y que recupera algunas superficies humorísticas que creíamos perdidas. Aquí la clásica rivalidad entre el control y el caos, una disputa con historia dentro de la comedia. En este caso, un empresario de bienes raíces recibe el asedio de un hombre que, cuando joven, había adoptado en el marco de un programa de hermanos mayores para ayudar a chicos con problemas. La comedia funciona porque Cena (el control) y André (el caos) juegan bien sus papeles, con algunos momentos que hacen recordar el cine de los hermanos Farrelly, maestros de la escatología y la incorrección. Aunque seguramente cuando mejor termina haciendo lo suyo esta película es en el último acto, donde a la habitual sensiblería en la que caen muchas de estas comedias le responde con una buena dosis de humor irreverente. No perfecta, pero sí un poco por encima de muchas de las comedias contemporáneas.

EL HALCÓN (serie), creada por Will Ferrell, Chris Henchy y Harper Steele, con Will Ferrell, Molly Shannon, Jimmy Tatro. En Netflix.

-Otra vez la comedia intentando volver a lugares donde fuimos más felices. En este caso Will Ferrell, enorme comediante, quien juega a un golfista bastante impresentable en su intento por recuperar un lugar en la cima del deporte. No es difícil leer entre líneas y pensar cómo el mismo Ferrell está intentando, él también, volver a su mejor forma cómica. Y la serie lo logra por momentos, cuando se apodera de la situación el absurdo y el comediante se deja llevar a situaciones insostenibles. Claro que se extrañan las mejores épocas y en ocasiones, también, que el personaje de Ferrell gane demasiada conciencia de lo que sucede, cuando lo mejor que pasaba con el comediante era cuando precisamente sus criaturas se desacoplaban de la realidad. Igualmente, con un par de grandes momentos por episodio, al actor le alcanza para sobresalir.

MALCOLM IN THE MIDDLE (serie), creada por Linwood Boomer, con Frankie Muniz, Bryan Cranston, Jane Kaczmarek. En Disney+.

-Si como en mi caso usted es de los que dejó pasar esta serie en su momento, sepa que la puede recuperar entera en Disney+ y que la experiencia no sólo es gratificante, sino mucho mejor de lo imaginado. Una familia disfuncional (de una época donde las familias disfuncionales afloraban en el cine y la televisión, verbigracia Los Simpson) observada por los ojos de uno de sus hijos, en una serie de viñetas de vida urbana que le da el protagónico a una clase laburante sin muchas luces. La serie no sólo es graciosísima y muy pareja en su nivel a lo largo de siete temporadas, sino que además aporta un espíritu satírico y descontrolado, como si el tono del dibujo animado se apoderada por momentos de las situaciones. Salvaje, sarcástica, con un humor negro que por momentos bordea la incomodidad, Malcolm in the middle es además una serie anti-moralina con un grupo de personajes que no terminan aprendiendo ninguna lección. 

AVATAR: LA LEYENDA DE AANG (serie) creada por Michael Dante DiMartino, con Gordon Cormier, Kiawentiio, Ian Ousley. En Netflix.

-La idea del salvador es propia de algunos imaginarios religiosos y la historia de Avatar sigue en esa senda, con su protagonista en viaje trascendente hacia aprender a manipular todos los elementos que existen en la naturaleza y, de paso, confirmar que es el elegido. Tras una primera temporada que padecía un poco el peso de las explicaciones, en esta segunda temporada la aventura se da de entrada. Avatar: la leyenda de Aang es adaptación de una vieja serie animada que ya tuvo un fracasado traspaso al cine de la mano de M. Night Shyamalan y que no termina de encontrar aquí, entre episodios demasiado largos, una recreación que carece de real vida más allá de su perfecta copia y conflictos que se repiten entre los protagonistas, un camino sólido que la vuelva más que un aceptable entretenimiento. En todo caso, padece los mismos problemas que otras fantasías de Netflix.

THE NEIGHBORHOOD (serie) creada por Jim Reynolds, con Cedric The Entertainer, Max Greenfield, Sheaun McKinney. En Paramount+.

-El panorama de la sitcom tradicional actual es bastante desolador, con pocos ejemplos de series que realmente valgan la atención. The Neighborhood no es precisamente una obra maestra ni nos va a hacer olvidar a Friends y Seinfeld, pero tiene algunas cosas atractivas en su propia premisa: básicamente la experiencia de una pareja de blancos en un barrio de negros. Y desde ahí, todo el humor racial que no teme en meterse en algunas incomodidades o reírse de los lugares comunes y los clichés. Cedric The Entertainer y Max Greenfield tienen gran química juntos y además conocen el género. Este año se estrenó la octava y última temporada, y bien vale pegarle una mirada.  

El pasado jueves 16 cumplió 59 años Will Ferrell, el más talentoso comediante norteamericano del Siglo XXI. Y no puedo pensar algo más notable, para alguien que ha hecho del absurdo y el sinsentido una marca registrada como el protagonista de El reportero, que la fecha de su natalicio haya coincidido con el estreno de La odisea, nueva película del plomífero Christopher Nolan, alguien que si ve un chiste venir se cruza a la vereda de enfrente. Coincidencia nada rara para un tipo que ha hecho de los personajes extravagantes su marca personal.

Ferrell se hizo famoso a partir de su incursión en el icónico programa Saturday Night Live!, aunque sus comienzos no fueron para nada promisorios. Arrancó en 1995 y estuvo siete temporadas, hasta 2002, donde pasó de ser el miembro más odiado y maltratado del elenco al mejor pago de todos. Para su última temporada, cobró un cachet de 350.000 dólares, rompiendo con la regla impuesta por el productor Lorne Michaels de no excederse con los salarios. Ahora que Ferrell tiene una carrera consagrada en cine y que se ha convertido en un humorista popular, que incluso puede hacer comedias familiares como Guerra de papás, es difícil entender por qué le costó tanto instalarse. Pero no es tan extraño, si pensamos en el tipo de personajes que construyó desde siempre.

Como muestra, decir que en su audición para el programa llevó juguetes para mascotas y se tiró al piso, simulando ser un gato y se puso a jugar con ellos. Nadie pensó que pasaría la prueba, pero algo en la intuición de Michaels decía que había ahí mucho talento. Durante los primeros años, Ferrell llevó adelante personajes de este estilo, extraños, gritones, molestos, incómodos. Un tipo de humor que lleva a pensar siempre en la duda de si hay que reírse y que no concuerdan con su propio aspecto: Ferrell era empleado de un banco y tenía (o tiene) el perfil de un ciudadano normal y corriente, alejado del grado de locura que uno supone en comediantes dentro de ese registro. Sin embargo, en su confianza casi religiosa al absurdo, había un acto de fe que no tardó en imponerse de a poco.

Si bien podemos citar muchas de sus películas, incluso reconocer que su primera etapa está integrada por una maravilla detrás de otra como Elf, El reportero, Semipro, Casa de mi padre, Hermanastros y tantas otras joyas, hay un sketch del SNL! que sintetiza perfectamente el secreto del humor Ferrell. Es conocido como More cowbell (aunque en verdad su título oficial es Recording session) y se emitió el 8 de abril de 2000. Es una pequeña pieza de humor, de las tantas que han transitado por ese programa de más de cinco décadas, que sin embargo se ha elevado a un lugar impensado como uno de los momentos humorísticos claves para pensar el humor norteamericano, un trozo enorme y significativo de la cultura popular del Siglo XXI. De hecho, es celebrado como uno (si no el mejor) de los sketches del programa en toda su historia y hasta ha merecido textos de intelectuales que lo analizan minuciosamente.

More cowbell es simple: es una parodia musical que imagina la grabación del tema The reaper de la banda Blue Öyster Cult, una sesión en la que el productor Bruce Dickinson, interpretado por Christopher Walken (una de las claves del éxito) entra una y otra vez al estudio para interrumpir y exigir que el tema tenga “more cowbell”, más cencerro. Para muchos la candencia al hablar de Walken en un contexto tan absurdo es fundamental para que el sketch sea tan divertido, sobre todo cuando tira frases como “I got a fever, and the only prescription is more cowbell”.

Cuenta la leyenda que el origen del sketch es una obsesión del propio Ferrell, que cuando niño escuchaba la canción y se preguntaba qué era de la vida del tipo que tocaba el cencerro. Una pregunta que claramente se haría alguien con el poder de observación propio de un gran comediante y, encima, de uno apasionado por el absurdo. Claro que nada fue tan sencillo para el actor, ya que el sketch fue rechazado varias veces antes de ser aceptado en la mesa de guionistas del show. Claro, a esa altura Ferrell ya era una celebridad y mejor convenía hacerle caso a su ojo avizor para el humor.

Así las cosas, Ferrell terminó interpretando al ficticio Gene Frenkle, el encargado de tocar el cencerro con una pasión que ya quisiéramos tener para todo lo que hacemos en la vida. Dicen que durante las pruebas, que se hacían con público, la cosa no funcionó tanto. Y que todo terminó de explotar con -otra vez- una ocurrencia del propio Ferrell: un detalle de vestuario que hizo estallar no sólo al público, sino a sus propios compañeros, como se los puede ver a Jimmy Fallon y Chris Kattan mordiéndose los labios para no reír. Ese detalle fue nada más y nada menos que la cortísima remera que usa el personaje, que deja al descubierto la rubicunda panza del comediante mientras se zarandea y toca el cencerro por lo alto ante cada exigencia del productor.

A simple vista, como la mejor comedia, More cowbell puede ser visto como una tremenda estupidez. Pero en sus grietas y niveles, el corto es una clase magistral de comedia, que suma elementos, desde aquellos observacionales como detenerse en la presencia de un ejecutante del cencerro, a una remera que pone en imagen todo el ridículo que la situación tiene en sí, y una apelación al humor físico e incómodo, especialidad del actor. Obviamente, todo funciona por la repetición y la exageración de algo que se va de las manos y se repite inexplicablemente. Y es todo tan surreal que los integrantes de la verdadera Blue Öyster Cult contaban cómo muchos se acercaban en sus shows para preguntarles por el desgraciado Gene Frenkle.

De hecho, el propio Walken ha contado -no sin humor- cómo este sketch le arruinó la vida. En una entrevista con Conan O’Brien narró una anécdota en la que de visita por Singapur, fue a un restaurante y uno de los comensales cercanos le gritó algo así como que “esta comida le falta más cencerro”. Incluso Ferrell comentó que se ha cruzado con Walken y le dijo que ese sketch lo tenía harto ya que a cualquier lugar al que va la gente le grito aquello de “¡more cowbell!”.

Este sketch es por lo tanto una síntesis del genio de un comediante inigualable. Y también una invitación a lo mejor de la comedia, a soltar la pose y las apariencias, y dejarse llevar por el insano placer de reírse descontroladamente de la cosa más insólita. El humor de Will Ferell invita constantemente a eso, a descubrir esos pliegues donde la vida y su seriedad pierden sentido y no nos queda más que exigirle, sí, ¡more cowbell!  

LA ODISEA (película) dirigida por Christopher Nolan, con Matt Damon, Tom Holland, Robert Pattinson. En cines.

-Tras todo el ruido que se generó desde el anuncio de su producción, finalmente llegó La odisea de Nolan, con su kilométrica duración y su kilométrico elenco. La adaptación del texto atribuido a Homero tiene todos los defectos y las pocas virtudes del director de El origen. Es decir, por un lado la solemnidad galopante, la seriedad marmórea, y por el otro su testarudez en la puesta en escena que lo lleva a diseños de producción que hacen añorar el cine de antaño, cuando las cosas no eran tan digitales y las películas aspiraban a la verdad. A diferencia de otras películas, Nolan no cae tanto en subrayados y sobreexplicaciones, lo que lo suelta un poco más al poder de las imágenes y la aventura. Sin embargo, ahí están las parrafadas y algunos monólogos para explicar de manera un tanto repetitiva los conflictos de los personajes. La odisea se impone en dos o tres secuencias donde Nolan juega con el horror y en la actuación de Damon, verdadero sostén del relato como ese Odiseo que regresa a casa tras varias, demasiadas batallas. Un film correcto, aceptable, lastrado por una gravedad que puede ser comprensible dados los temas que aborda, pero a la que Nolan no hace mucho por sacar su letargo.

LUCKY (serie) creada por Jonathan Tropper, con Anya Taylor-Joy, Annette Bening, Clifton Collins Jr. En AppleTV.

-A partir de sus apariciones públicas, Anya Taylor-Joy es una de las estrellas del momento. Su carrera todavía no la constituye como tal, pero hoy las cosas parecen ir por caminos diferentes a los que antes consagraban a las figuras. Así las cosas, la actriz sigue buscando un destino y se pone al frente de Lucky, serie en la que interpreta a una joven bandida que es traicionada por su novio y comienza una fuga escapando tanto de unos mafiosos que la buscan para eliminarla como de las autoridades. Lanzada hace días con dos episodios, la serie es un relato de acción sólido, con algunas secuencias de persecuciones muy bien filmadas y un protagónico excluyente de la actriz, a la que por momentos le queda un poco forzado el look pendenciero que le intentan imponer. Si bien desde el montaje y los encuadres Lucky se pretende algo más que una de acción, por ahora lo que sobresale es la adrenalina. Veremos si saben mantener la tensión, pero es en todo caso una rareza dentro de la producción actual.

LA EXTRAORDINARIA VIDA DE ELEANOR (película) dirigida por Scarlett Johansson, con June Squibb, Erin Kellyman, Chiwetel Ejiofor. En HBO Max.

-Scarlett Johansson dirigió su primer largometraje, una sólida comedia dramática que sólo cede cuando hacia el final la gravedad del asunto se impone. Aquí se vale de la extraordinaria June Squibb, una actriz veteranísima que anda por su novena década, quien interpreta a una mujer que sufre la muerte de su mejor amiga, sobreviviente del Holocausto, y no tiene mejor idea que suplantar su vida en reuniones de autoayuda de otros sobrevivientes. Sobre la base de un elemento constitutivo de la comedia, como es la mentira y cómo sostenerla, Johansson construye un relato sobre el dolor, sobre el dolor propio, el ajeno y cuál es la posibilidad de transferir esas experiencias. Lo bueno es que durante buena parte del metraje lo hace con humor y picardía. Como dijimos, al final se pone demasiado grave, pero ya nos había ganado de antemano así que no nos queda otra que llegar hasta el final.

LARRY Y LA BÚSQUEDA DE LA FELICIDAD (serie) creada por Larry David y Jeff Schaffer, con Larry David, Samuel L. Jackson, Jake Reiner. En HBO Max.

-Larry David es uno de los más grandes escritores de comedia de todos los tiempos. Y es también un aceptable actor, que funciona mejor cuando encuentra el medio para exponer su personaje recurrente de cascarrabias y arribista. Aquí el intento es ambicioso: plantearse como un observador de la historia norteamericana para, a través de sketches, hacer una suerte de síntesis absurda de eventos reconocibles. Hay que decir que en este mismo intento fracasó Mel Brooks, cuando hizo aquella Loca Historia del Mundo Parte I y le vuelve a suceder a David. Si bien algunas observaciones son ocurrentes y tienen el sello de su humor, algo falla en la ejecución. Todo está puesto deliberadamente en el texto y la puesta en escena es decididamente perezosa, en un registro televisivo de lo peor. La comedia surge en cuentagotas y, teniendo en cuenta el tenor de los involucrados, es algo más que una decepción.

BAD MONKEY (serie) creada por Bill Lawrence, con Vince Vaughn, Natalie Martinez, L. Scott Caldwell. En AppleTV.

-Esta serie es del año pasado pero, como dicen, nunca es tarde cuando la dicha es buena. Vince Vaughn se pone al frente en esta comedia policial que lo tiene como un detective suspendido que termina volviendo a la acción con la aparición de un brazo amputado en las playas de Miami. El comediante está en su salsa con un personaje que le sienta como anillo al dedo (verborrágico y pendenciero), mientras a su alrededor orbitan más criaturas de un universo que tiene cambios de tono constante y, llamativamente, no fracasa en el intento. Por un lado tenemos la comedia, por otro el policial con algunos elementos absurdos y finalmente una subtrama relacionada con supersticiones y hechicería. Todo confluye en la senda del bien porque en la producción está Bill Lawrence, el de Ted Lasso, Shrinking y Rooster, quien sabe del desarrollo de personajes con dosis de patetismo pero igualmente encantadores. Aquí, además, usa las reglas del noir para subvertirlas a puro sol miamense. Una grata experiencia que tiene segunda temporada confirmada.

Para la industria cinematográfica, 2026 será recordado como el año en el que dos películas de terror de muy bajo presupuesto y dirigidas por realizadores veinteañeros marcaron el norte respecto de hacia dónde debería dirigirse el negocio. Obsesión y Backrooms, de Curry Baker y Kane Parsons respectivamente, se convirtieron en dos fenómenos de taquilla impensados en un año donde la industria tenía otras expectativas. Pero, sorpresas te da la vida, detrás de estos sucesos hay otros asuntos que le dan más condimento al asunto y retuercen esa guerra declarada entre Hollywood y las plataformas.

Si el cine en el cine viene librando batallas desde los tiempos del VHS y la televisión por cable, nunca como desde la década pasada encontró un oponente tan duro como con las plataformas y su amplia oferta de películas y series para ver en la comodidad del hogar. Y si durante años la premonición indicaba que la batalla podía perderse, con la pandemia y el cierre sanitario de las salas el proceso se aceleró y en nuestros días nos preguntamos cuál es el futuro de los cines. Lo irónico es que este pequeño oasis que brindan estas dos propuestas de terror para los exhibidores del mundo tiene origen en la pantalla chica de YouTube.

Obsesión fue dirigida por Curry Barker, un youtuber de 26 años que en 2023 había escrito y dirigido el cortometraje de terror The chair y lo había subido a la plataforma, donde tuvo nada más y nada menos que diez millones de reproducciones. Ni lento ni perezoso el productor James Harris vio que había algo potencial ahí y lo convocó para adaptar el corto a largometraje. Sin embargo, la respuesta de Barker fue ambiciosa: le presentó otro proyecto, que a la postre sería Obsesión, la historia de un joven que desea que su amor platónico lo quiera más que a nada y las cosas se le van de las manos.

Con un presupuesto de apenas 750.000 dólares, la película se convirtió en un fenómeno del boca en boca que funcionó tanto en el mercado doméstico como en el internacional. A esta fecha lleva recaudados 408.957.400 de dólares y como dato extraordinario, hay que señalar que desde 1982, con el estreno de ET, el extraterrestre de Steven Spielberg (recuerden este nombre, ya volveremos a él), no sucedía que una película aumentara su taquilla en la segunda y en la tercera semana de exhibición.

La película, celebrada por el público y por la crítica, ya convirtió a Barker en una pequeña estrella, lo cual es devuelto con una pulsión por el trabajo que ya lo tiene en la sala de montaje editando Anything but ghosts, su nuevo film, mientras ya fue contratado para dirigir una nueva versión de La masacre de Texas.

Con diferencias mínimas, la de Kane Parsons es una historia bastante similar. En este caso estamos ante un director incluso más joven, de apenas 20 años, que se hizo cargo del proyecto Backrooms, una película de terror que suscribe más a la línea del terror de autor y que es una extensión del universo que ya había plasmado en -claro que sí- YouTube. Backrooms responde a una suerte de concepto relacionado con los “creepypasta”, que para los neófitos son como las leyendas urbanas del Siglo XXI, extendidas a través de Internet y las redes sociales.

En el caso de Parsons contó con el apoyo de la gran productora A24, la líder en lo que tiene que ver hoy por hoy con el cine de autor norteamericano, lo que permitió un elenco de nombres importantes como los de Chiwetel Ejiofor, Renate Reinsve (nominada al Oscar este año) y Mark Duplass. Con un presupuesto estimado de 10.000.000 de dólares, la película ya lleva recaudados unos 362.341.798 de dólares a nivel mundial, convirtiéndose en la película más taquillera de la historia del estudio. Otro éxito descomunal.

Mientras Parsons disfruta las mieles del suceso comercial con su película, lanzó una nueva serie por YouTube, titulada The oldest view, que sigue la exploración de un centro comercial subterráneo abandonado.

Si bien se puede llegar a elucubrar que estos sucesos serían imposibles por fuera del género terror, ya que sus autores exploran temas y elementos de rápida absorción a través de las redes sociales, generando un público cautivo que es el que evidentemente se lanzó a las salas, también es cierto que el éxito responde a fenómenos que están atravesando actualmente el consumo audiovisual. Contra realizadores formados en el ámbito académico, surgen estos con un contacto inmediato con su público, que incluso tienen la habilidad de saber trabajar con herramientas más artesanales y económicas que las de la industria.

En un año donde películas como Superchica o ¡La novia!, con presupuestos cuantiosos y estrellas con currículum, fracasaron y ni siquiera llegaron a recuperar lo invertido, la industria de Hollywood se rinde ante estos fenómenos que no sólo son taquilleros, sino que además gustan a la crítica y los espectadores. La vio Steven Spielberg, quien durante la gira promocional de su película El día de la revelación, celebró el éxito de estas películas y la aparición de nuevos realizadores.

Tanto la vio, que se conoció hace semanas que será productor de la adaptación cinematográfica de la serie The Mandela Catalogue, otro fenómeno de horror surgido en YouTube, dirigido por Alex Kister, otro joven de apenas 22 años. The Mandela Catalogue se lanzó en 2021 y acumula más de 100.000.000 de visualizaciones. Trabaja atmósferas y tonos similares a los de Backrooms y se presenta como el próximo éxito de bajo presupuesto para el género el próximo año.

Si bien estamos en una época sobregirada donde todo parece ser lo primero que ocurre en la historia de la humanidad, no hay que dejarse engañar con espejitos de colores y habrá que esperar por lo próximo de Curry Baker y Kane Parsons para saber si son dos talentos naturales o apenas golondrinas de un solo verano. De hecho, fenómenos como estos no son la primera vez que suceden: en 1999 se estrenó una pequeña película de terror con un presupuesto de 60.000 dólares que terminó recaudando más de 400.000.000 a nivel mundial. La película se llamó El proyecto Blair Witch y también supo construirse sobre las posibilidades del marketing a través de Internet.

Por entonces no existía YouTube, pero sí foros y demás espacios donde los directores crearon una promoción infalible en la que mucha gente creyó que lo que contaba la película era real. Sus directores fueron Daniel Myrick y Eduardo Sánchez, y también por aquellos tiempos fueron promocionados como los nuevos geniecillos de la industria. De más está decir que hoy tenemos que buscar en IMDB sus nombres porque nadie se acuerda de ellos. Habrá que ver si la historia vuelve a repetirse o si, por el contrario, Hollywood termina encontrando respuestas a la encerrona que le plantean las plataformas reclutando realizadores de ese mundo virtual y artesanal.