Mar del Plata, una de las ciudades más filmadas de la Argentina, tanto por registros caseros de turistas y locales, como por producciones cinematográficas y publicitarias que eligen este destino por su belleza o su iconicidad. Mar del Plata, cuna del único festival de cine Clase A de la región y donde anualmente varios cientos de estudiantes deciden cursar carreras que tienen que ver con lo audiovisual. Mar del Plata, entonces, la ciudad que desde este 10 de agosto conmemorará por primera vez en su historia del Día del Realizador Audiovisual, convirtiéndose -según registros no oficiales- en la primera ciudad del país en conmemorar a la gente que piensa las imágenes en movimiento.

La elección del 10 de agosto no es azarosa, aunque sí tiene que ver con un hecho fortuito: hace unos años, mientras investigaba para un libro sobre salas de cine en la ciudad, el empleado municipal Rubén Viaro encontró en los depósitos del Archivo Histórico Municipal en Villa Mitre unas latas que contenían en su interior material fílmico. Difícil era saber a simple vista qué iban a encontrar ya que los rótulos no condecían con los registros. Sin embargo, unas que estaban etiquetadas con el nombre de Mateo Bonnin llevaron a la sorpresa: en las cintas había fotogramas de lo que parecía ser una película rodada en la Mar del Plata de las primeras décadas del Siglo XX.

Como si del final de Los cazadores del Arca Perdida se tratara, la apertura de las latas reveló algo tan histórico como fantástico, aunque afortunadamente nadie murió derretido aquí. Más bien, todo lo contrario. La investigación también involucró, entre otros, al realizador Miguel Monforte y a Mercedes Monteverde, que es familiar y biógrafa de Bonnin, lo que permitió profundizar en el origen del material encontrado. Se trataba de un largometraje titulado Agradable despertar, una producción en cinco actos que según indican los registros es el primer largometraje argumental producido en la ciudad, con dirección y actores locales, en locaciones icónicas como el Torreón del Monje, el Paseo Gral. Paz, Cabo Corrientes y los palacetes de la avenida Colón. ¿Su estreno? Claro que sí: el 10 de agosto… de 1924.

Antes de esa fecha histórica y fundacional, hay que decir que Bonnin fue un inmigrante balear que llegó a Sudamérica tras la muerte de sus padres. Luego de un paso por Perú, Brasil y Chile, finalmente arribó a Argentina en 1901, donde rápidamente comenzó a desempeñarse como fotógrafo y corresponsal. Es así como cuatro años después terminó radicándose en Mar del Plata, ciudad en la que abrió su primer estudio propio y donde se convirtió en un referente a la hora de retratar a la Belle Epoque local. Muchas de las imágenes que hemos visto de la Mar del Plata de antaño pertenecen a su lente.

Como muchos de los personajes de aquellos tiempos, además de fotógrafo Bonnin tenía vocación de emprendedor. Así fue como terminó instalando su primera sala de proyección, el Bar Cinematógrafo Bonnin, además de un biógrafo en Bahía Blanca junto a su cuñado Manuel Suárez. En su relación con Mar del Plata y los turistas, entre 1912 y 1913 publicó sus primeros álbumes de imágenes, y mantuvo su estudio tanto en la rambla de madera como en la nueva Rambla Francesa. Como distinción y para notar el grado de relevancia que tenía en la sociedad local, fue nombrado fotógrafo oficial del Mar del Plata Golf Club.

Apasionado de la imagen, Bonnin adquirió su propia cámara de cine para realizar los primeros registros documentales de la ciudad, material que dio origen al primer noticiero local. Sin embargo, su mayor hito llegó el 10 de agosto de 1924 con el estreno de su proyecto más ambicioso: el primer largometraje íntegramente marplatense. Ese día seguramente habrá sido muy importante en la vida de Bonnin, aunque tal vez nunca imaginó el grado de trascendencia que iba a tener. A más de un siglo, esa fecha comenzará a ser recordada e identificatoria de todos los que hacen producción audiovisual en Mar del Plata.

La concreción del Día del Realizador Marplatense, no obstante, llevó un largo camino administrativo que incluyó la declaración de la película como “de Interés” por el Concejo Deliberante de General Pueyrredon, además de la determinación de imponer el 10 de agosto como fecha conmemorativa. Mientras, se trabaja con el objetivo de avanzar en el proceso de recuperación y preservación de estas cintas y otras encontradas en la Villa Mitre. Una tarea que a decir de Miguel Monforte no es tan onerosa, pero sí requiere del interés del poder político local, de interpretar la importancia para la cultura de una ciudad de recuperar parte de su pasado a través de los fotogramas de la película de Bonnin.

Como una forma de celebrar, este lunes se realizará una charla conmemorativa y la exhibición del cortometraje recuperado Brisas del Atlántico, acompañados por una exposición sobre la preservación de archivos audiovisuales ante la migración tecnológica. Y habrá más actividades el miércoles 12 con una capacitación abierta de introducción a la postproducción de sonido y el viernes 14 con una muestra de cortometrajes de carreras y talleres locales.

SPIDER-MAN: UN NUEVO DÍA (película) dirigida por Destin Daniel Cretton, con Tom Holland, Zendaya, Mark Ruffalo. En cines.

-La cuarta película individual de Spider-Man viene a confirmar por qué el personaje es el más exitoso de todos los superhéroes en la taquilla de los cines mundiales. Básicamente, porque el personaje contiene una serie de conflictos cercanos con el espectador. Contra lo grandilocuente, a Peter Parker le duele el desamor, el olvido de sus amigos. Y con eso, esta película construye un relato algo extenso centrado en las consecuencias de los actos del personaje, cuando en la película anterior borró la mente de todo el mundo para evitar que algún otro ser querido resulte dañado. Claro, no lo logrará del todo porque en este mundo de gente poderosa no hay hechizo que sea imbatible. La película es cómica cuando debe serlo, tiene secuencias de acción muy creativas y suma un componente de melancolía que ya estaba presente en el final de la entrega anterior, pero aquí se precipita a toda la narración. Puede que tenga algunos problemas de guión, pero la esencia se mantiene. A los aciertos de la película, hay que sumarle la química alcanzada entre Holland, Zendaya y Batalon, que nos hacen olvidar por momentos lo virtual de todos estos asuntos de Marvel.

TED LASSO (serie) creada por Jason Sudeikis, Brendan Hunt y Joe Kelly, con Jason Sudeikis, Hannah Waddingham, Jeremy Swift. En AppleTV.

-Otro que volvió fue Ted Lasso, el famoso entrenador de la Premier League que se había retirado al final de la temporada 3 para dedicarse a lo familiar. Claro, el retiro no dura mucho, ni mucho menos la ansiedad de las plataformas por estirar aquello que funciona. Y el personaje (y varios otros) regresó para una cuarta temporada que lanzó AppleTV esta semana con un primer episodio mucho más dramático que cómico, centrado en la decisión bisagra que tendrá que tomar el personaje ante el ofrecimiento de volver a Inglaterra para entrenar un equipo de la Liga Femenina. Entre algunas obviedades discursivas, el regreso se sintió sin el timing del pasado y habrá que ver si a partir de los próximos episodios la serie recupera ese sentido del humor que la caracterizaba y la convirtió en una de las más exitosas de los últimos años. Por lo pronto un comienzo en piloto automático, surfeando sobre el carisma de sus personajes antes que encontrando algo interesante que contar.

LA INVITACIÓN (película) dirigida por Olivia Wilde, con Seth Rogen, Olivia Wilde, Penélope Cruz, Edward Norton. En cines.

-La nueva película de Wilde como directora trabaja sobre algunos esquemas reconocibles. Una pareja burguesa que evidente crisis invita a cenar a unos vecinos extravagantes, en una reunión que avanza sobre diversas incomodidades hasta que detona cuando lo íntimo, lo privado, se revela y los personajes comienzan a explorar un grado de sincericidio peligroso. El gran acierto de Wilde es afrontar esto como una comedia y, desde ahí, observar la psicología de cada personaje, especialmente el que interpreta ella y su pareja, Seth Rogen, en estado de gracia. Por momentos La invitación evade ciertas responsabilidades, pero cuando centra su mirada, aplica algunos golpes más que efectivos sobre cierta moral conservadora. Otro detalle para nada desdeñable es que la actriz y directora propone una puesta en escena dinámica, que haga olvidar la presencia de lo teatral, incluso con encuadres provocadores. También hay un trabajo afinadísimo con los diálogos, lo que evidencia un trabajo detrás de la película que busca un tono autoral a algo que podría ser más impersonal.

MALCOLM IN THE MIDDLE: LA VIDA SIGUE SIENDO INJUSTA (miniserie especial) creado por Linwood Boomer, con Frankie Muniz, Bryan Cranston, Jane Kaczmarek. En Disney+.

-Dos décadas después del final, una buena parte del elenco regular de la serie Malcolm in the middle se reunió para esta suerte de miniserie especial integrada por cuatro episodios de casi media hora. Y como podíamos esperarlo, el asunto no está a la altura porque más allá de intentar recuperar ese humor cáustico y virulento de la gran sitcom, los vientos de época convocan a cierta tibieza para no dañar a nadie. La excusa es el aniversario de bodas del matrimonio de Lois y Hal, el reencuentro familiar y la revelación de una gran mentira del neurótico Malcolm: para llevar una vida más o menos ordenada, le ocultó a su hija la existencia de su familia. Esto, que era una idea potencialmente divertida, se debilita en el último episodio, que cae en demasiadas concesiones melodramáticas, impropias del espíritu de la serie. Algunos momentos divertidos y, sí, la alegría de volver a ver algunos personajes que estaban en nuestro corazón.

THE DINK: PASIÓN POR EL PICKLEBALL (película) dirigida por Josh Greenbaum, con Jake Johnson, Mary Steenburgen, Aaron Chen. En AppleTV.

-Greenbaum es un gran director de comedias y Johnson es una estupendo comediante. Todo esto sumado a la presencia de Ben Stiller como productor (y reservándose un pequeño y divertido personaje) y a los creadores de Dodgeball, una de las mejores comedias deportivas de todos los tiempos, detrás del asunto, hacían prever que la película podía estar más que bien. Y realmente lo está, otra gran comedia deportiva, en este caso sobre un tenista fracasado que encuentra un horizonte en su vida de la manera menos esperada. No sólo hay chistes muy buenos, actuaciones y personajes memorables, sino algunas ideas osadas (la relación entre Johnson y Seenburgen) y la construcción de un universo que recuerda las mejores películas de Will Ferrell. Como frutilla del postre, la presencia de algunos ídolos del tenis que se divierten haciendo versiones exageradísimas de ellos mismos. Hay que verla.

Si miramos la taquilla por estos días, las dos primeras películas -al menos en cines argentinos- son Spider-Man: un nuevo día y La odisea. Son dos tanques millonarios, pero también dos propuestas opuestas en cuanto a sus ambiciones. Sin embargo, tienen una cosa en común: ambas están protagonizadas por Tom Holland. Uno de los actores más populares de su generación, el británico tiene tanto el carisma para convencer con su enésima interpretación de Peter Parker como el talento para interpretar a un Telémaco obsesionado con la figura de su padre en el film de Christopher Nolan. Cuando termine 2026, sin dudas, dos de las películas más vistas del año tendrán a Holland como figura principal.

Holland cumplió 30 años el pasado 1 de junio. Hasta el momento en el sitio especializado IMDB su nombre aparece relacionado con 44 proyectos previos, mientras que hay otros 3 en carpeta hacia el futuro. Y de esos 44, casi una decena están vinculados con películas de Spider-Man o del Universo Marvel, lo que sin dudas le ha dado al actor un nivel de exposición notable, pero también un condicionamiento: ¿hay vida por fuera de Marvel, de las películas de superhéroes y de Spider-Man? Holland lo intentó, trabajando en películas de autores o que requieren un compromiso dramático más intenso, aunque también buscó otros tanques para hacer pie en el cine comercial. Sin embargo, recién en este 2026 parece haber completado el círculo.

Lo hemos visto en tantas películas de Marvel, su figura es tan repetida en redes sociales, sobre todo por su romance con Zendaya, y pasa todo tan rápido que pareciera que Holland comenzó a actuar hace muchísimos años. Sin embargo, su primera película es de 2012 (algo curioso, comenzó en cine siendo ya adolescente ya que antes se dedicaba a la danza y el teatro, con éxito como protagonista de la versión sobre tablas de Billy Elliot). Claro, no debutó en cualquier película: lo hizo en Lo imposible, aquel dramón de supervivencia basado en hechos reales, dirigido por J.A. Bayona y protagonizado por dos estrellas como Naomi Watts e Ewan McGregor. Sin embargo, el británico logró resaltar.

Con semejante dramón en el origen de todo, nada hacía prever cuál iba a ser el camino del actor en el futuro. Sin embargo, no tardó mucho en confirmarse como el número puesto para tomar la posta de un nuevo Peter Parker. Fue el 23 de junio de 2015, apenas tres años después de su debut en cine, que Marvel lo confirmó oficialmente para interpretar al superhéroe más popular de todos. Tenía 19 años y su vida estaba a punto de cambiar para siempre. Cuentan que en el casting lo dio todo, incluyendo unas piruetas que sorprendieron a los presentes.

Holland se ganó el cariño del público desde la mismísima aparición del personaje en Captain America: Civil War. Ya para cuando se estrenó el primer film individual del héroe arácnido, todo el mundo sabía quién era Tom Holland. Y si bien el actor nunca renegó de la popularidad que alcanzó, tampoco de las películas, y se lo nota disfrutar mucho con la promoción de cada film, ha explorado en todos estos años caminos alternativos que lo puedan exhibir como algo más que el pibe que hace de Spider-Man.

Por un lado exploró películas de grandes directores o de nuevos autores, como En el corazón del mar o El diablo a todas horas, e incluso en series más complejas psicológicamente como The crowded room, pero no tuvo la respuesta que tal vez esperaba. También exploró en el mercado de los tanques y las franquicias con el objetivo de encontrar películas de alto perfil que le permitan correrse un poco de Marvel, pero tampoco funcionó. Tanto Uncharted: fuera del mapa como Caos: el inicio fueron dos films absolutamente fallidos que representaron un debut y despedida para ambos proyectos con ínfulas de saga.

Pero como quien espera la oportunidad, Holland sigue camino siempre con una sonrisa encima. Y ha mostrado su habilidad para insertarse en la industria, aunque alguna vez haya declarado que Hollywood le daba un poco de miedo. Por ejemplo en una reciente entrevista para el podcast Dish, el actor se mostró conforme con este presente que lo tiene como protagonista de dos de las películas más populares del año. “Cuando promocionas películas de las que estás muy orgulloso, es muy fácil. Porque cuando te preguntan por qué la gente debería ir a verla, no le mientes a nadie. De verdad crees que deberían verla. Ya me ha pasado antes que me pregunten: ‘¿Por qué deberías ver esta película?’, y en el fondo pienso: ‘No deberías, porque es una porquería’”. Honestidad brutal.

Después de 14 años de carrera, finalmente Holland parece haber cerrado el círculo: el éxito con una película híper industrial como Spider-Man: un nuevo día, pero también el éxito con una película de autor que seguramente aspirará a muchos premios el año próximo en los Oscars. Si bien el éxito nunca le faltó, es cierto que la búsqueda del prestigio es algo que muchos actores obsesiona, incluso los que no paran de pegar éxito tras éxito de taquilla. Después de tirar tantas sonrisas en ruedas de prensa y campañas promocionales de sus películas, la vida le devolvió en este 2026 una sonrisa él.

Cuando uno repasa la trayectoria de muchas de las estrellas de Hollywood, sin dudas se le escapa completamente la trayectoria de esta actriz que no participa de escándalos y mantiene un notable perfil bajo, y que con poco más de tres décadas sobre el lomo ostenta una de las carreras más impresionantes de la industria del cine norteamericano. Como que fue dirigida por James Mangold en El tren de las 3:10 a Yuma, por Todd Phillips en la trilogía de ¿Qué pasó ayer?, por Cameron Crowe en Un zoológico en casa y hasta por el mismísimo Steven Spielberg en Los Fabelman. Pavada de currículum.

Nuestra protagonista nació el 6 de mayo de 1994 y su debut fue en 1997, a los 3 años, en George de la selva, la adaptación de acción real protagonizada por Brendan Fraser, en la que fue una de las tantas comedias familiares que protagonizó, como la remake de Doctor Doolitle (y su secuela) junto a Eddie Murphy. Mencionamos a Fraser y Murphy, y a esta actriz sin dudas se le haría costumbre trabajar junto a comediantes, con los que logra una química sin igual, e incluso complementa siempre al servicio del capocómico de turno.

La actriz estuvo junto a Adam Sandler y Kevin James en El zoológico, también con Jim Carrey en Las locuras de Dick y Jane. Pero si tenemos que mencionar dos sagas donde tuvo un notable protagonismo, no podemos dejar de mencionar Una noche en el museo, donde brilló junto a Ben Stiller, y ¿Qué pasó ayer?, interactuando con Bradley Cooper, Ed Helms y Zach Galifianakis. En ¿Qué pasó ayer? tuvo algunos pasajes de humor incorrecto, una de sus especialidades desde su experiencia en la comedia escatológica American Pie de 1999.

Como toda estrella de estos tiempos, las series no le fueron un territorio desconocido. Tuvo una breve participación en Malcolm in the middle, junto a Frankie Muniz y Bryan Cranston, y una presencia mucho más extensa, apareciendo en varios capítulos, en Community. Dos grandes comedias televisivas, ya que básicamente ella es una actriz de comedia. Ken Jeong, compañero suyo tanto en Community como en ¿Qué pasó ayer?, no tuvo problemas en calificarla como “posiblemente la mejor intérprete con la que he trabajado”.

Cuentan que por su participación en la serie Animal practice tuvo un sueldo altísimo para una figura no tan popular, al cobrar alrededor de $12.000 dólares por episodio, superando el salario de muchos de los actores secundarios. No es para menos, ya que es una suerte de amuleto: las películas en las que participó fueron nominadas y hasta ganaron cuantiosos premios, pero además una taquilla total de entre $3500 a $4000 millones de dólares.

Como a esta altura se estarán preguntando a quién nos estamos refiriendo, les develaré el misterio diciéndoles que se trata nada más y nada menos que de Crystal the Monkey, un ejemplar de mono capuchino que es la actriz animal más famosa, prolífica y mejor pagada de la historia moderna de Hollywood. Actualmente vive y es entrenada por Tom Gunderson, con quien comparte casa en California junto a otros animales actores. Y recientemente la vimos en Bad Monkey junto a Vince Vaughn, donde interpreta a Driggs, y posiblemente regrese en la segunda temporada.  

HERMANITO (película) dirigida por Matt Spicer, con John Cena, Eric André, Michelle Monaghan. En Netflix.

-Tal vez la comedia norteamericana quiera dar vuelta de página al asedio del wokismo global, o tal vez sea sólo una ilusión. Lo cierto, es que Hermanito es una película que acierta más de lo que falla y que recupera algunas superficies humorísticas que creíamos perdidas. Aquí la clásica rivalidad entre el control y el caos, una disputa con historia dentro de la comedia. En este caso, un empresario de bienes raíces recibe el asedio de un hombre que, cuando joven, había adoptado en el marco de un programa de hermanos mayores para ayudar a chicos con problemas. La comedia funciona porque Cena (el control) y André (el caos) juegan bien sus papeles, con algunos momentos que hacen recordar el cine de los hermanos Farrelly, maestros de la escatología y la incorrección. Aunque seguramente cuando mejor termina haciendo lo suyo esta película es en el último acto, donde a la habitual sensiblería en la que caen muchas de estas comedias le responde con una buena dosis de humor irreverente. No perfecta, pero sí un poco por encima de muchas de las comedias contemporáneas.

EL HALCÓN (serie), creada por Will Ferrell, Chris Henchy y Harper Steele, con Will Ferrell, Molly Shannon, Jimmy Tatro. En Netflix.

-Otra vez la comedia intentando volver a lugares donde fuimos más felices. En este caso Will Ferrell, enorme comediante, quien juega a un golfista bastante impresentable en su intento por recuperar un lugar en la cima del deporte. No es difícil leer entre líneas y pensar cómo el mismo Ferrell está intentando, él también, volver a su mejor forma cómica. Y la serie lo logra por momentos, cuando se apodera de la situación el absurdo y el comediante se deja llevar a situaciones insostenibles. Claro que se extrañan las mejores épocas y en ocasiones, también, que el personaje de Ferrell gane demasiada conciencia de lo que sucede, cuando lo mejor que pasaba con el comediante era cuando precisamente sus criaturas se desacoplaban de la realidad. Igualmente, con un par de grandes momentos por episodio, al actor le alcanza para sobresalir.

MALCOLM IN THE MIDDLE (serie), creada por Linwood Boomer, con Frankie Muniz, Bryan Cranston, Jane Kaczmarek. En Disney+.

-Si como en mi caso usted es de los que dejó pasar esta serie en su momento, sepa que la puede recuperar entera en Disney+ y que la experiencia no sólo es gratificante, sino mucho mejor de lo imaginado. Una familia disfuncional (de una época donde las familias disfuncionales afloraban en el cine y la televisión, verbigracia Los Simpson) observada por los ojos de uno de sus hijos, en una serie de viñetas de vida urbana que le da el protagónico a una clase laburante sin muchas luces. La serie no sólo es graciosísima y muy pareja en su nivel a lo largo de siete temporadas, sino que además aporta un espíritu satírico y descontrolado, como si el tono del dibujo animado se apoderada por momentos de las situaciones. Salvaje, sarcástica, con un humor negro que por momentos bordea la incomodidad, Malcolm in the middle es además una serie anti-moralina con un grupo de personajes que no terminan aprendiendo ninguna lección. 

AVATAR: LA LEYENDA DE AANG (serie) creada por Michael Dante DiMartino, con Gordon Cormier, Kiawentiio, Ian Ousley. En Netflix.

-La idea del salvador es propia de algunos imaginarios religiosos y la historia de Avatar sigue en esa senda, con su protagonista en viaje trascendente hacia aprender a manipular todos los elementos que existen en la naturaleza y, de paso, confirmar que es el elegido. Tras una primera temporada que padecía un poco el peso de las explicaciones, en esta segunda temporada la aventura se da de entrada. Avatar: la leyenda de Aang es adaptación de una vieja serie animada que ya tuvo un fracasado traspaso al cine de la mano de M. Night Shyamalan y que no termina de encontrar aquí, entre episodios demasiado largos, una recreación que carece de real vida más allá de su perfecta copia y conflictos que se repiten entre los protagonistas, un camino sólido que la vuelva más que un aceptable entretenimiento. En todo caso, padece los mismos problemas que otras fantasías de Netflix.

THE NEIGHBORHOOD (serie) creada por Jim Reynolds, con Cedric The Entertainer, Max Greenfield, Sheaun McKinney. En Paramount+.

-El panorama de la sitcom tradicional actual es bastante desolador, con pocos ejemplos de series que realmente valgan la atención. The Neighborhood no es precisamente una obra maestra ni nos va a hacer olvidar a Friends y Seinfeld, pero tiene algunas cosas atractivas en su propia premisa: básicamente la experiencia de una pareja de blancos en un barrio de negros. Y desde ahí, todo el humor racial que no teme en meterse en algunas incomodidades o reírse de los lugares comunes y los clichés. Cedric The Entertainer y Max Greenfield tienen gran química juntos y además conocen el género. Este año se estrenó la octava y última temporada, y bien vale pegarle una mirada.  

El pasado jueves 16 cumplió 59 años Will Ferrell, el más talentoso comediante norteamericano del Siglo XXI. Y no puedo pensar algo más notable, para alguien que ha hecho del absurdo y el sinsentido una marca registrada como el protagonista de El reportero, que la fecha de su natalicio haya coincidido con el estreno de La odisea, nueva película del plomífero Christopher Nolan, alguien que si ve un chiste venir se cruza a la vereda de enfrente. Coincidencia nada rara para un tipo que ha hecho de los personajes extravagantes su marca personal.

Ferrell se hizo famoso a partir de su incursión en el icónico programa Saturday Night Live!, aunque sus comienzos no fueron para nada promisorios. Arrancó en 1995 y estuvo siete temporadas, hasta 2002, donde pasó de ser el miembro más odiado y maltratado del elenco al mejor pago de todos. Para su última temporada, cobró un cachet de 350.000 dólares, rompiendo con la regla impuesta por el productor Lorne Michaels de no excederse con los salarios. Ahora que Ferrell tiene una carrera consagrada en cine y que se ha convertido en un humorista popular, que incluso puede hacer comedias familiares como Guerra de papás, es difícil entender por qué le costó tanto instalarse. Pero no es tan extraño, si pensamos en el tipo de personajes que construyó desde siempre.

Como muestra, decir que en su audición para el programa llevó juguetes para mascotas y se tiró al piso, simulando ser un gato y se puso a jugar con ellos. Nadie pensó que pasaría la prueba, pero algo en la intuición de Michaels decía que había ahí mucho talento. Durante los primeros años, Ferrell llevó adelante personajes de este estilo, extraños, gritones, molestos, incómodos. Un tipo de humor que lleva a pensar siempre en la duda de si hay que reírse y que no concuerdan con su propio aspecto: Ferrell era empleado de un banco y tenía (o tiene) el perfil de un ciudadano normal y corriente, alejado del grado de locura que uno supone en comediantes dentro de ese registro. Sin embargo, en su confianza casi religiosa al absurdo, había un acto de fe que no tardó en imponerse de a poco.

Si bien podemos citar muchas de sus películas, incluso reconocer que su primera etapa está integrada por una maravilla detrás de otra como Elf, El reportero, Semipro, Casa de mi padre, Hermanastros y tantas otras joyas, hay un sketch del SNL! que sintetiza perfectamente el secreto del humor Ferrell. Es conocido como More cowbell (aunque en verdad su título oficial es Recording session) y se emitió el 8 de abril de 2000. Es una pequeña pieza de humor, de las tantas que han transitado por ese programa de más de cinco décadas, que sin embargo se ha elevado a un lugar impensado como uno de los momentos humorísticos claves para pensar el humor norteamericano, un trozo enorme y significativo de la cultura popular del Siglo XXI. De hecho, es celebrado como uno (si no el mejor) de los sketches del programa en toda su historia y hasta ha merecido textos de intelectuales que lo analizan minuciosamente.

More cowbell es simple: es una parodia musical que imagina la grabación del tema The reaper de la banda Blue Öyster Cult, una sesión en la que el productor Bruce Dickinson, interpretado por Christopher Walken (una de las claves del éxito) entra una y otra vez al estudio para interrumpir y exigir que el tema tenga “more cowbell”, más cencerro. Para muchos la candencia al hablar de Walken en un contexto tan absurdo es fundamental para que el sketch sea tan divertido, sobre todo cuando tira frases como “I got a fever, and the only prescription is more cowbell”.

Cuenta la leyenda que el origen del sketch es una obsesión del propio Ferrell, que cuando niño escuchaba la canción y se preguntaba qué era de la vida del tipo que tocaba el cencerro. Una pregunta que claramente se haría alguien con el poder de observación propio de un gran comediante y, encima, de uno apasionado por el absurdo. Claro que nada fue tan sencillo para el actor, ya que el sketch fue rechazado varias veces antes de ser aceptado en la mesa de guionistas del show. Claro, a esa altura Ferrell ya era una celebridad y mejor convenía hacerle caso a su ojo avizor para el humor.

Así las cosas, Ferrell terminó interpretando al ficticio Gene Frenkle, el encargado de tocar el cencerro con una pasión que ya quisiéramos tener para todo lo que hacemos en la vida. Dicen que durante las pruebas, que se hacían con público, la cosa no funcionó tanto. Y que todo terminó de explotar con -otra vez- una ocurrencia del propio Ferrell: un detalle de vestuario que hizo estallar no sólo al público, sino a sus propios compañeros, como se los puede ver a Jimmy Fallon y Chris Kattan mordiéndose los labios para no reír. Ese detalle fue nada más y nada menos que la cortísima remera que usa el personaje, que deja al descubierto la rubicunda panza del comediante mientras se zarandea y toca el cencerro por lo alto ante cada exigencia del productor.

A simple vista, como la mejor comedia, More cowbell puede ser visto como una tremenda estupidez. Pero en sus grietas y niveles, el corto es una clase magistral de comedia, que suma elementos, desde aquellos observacionales como detenerse en la presencia de un ejecutante del cencerro, a una remera que pone en imagen todo el ridículo que la situación tiene en sí, y una apelación al humor físico e incómodo, especialidad del actor. Obviamente, todo funciona por la repetición y la exageración de algo que se va de las manos y se repite inexplicablemente. Y es todo tan surreal que los integrantes de la verdadera Blue Öyster Cult contaban cómo muchos se acercaban en sus shows para preguntarles por el desgraciado Gene Frenkle.

De hecho, el propio Walken ha contado -no sin humor- cómo este sketch le arruinó la vida. En una entrevista con Conan O’Brien narró una anécdota en la que de visita por Singapur, fue a un restaurante y uno de los comensales cercanos le gritó algo así como que “esta comida le falta más cencerro”. Incluso Ferrell comentó que se ha cruzado con Walken y le dijo que ese sketch lo tenía harto ya que a cualquier lugar al que va la gente le grito aquello de “¡more cowbell!”.

Este sketch es por lo tanto una síntesis del genio de un comediante inigualable. Y también una invitación a lo mejor de la comedia, a soltar la pose y las apariencias, y dejarse llevar por el insano placer de reírse descontroladamente de la cosa más insólita. El humor de Will Ferell invita constantemente a eso, a descubrir esos pliegues donde la vida y su seriedad pierden sentido y no nos queda más que exigirle, sí, ¡more cowbell!  

LA ODISEA (película) dirigida por Christopher Nolan, con Matt Damon, Tom Holland, Robert Pattinson. En cines.

-Tras todo el ruido que se generó desde el anuncio de su producción, finalmente llegó La odisea de Nolan, con su kilométrica duración y su kilométrico elenco. La adaptación del texto atribuido a Homero tiene todos los defectos y las pocas virtudes del director de El origen. Es decir, por un lado la solemnidad galopante, la seriedad marmórea, y por el otro su testarudez en la puesta en escena que lo lleva a diseños de producción que hacen añorar el cine de antaño, cuando las cosas no eran tan digitales y las películas aspiraban a la verdad. A diferencia de otras películas, Nolan no cae tanto en subrayados y sobreexplicaciones, lo que lo suelta un poco más al poder de las imágenes y la aventura. Sin embargo, ahí están las parrafadas y algunos monólogos para explicar de manera un tanto repetitiva los conflictos de los personajes. La odisea se impone en dos o tres secuencias donde Nolan juega con el horror y en la actuación de Damon, verdadero sostén del relato como ese Odiseo que regresa a casa tras varias, demasiadas batallas. Un film correcto, aceptable, lastrado por una gravedad que puede ser comprensible dados los temas que aborda, pero a la que Nolan no hace mucho por sacar su letargo.

LUCKY (serie) creada por Jonathan Tropper, con Anya Taylor-Joy, Annette Bening, Clifton Collins Jr. En AppleTV.

-A partir de sus apariciones públicas, Anya Taylor-Joy es una de las estrellas del momento. Su carrera todavía no la constituye como tal, pero hoy las cosas parecen ir por caminos diferentes a los que antes consagraban a las figuras. Así las cosas, la actriz sigue buscando un destino y se pone al frente de Lucky, serie en la que interpreta a una joven bandida que es traicionada por su novio y comienza una fuga escapando tanto de unos mafiosos que la buscan para eliminarla como de las autoridades. Lanzada hace días con dos episodios, la serie es un relato de acción sólido, con algunas secuencias de persecuciones muy bien filmadas y un protagónico excluyente de la actriz, a la que por momentos le queda un poco forzado el look pendenciero que le intentan imponer. Si bien desde el montaje y los encuadres Lucky se pretende algo más que una de acción, por ahora lo que sobresale es la adrenalina. Veremos si saben mantener la tensión, pero es en todo caso una rareza dentro de la producción actual.

LA EXTRAORDINARIA VIDA DE ELEANOR (película) dirigida por Scarlett Johansson, con June Squibb, Erin Kellyman, Chiwetel Ejiofor. En HBO Max.

-Scarlett Johansson dirigió su primer largometraje, una sólida comedia dramática que sólo cede cuando hacia el final la gravedad del asunto se impone. Aquí se vale de la extraordinaria June Squibb, una actriz veteranísima que anda por su novena década, quien interpreta a una mujer que sufre la muerte de su mejor amiga, sobreviviente del Holocausto, y no tiene mejor idea que suplantar su vida en reuniones de autoayuda de otros sobrevivientes. Sobre la base de un elemento constitutivo de la comedia, como es la mentira y cómo sostenerla, Johansson construye un relato sobre el dolor, sobre el dolor propio, el ajeno y cuál es la posibilidad de transferir esas experiencias. Lo bueno es que durante buena parte del metraje lo hace con humor y picardía. Como dijimos, al final se pone demasiado grave, pero ya nos había ganado de antemano así que no nos queda otra que llegar hasta el final.

LARRY Y LA BÚSQUEDA DE LA FELICIDAD (serie) creada por Larry David y Jeff Schaffer, con Larry David, Samuel L. Jackson, Jake Reiner. En HBO Max.

-Larry David es uno de los más grandes escritores de comedia de todos los tiempos. Y es también un aceptable actor, que funciona mejor cuando encuentra el medio para exponer su personaje recurrente de cascarrabias y arribista. Aquí el intento es ambicioso: plantearse como un observador de la historia norteamericana para, a través de sketches, hacer una suerte de síntesis absurda de eventos reconocibles. Hay que decir que en este mismo intento fracasó Mel Brooks, cuando hizo aquella Loca Historia del Mundo Parte I y le vuelve a suceder a David. Si bien algunas observaciones son ocurrentes y tienen el sello de su humor, algo falla en la ejecución. Todo está puesto deliberadamente en el texto y la puesta en escena es decididamente perezosa, en un registro televisivo de lo peor. La comedia surge en cuentagotas y, teniendo en cuenta el tenor de los involucrados, es algo más que una decepción.

BAD MONKEY (serie) creada por Bill Lawrence, con Vince Vaughn, Natalie Martinez, L. Scott Caldwell. En AppleTV.

-Esta serie es del año pasado pero, como dicen, nunca es tarde cuando la dicha es buena. Vince Vaughn se pone al frente en esta comedia policial que lo tiene como un detective suspendido que termina volviendo a la acción con la aparición de un brazo amputado en las playas de Miami. El comediante está en su salsa con un personaje que le sienta como anillo al dedo (verborrágico y pendenciero), mientras a su alrededor orbitan más criaturas de un universo que tiene cambios de tono constante y, llamativamente, no fracasa en el intento. Por un lado tenemos la comedia, por otro el policial con algunos elementos absurdos y finalmente una subtrama relacionada con supersticiones y hechicería. Todo confluye en la senda del bien porque en la producción está Bill Lawrence, el de Ted Lasso, Shrinking y Rooster, quien sabe del desarrollo de personajes con dosis de patetismo pero igualmente encantadores. Aquí, además, usa las reglas del noir para subvertirlas a puro sol miamense. Una grata experiencia que tiene segunda temporada confirmada.

Para la industria cinematográfica, 2026 será recordado como el año en el que dos películas de terror de muy bajo presupuesto y dirigidas por realizadores veinteañeros marcaron el norte respecto de hacia dónde debería dirigirse el negocio. Obsesión y Backrooms, de Curry Baker y Kane Parsons respectivamente, se convirtieron en dos fenómenos de taquilla impensados en un año donde la industria tenía otras expectativas. Pero, sorpresas te da la vida, detrás de estos sucesos hay otros asuntos que le dan más condimento al asunto y retuercen esa guerra declarada entre Hollywood y las plataformas.

Si el cine en el cine viene librando batallas desde los tiempos del VHS y la televisión por cable, nunca como desde la década pasada encontró un oponente tan duro como con las plataformas y su amplia oferta de películas y series para ver en la comodidad del hogar. Y si durante años la premonición indicaba que la batalla podía perderse, con la pandemia y el cierre sanitario de las salas el proceso se aceleró y en nuestros días nos preguntamos cuál es el futuro de los cines. Lo irónico es que este pequeño oasis que brindan estas dos propuestas de terror para los exhibidores del mundo tiene origen en la pantalla chica de YouTube.

Obsesión fue dirigida por Curry Barker, un youtuber de 26 años que en 2023 había escrito y dirigido el cortometraje de terror The chair y lo había subido a la plataforma, donde tuvo nada más y nada menos que diez millones de reproducciones. Ni lento ni perezoso el productor James Harris vio que había algo potencial ahí y lo convocó para adaptar el corto a largometraje. Sin embargo, la respuesta de Barker fue ambiciosa: le presentó otro proyecto, que a la postre sería Obsesión, la historia de un joven que desea que su amor platónico lo quiera más que a nada y las cosas se le van de las manos.

Con un presupuesto de apenas 750.000 dólares, la película se convirtió en un fenómeno del boca en boca que funcionó tanto en el mercado doméstico como en el internacional. A esta fecha lleva recaudados 408.957.400 de dólares y como dato extraordinario, hay que señalar que desde 1982, con el estreno de ET, el extraterrestre de Steven Spielberg (recuerden este nombre, ya volveremos a él), no sucedía que una película aumentara su taquilla en la segunda y en la tercera semana de exhibición.

La película, celebrada por el público y por la crítica, ya convirtió a Barker en una pequeña estrella, lo cual es devuelto con una pulsión por el trabajo que ya lo tiene en la sala de montaje editando Anything but ghosts, su nuevo film, mientras ya fue contratado para dirigir una nueva versión de La masacre de Texas.

Con diferencias mínimas, la de Kane Parsons es una historia bastante similar. En este caso estamos ante un director incluso más joven, de apenas 20 años, que se hizo cargo del proyecto Backrooms, una película de terror que suscribe más a la línea del terror de autor y que es una extensión del universo que ya había plasmado en -claro que sí- YouTube. Backrooms responde a una suerte de concepto relacionado con los “creepypasta”, que para los neófitos son como las leyendas urbanas del Siglo XXI, extendidas a través de Internet y las redes sociales.

En el caso de Parsons contó con el apoyo de la gran productora A24, la líder en lo que tiene que ver hoy por hoy con el cine de autor norteamericano, lo que permitió un elenco de nombres importantes como los de Chiwetel Ejiofor, Renate Reinsve (nominada al Oscar este año) y Mark Duplass. Con un presupuesto estimado de 10.000.000 de dólares, la película ya lleva recaudados unos 362.341.798 de dólares a nivel mundial, convirtiéndose en la película más taquillera de la historia del estudio. Otro éxito descomunal.

Mientras Parsons disfruta las mieles del suceso comercial con su película, lanzó una nueva serie por YouTube, titulada The oldest view, que sigue la exploración de un centro comercial subterráneo abandonado.

Si bien se puede llegar a elucubrar que estos sucesos serían imposibles por fuera del género terror, ya que sus autores exploran temas y elementos de rápida absorción a través de las redes sociales, generando un público cautivo que es el que evidentemente se lanzó a las salas, también es cierto que el éxito responde a fenómenos que están atravesando actualmente el consumo audiovisual. Contra realizadores formados en el ámbito académico, surgen estos con un contacto inmediato con su público, que incluso tienen la habilidad de saber trabajar con herramientas más artesanales y económicas que las de la industria.

En un año donde películas como Superchica o ¡La novia!, con presupuestos cuantiosos y estrellas con currículum, fracasaron y ni siquiera llegaron a recuperar lo invertido, la industria de Hollywood se rinde ante estos fenómenos que no sólo son taquilleros, sino que además gustan a la crítica y los espectadores. La vio Steven Spielberg, quien durante la gira promocional de su película El día de la revelación, celebró el éxito de estas películas y la aparición de nuevos realizadores.

Tanto la vio, que se conoció hace semanas que será productor de la adaptación cinematográfica de la serie The Mandela Catalogue, otro fenómeno de horror surgido en YouTube, dirigido por Alex Kister, otro joven de apenas 22 años. The Mandela Catalogue se lanzó en 2021 y acumula más de 100.000.000 de visualizaciones. Trabaja atmósferas y tonos similares a los de Backrooms y se presenta como el próximo éxito de bajo presupuesto para el género el próximo año.

Si bien estamos en una época sobregirada donde todo parece ser lo primero que ocurre en la historia de la humanidad, no hay que dejarse engañar con espejitos de colores y habrá que esperar por lo próximo de Curry Baker y Kane Parsons para saber si son dos talentos naturales o apenas golondrinas de un solo verano. De hecho, fenómenos como estos no son la primera vez que suceden: en 1999 se estrenó una pequeña película de terror con un presupuesto de 60.000 dólares que terminó recaudando más de 400.000.000 a nivel mundial. La película se llamó El proyecto Blair Witch y también supo construirse sobre las posibilidades del marketing a través de Internet.

Por entonces no existía YouTube, pero sí foros y demás espacios donde los directores crearon una promoción infalible en la que mucha gente creyó que lo que contaba la película era real. Sus directores fueron Daniel Myrick y Eduardo Sánchez, y también por aquellos tiempos fueron promocionados como los nuevos geniecillos de la industria. De más está decir que hoy tenemos que buscar en IMDB sus nombres porque nadie se acuerda de ellos. Habrá que ver si la historia vuelve a repetirse o si, por el contrario, Hollywood termina encontrando respuestas a la encerrona que le plantean las plataformas reclutando realizadores de ese mundo virtual y artesanal.

MINIONS & MONSTRUOS (película) dirigida por Pierre Coffin, con la voces de Pierre Coffin, Trey Parker, Allison Janney. En cines.

-Si la saga nació con una muy buena película como Mi villano favorito, la efectividad de los minions se fue licuando con el pasar de las películas, aunque no su éxito económico. Por eso solamente se justifica que los personajes amarillos hayan llegado a una séptima película, aunque si hubo que atravesar una serie de secuelas discretísimas para llegar a esta divertida entrega, se agradece. Con absoluto desinterés por la lógica y la precisión del guión, Minions & Monstruos nos cuenta que tras vagar durante décadas, los minions finalmente encontraron su lugar en el Hollywood de los 20’s. Sólo eso alcanza para una serie de viñetas sin pie ni cabeza que prueban que la gracia todavía es posible. Lo que suma aquí es un aspecto visual cuidadísimo y una serie de guiños y homenajes al cine, que incluye la intervención de los personajes en películas de Chaplin, Buster Keaton y un largo etcétera. Con varios momentos de lucidez y una apuesta por el sinsentido, se podría decir que Minions & Monstruos es una agradable sorpresa de la cartelera y una de las mejores películas de las franquicia.

SUPERGIRL (película) dirigida por Craig Gillespie, con Milly Alcock, David Corenswet, Eve Ridley. En cines.

-La presentación del personaje en Superman y los sucesivos tráilers habían generado expectativa con esta película, que se desploma a la segunda o tercera escena. Desde el vamos, se nota que Gillespie no es James Gunn, y todo lo que funciona en el director de Guardianes de la galaxia, desde el uso de la música a los personajes entre cancheros y melancólicos, aquí hace agua no sólo porque está mal ejecutado, sino porque se nota como impuesto por un grupo de productores que escribieron el guión en un foro de Twitter. Todo lo que tiene que estar está, pero puesto como emulación, como copia. Y la historia de la pariente de Superman que pierde sus poderes y está a punto de perder a su querido perro, nunca sale de una medianía incómoda para una superproducción que se pretende más grande que la vida. Y lo peor, es muy aburrida.

EL OSO (serie) creada por Christopher Storer, con Jeremy Allen White, Ebon Moss-Bachrach, Ayo Edebiri.  En Disney+.

-La serie de cocineros de Chicago llega a su fin con esta quinta y excitante temporada, en la que los personajes tienen que hacerse cargo de las decisiones tomadas al final de la temporada anterior y avanzar mientras la guillotina del cierre los amenaza. Un acierto de Storer es ambientar siete de los ocho episodios en una sucesión casi de tiempo real, donde un servicio caótico en un caótico día de lluvia promete hacer volar todo por los aires. Pero lejos de las tensiones de temporadas anteriores, aquí El oso apuesta por los acuerdos, por hacer que los personajes descubran sus falencias y aprendan a encontrarse en los otros. Todos los aciertos de puesta en escena y las actuaciones ajustadísimas vuelven a estar, en una producción que encontró la forma perfecta entre tema y narrativa. Y seduce, y fascina, y encanta, y nos enamora de cada personaje y su circunstante. Imperdible.

LAS OVEJAS DETECTIVES (película) dirigida por Kyle Balda, con Hugh Jackman, Brett Goldstein, Patrick Stewart. En Prime Video.

-Una sorpresita del año, esta película que pasó brevemente por los cines y ahora está disponible en Prime Video. Es imposible no recordar a Babe, ya que parece hecha de los mismos materiales: un cuento ambientado en una granja, con animales parlanchines y un espíritu vintage. La diferencia es que si bien aquí no se elude cierta oscuridad, las cosas son más luminosas y familiares. Un granjero que entretiene a sus ovejas leyéndole novelas de misterio es asesinado y son los propios animales los que se pondrán tras la pista para descubrir al asesino. La película encuentra rápido su verosímil y lo defiende con orgullo, mientras a través del género reflexiona sobre la identidad y las formas de rebelarse contra lo impuesto. Interesante.

SILO (serie) creada por Graham Yost, con Rebecca Ferguson, Common, Chinaza Uche. En AppleTV.

-Tras una primera temporada estimulante y una segunda que se disolvió en el aburrimiento de una trama que no avanzaba, esta tercera entrega aportó desde su primer episodio algunos cambios. Recuerden, la humanidad se ha visto reducida y habita una serie se silos. No hay mucha información sobre el origen de todo, apenas una idea de control a través del miedo. La idea ahora, mientras la protagonista lidia con una amnesia que le impide recordar hechos de la temporada anterior, es explorar otras partes de este universo, especialmente en aquello que llevó al comienzo. La esperanza está dada en que esa subtrama resulte interesante, ante cierta quietud de los eventos internos al silo. El éxito de la serie parece apostado exclusivamente al interés que genere la progresión de los hechos. Una serie que está todavía en el debe.  

“¿Usted perdió a su padre a una edad temprana?”, le pregunta el entrevistador. A lo que Mel Brooks responde: “No, mi padre murió. Si se hubiera perdido hubiésemos enviado gente a buscarlo”. Este fragmento de una entrevista al legendario escritor, director y actor de comedia se ha convertido en uno de los momentos más hilarantes que circulan por las redes. Un momento que no sólo es una respuesta graciosísima a una pregunta entre personal y solemne, sino que es en sí una demostración de sabiduría acerca del arte de hacer reír. Brooks apela a sus consabidos juegos de palabra, a la vez que hace silencios aceptando la devolución del público, bebe agua de un vaso, mientras va pensando la respuesta y construyéndola desde la mirada. Uno puede ver escudriñando la escena, tanteando el panorama y preparando el golpe mortalmente gracioso. Mel Brooks, genio de la comedia, está cumpliendo hoy 100 años.

Nacido el 28 de junio de 1926 como Melvin Kaminsky en Brooklyn, Nueva York, la historia de Brooks es la historia de muchos de esa época, que atravesaron la crisis económica y la guerra, la miseria y las complicaciones que atravesaban a la clases trabajadoras, y que sobrevivieron para contarlo. Y vaya si lo hizo Brooks, que llega al centenario con una lucidez envidiable: su vitalidad se puede ver por ejemplo en la notable miniserie documental Mel Brooks: ¡El hombre de 99 años!, dirigido por Judd Apatow y disponible en HBO Max. Vitalidad que lo mantiene activo en la industria, produciendo y creando, e incluso promocionando la secuela de una de sus películas icónicas, Spaceballs. El documental recorre su vida personal y artística, desde los duros tiempos como guionista de televisión hasta los éxitos cinematográficos que lo convirtieron durante varias décadas en el rey de la comedia norteamericana, y con el tiempo en una verdadera leyenda.

Cuando uno era pequeño, allá por los 80’s, el nombre de Mel Brooks estaba ligado fundamentalmente a una de las mejores comedias televisivas de la historia: El Superagente 86. Su nombre aparecía gigante en los créditos, y uno que era muy fanático de las aventuras de Maxwell Smart y La 99, pero que desconocía absolutamente el currículum de los involucrados, suponía que se trataba de alguien muy importante. Lo era, aunque la figura de Brooks comenzó a engrandecerse recién a los pocos años de comenzada esa serie, con el estreno del film Los productores. No sólo era una sátira genial sobre el mundo del espectáculo, que se animaba incluso a hacer chistes sobre el nazismo que no muchos se animaban por entonces, sino que le deparó su primer y único Oscar, como guionista.

Desde allí, fue todo ascenso. Brooks se especializaría en la parodia y en los 70’s llegarían dos de sus películas más emblemáticas, la inoxidable El joven Frankenstein y la graciosísima e inspiradísima Locuras en el Oeste, una sátira perfecta del western pero además una que se reía con una carcajada estruendosa de temas como el machismo o el racismo. Lo interesante en Brooks es que se ríe y logra quedar parado en el lugar adecuado sin hacer películas demagógicas ni ser políticamente correcto. Vale señalar que Locuras en el Oeste, además, ostenta aún hoy el récord de ser la comedia más taquillera de la historia, e incluso una de las películas norteamericanas más rendidoras en general.

Cuando uno ve Mel Brooks: ¡El hombre de 99 años! entiende un par de cosas. La primera es que la comedia en Brooks surge como necesidad: necesidad de contrarrestar los ataques por su condición de judío, contrarrestar la crisis económica e incluso la humana y el horror de la guerra. Para Brooks hacer reír no sólo se justifica en el ejercicio en sí, sino en el hecho de que a cambio la gente le devuelve un afecto y un cariño que tal vez no recibiría por otras cualidades. Brooks sabe que la comedia no da prestigio, pero sí amor, y de esa energía desarrolló un combustible que motorizaba no sólo su obra, sino incluso sus propias participaciones en entrevistas, en shows televisivos, en presentaciones, en entregas de premios. Brooks convierte cada espacio que habita en un escenario propenso para desarrollar comedia. A su paso, el ruido de fondo son carcajadas. Por eso cuando tuvo entre sus manos el guion de El hombre elefante, dedujo que la tenía que dirigir otro porque si lo hacía él nadie la iba a tomar en serio. Además, es sabio.

Esto nos da pie para el otro punto que revela el documental: la influencia absoluta de Mel Brooks en la comedia norteamericana contemporánea. Por la miniserie pasan todos los comediantes que tienen que pasar, venerando al legendario autor y señalando la trascendencia que tuvo cada película en sus propias carreras. De ahí que surja la idea de que Brooks no sólo fue un tipo que realizó algunas de las comedias más exitosas de todos los tiempos, sino además que era alguien que entendía el género al nivel de mostrarlo desde los mismísimos cimientos. La primera etapa de su obra, entre los 60’s y los 70’s, no sólo es irreprochable sino que demuestra todo su amor y conocimiento por el género. Brooks como puente entre la tradición clásica de la comedia y los nuevos códigos de la comedia moderna. Porque básicamente sin Brooks no existirían (o les hubiera costado tener un lugar) ni La pistola desnuda ni Scary Movie.

Seguramente Buster Keaton, Charles Chaplin, Jerry Lewis, los Hermanos Marx o Woody Allen sean figuras más importantes que las de Mel Brooks, sin embargo su influencia es una luz que se sostiene aún en el presente y después de varias décadas dedicadas al arte de hacer reír, y que se observa en cada pliegue de un chiste que invoque múltiples lecturas, sin temor a pasar por lo más bajo y con la ilustración como para llegar a lo elevado. Si Mel Brooks parece haber descubierto el misterio de la sabiduría para hacer reír, también parece tener la receta para llegar impecable a los 100 años. Y algo de eso tal vez haya, puesto que cuando en una entrevista le preguntaron si tenía miedo a la muerte, dijo que no pensaba en eso: “Cuando suceda, si es que sucede, será un día triste. Para todos, menos para mí”.

Con Toy Story rompiendo nuevamente la taquilla de los cines del mundo (ahí tenemos la quinta entrega convocando en cines argentinos más de 560.000 espectadores en apenas tres días), Pixar sostiene su estandarte de cine de calidad y éxito masivo. Sin embargo, no todas han sido rosas en el camino de la compañía de cine animado y hubo algunos resonantes fracasos que enterraron a algunas películas en el olvido. Sin embargo, extrañamente, se trata de grandes películas que merecen una revisión o segunda oportunidad o reconsideración; cinco enormes aventuras que están disponibles en la plataforma Disney+ y merecen tener un poco de afecto.

-Un gran dinosaurio de Peter Sohn (2015): estrenada el mismo año que Intensa-Mente (un éxito sorpresivo) este noble western con dinosaurios fue el primer gran fracaso comercial de la compañía. Y es una pena porque se trata de una enorme aventura, la de Arlo, un joven dinosaurio que es el paria de su familia y debe mostrar su valor tras la muerte de su padre a raíz de un accidente del que él se echa la culpa. Es verdad que la película es sumamente triste y tal vez no era la mejor invitación para los chicos, pero Un gran dinosaurio tiene un corazón enorme, muestra la naturaleza en toda su imponencia y peligro y tiene algunas de las resoluciones más sofisticadas de la historia de Pixar. Sólo la secuencia con Arlo y Spot (un niño humano que el dinosaurio adopta como mascota) contando sus desgracias familiares merece su visionado.

-Unidos (2020) de Dan Scanlon: no sabemos si esta película hubiera tenido mejor recorrido comercial (de hecho arrancó muy mal), pero lo cierto es que a los pocos días de su estreno estalló el Covid-19 a nivel global y los cines del mundo comenzaron a cerrar. Así que el destino de Unidos fue el olvido inmediato. Sin embargo se trata de un film sumamente querible, que demuestra la habilidad de Pixar para llevarnos de la nariz para revelarnos al final que vimos el punto de vista incorrecto. Un mundo de fantasía poblado de elfos, duendes y demás criaturas, donde dos hermanos van tras el hechizo que haga posible por unos segundos el regreso del padre muerto. Una road movie fenomenal, muy emotiva, con personajes sumamente queribles y, otra vez, una resolución para ver con un nudo en la garganta.

-Elio (2025) de Madeline Sharafian, Domee Shi, Adrián Molina: el gran fracaso de Pixar, nadie quiso ver esta historia. Pero, otra vez, estamos ante un gran relato que reflexiona sobre la búsqueda de horizonte en un mundo que no nos comprende o, en todo caso, al que no le permitimos conocernos ni conocer. El protagonista es el Elio del título, un chico cuyos padres murieron y que es criado por una tía. Su obsesión está en el espacio, el único lugar al que cree poder pertenecer. Y cuando logra llegar al espacio, termina involucrado en una trama que lo supera por completo como representante de la Tierra. Relato que habla de la soledad como algo de lo que todos escapamos pero, al final, nunca logramos hacerlo del todo.

-Encantados (2023) de Peter Sohn: el director de Un gran dinosaurio (gran director que por algún motivo no cuenta con el favor del gran público) trae en pleno Siglo XXI una comedia romántica bien sencilla, centrada en opuestos que se atraen. Una suerte de Romeo y Julieta, donde los personajes representan al fuego y al agua. Es seguramente una de las películas más simples de Pixar en cuanto a sus conflictos, pero a la vez es la más espectacular desde lo visual, con un diseño notable y una perfección en la representación de los elementos básicos que abruma. Y a la vez tiene grandes personajes y decisiones narrativas que no suenan forzadas y tienen que ver con la nobleza de sus personajes. El último plano es simplemente memorable. 

-Luca (2021) de Enrico Casarosa: junto a Un gran dinosaurio es la otra obra maestra del grupo, tal vez la mejor de las cinco que estamos recomendando. A favor de la película hay que decir que pertenece a ese trío de films que Pixar mandó directo a plataforma en tiempos de pandemia, por lo que nunca sabremos cómo le hubiera ido en la taquilla. Lo concreto es que estamos en un film de una belleza que transita todos sus espacios: desde lo estético, con esa Italia congelada en la mitad del siglo pasado, a los personajes y su historia, y una banda sonora que recupera grandes hits de la música de aquel país (como las grandes referencias al cine de la era dorada). Es una declaración de amor a un tiempo y también a la amistad y a la infancia. Dos monstruos marinos se infiltran entre los humanos, en un pueblo de pescadores que precisamente odia a los monstruos marinos. El conflicto, obviamente, mantener esa identidad en secreto. Obra maestra para ver una y otra vez.

TOY STORY 5 (película) dirigida por Andrew Stanton, con las voces originales de Tom Hanks, Tim Allen, Joan Cusack. En cines.

-La saga Toy Story ya lo entregó todo al cierre de su tercera parte, por lo que continuar con la historia es puramente una búsqueda comercial que Pixar parece necesitar para seguir produciendo películas con universos nuevos como Hoppers mientras las franquicias logran taquillas millonarias. No obstante, aún en las películas fallidas, Pixar demuestra que siempre tiene algo para decir. Toy Story 5 no es precisamente una películas fallida, pero sí una que frente a aquella trilogía inicial -incluso frente a la cuarta- luce por debajo de sus posibilidades. El conflicto es el de siempre: los juguetes enfrentándose a su posible extinción, aquí representada por la presencia de una tablet que resume el poder de la tecnología sobre el humano contemporáneo. Con Woody y Buzz como personajes de reparto, es ahora la vaquera Jesse -con sus miedos al abandono- la que centraliza la aventura. Toy Story 5, a partir de los problemas que sufre la pequeña Bonnie para encontrar amigos, habla de varios miedos del presente y de cómo la falta de conexión con el otro (más que con el wi-fi) es lo que determina este mundo triste y mustio, donde la imaginación va perdiendo territorio. Más interesante lo que dice que cómo lo dice, Toy Story 5 luce un poco enredada desde el guión y suma subtramas sin mucho convencimiento, pero tiene algunos momentos lúcidos y un último acto vibrante. Lejos de las grandes obras de Pixar, pero aún con su corazón.

NADA ES LO QUE PARECE 3 (película) dirigida por Ruben Fleischer, con Jesse Eisenberg, Woody Harrelson, Dave Franco. En Prime Video.

-Tras una segunda parte catastrófica, este nueva entrega (que llega casi diez años después) pone un poco las cosas en su lugar. Este grupo de magos, que mezclan lo fantástico con el thriller, ya que hay elementos sobrenaturales que poco tienen que ver con un acto de ilusionismo, vuelve a reunirse y a sumar nuevos personajes, para ir tras los pasos de la heredera de un imperio bastante espurio, dueña de un diamante costosísimo. Lo que hace esta tercera entrega, sin desentenderse de la segunda, es destrabar el elementos fantástico que se esbozaba al final de la primera película y arrojarse a lo inverosímil sin problemas. Entretenimiento bien narrado, más allá de los agujeros de guión, tal vez su mayor defecto es que la acción y la espectacularidad va de mayor a menor: es decir, algunas secuencias de la primera parte (por ejemplo, la visita a un castillo lleno de elementos mágicos) son más potentes que las del último acto. Más allá de la apuesta a una excitación un poco artificial, es una franquicia que inventa un mundo con sus reglas y por eso se separa -sin ser una maravilla- de la medianía que es regla.

LETRAS ROBADAS (película) dirigida por John Carney, con Paul Rudd, Nick Jonas, Peter McDonald. En cines.

-El cine de Carney está poblado de películas con canciones. Lo suyo no es el musical, sino la experiencia pop de quienes construyen un imaginario a partir de las lecciones de vida del formato canción. Precisamente que sea música popular le da un toque de escuela de la vida, que se impone a los potenciales esnobismos intelectualoides. Aquí cruza a un ex músico con ambiciones que terminó liderando una banda de covers para casamientos, con un ex integrante de una boys band que está en la mala y no encuentra el norte. Una noche de amistad hace que el primero le muestra una canción al segundo y que este, bloqueado, se la termine robando. Letras robadas se construye un poco sobre el patetismo de sus personajes, para desarrollar un viaje emocionante y divertido por la relación entre el hombre y el arte, el arte como modo de vida o trabajo, y por aquello que nos inspira. Película sensible, como siempre en Carney, todo se sostiene sobre la espalda de ese buen intérprete que es Rudd, aquí encontrando otro personaje que le calza perfecto.

LAS 100 NOCHES DEL DESEO (película) dirigida por Julia Jackman, con Emma Corrin, Nicholas Galitzine, Safia Oakley-Green. En cines.

-Relato de época y fantasía, en la senda de aquellos films de los 80’s como Laberinto o Leyenda, aquí las intenciones son otras más que lo mágico como metáfora de la vida adolescente. En todo caso, una relectura de Las mil y una noches en clave feminista, con dos mujeres jugando con un galán que pretende la mano de una de ellas. Y mientras juegan, estas mujeres terminarán construyendo algo más que el vínculo de cortesana y plebeya que representan. El problema de la película es que resulta profundamente aburrida, demasiado sostenida en sus aspectos estéticos y en su discursividad que avanza progresivamente hasta lo autoparódico. Había algo ridículo en la historia, que Galitzine logra invocar por momentos, pero obviamente todo es sepultado por el bien de la solemnidad.

CRIATURAS BIZARRAS (serie) dirigida por Julián Cortizo, con las voces de Marito Falcón, Ramiro Dunogent, Julián Cortizo. En Flow.

-En la tradición de viejas series animadas nacionales indies como Alejo y Valentina, esta nueva producción se construye también a imagen y semejanza del delirio intergaláctico de series como Rick y Morty. Es decir, una sátira de la vida diaria atravesada por el filtro de lo inusitado y lo fantástico, en la búsqueda de un espíritu incorrecto que la vuelva tan atractiva para públicos jóvenes como adultos. Indescriptible en varios aspectos, Criaturas bizarras se mueve entre la sátira directa, con personajes como el Gordo Morrón, que representa el imaginario de la derecha nacional, y un absurdo heredado de cosas como Todo por dos pesos o Cha Cha Cha. Con referencias evidentes y con muchos guiños a la cultura popular argentina de las últimas tres décadas, funciona mejor cuando apuesta al disparate que cuando intenta generar un sentido político demasiado previsible.  

Entre 1977 y 1982 Steven Spielberg sentó las bases de buena parte de los ejes temáticos de su carrera como director con Encuentros cercanos del tercer tipo y E.T., el extraterrestre. Pero, también, edificaría una suerte de vínculo que no es tan profundo como muchos creen: Spielberg, el director de películas con extraterrestres. En verdad, el director de Tiburón volvería al tema recién en 2005 con su versión de La guerra de los mundos. Sin embargo, su evidente fascinación con el tema y su apuesta constante por lo maravilloso y lo inaudito en su cine (¿hay algo más maravilloso e inaudito que la posibilidad de que existan gentes de otros planetas entre nosotros?) lo convierten en una referencia constante. El día de la revelación, estreno de esta semana, lo vuelve a mostrar preocupado por la ufología y desempolvando algunas leyendas urbanas al respecto, en un vínculo que merece ser recorrido película a película.

Tras sorprender con la maravillosa Reto a muerte y romper la taquilla con Tiburón, Spielberg estrenó un relato de ciencia ficción más personal, Encuentros cercanos del tercer tipo. Protagonizado por Richard Dreyfuss, el aborda la obsesión de un hombre por ese misterio, algo que tal vez tenga que ver con el propio director. La película es importante porque contra el cine paranoico que imperaba en Hollywood por aquellos tiempos, Spielberg ofrece una película más positiva que incluso contradice a la corriente principal de la ciencia ficción, la que allá por los años 50’s mostraba a los seres del espacio como criaturas beligerantes. Los extraterrestres de Encuentros cercanos del tercer tipo tenían la virtud, incluso, de comunicarse por medio de la música.

Tras fracasar espectacularmente con 1941 y volver al éxito con la gran Los cazadores del arca perdida, el director estrenaría en 1982 una de sus películas indispensables, y una de las que sirven para entender su cine: ET, el extraterrestre. La película sigue la senda del anterior relato sobre ufología, en el sentido de que el extraterrestre -aquí explícitamente presente durante toda la película- es un personaje positivo, amigable, inocente y vulnerable, alejado del imaginario destructivo del género. Pero a diferencia de aquella, que era una película más adulta, aquí el director recurre a una mirada decididamente infantil que funciona como un cuento sobre seres solitarios que conectan en algún punto. Ha dicho Spielberg que en verdad ET, de manera inconsciente, es la reflexión sobre el golpe que significó el divorcio de sus padres. Una maravilla y una película que en cierta manera sentó las bases de la estética del cine juvenil de esa década.

Veintitrés años después, en 2005, después de tantos éxitos, premios y hasta películas más serias e históricas, Spielberg retomaría la temática extraterrestre con una producción que era una pequeña obsesión personal: adaptar La guerra de los mundos, uno de los relatos emblemáticos del género. A caballo de la estrella de Tom Cruise, el director imagina la invasión como un instante de desolación en el que desaparece todo rasgo humano. Es claramente una película atravesada por el 11 de Septiembre y por imágenes alucinatorias que remiten al Holocausto, como aquel tren en llamas, ese río repleto de ropas de muertos y gente que se evapora en el aire y queda hecha cenizas. Uno de sus relatos más oscuros y desilusionados, que no inconscientemente ofrece la visión más tradicional y beligerante de los extraterrestres.

Otros veintiún años que pasan, con un Spielberg que se pone más historicista y revisionista que nunca, hasta que finalmente en estos días estrena El día de la revelación, otro relato sobre extraterrestres. La película gira en torno a una información que dos bandos pelean por revelar o proteger, y que persigue una idea: ¿qué pasaría si la humanidad descubre que los extraterrestres están entre nosotros? ¿Cómo reaccionaría la cultura ante la presencia de seres más grandes que la vida conocida? Spielberg piensa a los extraterrestres como parias y marginados, y reflexiona sobre el peso de la verdad y sus consecuencias en un film que toma algo del pesimismo de La guerra de los mundos, pero también el tono integrador de Encuentros cercanos del tercer tipo. Tal vez, por qué no, la mirada definitiva sobre el tema.

Como coda, decir que a pesar de no ser películas sobre extraterrestres, estos personajes aparecen y terminan siendo claves en A.I. Inteligencia Artificial (2001) y en Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal (2008). En la dos películas aparecen en el último acto y son funcionales a la resolución de los conflictos. Pero, sobre todo, son interesantes para pensar cómo para Spielberg los extraterrestres estuvieron en el pasado, como indica la cuarta aventura de Indiana Jones, y en el futuro, como señala el relato futurista sobre el niño robot que sólo quería ser amado. La virtud de Spielberg, en última instancia, es no sólo haber construido un imaginario a su alrededor, sino tener la habilidad y la sabiduría para hacer gran cine con eso.

EL DÍA DE LA REVELACIÓN (película) dirigida por Steven Spielberg, con Emily Blunt, Josh O’Connor, Colin Firth. En cines.

-Tras muchos años de cine revisionista, donde incluso reflexionó sobre sus propias raíces con Los Fabelman, Spielberg regresa al terreno del thriller de ciencia ficción con este relato apasionante que pone en pie de guerra a dos facciones alrededor de un secreto que, de revelarse, podría revolucionar la humanidad para siempre. Por un lado, Spielberg demuestra que sigue siendo un sólido narrador y le alcanza con un par de escenas. Pero, por otro, que sabe cómo relacionar su propia filmografía con los temas que aborda y volverse uno. Es decir, El día de la revelación vuelve sobre sus obsesiones, como son la verdad, la fe y el cine. Que, en todo caso y bajo el prisma del director, tal vez sean lo mismo. Gran película de un creador que estará cumpliendo en este 2026 nada más y nada menos que 80 años. Su talento sigue inagotable. Bienvenido. 

LA EMPLEADA (película) dirigida por Paul Feig, con Sydney Sweeney, Amanda Seyfried, Brandon Sklenar. En Prime Video.

-Alguna vez Feig fue un gran director de comedias, con Damas en guerra como mayor muestra de su talento. Sin embargo, de un tiempo a esta parte, se entusiasmó con una suerte de thriller femenino y elegante, estilizado, donde inspecciona lugares comunes de la sociedad e intenta ponerlos patas para arriba a través de la sátira. Porque sigue siendo el humor uno de sus motores, pero ya atravesado por otros registros. Aquí tenemos a una joven que necesita un trabajo para salir de la mala y una señora de alta sociedad que precisa una ama de casa. Todo parece perfecto e idílico, hasta que comienzan a revelarse las cartas. Feig juega al thriller erótico y se divierte con algunas aproximaciones a la telenovela (el registro de las protagonistas, el marido bonachón y musculoso). Si bien se nota que quiere ser Hitchcock, a Feige le falta… sobre todo cuando el guion comienza a dar giros inverosímiles que nos desvían la atención de lo que pasa en pantalla. Discreta. 

NO APTOS PARA TRABAJAR (serie) creada por Mindy Kaling, con Ella Hunt, Will Angus, Jack Martin. En Disney+.

-Kaling no sólo es una buena actriz de comedia, sino también una autora interesante para el género. Y lo demuestra aquí, en esta serie que se divierte retomando el código de las comedias de amigos jóvenes y neoyorquinos, con una mirada contemporánea que no disimula las influencias (sí, Friends) y con un gran timing para los diálogos veloces y chispeantes. Un grupo de personajes, cada uno en su trabajo, intenta hacerse paso en la vida: un periodista, un médico, otro en finanzas, otra en el mundo del cine y hay más… Y todos se terminan relacionando, entre grupos de amigos y vecinos y otros que tuvieron algún affaire en el pasado. Que la mirada esté depositada desde el mundo laboral que cada uno habita es interesante y le aporta un plus. Y la química en el elenco es la adecuada. Parece inventar un mundo atractivo. Puede tener futuro.

NADIE 2 (película) dirigida por Timo Tjahjanto, con Bob Odenkirk, Cnnie Nielsen, Christopher Lloyd. En HBO Max.

-Hace unos años el querido Odenkirk nos sorprendió al protagonizar una película de acción a lo John Wick, donde interpretaba a un tipo común que realizaba trabajitos peculiares. Entendamos por esto un asesino despiadado que se enfrentaba a ejércitos de malos y quebraba huesos varios. La película fue un moderado suceso y obviamente iba a haber secuela. La hay, pero a diferencia de otras secuelas que tienen como único objetivo estirar lo que funcionó antes, aquí hay ideas. Y lo que hace Nadie 2 es mezclar el espíritu del cine de acción hiperviolento con la comedia ochentosa Vacaciones, con el protagonista viajando junto a su familia rumbo a un viejo parque de diversiones. La mezcla no sólo es una curiosidad, sino que funciona. Ese es su mayor logro, no dormirse en los laureles y demostrar que aquí hay un universo que se amolda y se dobla, como los huesos que quiebra el protagonista.

ALICE Y STEVE (serie), con Nicola Walker, Jemaine Clement, Yali Topol Margalith. En Disney+.

-Indudablemente british en su tono es esta comedia, con dejos de comedia romántica, sobre dos amigos de toda la vida que sufren una crisis cuando él comienza a salir con la hija de ella, mucho menor. Sobre las lealtades y las reglas no escritas de la amistad, surfea esta serie muy divertida, que tiene en primera instancia una escritura muy sólida, pero sobre todo a Walker y Clement como dos protagonistas que saben jugar la química de la amistad y ponerla en riesgo, además de representar a dos personajes en los cincuentas con todas las tensiones típicas del paso del tiempo. Es interesante, también, la manera en que trabaja la relación amorosa en la diferencia de edad, con la atención puesta en los nuevos códigos de cara rol. 

En la previa del Mundial de Fútbol, el estreno de El partido -un documental de Juan Cabral y Santiago Franco centrado en aquel emblemático juego que enfrentó a Argentina con Inglaterra en México 86- generó un interés inmediato. Partido histórico, por contener dos de los goles más emblemáticos de la historia de los mundiales y por el contexto político que enfrentaba a ambas naciones, el film está basado en un libro del periodista Andrés Burgo publicado en 2016 que recoge testimonios de varios de los involucrados en aquella jornada. La película se vio en el Festival de Cannes y pasó por las salas argentinas con buena repercusión para lo que es el género documental en Argentina.

El libro pertenece a una colección de Tusquets llamada Mirada Crónica, que dirigía Leila Guerriero. Ella fue quien le pidió a Burgos que escribiera sobre el partido, pero además sobre todo lo que rodeó a aquel evento. “Este es un libro que nace bien parido a partir de su edición, porque lo que me pidió fue que no hiciera un libro de fútbol. Me dijo: ‘Yo no sé nada de fútbol, explicámelo a mí’. Entonces, todo el tiempo tuve que entrar y salir del fútbol, que es un poco lo que pasa con la película: es una película con fútbol, pero no es de fútbol”, cuenta Burgo en diálogo con el programa Funcinema Radio, donde lo entrevisté junto al colega Guillermo Colantonio.

Ha generado bastante ruido el documental. Tal vez lo imaginaban por el clima premundialista y por todo lo que rodea a esa historia, pero para el género documental en Argentina es una película que ha generado mucha repercusión.-Es un documental que empezó a lo grande, en el sentido de que se estrenó en el Festival de Cannes, con todo lo que eso implica. Es realmente una hazaña cinematográfica lo que consiguieron los directores, la productora y toda la enorme cantidad de gente que trabajó ahí. Después funciona muy bien por dos motivos que se complementan: primero, la película pertenece a Disney, con todo el aparato propagandístico fuerte que tiene detrás; pero además, sobre todo, funciona muy bien en el boca a boca. Vos podés tener un tanque apoyándote, pero si el boca a boca no camina, no pasa nada. Y acá la verdad es que toda la gente que va a verla sale encantada, se emocionan mucho, casi todos salen llorando. Es una película que une generaciones. Y lo digo sin egolatría, porque yo no participé en el film, sino que escribí el libro en el que se basaron. Lo que hicieron es hermoso, la verdad es un peliculón.

¿Y en qué momento te contactan los realizadores de la película? ¿Tuviste que revisar el guion o solamente entregaste los derechos del material?-No, nada, nada. Se contactaron conmigo hace un par de años. Nos juntamos en un bar y me dijeron que querían hacer una película basada en el libro. Yo no los conocía, un poco por ignorancia mía, porque son gente muy reconocida en su palo. Después ellos se contactaron con la editorial por el tema de los derechos. Yo no tuve participación en la película, ni en el guion, ni en nada. De hecho, los volví a ver recién cuando me mostraron la película terminada, la semana previa a que viajaran a Cannes. Hicieron un laburo increíble desde aquel café que tomamos, yendo etapa por etapa: conseguir la idea, asociarse con productoras, el apoyo de Juan Pablo Sorín para acercarse a los futbolistas, asociar a Disney (que fue un paso clave para financiar el proyecto) y después conseguir el ok de Cannes. Hicieron un trabajo impresionante.

¿En algún momento habías fantaseado con la posibilidad de que el libro se convirtiera en una película, tal vez de ficción?-¡Cero! No, no, cero. He escrito otros libros que parecían tener más chances. De hecho, cuando ellos me contactaron, yo estaba hablando con otra productora asociada a Netflix que tenía la misma intención con este libro, pero al final no la hicieron. Sí vendí varias veces los derechos de otro libro que escribí con Alejandro Wall, El último Maradona, que es sobre el doping en el Mundial 94. Pero una cosa es vender los derechos y otra que se filme. Los directores pueden tener la idea, pero concretarla y que la película llegue a los cines requiere que pasen un montón de cosas. Ellos lo consiguieron. Por eso digo que lo que hicieron, más que un milagro -porque el milagro se asocia al azar-, fue una hazaña en base a laburo, romperse el lomo y el talento que tienen.

Para la realización del libro, Burgo habló con más de cien personas. Entrevistó a futbolistas argentinos, ingleses, y leyó todos los diarios de la época. Además, como curiosidad, los jugadores ingleses tienen libros publicados y todos hablan de este partido, con lo cual, con aquellos que no habló de forma directa, Burgos tenía sus testimonios escritos. “Es una especie de crónica documental donde voy intercalando todo el tiempo las voces de los argentinos, de los ingleses y de los mexicanos que estaban en el campo de juego. En ese sentido es una mirada bastante amplia. Hablé con el árbitro, con el juez de línea, con los barras bravas que estaban ahí, con los políticos que viajaron, con los utileros que salieron a buscar las camisetas a último momento y con Bilardo. Fue una investigación de tres años, la verdad que escribir ese libro fue una obsesión”, destaca el autor.

Con respecto al partido, ¿cambió tu perspectiva en relación a cuando lo viste por primera vez en el Mundial? -Yo tenía 11 años cuando vi ese partido y me acuerdo poco y nada. Para mí, es un partido que empezó a nacer diez años después. Tengo una teoría: Maradona volvió a inventar ese partido diez años después. Cuando termina el encuentro en el 86, Argentina pasa a semifinales, todavía faltaban dos partidos para salir campeones y no te podías quedar solo en eso. Además, seguía la tesitura que se ve en el tráiler, con Maradona diciendo: ‘Esto es sólo fútbol, no es política’. Recién diez años después -creo que también cuando la biología le impedía seguir haciendo épica con el cuerpo-, Diego empieza a llevar la épica a la lengua. Empieza a reivindicar este partido, a hablar de la Guerra de las Malvinas y de cómo ese día implicaba mucho más que un simple partido para su carrera. Hasta entonces no se hablaba tanto del tema en esos términos. Poco a poco se empezó a generar interés alrededor de los 90 minutos. Cuando yo empecé a escribir, iba a ser un libro sobre todo el Mundial, no sólo del Argentina-Inglaterra. Pero en ese momento estaba muy copado con Anatomía de un instante, un libro del escritor español Javier Cercas sobre un fallido golpe de Estado. Y me dije: ‘Bueno, yo puedo hacer la anatomía de un instante, que sea este partido con Inglaterra, no necesito contar todo el Mundial’. Me di cuenta de que había una historia tremenda ahí. Eran partículas sueltas que siempre generaban interés: el primer gol, el segundo, la frase de Maradona, el “barrilete cósmico”, Malvinas, la pelea de las hinchadas, las camisetas... Había un montón de cosas interesantes pero flotando sin profundizar. Mi misión fue unir todo eso en un relato de lo que pasó en esos 90 minutos y su contexto. Este partido sin Malvinas sería un partido más.

Con relación a los testimonios de los jugadores ingleses que se ven en la película, como Gary Lineker o John Barnes, se nota que todavía transmiten una cierta emoción por haber compartido la cancha con Diego. Pero el que no puede con su vida es Peter Shilton, sigue pareciendo un personaje resentido.-Es que Shilton es necesario. Necesitás un Joker, un villano, un antagonista dentro del campo de juego, y ese es su papel. De hecho, la tapa de la edición de 2020 y el póster de la película muestran el saludo inicial entre Maradona y Shilton. Está perfecto que sea así porque es el gran rival. Cuando hablaba con los jugadores ingleses, yo pensaba que iban a estar todos enojados por el recuerdo de Shilton, que era el arquero. Y en cierto modo hay que entenderlo: te hacen un gol con la mano en un Mundial y tenés derecho a enojarte. Pero el resto de los jugadores ingleses estaban fascinados con haber participado en ese partido. Es muy loco desde nuestra perspectiva, porque nosotros de ninguna manera estaríamos contentos de haber formado parte de la consagración de un rival. Sin embargo, los ingleses admiran tanto a Maradona que me decían: ‘Para mí es un recuerdo feliz’. Suena increíble, salvo por Shilton, pero es clave que haya uno enojado porque si no es todo demasiado edulcorado.

La otra historia alucinante es la del jugador inglés que se quedó con la camiseta de Diego en secreto. Toda esa historia es extraordinaria.-Sí, era un mediocampista: Steve Hodge. Y no fue tan en secreto. Hay una historia espectacular ahí. Hodge salió campeón de la Premier con el Leeds, jugó más de 300 partidos, un tipo con una trayectoria bárbara. Después del partido se queda con la camiseta de casualidad. En los pasillos internos del Estadio Azteca se cruza con Maradona. Hodge se había tenido que quedar un poquito más en la cancha porque lo había llamado la televisión inglesa para una entrevista. Cuando entra, se encuentra con Maradona, que también venía rezagado, y le hace el gesto de intercambiar camisetas. Inglaterra ya estaba eliminada, a Diego no le importaba y se la dio. Unos 15 o 20 años después del partido, Hodge estaba en su casa de Londres viendo un informe de la BBC donde contaban que se había subastado por 300.000 dólares una camiseta de Pelé del Mundial 70 que tenía un jugador checoslovaco. Y ahí reaccionó: ‘Ah, pero si yo tengo la de Maradona’. La fue a buscar y la tenía ahí tirada en la casa. Si había dos camisetas míticas hasta ese momento eran la de Pelé del 70 y la de Maradona del 86 contra Inglaterra. Se la empezó a mostrar a los medios ingleses y la camiseta tomó una dimensión de reliquia. Al principio se asustó un poco porque tenía miedo de que se la robaran o pasara algo, se la prestó al Museo del Fútbol de Manchester y finalmente es la que terminó siendo subastada por unos 10.000.000 de dólares hace unos años. Hodge me mandó una foto de la misma noche del partido, o al día previo a volverse a Inglaterra, donde ya tenía la camiseta puesta. En el documental se ve que era algo habitual: Maradona daba entrevistas con una camiseta de Italia que había cambiado en el segundo partido, y había jugadores argentinos con camisetas de Bulgaria. Sí hubo algunos compañeros ingleses enojados con Hodge por habérsela quedado, pero el resto te dice: ‘Ojalá la hubiese cambiado yo’. Fue una cuestión de suerte. Hoy se divide entre el enojo de algunos porque Maradona hizo el gol con la mano, y la envidia de los otros que se perdieron 10.000.000 de dólares.

AMOS DEL UNIVERSO (película) dirigida por Travis Knight, con Nicholas Galitzine, Camila Mendes, Idris Elba. En cines.

-Tras muchos años de idas y vueltas, finalmente llegó la película de He-Man, adaptación de uno de los dibujos animados más populares de los 80’s y que generó todo un universo de merchandising y subproductos que llega hasta nuestros días. Si bien no se podía esperar demasiado teniendo en cuenta el nivel del cartoon original (seamos honestos, era bastante pobre desde lo gráfico), Knight se las ingenia para construir una película que les hace honor a los personajes y al mundo original, a la vez que toma algunos desvíos por la senda del humor y la autoconciencia. Lejos de la traición, lo que hace el film es asimilar todo lo que pasó en estas cuatro décadas alrededor del personaje. Amos del Universo tampoco es perfecta, es demasiado larga y la mezcla de tonos no siempre funciona. Incluso, es el film más flojo hasta el momento del director (Kubo y la búsqueda samurái, Bumblebee). Sin embargo, hay un cariño que se adivina detrás del proyecto que lo hace funcionar y avanzar a pura simpatía.

AMOS DEL UNIVERSO: REVELACIÓN (miniserie) con voces de Sarah Michelle Gellar, Lena Headey, Mark Hamill. En Netflix.

-Entre los varios productos y las reinvenciones que tuvo el dibujo, seguramente esta miniserie en diez episodios producida por Netflix hace unos años está entre lo mejor. La intención es darles un tono más oscuro a los personajes, y lo logra. Luego del cataclismo que desata una batalla entre He‑Man y Skeletor, Eternia queda devastada. Trabajando el heroísmo desde su vertiente más trágica, esta producción animada acierta en el tono y en la calidad de su animación, que actualiza los tópicos históricos y les da un aire contemporáneo. En la plataforma hay más contenido relacionado con el personaje, pero por lejos este es el más interesante.

THE TOYS THAT MADE US: HE-MAN (serie) dirigido por Tom Stern, con las presencias de Mark Bellomo, Donald Ian Black, Ed Calderon. En Netflix.

-Esta serie documental, salvo por el tono canchero en la narración, es notable y tiene un valor nostálgico invalorable. Se mete de lleno en el corazón de la cultura pop, especialmente en los 80’s y en uno de los elementos fundantes del fetichismo del merchandising: los muñecos articulados. Si bien son tres temporadas, tomados por el espíritu de Amos del Universo queremos recomendar el capítulo 3 de la temporada 1, centrado obviamente en los muñecos articulados de He-Man creados por Mattel. Piezas buscadas hoy por coleccionistas y fanáticos, la historia detrás de estas figuras de acción es riquísima y muy divertida. Parte del éxito de la franquicia animada tiene que ver precisamente con estas piezas, y el capítulo avanza entre la exposición documentada y el registro cariñoso a una época en la que He-Man y sus amigos (y enemigos) generaban furor entre el piberío.

TURBULENCIA EN LA OFICINA (película) dirigida por Ol Parker, con Jennifer Lopez, Brett Goldstein, Betty Gilpin. En Netflix.

-Cortemos un poco con He-Man. Si bien seguramente la mayoría del público verá esta película por la presencia de la López, conviene prestarle atención a su partenaire, Goldstein, un comediante británico que brilló en la serie Ted Lasso y cuya presencia no sólo quedaba en la actuación, sino además en los guiones. Precisamente ese rol lo volvió a cumplir en Terapia sin filtro, otra serie hermosa. Con lo cual, decir que si Goldstein aparece aquí también como guionista, hay que prestarle atención a Turbulencia en la oficina. Comedia romántica de corte clásico (todo un riesgo hoy), está atravesada por el mundo del trabajo y las reglas de los géneros en el presente. Entre la tradición y la modernidad se balancea, mientras intenta ser cómica y ser romántica, aunque no lo logra siempre. O, mejor, logra superarse cuando es cómica y volverse peor, torpe, dubitativa, cuando tiene que ser romántica. Es en esos apuntes humorísticos donde se nota la pluma de Goldstein, lástima que surjan como espasmos y no terminen de ser el verdadero camino de la película. 

CONAN, EL BÁRBARO (película) dirigida por John Milius, con Arnold Schwarzenegger, James Earl Jones, Max von Sydow. En Disney+.

-Volvamos a He-Man para el cierre. Hay quienes acusan al personaje de estar afanosamente inspirado en Conan, el bárbaro, criatura creada en cuentos y novelas por Robert E. Howard en los años 30’s del siglo pasado. Y si bien es claro que hay muchas similitudes en ese universo de hombres poderosos, magos y brujos, lo cierto es que He-Man avanzó hacia una textura más pop que el personaje original no tenía. Eso queda claro en las películas de Conan casualmente protagonizadas por Schwarzenegger en aquellos años 80’s, en paralelo al éxito de la serie animada. Y la primera especialmente, dirigida por Milius y con Oliver Stone en el guion, que sigue al personaje buscando venganza contra los que eliminaron a los suyos. Primer gran suceso de taquilla del ex fisicoculturista austríaco, es un film bastante oscuro y violento, que sirvió de molde para muchas películas similares, especialmente en los 80’s donde las aventuras de hechiceros estaban de moda.    

Desde hace un tiempo que mayo es el mes de Star Wars, no sólo por el famoso 4 de mayo y su juego de palabras con la icónica frase (“May the Force be with you”), sino además porque el 25 de mayo de 1977 fue la fecha de estreno de la película que no solo creó un universo que se sostiene hasta nuestros días, sino que además modificó para siempre la industria y los modos de consumo y promoción de las películas. Ya conocemos la historia, el indescifrable proyecto de George Lucas que mezclaba el western con los relatos de samuráis y ubicaba sus acciones en el espacio, y convirtió en estrellas a Mark Hamill, Harrison Ford, Carrie Fisher, Alec Guinnes y Peter Cushing… bueno, no, Guinnes y Cushing ya eran famosos.

Sí, que Han Solo, que Luke Skywalker, que la Princesa Leia, que Obi-Wan Kenobi, que Grand Moff Tarkin, que esto y que aquello, pero también hay en Star Wars un grupo de personajes que resultan indispensables y cuyos intérpretes, al menos el rostro de cada uno de ellos, sólo se hizo popular con el paso del tiempo y el cariño de los fanáticos. Hablamos de Darth Vader, Chewbacca, C-3PO y R2-D2, sin cuyas presencias las películas no serán lo mismo.

DARTH VADER

Por su supuesto que Darth Vader, no sólo el gran villano de la franquicia sino además uno de los grandes villanos de la historia del cine, tenía un aiconografía que va desde el diseño del personaje, su presencia omnipresente, su voz característica y hasta el leit motiv musical con la Marcha Imperial de John Williams, que hacía cada presencia inolvidable. Sin embargo de Darth Vader no deja de ser sintomático, ya que si el personaje se termina autoensamblando su propia construcción es un mosaico de voz, cuerpo y rostro.

En sí la presencia estelar es la de David Prowse, actor de 1,95, ex fisiculturista británico, que se involucró con el cine interpretando a personajes que se destacaban por su tamaño. Pero si Prowse aportó el cuerpo debajo del traje y el casco (y mantendría una fuerte distancia con los productores a partir de información clave que filtró sobre la trilogía), Darth Vader no sería Darth Vader sin la imponente voz de James Earl Jones. En todo caso la conjunción de ambas cosas da esa síntesis del poder macabro que representa Vader.

Sin embargo, hay un tercer involucrado en la construcción del villano y tiene que ver con el final de El regreso del jedi, cuando finalmente Vader se saca el casco y se ve su rostro. La producción necesitaba un actor veterano y por eso, cuando Vader queda al desnudo, es el actor de extensa trayectoria Sebastian Shaw quien presta el rostro de ese Vader terminal.

CHEWBACCA

Seguramente uno de los personajes más queridos de Star Wars, el wookiee Chewbacca fue interpretado mayormente por Peter Mayhew, quien encarnó al personaje en la trilogía clásica -Episodios IV, V y VI- y regresó brevemente en La venganza de los Sith en 2005. Su imponente altura, superior a los 2,20 metros, fue determinante para construir la presencia física del personaje.

Con el paso del tiempo, el relevo fue tomado por Joonas Suotamo, quien comenzó como doble de Mayhew en El despertar de la Fuerza y luego asumió completamente el rol en las producciones más recientes, incluyendo las secuelas y otros proyectos de la franquicia. Sin embargo Peter Mayhew, actor muy querido y celebrado en las ferias de fanáticos, es reconocido como el auténtico Chewbacca.

C-3PO

Personaje que tenía mucha fuerza en la trilogía original, el servicial robot C-3PO es un caso único en la franquicia, ya que un actor lo ha interpretado en casi todas las películas: Anthony Daniels, quien se metía en ese traje ajustadísimo y brillante. Cuenta el anecdotario que Daniels tenía movilidad reducida y visibilidad muy restringida, lo que incluso dificultaba la puesta en escena de muchas escenas debido a la dificultad para moverse.

Anthony Daniels es otro intérprete muy querido por los fans, especialmente por el vínculo con el personaje, ya que no sólo lo interpretó en las películas oficiales de la saga sino que también prestó su voz en múltiples series animadas, videojuegos y otros contenidos derivados de las películas.

R2-D2

Finalmente nos metemos con otro de los personajes emblemáticos de aquella trilogía original, el droide astromecánico R2-D2, más conocido por estas tierras como “Arturito”. Si bien el actor Kenny Baker fue quien se metía dentro del traje gracias a su 1,12 de altura y lograba manejar las expresiones del robot, a diferencia de otros personajes no dependía sólo de la presencia de un actor.

Porque gran parte de las apariciones de R2-D2 se resolvían mediante unidades mecánicas controladas a distancia, lo que significa que Baker no participaba físicamente en todas las escenas del personaje. Ya con las nuevas películas, la representación del personaje eliminó la presencia humana y ya se hizo uso de animatrónica avanzada, sistemas de control remoto e imágenes generadas por computadoras.

AMARGA NAVIDAD (película) dirigida por Pedro Almodóvar, con Bárbara Lennie, Leonardo Sbaraglia, Aitana Sánchez-Gijón. En cines.

-Entre el duelo y la culpa, la nueva película de Almodóvar le hace honor a lo de amargura que adelanta desde el título: un director de cine escribe un nuevo guion y esa historia se representa en un vaivén que va de la ficción a la realidad. Si están todos los tópicos habituales del cine del español y hasta recupera la sutileza perdida en películas recientes, lo cierto es que por momentos Amarga Navidad parece naufragar sin sentido, hasta el último acto, donde finalmente se revelan las intenciones de Almodóvar: pensar en la responsabilidad del creador, e incluso en sus propias responsabilidades acerca de lo que cuenta, de cómo impacta en las personas cercanas cuando lo creado tiene indudables guiños de lo real. No está mal, pero Almodóvar ya ha reflexionado antes y mejor sobre estos asuntos, incluso con más gracia que la que desprende esta película demasiado apagada, propia de un realizador con una trayectoria extensísima que parece atrapado desde hace un tiempo en una mirada introspectiva que no siempre redunda en un buen ejercicio cinematográfico.

SPIDER-NOIR (serie) creada por Oren Uziel, con Nicolas Cage, Lamorne Morris, Li Jun Li. En Prime Video.

-Cage ya había aportado su voz a un prototipo de este personaje en las películas animadas de Spider-Man, por lo que ya había un entendimiento entre intérprete y criatura. Entendimiento que ahora cobra vida en acción real y habilita, desde su propia caracterización, una atractiva relectura del cine noir en espíritu superheroico. O, en todo caso, se hace cargo de que varios de estos personajes surgieron en tiempos de la Gran Depresión. Por lo tanto, más que un ejercicio preciosista y nostálgico, Spider-Noir es un interesante acercamiento a los orígenes pulp del género mientras aborda tópicos propios como el rechazo del superhéroe a conservar sus poderes. En esa lucha, esta versión de Spider-Man en forma de detective privado quedará involucrada en medio de una trama de poderosos y feme fatales. Visualmente prodigiosa, es una curiosidad a la vez que un relato atractivo. 

JACK RYAN: GUERRA FANTASMA (película) dirigida por Andrew Bernstein, con John Krasinski, Wendell Pierce, Sienna Miller. En Prime Video.

-Más allá de algunos aciertos en las películas protagonizadas por Harrison Ford, momentos parciales de la serie protagonizada por Krasinski y la icónica La caza al Octubre Rojo, el personaje de Jack Ryan no encuentra una representación adecuada. Raro en esta película, que es una extensión de la serie mencionada. Aquí Ryan aparece fuera del servicio secreto, hasta que una misión que parece tonta termina en caos. Y, obvio, el bueno de Jack regresa a la acción. Entre las dos variables que puede manejar un relato de espías, una buena intriga o buenas secuencia de acción, Guerra Fantasma no va por ninguna. Por el contrario, se balancea entre el tedio y las intenciones de gran espectáculo, que nunca llegan. Un film apenas correcto, sin ninguna secuencia recordable y una mirada política bastante lavada. Su único mérito es no obligarnos a ver diez episodios y resolver lo suyo en menos de dos horas.

LAS CUATRO ESTACIONES (serie) creada por Tina Fey, Lang Fisher y Tracey Wigfield, con Tina Fey, Will Forte, Colman Domingo. En Netflix.

-Segunda temporada de esta comedia dramática (inspirada en una vieja película de Alan Alda) sobre un grupo de amigos que viajan y se reúnen a lo largo del año, en las diversas estaciones. Precisamente eso, las estaciones, le da un ritmo interno que organiza las acciones y se agradece. Si bien es cierto que algunos conflictos ya tienden a repetirse y no parece haber mucho más para explorar en este grupo de cincuentones con sus crisis de la mediana edad, lo cierto es que Las cuatro estaciones se las ingenia para acertar cada tanto cuando apela a la comedia y a poner a sus personajes en situaciones ridículas. Se nota en la escritura el tono mordaz en torno a los vínculos bien propio de Fey, aunque también por momentos apela a salidas facilistas y un tanto naif. Más allá de todo, podríamos sentirnos dentro de un grupo de amigos, salvo que tienen tanta plata que resulta difícil seguirles el paso. Pero ese es el espíritu más o menos de esta comedia.

KEVIN (serie) creada por Aubrey Plaza y Joe Wengert, con voces de Jason Schwartzman, Amy Sedaris, Aparna Nancherla. En Prime Video.

-Las series animadas para adultos están repletas de propuestas como estas, así que por momentos Kevin nos resulta a algo ya visto: humor sexual, personajes desquiciados y desarrapados. Sin embargo, Kevin tiene su encanto porque la galería de personajes es amplia y muy creativa, pero sobre todo porque encuentra una lógica interna original al integrar un mundo de animales y humanos que se comprenden y pueden dialogar entre sí. El inicio de todo es la separación de la pareja dueña del gato del título, y la crisis en la que entra el personaje, quien termina en una guardería repleta de perros y gatos desquiciados. Hay mucho humor del bueno y un diseño visual que reproduce perfectamente la sintaxis de una gran urbe, mientras la sátira a los vicios de la modernidad se impone con gracia.

Como contábamos la semana pasada, en la década de 1980 diez hitazos se impusieron en el rubo a Mejor Canción Original de los Premios Oscar. Diez canciones que hoy siguen presentes y que han marcado a fuego a una generación, pero incluso sobrevivieron a eso y se mantienen como himnos pop de generaciones posteriores. Pero lo curioso es que, como para demostrar que fue una época gloriosa, si buscamos entre la lista de perdedores encontraremos otra cantidad igual de canciones imborrables, incluso algunas mejores que las que ganaron. 

Dentro de este recorrido por esa década, algunos años impactan por el nivel de los competidores. Allí arriba de todo está 1985, cuando Stevie Wonder se impuso con I just called to say I love you dejando atrás nada más y nada menos que a Footloose de Kenny Loggins, Ghostbusters de Ray Parker Jr. y Against all odds -Take a look at me now de Phil Collins. ¡Tres temazos que hoy integran cualquier lista de éxitos de los 80’s! No queremos generar polémica, pero la de Phil Collins es mejor que la de Steve Wonder.

Si vio algún especial de boxeo, sabrá que no hay forma de musicalizar un montaje sin Eye of the tiger de Survivor, hecho para la banda sonora de Rocky III. Un tema inmortal, que nos traslada inmediatamente al entrenamiento pugilístico. Esta canción inagotable es otra de las grandes perdedoras del Oscar en los 80’s. Sin embargo ese año, 1983, perdió contra la baladaza Up where we belong de Joe Cocker y Jennifer Warnes. Aunque quisiéramos, no podríamos quejarnos.

The power of love de Huey Lewis and the News perdiendo contra Say you, say me de Lionel Richie; 9 to 5 de Dolly Parton cayendo contra Fame de Irene Cara; o Glory of love de Peter Cetera mordiendo el polvo ante Take my breath away de Berlin. La música de los 80’s irrumpía con toda su potencia en las radios y la Academia no podía dejar pasar el viento de época. Podríamos seguir quejándonos por los derrotados, pero qué mejor que escucharlos.

9 to 5 de la película Cómo eliminar a su jefe por Dolly Parton (perdió en 1981 con Fama por Irene Cara)

Eye of the tiger de la película Rocky 3 por Survivor (perdió en 1983 con Up where we belong por Joe Cocker y Jennifer Warnes)

Maniac de la película Flashdance por Michael Sembelo (perdió en 1984 con Flashdance... what a feeling por Irene Cara)

Against all odds -Take a look at me now de la película El poder y la pasión por Phil Collins (perdió en 1985 con I just called to say I love you por Steve Wonder)

Footloose de la película Footloose por Kenny Loggings (perdió en 1985 con I just called to say I love you por Steve Wonder)

Ghostbusters de la película Los Cazafantasmas por Ray Parker Jr (perdió en 1985 con I just called to say I love you por Steve Wonder)

The power of love de la película Volver al futuro por Huey Lewis & The News (perdió en 1986 con Say you, say me por Lionel Richie)

Glory of love de la película Karate Kid II por Peter Cetera (perdió en 1987 con Take my breath away por Berlin)

Nothing’s gonna stop us now de la película Mannequin por Starship (perdió en 1988 con (I've had) The time of my life por Bill Medley y Jennifer Warnes)

Two hearts de la película Buster por Phil Collins (perdió en 1989 con Let the river run por Carly Simon)

THE MANDALORIAN (serie) creada por Jon Favreau, con Pedro Pascal, Chris Bartlett, Katee Sackhoff. En Disney+.

-Es posible que algunos no sepan de qué se habla cuando se habla de The Mandalorian y por eso el estreno de cines de esta semana le significará nada, pero lo cierto es que a lo largo de tres temporadas la serie creada por Favreau se convirtió en una de las cosas más felices que salieron de esa usina inagotable del universo Star Wars. La serie imagina a un personaje integrante de un particular credo, que tiene que rescatar a una criatura. Punto de inicio de una serie que es pura algarabía, alejándose de la pesadez de los subtextos y las obsesiones de la saga original y tirándose de cabeza a la aventura hecha y derecha, como en los viejos seriales donde los personajes iban de acá para allá sin importar demasiado el trasfondo. Con ese espíritu, la serie crecía a su vez de la mano del carisma que exudan sus dos protagonistas, el lacónico Mando y el muy querido Grogu. Hay capítulos brillantes, donde la aventura y la comicidad se dan la mano, y una lectura acertadísima de Favreau respecto de cómo recuperar las lecciones del cine clásico. Una maravilla.

STAR WARS: THE MANDALORIAN AND GROGU (película) dirigida por Jon Favreau, con Pedro Pascal, Jeremy Allen White, Martin Scorsese. En cines.

-Ni lento ni perezoso, en vez de seguir extendiendo la serie, Disney imaginó que detrás de este universo había una película. Con los mismos responsables a cargo del guion y del desarrollo, y con Favreau también detrás de cámaras, finalmente Mando y Grogu tienen su experiencia de larga duración, que para algunos podrá sonar a un capítulo extendido. Y si bien pueden estar en lo cierto, la verdad es que la película sostiene la lógica de la serie centrada en misiones, en viajes, en aventura, en comicidad y en acción. Aquí el protagonista es enviado a rescatar a una criatura, que está prisionera en otro planeta. Básicamente toda la película es el plan para ese rescate y sus consecuencias. No hay mucho más y es justo lo necesario, lo que tiene que contar una historia sostenida en resortes clásicos donde los contextos de los personajes no son demasiado relevantes. Aquí importa el movimiento, la manera en la que avanzan y van fortaleciendo su vínculo por medio de la acción. Puede que parezca un poco pequeña, o demasiado simple, pero sus imágenes espectaculares, alguna secuencia de acción y el carisma de sus protagonistas son suficiente material para justificar la empresa.

CARÍSIMA (serie) dirigida por Nano Garay Santaló y Federico Suarez, con Julián Kartún, Alex Pelao, Iara Portillo. En Netflix.

-Aquí tenemos el ejemplo contrario al anterior. Caro Pardíaco, personaje surgido de pequeñas intervenciones y apariciones donde importa más la improvisación que otra cosa, es la protagonista de esta serie donde la puesta en marcha de una fiesta se complica ante la aparición de un asesino. Creada por Kartún, Caro Pardíaco tiene elementos que podrían albergar la ilusión en la construcción de un mundo a su alrededor. Pero de las ideas a las concreciones hay un trecho largo, y los episodios, a pesar de durar apenas diez minutos, se vuelven intransitables. Narrada a las apuradas, como si el formato corto le jugara en contra, Carísima es una serie que sólo puede funcionar en el público cautivo y los fanáticos, que son -como sabemos- cultores de la indulgencia. Se agradece el esfuerzo de todos los involucrados, pero el resultado es pobrísimo.

NADA ENTRE LOS DOS (película) dirigida por Juan Taratuto, con Gael García Bernal, Natalia Oreiro, Peto Menahem. En cines.

-En el marco de una crisis empresarial que debe ser atendida durante un fin de semana, dos ejecutivos -él mexicano y ella argentina- se cruzan en un hotel y van construyendo una relación que más que una realidad, es una síntesis de todo aquello que no está del todo bien en el hogar de cada uno. Taratuto vuelve a mostrar su solidez como narrador de este tipo de historias centradas en vínculos personales y sentimentales, a la vez que logra sacar sinceras interpretaciones de García Bernal y Oreiro. Nada entre los dos indaga en los vericuetos del amor, de la vida en pareja, del deseo y la frustración. Lo hace con una mirada atenta a los detalles y diálogos bien escritos. El único problema de la película es que claramente le faltan picos como para que su tono un poco monocorde no termine abrumando. Está todo tan bien en la película, que a veces se extrañan algunas fallas que rayen esa superficie correcta y despeine un poco a sus personajes.

SATISFACCIÓN GARANTIZADA (serie) creada por David Rosen, con Tatiana Maslany, Jake Johnson, Jessy Hodges. En AppleTV.

-La primera secuencia del primer episodio es una muestra de la habilidad de esta serie para meternos en su propio juego: una mujer charla con un muchacho computadora por medio. Parece un pariente, un amigo o un novio. Pero no, es un encuentro sexual de estos que se estilan en la virtualidad. Sin embargo todo da un vuelco cuando ella termina involucrada en una situación policial y su vida comienza a complicarse mucho más: atraviesa un divorcio difícil, con la tenencia de su hija en juego. Si bien recién se vieron sus primeros episodios, Satisfacción garantizada promete por algunos nombres involucrados, como Maslany, Johnson y hasta el mismísimo David Gordon Green, director del piloto. Con guiños a Hitchcock y De Palma, la serie mixtura el thriller, la comedia negra y el drama con mucha solidez, y con un espíritu extravagante. Falta el arco completo, pero el inicio es prometedor.