Con Toy Story rompiendo nuevamente la taquilla de los cines del mundo (ahí tenemos la quinta entrega convocando en cines argentinos más de 560.000 espectadores en apenas tres días), Pixar sostiene su estandarte de cine de calidad y éxito masivo. Sin embargo, no todas han sido rosas en el camino de la compañía de cine animado y hubo algunos resonantes fracasos que enterraron a algunas películas en el olvido. Sin embargo, extrañamente, se trata de grandes películas que merecen una revisión o segunda oportunidad o reconsideración; cinco enormes aventuras que están disponibles en la plataforma Disney+ y merecen tener un poco de afecto.

-Un gran dinosaurio de Peter Sohn (2015): estrenada el mismo año que Intensa-Mente (un éxito sorpresivo) este noble western con dinosaurios fue el primer gran fracaso comercial de la compañía. Y es una pena porque se trata de una enorme aventura, la de Arlo, un joven dinosaurio que es el paria de su familia y debe mostrar su valor tras la muerte de su padre a raíz de un accidente del que él se echa la culpa. Es verdad que la película es sumamente triste y tal vez no era la mejor invitación para los chicos, pero Un gran dinosaurio tiene un corazón enorme, muestra la naturaleza en toda su imponencia y peligro y tiene algunas de las resoluciones más sofisticadas de la historia de Pixar. Sólo la secuencia con Arlo y Spot (un niño humano que el dinosaurio adopta como mascota) contando sus desgracias familiares merece su visionado.

-Unidos (2020) de Dan Scanlon: no sabemos si esta película hubiera tenido mejor recorrido comercial (de hecho arrancó muy mal), pero lo cierto es que a los pocos días de su estreno estalló el Covid-19 a nivel global y los cines del mundo comenzaron a cerrar. Así que el destino de Unidos fue el olvido inmediato. Sin embargo se trata de un film sumamente querible, que demuestra la habilidad de Pixar para llevarnos de la nariz para revelarnos al final que vimos el punto de vista incorrecto. Un mundo de fantasía poblado de elfos, duendes y demás criaturas, donde dos hermanos van tras el hechizo que haga posible por unos segundos el regreso del padre muerto. Una road movie fenomenal, muy emotiva, con personajes sumamente queribles y, otra vez, una resolución para ver con un nudo en la garganta.

-Elio (2025) de Madeline Sharafian, Domee Shi, Adrián Molina: el gran fracaso de Pixar, nadie quiso ver esta historia. Pero, otra vez, estamos ante un gran relato que reflexiona sobre la búsqueda de horizonte en un mundo que no nos comprende o, en todo caso, al que no le permitimos conocernos ni conocer. El protagonista es el Elio del título, un chico cuyos padres murieron y que es criado por una tía. Su obsesión está en el espacio, el único lugar al que cree poder pertenecer. Y cuando logra llegar al espacio, termina involucrado en una trama que lo supera por completo como representante de la Tierra. Relato que habla de la soledad como algo de lo que todos escapamos pero, al final, nunca logramos hacerlo del todo.

-Encantados (2023) de Peter Sohn: el director de Un gran dinosaurio (gran director que por algún motivo no cuenta con el favor del gran público) trae en pleno Siglo XXI una comedia romántica bien sencilla, centrada en opuestos que se atraen. Una suerte de Romeo y Julieta, donde los personajes representan al fuego y al agua. Es seguramente una de las películas más simples de Pixar en cuanto a sus conflictos, pero a la vez es la más espectacular desde lo visual, con un diseño notable y una perfección en la representación de los elementos básicos que abruma. Y a la vez tiene grandes personajes y decisiones narrativas que no suenan forzadas y tienen que ver con la nobleza de sus personajes. El último plano es simplemente memorable. 

-Luca (2021) de Enrico Casarosa: junto a Un gran dinosaurio es la otra obra maestra del grupo, tal vez la mejor de las cinco que estamos recomendando. A favor de la película hay que decir que pertenece a ese trío de films que Pixar mandó directo a plataforma en tiempos de pandemia, por lo que nunca sabremos cómo le hubiera ido en la taquilla. Lo concreto es que estamos en un film de una belleza que transita todos sus espacios: desde lo estético, con esa Italia congelada en la mitad del siglo pasado, a los personajes y su historia, y una banda sonora que recupera grandes hits de la música de aquel país (como las grandes referencias al cine de la era dorada). Es una declaración de amor a un tiempo y también a la amistad y a la infancia. Dos monstruos marinos se infiltran entre los humanos, en un pueblo de pescadores que precisamente odia a los monstruos marinos. El conflicto, obviamente, mantener esa identidad en secreto. Obra maestra para ver una y otra vez.

TOY STORY 5 (película) dirigida por Andrew Stanton, con las voces originales de Tom Hanks, Tim Allen, Joan Cusack. En cines.

-La saga Toy Story ya lo entregó todo al cierre de su tercera parte, por lo que continuar con la historia es puramente una búsqueda comercial que Pixar parece necesitar para seguir produciendo películas con universos nuevos como Hoppers mientras las franquicias logran taquillas millonarias. No obstante, aún en las películas fallidas, Pixar demuestra que siempre tiene algo para decir. Toy Story 5 no es precisamente una películas fallida, pero sí una que frente a aquella trilogía inicial -incluso frente a la cuarta- luce por debajo de sus posibilidades. El conflicto es el de siempre: los juguetes enfrentándose a su posible extinción, aquí representada por la presencia de una tablet que resume el poder de la tecnología sobre el humano contemporáneo. Con Woody y Buzz como personajes de reparto, es ahora la vaquera Jesse -con sus miedos al abandono- la que centraliza la aventura. Toy Story 5, a partir de los problemas que sufre la pequeña Bonnie para encontrar amigos, habla de varios miedos del presente y de cómo la falta de conexión con el otro (más que con el wi-fi) es lo que determina este mundo triste y mustio, donde la imaginación va perdiendo territorio. Más interesante lo que dice que cómo lo dice, Toy Story 5 luce un poco enredada desde el guión y suma subtramas sin mucho convencimiento, pero tiene algunos momentos lúcidos y un último acto vibrante. Lejos de las grandes obras de Pixar, pero aún con su corazón.

NADA ES LO QUE PARECE 3 (película) dirigida por Ruben Fleischer, con Jesse Eisenberg, Woody Harrelson, Dave Franco. En Prime Video.

-Tras una segunda parte catastrófica, este nueva entrega (que llega casi diez años después) pone un poco las cosas en su lugar. Este grupo de magos, que mezclan lo fantástico con el thriller, ya que hay elementos sobrenaturales que poco tienen que ver con un acto de ilusionismo, vuelve a reunirse y a sumar nuevos personajes, para ir tras los pasos de la heredera de un imperio bastante espurio, dueña de un diamante costosísimo. Lo que hace esta tercera entrega, sin desentenderse de la segunda, es destrabar el elementos fantástico que se esbozaba al final de la primera película y arrojarse a lo inverosímil sin problemas. Entretenimiento bien narrado, más allá de los agujeros de guión, tal vez su mayor defecto es que la acción y la espectacularidad va de mayor a menor: es decir, algunas secuencias de la primera parte (por ejemplo, la visita a un castillo lleno de elementos mágicos) son más potentes que las del último acto. Más allá de la apuesta a una excitación un poco artificial, es una franquicia que inventa un mundo con sus reglas y por eso se separa -sin ser una maravilla- de la medianía que es regla.

LETRAS ROBADAS (película) dirigida por John Carney, con Paul Rudd, Nick Jonas, Peter McDonald. En cines.

-El cine de Carney está poblado de películas con canciones. Lo suyo no es el musical, sino la experiencia pop de quienes construyen un imaginario a partir de las lecciones de vida del formato canción. Precisamente que sea música popular le da un toque de escuela de la vida, que se impone a los potenciales esnobismos intelectualoides. Aquí cruza a un ex músico con ambiciones que terminó liderando una banda de covers para casamientos, con un ex integrante de una boys band que está en la mala y no encuentra el norte. Una noche de amistad hace que el primero le muestra una canción al segundo y que este, bloqueado, se la termine robando. Letras robadas se construye un poco sobre el patetismo de sus personajes, para desarrollar un viaje emocionante y divertido por la relación entre el hombre y el arte, el arte como modo de vida o trabajo, y por aquello que nos inspira. Película sensible, como siempre en Carney, todo se sostiene sobre la espalda de ese buen intérprete que es Rudd, aquí encontrando otro personaje que le calza perfecto.

LAS 100 NOCHES DEL DESEO (película) dirigida por Julia Jackman, con Emma Corrin, Nicholas Galitzine, Safia Oakley-Green. En cines.

-Relato de época y fantasía, en la senda de aquellos films de los 80’s como Laberinto o Leyenda, aquí las intenciones son otras más que lo mágico como metáfora de la vida adolescente. En todo caso, una relectura de Las mil y una noches en clave feminista, con dos mujeres jugando con un galán que pretende la mano de una de ellas. Y mientras juegan, estas mujeres terminarán construyendo algo más que el vínculo de cortesana y plebeya que representan. El problema de la película es que resulta profundamente aburrida, demasiado sostenida en sus aspectos estéticos y en su discursividad que avanza progresivamente hasta lo autoparódico. Había algo ridículo en la historia, que Galitzine logra invocar por momentos, pero obviamente todo es sepultado por el bien de la solemnidad.

CRIATURAS BIZARRAS (serie) dirigida por Julián Cortizo, con las voces de Marito Falcón, Ramiro Dunogent, Julián Cortizo. En Flow.

-En la tradición de viejas series animadas nacionales indies como Alejo y Valentina, esta nueva producción se construye también a imagen y semejanza del delirio intergaláctico de series como Rick y Morty. Es decir, una sátira de la vida diaria atravesada por el filtro de lo inusitado y lo fantástico, en la búsqueda de un espíritu incorrecto que la vuelva tan atractiva para públicos jóvenes como adultos. Indescriptible en varios aspectos, Criaturas bizarras se mueve entre la sátira directa, con personajes como el Gordo Morrón, que representa el imaginario de la derecha nacional, y un absurdo heredado de cosas como Todo por dos pesos o Cha Cha Cha. Con referencias evidentes y con muchos guiños a la cultura popular argentina de las últimas tres décadas, funciona mejor cuando apuesta al disparate que cuando intenta generar un sentido político demasiado previsible.  

Entre 1977 y 1982 Steven Spielberg sentó las bases de buena parte de los ejes temáticos de su carrera como director con Encuentros cercanos del tercer tipo y E.T., el extraterrestre. Pero, también, edificaría una suerte de vínculo que no es tan profundo como muchos creen: Spielberg, el director de películas con extraterrestres. En verdad, el director de Tiburón volvería al tema recién en 2005 con su versión de La guerra de los mundos. Sin embargo, su evidente fascinación con el tema y su apuesta constante por lo maravilloso y lo inaudito en su cine (¿hay algo más maravilloso e inaudito que la posibilidad de que existan gentes de otros planetas entre nosotros?) lo convierten en una referencia constante. El día de la revelación, estreno de esta semana, lo vuelve a mostrar preocupado por la ufología y desempolvando algunas leyendas urbanas al respecto, en un vínculo que merece ser recorrido película a película.

Tras sorprender con la maravillosa Reto a muerte y romper la taquilla con Tiburón, Spielberg estrenó un relato de ciencia ficción más personal, Encuentros cercanos del tercer tipo. Protagonizado por Richard Dreyfuss, el aborda la obsesión de un hombre por ese misterio, algo que tal vez tenga que ver con el propio director. La película es importante porque contra el cine paranoico que imperaba en Hollywood por aquellos tiempos, Spielberg ofrece una película más positiva que incluso contradice a la corriente principal de la ciencia ficción, la que allá por los años 50’s mostraba a los seres del espacio como criaturas beligerantes. Los extraterrestres de Encuentros cercanos del tercer tipo tenían la virtud, incluso, de comunicarse por medio de la música.

Tras fracasar espectacularmente con 1941 y volver al éxito con la gran Los cazadores del arca perdida, el director estrenaría en 1982 una de sus películas indispensables, y una de las que sirven para entender su cine: ET, el extraterrestre. La película sigue la senda del anterior relato sobre ufología, en el sentido de que el extraterrestre -aquí explícitamente presente durante toda la película- es un personaje positivo, amigable, inocente y vulnerable, alejado del imaginario destructivo del género. Pero a diferencia de aquella, que era una película más adulta, aquí el director recurre a una mirada decididamente infantil que funciona como un cuento sobre seres solitarios que conectan en algún punto. Ha dicho Spielberg que en verdad ET, de manera inconsciente, es la reflexión sobre el golpe que significó el divorcio de sus padres. Una maravilla y una película que en cierta manera sentó las bases de la estética del cine juvenil de esa década.

Veintitrés años después, en 2005, después de tantos éxitos, premios y hasta películas más serias e históricas, Spielberg retomaría la temática extraterrestre con una producción que era una pequeña obsesión personal: adaptar La guerra de los mundos, uno de los relatos emblemáticos del género. A caballo de la estrella de Tom Cruise, el director imagina la invasión como un instante de desolación en el que desaparece todo rasgo humano. Es claramente una película atravesada por el 11 de Septiembre y por imágenes alucinatorias que remiten al Holocausto, como aquel tren en llamas, ese río repleto de ropas de muertos y gente que se evapora en el aire y queda hecha cenizas. Uno de sus relatos más oscuros y desilusionados, que no inconscientemente ofrece la visión más tradicional y beligerante de los extraterrestres.

Otros veintiún años que pasan, con un Spielberg que se pone más historicista y revisionista que nunca, hasta que finalmente en estos días estrena El día de la revelación, otro relato sobre extraterrestres. La película gira en torno a una información que dos bandos pelean por revelar o proteger, y que persigue una idea: ¿qué pasaría si la humanidad descubre que los extraterrestres están entre nosotros? ¿Cómo reaccionaría la cultura ante la presencia de seres más grandes que la vida conocida? Spielberg piensa a los extraterrestres como parias y marginados, y reflexiona sobre el peso de la verdad y sus consecuencias en un film que toma algo del pesimismo de La guerra de los mundos, pero también el tono integrador de Encuentros cercanos del tercer tipo. Tal vez, por qué no, la mirada definitiva sobre el tema.

Como coda, decir que a pesar de no ser películas sobre extraterrestres, estos personajes aparecen y terminan siendo claves en A.I. Inteligencia Artificial (2001) y en Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal (2008). En la dos películas aparecen en el último acto y son funcionales a la resolución de los conflictos. Pero, sobre todo, son interesantes para pensar cómo para Spielberg los extraterrestres estuvieron en el pasado, como indica la cuarta aventura de Indiana Jones, y en el futuro, como señala el relato futurista sobre el niño robot que sólo quería ser amado. La virtud de Spielberg, en última instancia, es no sólo haber construido un imaginario a su alrededor, sino tener la habilidad y la sabiduría para hacer gran cine con eso.

EL DÍA DE LA REVELACIÓN (película) dirigida por Steven Spielberg, con Emily Blunt, Josh O’Connor, Colin Firth. En cines.

-Tras muchos años de cine revisionista, donde incluso reflexionó sobre sus propias raíces con Los Fabelman, Spielberg regresa al terreno del thriller de ciencia ficción con este relato apasionante que pone en pie de guerra a dos facciones alrededor de un secreto que, de revelarse, podría revolucionar la humanidad para siempre. Por un lado, Spielberg demuestra que sigue siendo un sólido narrador y le alcanza con un par de escenas. Pero, por otro, que sabe cómo relacionar su propia filmografía con los temas que aborda y volverse uno. Es decir, El día de la revelación vuelve sobre sus obsesiones, como son la verdad, la fe y el cine. Que, en todo caso y bajo el prisma del director, tal vez sean lo mismo. Gran película de un creador que estará cumpliendo en este 2026 nada más y nada menos que 80 años. Su talento sigue inagotable. Bienvenido. 

LA EMPLEADA (película) dirigida por Paul Feig, con Sydney Sweeney, Amanda Seyfried, Brandon Sklenar. En Prime Video.

-Alguna vez Feig fue un gran director de comedias, con Damas en guerra como mayor muestra de su talento. Sin embargo, de un tiempo a esta parte, se entusiasmó con una suerte de thriller femenino y elegante, estilizado, donde inspecciona lugares comunes de la sociedad e intenta ponerlos patas para arriba a través de la sátira. Porque sigue siendo el humor uno de sus motores, pero ya atravesado por otros registros. Aquí tenemos a una joven que necesita un trabajo para salir de la mala y una señora de alta sociedad que precisa una ama de casa. Todo parece perfecto e idílico, hasta que comienzan a revelarse las cartas. Feig juega al thriller erótico y se divierte con algunas aproximaciones a la telenovela (el registro de las protagonistas, el marido bonachón y musculoso). Si bien se nota que quiere ser Hitchcock, a Feige le falta… sobre todo cuando el guion comienza a dar giros inverosímiles que nos desvían la atención de lo que pasa en pantalla. Discreta. 

NO APTOS PARA TRABAJAR (serie) creada por Mindy Kaling, con Ella Hunt, Will Angus, Jack Martin. En Disney+.

-Kaling no sólo es una buena actriz de comedia, sino también una autora interesante para el género. Y lo demuestra aquí, en esta serie que se divierte retomando el código de las comedias de amigos jóvenes y neoyorquinos, con una mirada contemporánea que no disimula las influencias (sí, Friends) y con un gran timing para los diálogos veloces y chispeantes. Un grupo de personajes, cada uno en su trabajo, intenta hacerse paso en la vida: un periodista, un médico, otro en finanzas, otra en el mundo del cine y hay más… Y todos se terminan relacionando, entre grupos de amigos y vecinos y otros que tuvieron algún affaire en el pasado. Que la mirada esté depositada desde el mundo laboral que cada uno habita es interesante y le aporta un plus. Y la química en el elenco es la adecuada. Parece inventar un mundo atractivo. Puede tener futuro.

NADIE 2 (película) dirigida por Timo Tjahjanto, con Bob Odenkirk, Cnnie Nielsen, Christopher Lloyd. En HBO Max.

-Hace unos años el querido Odenkirk nos sorprendió al protagonizar una película de acción a lo John Wick, donde interpretaba a un tipo común que realizaba trabajitos peculiares. Entendamos por esto un asesino despiadado que se enfrentaba a ejércitos de malos y quebraba huesos varios. La película fue un moderado suceso y obviamente iba a haber secuela. La hay, pero a diferencia de otras secuelas que tienen como único objetivo estirar lo que funcionó antes, aquí hay ideas. Y lo que hace Nadie 2 es mezclar el espíritu del cine de acción hiperviolento con la comedia ochentosa Vacaciones, con el protagonista viajando junto a su familia rumbo a un viejo parque de diversiones. La mezcla no sólo es una curiosidad, sino que funciona. Ese es su mayor logro, no dormirse en los laureles y demostrar que aquí hay un universo que se amolda y se dobla, como los huesos que quiebra el protagonista.

ALICE Y STEVE (serie), con Nicola Walker, Jemaine Clement, Yali Topol Margalith. En Disney+.

-Indudablemente british en su tono es esta comedia, con dejos de comedia romántica, sobre dos amigos de toda la vida que sufren una crisis cuando él comienza a salir con la hija de ella, mucho menor. Sobre las lealtades y las reglas no escritas de la amistad, surfea esta serie muy divertida, que tiene en primera instancia una escritura muy sólida, pero sobre todo a Walker y Clement como dos protagonistas que saben jugar la química de la amistad y ponerla en riesgo, además de representar a dos personajes en los cincuentas con todas las tensiones típicas del paso del tiempo. Es interesante, también, la manera en que trabaja la relación amorosa en la diferencia de edad, con la atención puesta en los nuevos códigos de cara rol. 

En la previa del Mundial de Fútbol, el estreno de El partido -un documental de Juan Cabral y Santiago Franco centrado en aquel emblemático juego que enfrentó a Argentina con Inglaterra en México 86- generó un interés inmediato. Partido histórico, por contener dos de los goles más emblemáticos de la historia de los mundiales y por el contexto político que enfrentaba a ambas naciones, el film está basado en un libro del periodista Andrés Burgo publicado en 2016 que recoge testimonios de varios de los involucrados en aquella jornada. La película se vio en el Festival de Cannes y pasó por las salas argentinas con buena repercusión para lo que es el género documental en Argentina.

El libro pertenece a una colección de Tusquets llamada Mirada Crónica, que dirigía Leila Guerriero. Ella fue quien le pidió a Burgos que escribiera sobre el partido, pero además sobre todo lo que rodeó a aquel evento. “Este es un libro que nace bien parido a partir de su edición, porque lo que me pidió fue que no hiciera un libro de fútbol. Me dijo: ‘Yo no sé nada de fútbol, explicámelo a mí’. Entonces, todo el tiempo tuve que entrar y salir del fútbol, que es un poco lo que pasa con la película: es una película con fútbol, pero no es de fútbol”, cuenta Burgo en diálogo con el programa Funcinema Radio, donde lo entrevisté junto al colega Guillermo Colantonio.

Ha generado bastante ruido el documental. Tal vez lo imaginaban por el clima premundialista y por todo lo que rodea a esa historia, pero para el género documental en Argentina es una película que ha generado mucha repercusión.-Es un documental que empezó a lo grande, en el sentido de que se estrenó en el Festival de Cannes, con todo lo que eso implica. Es realmente una hazaña cinematográfica lo que consiguieron los directores, la productora y toda la enorme cantidad de gente que trabajó ahí. Después funciona muy bien por dos motivos que se complementan: primero, la película pertenece a Disney, con todo el aparato propagandístico fuerte que tiene detrás; pero además, sobre todo, funciona muy bien en el boca a boca. Vos podés tener un tanque apoyándote, pero si el boca a boca no camina, no pasa nada. Y acá la verdad es que toda la gente que va a verla sale encantada, se emocionan mucho, casi todos salen llorando. Es una película que une generaciones. Y lo digo sin egolatría, porque yo no participé en el film, sino que escribí el libro en el que se basaron. Lo que hicieron es hermoso, la verdad es un peliculón.

¿Y en qué momento te contactan los realizadores de la película? ¿Tuviste que revisar el guion o solamente entregaste los derechos del material?-No, nada, nada. Se contactaron conmigo hace un par de años. Nos juntamos en un bar y me dijeron que querían hacer una película basada en el libro. Yo no los conocía, un poco por ignorancia mía, porque son gente muy reconocida en su palo. Después ellos se contactaron con la editorial por el tema de los derechos. Yo no tuve participación en la película, ni en el guion, ni en nada. De hecho, los volví a ver recién cuando me mostraron la película terminada, la semana previa a que viajaran a Cannes. Hicieron un laburo increíble desde aquel café que tomamos, yendo etapa por etapa: conseguir la idea, asociarse con productoras, el apoyo de Juan Pablo Sorín para acercarse a los futbolistas, asociar a Disney (que fue un paso clave para financiar el proyecto) y después conseguir el ok de Cannes. Hicieron un trabajo impresionante.

¿En algún momento habías fantaseado con la posibilidad de que el libro se convirtiera en una película, tal vez de ficción?-¡Cero! No, no, cero. He escrito otros libros que parecían tener más chances. De hecho, cuando ellos me contactaron, yo estaba hablando con otra productora asociada a Netflix que tenía la misma intención con este libro, pero al final no la hicieron. Sí vendí varias veces los derechos de otro libro que escribí con Alejandro Wall, El último Maradona, que es sobre el doping en el Mundial 94. Pero una cosa es vender los derechos y otra que se filme. Los directores pueden tener la idea, pero concretarla y que la película llegue a los cines requiere que pasen un montón de cosas. Ellos lo consiguieron. Por eso digo que lo que hicieron, más que un milagro -porque el milagro se asocia al azar-, fue una hazaña en base a laburo, romperse el lomo y el talento que tienen.

Para la realización del libro, Burgo habló con más de cien personas. Entrevistó a futbolistas argentinos, ingleses, y leyó todos los diarios de la época. Además, como curiosidad, los jugadores ingleses tienen libros publicados y todos hablan de este partido, con lo cual, con aquellos que no habló de forma directa, Burgos tenía sus testimonios escritos. “Es una especie de crónica documental donde voy intercalando todo el tiempo las voces de los argentinos, de los ingleses y de los mexicanos que estaban en el campo de juego. En ese sentido es una mirada bastante amplia. Hablé con el árbitro, con el juez de línea, con los barras bravas que estaban ahí, con los políticos que viajaron, con los utileros que salieron a buscar las camisetas a último momento y con Bilardo. Fue una investigación de tres años, la verdad que escribir ese libro fue una obsesión”, destaca el autor.

Con respecto al partido, ¿cambió tu perspectiva en relación a cuando lo viste por primera vez en el Mundial? -Yo tenía 11 años cuando vi ese partido y me acuerdo poco y nada. Para mí, es un partido que empezó a nacer diez años después. Tengo una teoría: Maradona volvió a inventar ese partido diez años después. Cuando termina el encuentro en el 86, Argentina pasa a semifinales, todavía faltaban dos partidos para salir campeones y no te podías quedar solo en eso. Además, seguía la tesitura que se ve en el tráiler, con Maradona diciendo: ‘Esto es sólo fútbol, no es política’. Recién diez años después -creo que también cuando la biología le impedía seguir haciendo épica con el cuerpo-, Diego empieza a llevar la épica a la lengua. Empieza a reivindicar este partido, a hablar de la Guerra de las Malvinas y de cómo ese día implicaba mucho más que un simple partido para su carrera. Hasta entonces no se hablaba tanto del tema en esos términos. Poco a poco se empezó a generar interés alrededor de los 90 minutos. Cuando yo empecé a escribir, iba a ser un libro sobre todo el Mundial, no sólo del Argentina-Inglaterra. Pero en ese momento estaba muy copado con Anatomía de un instante, un libro del escritor español Javier Cercas sobre un fallido golpe de Estado. Y me dije: ‘Bueno, yo puedo hacer la anatomía de un instante, que sea este partido con Inglaterra, no necesito contar todo el Mundial’. Me di cuenta de que había una historia tremenda ahí. Eran partículas sueltas que siempre generaban interés: el primer gol, el segundo, la frase de Maradona, el “barrilete cósmico”, Malvinas, la pelea de las hinchadas, las camisetas... Había un montón de cosas interesantes pero flotando sin profundizar. Mi misión fue unir todo eso en un relato de lo que pasó en esos 90 minutos y su contexto. Este partido sin Malvinas sería un partido más.

Con relación a los testimonios de los jugadores ingleses que se ven en la película, como Gary Lineker o John Barnes, se nota que todavía transmiten una cierta emoción por haber compartido la cancha con Diego. Pero el que no puede con su vida es Peter Shilton, sigue pareciendo un personaje resentido.-Es que Shilton es necesario. Necesitás un Joker, un villano, un antagonista dentro del campo de juego, y ese es su papel. De hecho, la tapa de la edición de 2020 y el póster de la película muestran el saludo inicial entre Maradona y Shilton. Está perfecto que sea así porque es el gran rival. Cuando hablaba con los jugadores ingleses, yo pensaba que iban a estar todos enojados por el recuerdo de Shilton, que era el arquero. Y en cierto modo hay que entenderlo: te hacen un gol con la mano en un Mundial y tenés derecho a enojarte. Pero el resto de los jugadores ingleses estaban fascinados con haber participado en ese partido. Es muy loco desde nuestra perspectiva, porque nosotros de ninguna manera estaríamos contentos de haber formado parte de la consagración de un rival. Sin embargo, los ingleses admiran tanto a Maradona que me decían: ‘Para mí es un recuerdo feliz’. Suena increíble, salvo por Shilton, pero es clave que haya uno enojado porque si no es todo demasiado edulcorado.

La otra historia alucinante es la del jugador inglés que se quedó con la camiseta de Diego en secreto. Toda esa historia es extraordinaria.-Sí, era un mediocampista: Steve Hodge. Y no fue tan en secreto. Hay una historia espectacular ahí. Hodge salió campeón de la Premier con el Leeds, jugó más de 300 partidos, un tipo con una trayectoria bárbara. Después del partido se queda con la camiseta de casualidad. En los pasillos internos del Estadio Azteca se cruza con Maradona. Hodge se había tenido que quedar un poquito más en la cancha porque lo había llamado la televisión inglesa para una entrevista. Cuando entra, se encuentra con Maradona, que también venía rezagado, y le hace el gesto de intercambiar camisetas. Inglaterra ya estaba eliminada, a Diego no le importaba y se la dio. Unos 15 o 20 años después del partido, Hodge estaba en su casa de Londres viendo un informe de la BBC donde contaban que se había subastado por 300.000 dólares una camiseta de Pelé del Mundial 70 que tenía un jugador checoslovaco. Y ahí reaccionó: ‘Ah, pero si yo tengo la de Maradona’. La fue a buscar y la tenía ahí tirada en la casa. Si había dos camisetas míticas hasta ese momento eran la de Pelé del 70 y la de Maradona del 86 contra Inglaterra. Se la empezó a mostrar a los medios ingleses y la camiseta tomó una dimensión de reliquia. Al principio se asustó un poco porque tenía miedo de que se la robaran o pasara algo, se la prestó al Museo del Fútbol de Manchester y finalmente es la que terminó siendo subastada por unos 10.000.000 de dólares hace unos años. Hodge me mandó una foto de la misma noche del partido, o al día previo a volverse a Inglaterra, donde ya tenía la camiseta puesta. En el documental se ve que era algo habitual: Maradona daba entrevistas con una camiseta de Italia que había cambiado en el segundo partido, y había jugadores argentinos con camisetas de Bulgaria. Sí hubo algunos compañeros ingleses enojados con Hodge por habérsela quedado, pero el resto te dice: ‘Ojalá la hubiese cambiado yo’. Fue una cuestión de suerte. Hoy se divide entre el enojo de algunos porque Maradona hizo el gol con la mano, y la envidia de los otros que se perdieron 10.000.000 de dólares.

AMOS DEL UNIVERSO (película) dirigida por Travis Knight, con Nicholas Galitzine, Camila Mendes, Idris Elba. En cines.

-Tras muchos años de idas y vueltas, finalmente llegó la película de He-Man, adaptación de uno de los dibujos animados más populares de los 80’s y que generó todo un universo de merchandising y subproductos que llega hasta nuestros días. Si bien no se podía esperar demasiado teniendo en cuenta el nivel del cartoon original (seamos honestos, era bastante pobre desde lo gráfico), Knight se las ingenia para construir una película que les hace honor a los personajes y al mundo original, a la vez que toma algunos desvíos por la senda del humor y la autoconciencia. Lejos de la traición, lo que hace el film es asimilar todo lo que pasó en estas cuatro décadas alrededor del personaje. Amos del Universo tampoco es perfecta, es demasiado larga y la mezcla de tonos no siempre funciona. Incluso, es el film más flojo hasta el momento del director (Kubo y la búsqueda samurái, Bumblebee). Sin embargo, hay un cariño que se adivina detrás del proyecto que lo hace funcionar y avanzar a pura simpatía.

AMOS DEL UNIVERSO: REVELACIÓN (miniserie) con voces de Sarah Michelle Gellar, Lena Headey, Mark Hamill. En Netflix.

-Entre los varios productos y las reinvenciones que tuvo el dibujo, seguramente esta miniserie en diez episodios producida por Netflix hace unos años está entre lo mejor. La intención es darles un tono más oscuro a los personajes, y lo logra. Luego del cataclismo que desata una batalla entre He‑Man y Skeletor, Eternia queda devastada. Trabajando el heroísmo desde su vertiente más trágica, esta producción animada acierta en el tono y en la calidad de su animación, que actualiza los tópicos históricos y les da un aire contemporáneo. En la plataforma hay más contenido relacionado con el personaje, pero por lejos este es el más interesante.

THE TOYS THAT MADE US: HE-MAN (serie) dirigido por Tom Stern, con las presencias de Mark Bellomo, Donald Ian Black, Ed Calderon. En Netflix.

-Esta serie documental, salvo por el tono canchero en la narración, es notable y tiene un valor nostálgico invalorable. Se mete de lleno en el corazón de la cultura pop, especialmente en los 80’s y en uno de los elementos fundantes del fetichismo del merchandising: los muñecos articulados. Si bien son tres temporadas, tomados por el espíritu de Amos del Universo queremos recomendar el capítulo 3 de la temporada 1, centrado obviamente en los muñecos articulados de He-Man creados por Mattel. Piezas buscadas hoy por coleccionistas y fanáticos, la historia detrás de estas figuras de acción es riquísima y muy divertida. Parte del éxito de la franquicia animada tiene que ver precisamente con estas piezas, y el capítulo avanza entre la exposición documentada y el registro cariñoso a una época en la que He-Man y sus amigos (y enemigos) generaban furor entre el piberío.

TURBULENCIA EN LA OFICINA (película) dirigida por Ol Parker, con Jennifer Lopez, Brett Goldstein, Betty Gilpin. En Netflix.

-Cortemos un poco con He-Man. Si bien seguramente la mayoría del público verá esta película por la presencia de la López, conviene prestarle atención a su partenaire, Goldstein, un comediante británico que brilló en la serie Ted Lasso y cuya presencia no sólo quedaba en la actuación, sino además en los guiones. Precisamente ese rol lo volvió a cumplir en Terapia sin filtro, otra serie hermosa. Con lo cual, decir que si Goldstein aparece aquí también como guionista, hay que prestarle atención a Turbulencia en la oficina. Comedia romántica de corte clásico (todo un riesgo hoy), está atravesada por el mundo del trabajo y las reglas de los géneros en el presente. Entre la tradición y la modernidad se balancea, mientras intenta ser cómica y ser romántica, aunque no lo logra siempre. O, mejor, logra superarse cuando es cómica y volverse peor, torpe, dubitativa, cuando tiene que ser romántica. Es en esos apuntes humorísticos donde se nota la pluma de Goldstein, lástima que surjan como espasmos y no terminen de ser el verdadero camino de la película. 

CONAN, EL BÁRBARO (película) dirigida por John Milius, con Arnold Schwarzenegger, James Earl Jones, Max von Sydow. En Disney+.

-Volvamos a He-Man para el cierre. Hay quienes acusan al personaje de estar afanosamente inspirado en Conan, el bárbaro, criatura creada en cuentos y novelas por Robert E. Howard en los años 30’s del siglo pasado. Y si bien es claro que hay muchas similitudes en ese universo de hombres poderosos, magos y brujos, lo cierto es que He-Man avanzó hacia una textura más pop que el personaje original no tenía. Eso queda claro en las películas de Conan casualmente protagonizadas por Schwarzenegger en aquellos años 80’s, en paralelo al éxito de la serie animada. Y la primera especialmente, dirigida por Milius y con Oliver Stone en el guion, que sigue al personaje buscando venganza contra los que eliminaron a los suyos. Primer gran suceso de taquilla del ex fisicoculturista austríaco, es un film bastante oscuro y violento, que sirvió de molde para muchas películas similares, especialmente en los 80’s donde las aventuras de hechiceros estaban de moda.    

Desde hace un tiempo que mayo es el mes de Star Wars, no sólo por el famoso 4 de mayo y su juego de palabras con la icónica frase (“May the Force be with you”), sino además porque el 25 de mayo de 1977 fue la fecha de estreno de la película que no solo creó un universo que se sostiene hasta nuestros días, sino que además modificó para siempre la industria y los modos de consumo y promoción de las películas. Ya conocemos la historia, el indescifrable proyecto de George Lucas que mezclaba el western con los relatos de samuráis y ubicaba sus acciones en el espacio, y convirtió en estrellas a Mark Hamill, Harrison Ford, Carrie Fisher, Alec Guinnes y Peter Cushing… bueno, no, Guinnes y Cushing ya eran famosos.

Sí, que Han Solo, que Luke Skywalker, que la Princesa Leia, que Obi-Wan Kenobi, que Grand Moff Tarkin, que esto y que aquello, pero también hay en Star Wars un grupo de personajes que resultan indispensables y cuyos intérpretes, al menos el rostro de cada uno de ellos, sólo se hizo popular con el paso del tiempo y el cariño de los fanáticos. Hablamos de Darth Vader, Chewbacca, C-3PO y R2-D2, sin cuyas presencias las películas no serán lo mismo.

DARTH VADER

Por su supuesto que Darth Vader, no sólo el gran villano de la franquicia sino además uno de los grandes villanos de la historia del cine, tenía un aiconografía que va desde el diseño del personaje, su presencia omnipresente, su voz característica y hasta el leit motiv musical con la Marcha Imperial de John Williams, que hacía cada presencia inolvidable. Sin embargo de Darth Vader no deja de ser sintomático, ya que si el personaje se termina autoensamblando su propia construcción es un mosaico de voz, cuerpo y rostro.

En sí la presencia estelar es la de David Prowse, actor de 1,95, ex fisiculturista británico, que se involucró con el cine interpretando a personajes que se destacaban por su tamaño. Pero si Prowse aportó el cuerpo debajo del traje y el casco (y mantendría una fuerte distancia con los productores a partir de información clave que filtró sobre la trilogía), Darth Vader no sería Darth Vader sin la imponente voz de James Earl Jones. En todo caso la conjunción de ambas cosas da esa síntesis del poder macabro que representa Vader.

Sin embargo, hay un tercer involucrado en la construcción del villano y tiene que ver con el final de El regreso del jedi, cuando finalmente Vader se saca el casco y se ve su rostro. La producción necesitaba un actor veterano y por eso, cuando Vader queda al desnudo, es el actor de extensa trayectoria Sebastian Shaw quien presta el rostro de ese Vader terminal.

CHEWBACCA

Seguramente uno de los personajes más queridos de Star Wars, el wookiee Chewbacca fue interpretado mayormente por Peter Mayhew, quien encarnó al personaje en la trilogía clásica -Episodios IV, V y VI- y regresó brevemente en La venganza de los Sith en 2005. Su imponente altura, superior a los 2,20 metros, fue determinante para construir la presencia física del personaje.

Con el paso del tiempo, el relevo fue tomado por Joonas Suotamo, quien comenzó como doble de Mayhew en El despertar de la Fuerza y luego asumió completamente el rol en las producciones más recientes, incluyendo las secuelas y otros proyectos de la franquicia. Sin embargo Peter Mayhew, actor muy querido y celebrado en las ferias de fanáticos, es reconocido como el auténtico Chewbacca.

C-3PO

Personaje que tenía mucha fuerza en la trilogía original, el servicial robot C-3PO es un caso único en la franquicia, ya que un actor lo ha interpretado en casi todas las películas: Anthony Daniels, quien se metía en ese traje ajustadísimo y brillante. Cuenta el anecdotario que Daniels tenía movilidad reducida y visibilidad muy restringida, lo que incluso dificultaba la puesta en escena de muchas escenas debido a la dificultad para moverse.

Anthony Daniels es otro intérprete muy querido por los fans, especialmente por el vínculo con el personaje, ya que no sólo lo interpretó en las películas oficiales de la saga sino que también prestó su voz en múltiples series animadas, videojuegos y otros contenidos derivados de las películas.

R2-D2

Finalmente nos metemos con otro de los personajes emblemáticos de aquella trilogía original, el droide astromecánico R2-D2, más conocido por estas tierras como “Arturito”. Si bien el actor Kenny Baker fue quien se metía dentro del traje gracias a su 1,12 de altura y lograba manejar las expresiones del robot, a diferencia de otros personajes no dependía sólo de la presencia de un actor.

Porque gran parte de las apariciones de R2-D2 se resolvían mediante unidades mecánicas controladas a distancia, lo que significa que Baker no participaba físicamente en todas las escenas del personaje. Ya con las nuevas películas, la representación del personaje eliminó la presencia humana y ya se hizo uso de animatrónica avanzada, sistemas de control remoto e imágenes generadas por computadoras.

AMARGA NAVIDAD (película) dirigida por Pedro Almodóvar, con Bárbara Lennie, Leonardo Sbaraglia, Aitana Sánchez-Gijón. En cines.

-Entre el duelo y la culpa, la nueva película de Almodóvar le hace honor a lo de amargura que adelanta desde el título: un director de cine escribe un nuevo guion y esa historia se representa en un vaivén que va de la ficción a la realidad. Si están todos los tópicos habituales del cine del español y hasta recupera la sutileza perdida en películas recientes, lo cierto es que por momentos Amarga Navidad parece naufragar sin sentido, hasta el último acto, donde finalmente se revelan las intenciones de Almodóvar: pensar en la responsabilidad del creador, e incluso en sus propias responsabilidades acerca de lo que cuenta, de cómo impacta en las personas cercanas cuando lo creado tiene indudables guiños de lo real. No está mal, pero Almodóvar ya ha reflexionado antes y mejor sobre estos asuntos, incluso con más gracia que la que desprende esta película demasiado apagada, propia de un realizador con una trayectoria extensísima que parece atrapado desde hace un tiempo en una mirada introspectiva que no siempre redunda en un buen ejercicio cinematográfico.

SPIDER-NOIR (serie) creada por Oren Uziel, con Nicolas Cage, Lamorne Morris, Li Jun Li. En Prime Video.

-Cage ya había aportado su voz a un prototipo de este personaje en las películas animadas de Spider-Man, por lo que ya había un entendimiento entre intérprete y criatura. Entendimiento que ahora cobra vida en acción real y habilita, desde su propia caracterización, una atractiva relectura del cine noir en espíritu superheroico. O, en todo caso, se hace cargo de que varios de estos personajes surgieron en tiempos de la Gran Depresión. Por lo tanto, más que un ejercicio preciosista y nostálgico, Spider-Noir es un interesante acercamiento a los orígenes pulp del género mientras aborda tópicos propios como el rechazo del superhéroe a conservar sus poderes. En esa lucha, esta versión de Spider-Man en forma de detective privado quedará involucrada en medio de una trama de poderosos y feme fatales. Visualmente prodigiosa, es una curiosidad a la vez que un relato atractivo. 

JACK RYAN: GUERRA FANTASMA (película) dirigida por Andrew Bernstein, con John Krasinski, Wendell Pierce, Sienna Miller. En Prime Video.

-Más allá de algunos aciertos en las películas protagonizadas por Harrison Ford, momentos parciales de la serie protagonizada por Krasinski y la icónica La caza al Octubre Rojo, el personaje de Jack Ryan no encuentra una representación adecuada. Raro en esta película, que es una extensión de la serie mencionada. Aquí Ryan aparece fuera del servicio secreto, hasta que una misión que parece tonta termina en caos. Y, obvio, el bueno de Jack regresa a la acción. Entre las dos variables que puede manejar un relato de espías, una buena intriga o buenas secuencia de acción, Guerra Fantasma no va por ninguna. Por el contrario, se balancea entre el tedio y las intenciones de gran espectáculo, que nunca llegan. Un film apenas correcto, sin ninguna secuencia recordable y una mirada política bastante lavada. Su único mérito es no obligarnos a ver diez episodios y resolver lo suyo en menos de dos horas.

LAS CUATRO ESTACIONES (serie) creada por Tina Fey, Lang Fisher y Tracey Wigfield, con Tina Fey, Will Forte, Colman Domingo. En Netflix.

-Segunda temporada de esta comedia dramática (inspirada en una vieja película de Alan Alda) sobre un grupo de amigos que viajan y se reúnen a lo largo del año, en las diversas estaciones. Precisamente eso, las estaciones, le da un ritmo interno que organiza las acciones y se agradece. Si bien es cierto que algunos conflictos ya tienden a repetirse y no parece haber mucho más para explorar en este grupo de cincuentones con sus crisis de la mediana edad, lo cierto es que Las cuatro estaciones se las ingenia para acertar cada tanto cuando apela a la comedia y a poner a sus personajes en situaciones ridículas. Se nota en la escritura el tono mordaz en torno a los vínculos bien propio de Fey, aunque también por momentos apela a salidas facilistas y un tanto naif. Más allá de todo, podríamos sentirnos dentro de un grupo de amigos, salvo que tienen tanta plata que resulta difícil seguirles el paso. Pero ese es el espíritu más o menos de esta comedia.

KEVIN (serie) creada por Aubrey Plaza y Joe Wengert, con voces de Jason Schwartzman, Amy Sedaris, Aparna Nancherla. En Prime Video.

-Las series animadas para adultos están repletas de propuestas como estas, así que por momentos Kevin nos resulta a algo ya visto: humor sexual, personajes desquiciados y desarrapados. Sin embargo, Kevin tiene su encanto porque la galería de personajes es amplia y muy creativa, pero sobre todo porque encuentra una lógica interna original al integrar un mundo de animales y humanos que se comprenden y pueden dialogar entre sí. El inicio de todo es la separación de la pareja dueña del gato del título, y la crisis en la que entra el personaje, quien termina en una guardería repleta de perros y gatos desquiciados. Hay mucho humor del bueno y un diseño visual que reproduce perfectamente la sintaxis de una gran urbe, mientras la sátira a los vicios de la modernidad se impone con gracia.

Como contábamos la semana pasada, en la década de 1980 diez hitazos se impusieron en el rubo a Mejor Canción Original de los Premios Oscar. Diez canciones que hoy siguen presentes y que han marcado a fuego a una generación, pero incluso sobrevivieron a eso y se mantienen como himnos pop de generaciones posteriores. Pero lo curioso es que, como para demostrar que fue una época gloriosa, si buscamos entre la lista de perdedores encontraremos otra cantidad igual de canciones imborrables, incluso algunas mejores que las que ganaron. 

Dentro de este recorrido por esa década, algunos años impactan por el nivel de los competidores. Allí arriba de todo está 1985, cuando Stevie Wonder se impuso con I just called to say I love you dejando atrás nada más y nada menos que a Footloose de Kenny Loggins, Ghostbusters de Ray Parker Jr. y Against all odds -Take a look at me now de Phil Collins. ¡Tres temazos que hoy integran cualquier lista de éxitos de los 80’s! No queremos generar polémica, pero la de Phil Collins es mejor que la de Steve Wonder.

Si vio algún especial de boxeo, sabrá que no hay forma de musicalizar un montaje sin Eye of the tiger de Survivor, hecho para la banda sonora de Rocky III. Un tema inmortal, que nos traslada inmediatamente al entrenamiento pugilístico. Esta canción inagotable es otra de las grandes perdedoras del Oscar en los 80’s. Sin embargo ese año, 1983, perdió contra la baladaza Up where we belong de Joe Cocker y Jennifer Warnes. Aunque quisiéramos, no podríamos quejarnos.

The power of love de Huey Lewis and the News perdiendo contra Say you, say me de Lionel Richie; 9 to 5 de Dolly Parton cayendo contra Fame de Irene Cara; o Glory of love de Peter Cetera mordiendo el polvo ante Take my breath away de Berlin. La música de los 80’s irrumpía con toda su potencia en las radios y la Academia no podía dejar pasar el viento de época. Podríamos seguir quejándonos por los derrotados, pero qué mejor que escucharlos.

9 to 5 de la película Cómo eliminar a su jefe por Dolly Parton (perdió en 1981 con Fama por Irene Cara)

Eye of the tiger de la película Rocky 3 por Survivor (perdió en 1983 con Up where we belong por Joe Cocker y Jennifer Warnes)

Maniac de la película Flashdance por Michael Sembelo (perdió en 1984 con Flashdance... what a feeling por Irene Cara)

Against all odds -Take a look at me now de la película El poder y la pasión por Phil Collins (perdió en 1985 con I just called to say I love you por Steve Wonder)

Footloose de la película Footloose por Kenny Loggings (perdió en 1985 con I just called to say I love you por Steve Wonder)

Ghostbusters de la película Los Cazafantasmas por Ray Parker Jr (perdió en 1985 con I just called to say I love you por Steve Wonder)

The power of love de la película Volver al futuro por Huey Lewis & The News (perdió en 1986 con Say you, say me por Lionel Richie)

Glory of love de la película Karate Kid II por Peter Cetera (perdió en 1987 con Take my breath away por Berlin)

Nothing’s gonna stop us now de la película Mannequin por Starship (perdió en 1988 con (I've had) The time of my life por Bill Medley y Jennifer Warnes)

Two hearts de la película Buster por Phil Collins (perdió en 1989 con Let the river run por Carly Simon)

THE MANDALORIAN (serie) creada por Jon Favreau, con Pedro Pascal, Chris Bartlett, Katee Sackhoff. En Disney+.

-Es posible que algunos no sepan de qué se habla cuando se habla de The Mandalorian y por eso el estreno de cines de esta semana le significará nada, pero lo cierto es que a lo largo de tres temporadas la serie creada por Favreau se convirtió en una de las cosas más felices que salieron de esa usina inagotable del universo Star Wars. La serie imagina a un personaje integrante de un particular credo, que tiene que rescatar a una criatura. Punto de inicio de una serie que es pura algarabía, alejándose de la pesadez de los subtextos y las obsesiones de la saga original y tirándose de cabeza a la aventura hecha y derecha, como en los viejos seriales donde los personajes iban de acá para allá sin importar demasiado el trasfondo. Con ese espíritu, la serie crecía a su vez de la mano del carisma que exudan sus dos protagonistas, el lacónico Mando y el muy querido Grogu. Hay capítulos brillantes, donde la aventura y la comicidad se dan la mano, y una lectura acertadísima de Favreau respecto de cómo recuperar las lecciones del cine clásico. Una maravilla.

STAR WARS: THE MANDALORIAN AND GROGU (película) dirigida por Jon Favreau, con Pedro Pascal, Jeremy Allen White, Martin Scorsese. En cines.

-Ni lento ni perezoso, en vez de seguir extendiendo la serie, Disney imaginó que detrás de este universo había una película. Con los mismos responsables a cargo del guion y del desarrollo, y con Favreau también detrás de cámaras, finalmente Mando y Grogu tienen su experiencia de larga duración, que para algunos podrá sonar a un capítulo extendido. Y si bien pueden estar en lo cierto, la verdad es que la película sostiene la lógica de la serie centrada en misiones, en viajes, en aventura, en comicidad y en acción. Aquí el protagonista es enviado a rescatar a una criatura, que está prisionera en otro planeta. Básicamente toda la película es el plan para ese rescate y sus consecuencias. No hay mucho más y es justo lo necesario, lo que tiene que contar una historia sostenida en resortes clásicos donde los contextos de los personajes no son demasiado relevantes. Aquí importa el movimiento, la manera en la que avanzan y van fortaleciendo su vínculo por medio de la acción. Puede que parezca un poco pequeña, o demasiado simple, pero sus imágenes espectaculares, alguna secuencia de acción y el carisma de sus protagonistas son suficiente material para justificar la empresa.

CARÍSIMA (serie) dirigida por Nano Garay Santaló y Federico Suarez, con Julián Kartún, Alex Pelao, Iara Portillo. En Netflix.

-Aquí tenemos el ejemplo contrario al anterior. Caro Pardíaco, personaje surgido de pequeñas intervenciones y apariciones donde importa más la improvisación que otra cosa, es la protagonista de esta serie donde la puesta en marcha de una fiesta se complica ante la aparición de un asesino. Creada por Kartún, Caro Pardíaco tiene elementos que podrían albergar la ilusión en la construcción de un mundo a su alrededor. Pero de las ideas a las concreciones hay un trecho largo, y los episodios, a pesar de durar apenas diez minutos, se vuelven intransitables. Narrada a las apuradas, como si el formato corto le jugara en contra, Carísima es una serie que sólo puede funcionar en el público cautivo y los fanáticos, que son -como sabemos- cultores de la indulgencia. Se agradece el esfuerzo de todos los involucrados, pero el resultado es pobrísimo.

NADA ENTRE LOS DOS (película) dirigida por Juan Taratuto, con Gael García Bernal, Natalia Oreiro, Peto Menahem. En cines.

-En el marco de una crisis empresarial que debe ser atendida durante un fin de semana, dos ejecutivos -él mexicano y ella argentina- se cruzan en un hotel y van construyendo una relación que más que una realidad, es una síntesis de todo aquello que no está del todo bien en el hogar de cada uno. Taratuto vuelve a mostrar su solidez como narrador de este tipo de historias centradas en vínculos personales y sentimentales, a la vez que logra sacar sinceras interpretaciones de García Bernal y Oreiro. Nada entre los dos indaga en los vericuetos del amor, de la vida en pareja, del deseo y la frustración. Lo hace con una mirada atenta a los detalles y diálogos bien escritos. El único problema de la película es que claramente le faltan picos como para que su tono un poco monocorde no termine abrumando. Está todo tan bien en la película, que a veces se extrañan algunas fallas que rayen esa superficie correcta y despeine un poco a sus personajes.

SATISFACCIÓN GARANTIZADA (serie) creada por David Rosen, con Tatiana Maslany, Jake Johnson, Jessy Hodges. En AppleTV.

-La primera secuencia del primer episodio es una muestra de la habilidad de esta serie para meternos en su propio juego: una mujer charla con un muchacho computadora por medio. Parece un pariente, un amigo o un novio. Pero no, es un encuentro sexual de estos que se estilan en la virtualidad. Sin embargo todo da un vuelco cuando ella termina involucrada en una situación policial y su vida comienza a complicarse mucho más: atraviesa un divorcio difícil, con la tenencia de su hija en juego. Si bien recién se vieron sus primeros episodios, Satisfacción garantizada promete por algunos nombres involucrados, como Maslany, Johnson y hasta el mismísimo David Gordon Green, director del piloto. Con guiños a Hitchcock y De Palma, la serie mixtura el thriller, la comedia negra y el drama con mucha solidez, y con un espíritu extravagante. Falta el arco completo, pero el inicio es prometedor.

Si en este mismísimo momento lanzamos una encuesta en la que le preguntamos a los lectores qué canción ganó el Oscar hace dos meses, seguramente muy pocos la recuerden. Signo de los tiempos, las películas, las canciones y los libros hechos para el consumo inmediato que proponen las plataformas y la velocidad de las redes han logrado que, en un alto porcentaje, el arte que circula sea absolutamente perecedero. Y no es un problema de Golden, la ganadora de este año, sino de las canciones en general que lo vienen haciendo en este Siglo XXI. Claro, siempre hubo un tiempo en el espejo retrovisor en el que fuimos felices… y si pensamos en el Oscar a Mejor Canción, ese momento fueron los 80’s.

Aquella década fue de quiebre para la industria cinematográfica en su totalidad. En los 70’s tuvimos la última gran generación de directores con la capacidad de discutir un corte final con los productores y tener cierto dominio creativo, algo que en los 80’s comenzó a desvanecerse en favor de un marketing mucho más presente en las películas y un cambio generacional en el consumo que impuso la mirada juvenil en la taquilla. Y eso se iba a ver reflejado con exactitud en el rubro a Mejor Canción Original en los Oscar: una década brillante en la que cada una de las ganadoras es un himno inmortal que hoy sigue sonando y que ganó vida propia por encima de la película para la que fue compuesta.

Atrás quedaron las baladas de los compositores clásicos de Hollywood que ya comenzaban a sonar viejas hacia fines de los 70’s. Y entonces llegaron nuevos vientos y las canciones de los 80’s que se impusieron en los premios tenían el sonido de los nuevos sonidos, y el reflejo magnético de la innovadora estética de MTV. Canciones juveniles, muchas de ellas baladas cachondísimas, otras tantas que pertenecían a films sobre baile (como Fama, Flashdance o Dirty dancing), que evidenciaban además la temperatura en ebullición de la platea. Tiempo de pop y sintetizadores. ¡Todos a bailar!

Si bien hubo buenas canciones ganando el premio, antes y después, lo curioso de los 80’s es que los diez temas quedaron en la memoria. Y detrás del fenómeno hubo algunas caras repetidas, por ejemplo -y valga el juego de palabras- Irena Cara que impuso su voz característica con el tema de Fama y más adelante con What a feeling de Flashdance. También repitió otra gran voz de la década, Jennifer Warnes, por sus duetos con Joe Cocker en la perfecta balada Up where we nelong de Resto al destino y con Bill Medley por la festiva (I've had) The time of my life. Y si hablamos del sonido de la década, el rey del disco Giorgio Moroder estuvo detrás de los éxitos musicales de Top Gun y Flashdance.

Lo curioso de la década del 80 es que la última película en ganar el Oscar a la Mejor Canción fue La sirenita -el clásico con el que Disney se reinventó-, gracias a Under the sea, que no tiene nada que ver con el sonido de la década. Sin embargo, anticipó el cambio de era de lo que premiaría la Academia en los 90’s, con varias películas de la compañía de cine animado llevándose la estatuilla. Como sea, los 80’s se mantienen como una década increíble repleta de grandes hits que ganaron el favor del público y de la crítica. Incluso hay canciones notables entre las perdedoras, pero eso será motivo de una próxima columna… ahora, a disfrutar. 

Fame de la película Fama por Irene Cara, ganadora en 1981

Best that you can do de la película Arthur: el millonario seductor por Christopher Cross, ganadora en 1982

Up where we belong de la película Resto al destino por Joe Cocker y Jennifer Warnes, ganadora en 1983

Flashdance... what a feeling de la película Flashdance por Irene Cara, ganadora de 1984

I just called to say I love you de la película Una chica al rojo vivo por Stevie Wonder, ganadora de 1985

Say you, say me de la película Sol de medianoche por Lionel Richie, ganadora de 1986

Take my breath away de la película Top Gun por Berlin, ganadora de 1987

(I've had) the time of my life de la película Dirty dancing por Bill Medley y Jennifer Warnes, ganadora de 1988

Let the river run de la película Secretaria ejecutiva por Carly Simon, ganadora de 1989

Under the sea de la película La sirenita por Samuel E. Wright, ganadora de 1990

EL ENCARGADO (serie) creada por Mariano Cohn y Gastón Duprat, con Guillermo Francella, Gabriel Goity, Gastón Cocchiarale. En Disney+.

-En su cuarta temporada, la popular serie se encuentra en una suerte de encrucijada: sigue dándole a la gente más o menos lo que espera o se adentra en terrenos más pantanosos. Un poco y un poco. Lejos de la serie de viñetas que componían su primera y segunda temporada, se retoman aquí elementos que habían sido levemente esbozados al final de la tercera: el encargado Eliseo ahora tironeado por la alta política, con un presidente interpretado por Arturo Puig. Para quienes no somos tan adeptos al cinismo de la serie, esta vertiente la lleva por el lado del disparate y nos resulta más satisfactoria. Sin embargo, Cohn y Duprat no pueden con su genio y replican conceptos gastados en su mirada sociológica. Si se animara a más, tal vez sería mejor. Eso sí, Francella y Goity se sacan chispas y es -a esta altura- de lo mejor que tiene para ofrecer la serie.

EN LA ZONA GRIS (película) dirigida por Guy Ritchie, con Jake Gyllenhaal, Henry Cavill, Eiza González. En cines.

-Ritchie ya se convirtió en uno de esos directores con los que los actores quieren trabajar, de ahí que logre reunir siempre elencos seductores. Este es el caso, y es también otra demostración de su estilo pirotécnico y vacío. Un grupo especial se encarga de cobrar deudas incobrables, utilizando tanto la fuerza como la inteligencia. Si las instancias son un poco enredadas de seguir (un poco porque la propia historia lo propone), En la zona gris se sostiene sobre una virtud: su sentido del ritmo cinematográfico, que la vuelve un recorrido fluido que avanza sin problemas y nos mantiene atentos durante sus 98 minutos. Sí, lo que cuenta es mínimo y por momentos está traído de los pelos, pero lo cierto es que para la vara a mediana altura del cine de Ritchie, esta es una de sus mejores películas.

CRIATURAS LUMINOSAS (película) dirigida por Olivia Newman, con Sally Field, Lewis Pullman, Colm Meaney. En Netflix.

-Cine para sentirse bien, de eso estamos hablando. Una mujer que limpia en un acuario sufre una lesión y es reemplazada por un joven que anda por el pueblo buscando a su padre biológico. Si el lazo es una suerte de maestra y discípulo, lo cierto es que esta película irá por otros lados, incluso lo fantástico a partir de la relación que ambos entablan con un viejo pulpo, personaje que tiene voz en off (el excelente Alfred Molina) y reflexiona sobre el destino de todo lo que ve, incluso de su propia existencia. Cine de vínculos al fin, y de nuevas oportunidades y de animarse a soltar, la clave del éxito se sostiene siempre en los límites que sus creadores le encuentran a la sensiblería. Newman un poco lo encuentra porque sus intérpretes son todos muy sólidos, aunque no puede dejar de caer en algunos giros un poco lacrimosos. En concreto Criaturas luminosas tiene la piel de Sally Field, actriz especializada en este tipo de historias un poco leves y faltas de pimienta.

PUNISHER: LA ÚLTIMA MUERTE (especial) dirigida por Reinaldo Marcus Green, con Jon Bernthal, Judith Light, Deborah Ann Woll. En Disney+.

-Otra vez Jon Bernthal, aunque aquí lejos de la explosión hacia adentro del universo de El oso. Encarnación del justiciero Punhiser desde hace años en el Universo Marvel, este especial de 50 minutos sirve como brújula para ubicar al personaje en el complejo entramado de series y películas de la compañía. ¿Dónde está Frank Castle? Bueno, atormentado como siempre y tratando de pasar desapercibido. Obviamente que no se puede, y rápidamente será perseguido por una colección de asesinos que los buscan para liquidarlo. Básicamente este especial es un ejercicio de cine de acción hiperviolento, un divertimento montaña rusa que entretiene cuando se vuelve más lúdico y rabioso, pero frena demasiado cuando se pone serio e introspectivo. Con momentos que bordean lo gore y secuencias bastante imaginativas, La última muerte es una dosis necesaria para los fans del personaje y una demostración de cómo Marvel está corriendo sus propios límites.

ALL HER FAULT (miniserie) creada por Megan Gallagher, con Sarah Snook, Michael Peña, Dakota Fanning.

-Esta miniserie fue un éxito el año pasado en la plataforma Prime Video. Por un lado parece la típica: una desgracia ocurrida en el seno de una familia de ricachones, que sirve para exhibir un cúmulo de cinismo y degradación. Pero, por suerte, la miniserie sostiene su misterio en un hecho policial que arrastra el relato hacia el lado del misterio antes que a la lectura sociológica facilista. Un niño desaparece en una situación de lo más mundana y eso desata una serie de intrigas en torno a la familia, los amigos y ese mundillo de poderosos. El elenco está integrado por gente sumamente talentosa, todos liderados por la ex Succession -y gran actriz- Sarah Snook.

“Gracias le doy a la vida, gracias le doy al señor. Porque entre tanto rigor y habiendo perdido tanto, no perdí mi amor al canto, ni mi voz como cantor”. Fue allá por el disco en vivo El regreso, que quedó patentada esta cita casi textual a El regreso de Martín Fierro al final de Estadio Azteca. De aquella idea, “como cantor”, extrajo entonces Andrés Calamaro el título de esta gira que lo trajo a Mar del Plata, que además de título es también un concepto que viene explorando desde La lengua popular: convertir su cuerpo en herramienta y su voz en una forma de entretenimiento masivo, de saberes populares y eruditos, de autoconciencia de un repertorio infinito y banda sonora de la vida de muchos.

Fueron algo más de dos horas de show en la noche del Polideportivo Islas Malvinas, una fecha poco habitual en el calendario marplatense para el arribo del Salmón (“Mar del Plata, fin de temporada”, bromeó cuando ingresó al escenario). Fueron 25 canciones y algún extra que siempre se filtra (citas a Atahualpa Yupanqui, a Bob Marley), en un concierto que fue una verdadera avalancha de hits. Hace apenas un año y medio Calamaro había venido a la ciudad con la gira de Honestidad brutal, y Como cantor significó el reencuentro con muchísimas canciones que no entraron aquella vez. Y, curiosidad, un ánimo llamativamente parlanchín para un recital que tiene como objetivo celebrarlo como cantante. Calamaro habló hasta por los codos, contó anécdotas, se emocionó al recordarse como aquel pibe que soñaba ser rockero, habló de los 70’s, los 80’s, el Mundial, el fútbol, la yerba misionera, la yerba uruguaya, Julio Iglesias, los éxitos y los fracasos. Habló al nivel de que la clásica presentación de la banda se bifurcó en más anécdotas, por momento impacientando a algún ansioso que fue por las canciones. Pero bueno, que el cantor es también sus circunstancias.

No de gusto Como cantor arrancó con la bellísima Todavía una canción de amor, aquella letra de Joaquín Sabina que dice que “cantar es disparar contra el olvido”. Fue el puntapié inicial de una recorrida por el repertorio de Los Rodríguez que tuvo además escalas en A los ojos, Mi enfermedad, Palabras más, palabras menos y Sin documentos. Porque Calamaro es su repertorio y el de las bandas que integró. Y allí estuvieron también esos himnos del rock nacional que son Mil horas (previo puente con Tres Marías) y Costumbres argentinas, dos de las obras más celebradas de Los abuelos de la nada.

Calamaro como cantor recorrió casi toda su discografía, a excepción de sus primeros tres discos y -para sorpresa- el estupendo Cargar la suerte. Para los nostálgicos hizo dos joyitas de Nadie sale vivo de aquí (elegantes versiones de Pasemos a otro tema y Señal que te he perdido, puenteado sabiamente con Te quiero igual para los espectadores perdidos). No faltaron temas de Alta suciedad (Loco, Me arde, Crímenes perfectos, Alta suciedad, Flaca), Honestidad brutal (Te quiero igual, Paloma), El salmón (El salmón), El cantante (Estadio Azteca), La lengua popular (Carnaval de Brasil, Mi gin tonic, Los chicos), On the rock (Tres Marías) y Bohemio (Cuando no estás, Bohemio). Y fuera de programa, un tanguito: Garúa.

Calamaro como tributo de Calamaro. Un repertorio gigantesco al que dos horas y pico de show le quedan cortas. Y una banda afiladísima que, a los habituales, le sumó instrumentos de viento.

Calamaro habla sobre el escenario de ser rockero como proclama artística, como forma de vida y como manera de conectar con los demás. Y se divierte en un juego de ida y vuelta con la pantalla posterior y la imagen de un dinosaurio que avanza mientras suenan unos potentes riff de Alta suciedad. La pantalla, de una puesta en escena despojada y simple (la atención está puesta en el repertorio), fue un personaje más, con algunas intervenciones cinematográficas que llevaron la experiencia a otro nivel: como el efecto increíble de escuchar Crímenes perfectos con la secuencia de La danza de las valquirias de Apocalipsis Now! de fondo.

La recta final del recital fue elevándose del nivel del suelo con A los ojos, Mi enfermedad, Me arde, El salmón, Palabras más, palabras menos, Alta suciedad y Sin documentos. Y el final fue con los coritos inmortales de Paloma y Flaca, tal vez dos de los hits más potentes de Calamaro y dos de los temas que más han sido elegidos para cerrar sus shows. Obviamente, el Calamaro cantor no podía eludir la responsabilidad de ejecutarlos, aún en esas versiones modificadas con las que siempre sorprende. Ni evitar irse y volver para los bises, que apelaron a la emoción de Estadio Azteca, la cita a Martín Fierro y ese impensado hit de Los chicos, homenaje además a los amigos ausentes, algo que siempre está presente en los shows del artista.

Si en algún momento tardó más de una década en volver a presentarse en la ciudad, entre Alta suciedad y On the rock, estos 17 meses que separaron la Agenda 1999 de Como cantor, han sido un suspiro. Por eso tomamos con honor la promesa de volver a Mar del Plata que hizo sobre el escenario. Sobre todo porque recordamos que cantar es disparar contra el olvido y vivir sin las canciones de Calamaro es dormir en la estación.

Esta semana se cumplieron 41 años del estreno de Esperando la carroza, que el 6 de mayo de 1985 comenzó un camino en las salas que derivó en algo impensado: un fenómeno popular que cuatro décadas después se mantiene firme en la memoria colectiva de los argentinos. Ya sea por sus frases recordadas, por sus personajes, por escenas, lo cierto es que Esperando la carroza es un hito indiscutido, convirtiéndose en referencia incluso de generaciones muy posteriores. Esa posteridad que hoy se convierte en meme, GIF, sticker y cuanto elemento de la contemporaneidad conduzca al humor y al guiño cómplice que alcanza con solo mencionar una línea de diálogo para que todos sepamos de qué estamos hablando.

Inspirado en una obra de teatro uruguaya de 1962 escrita por Jacobo Langsner y producida por la Comedia Nacional de Uruguay, el film dirigido por Alejandro Doria se erigió desde el vamos como un grotesco pasado de rosca que miraba de frente, en los albores de la nueva democracia, a esa sociedad argentina de los años de la dictadura. Sin ningún tipo de sutileza, hay que decirlo (también debo decir que no comparto el amor por esta película), la comedia sobre una familia -los Musicardi- que a partir de la desaparición de la abuela entra en estado de shock, se ha convertido en una suerte de sinónimo de una noción un poco desbordada de lo nacional, o de lo que los argentinos creen de sí mismos.

Hay que decir que Esperando la carroza ya había tenido una representación en la televisión nacional con el ciclo Alta comedia. Allá por 1973, la obra de teatro había sido llevada a la pantalla chica también con dirección de Doria y con un elenco integrado por la mismísima China Zorrilla, pero con Pepe Soriano, Raúl Rossi, Dora Baret, Alberto Argibay, Lita Soriano, Alicia Berdaxagar, Marta Gam y Hedy Crilla. Curiosidad, Soriano interpretó a la abuela en esa comedia negrísima La Nona, antecedente bastante claro de Esperando la carroza.

La versión cinematográfica de 1985 contaba en su elenco con una suma de caras muy conocidas y algunos intérpretes que estaban comenzando a serlo. Desde Luis Brandoni, a China Zorrilla, Juan Manuel Tenuta o Lidia Catalano, a Antonio Gasalla, Betiana Blum, Enrique Pinti o Darío Grandinetti, entre muchos otros. Tal vez no haya en la historia del cine argentino una película que cuente en su elenco con tantas caras conocidas. Pero lo verdaderamente cierto es que el film no fue muy exitoso al momento de su estreno y, por ejemplo, se lo pudo ver a Gasalla durante varios sábados haciendo el personaje en el programa Badía y compañía como una forma de promocionarlo. No fue hasta su edición en VHS y su exhibición constante en televisión, que la película se convirtió en el fenómeno que hoy conocemos.

Para Gasalla, que tenía una carrera extendida en el teatro (con algún paso por el cine como La tregua), el personaje fue una verdadera explosión. Y, hay que decirlo, es el único que está contenido en una película que tiende a estar dos o tres tonos arriba de lo requerido. Sin embargo, en primera instancia Doria le ofreció el personaje a Niní Marshall, pero esta lo rechazó y ahí derivó en el popular cómico, que ya venía haciendo de una vieja similar en el teatro. Seguramente la decisión más feliz del director fue que la abuela tenga más participación que solo los últimos minutos que le destinaba la obra de Langsner. “El propuso ponerla en la vereda de enfrente, que vea desde ahí las situaciones y que participe más”, contó Gasalla durante una entrevista.

Tal fue el nivel de popularidad que logró Gasalla con esa caracterización, que luego reinterpretaría al personaje en sus diferentes envíos televisivos y hasta sería invitado constante al programa de Susana Giménez, donde intervino como “La abuela” durante más de una década.

Obviamente de la película se recuerdan sus frases y siempre se encuentra la forma de meter en una reunión familiar o de amigos aquello de “yo hago ravioles, ella hace ravioles”. De hecho la reciente muerte de Luis Brandoni fue otra vez motivo para que se lo recuerdo con las “tres empanadas”, algo que al actor posiblemente no le hubiera hecho demasiada gracia ya que estaba un poco cansado de la referencia. Lo curioso es que según el anecdotario de la película, cuando se rodó y Brandoni tiró la frase, no causó la más mínima gracia y fue vivido como un momento dramático. Fue tan solo con las primeras exhibiciones que se escucharon las risas y el público empezó a repetir aquello.

Otro detalle curioso de Esperando la carroza es que hasta sus locaciones se volvieron icónicas para los fanáticos. Los principales hechos de la película transcurren en una típica casa chorizo de Echenagucía 1232, en el barrio de Versalles. La casa fue declarada Patrimonio Cultural de la Ciudad de Buenos Aires en 2011, pero los dueños tuvieron que sacarle el timbre por las constantes visitas de quienes querían recrear las escenas de la película y conocer el lugar. Todo esto queda muy bien retratado en el documental Carroceros de Mariano Frigerio y Denise Urfeig (disponible en Flow), que muestra cómo se ha montado todo un mercado fetichista de fans que hasta contratan tours turísticos para visitar las locaciones.

Si Esperando la carroza logró lo que muy pocas películas argentinas en su historia, convertirse en un film de culto que trascienda generaciones, la tentación de una secuela estaba siempre en el tapete. Y eso sucedió en 2008, bajo la dirección de Gabriel Condrom. Como no me gusta Esperando la carroza no voy a decir que la secuela es mucho peor, pero lo cierto es que pretende empatar su hilo sociológico hablando un poco de los 90’s sin alcanzar el mismo nivel de acierto iconográfico y acercando su humor al de las comedias de Gerardo Sofovich. Esperando la carroza 2 no contó con muchos de los del elenco original (entre ellos los indispensables China Zorrilla y Antonio Gasalla) y quienes fueron de la partida, lo lamentaron. Como Brandoni, que reconocería durante una conferencia de prensa por el reestreno en cines de la original que la secuela era “mala, no era coherente con la historia, resultó siendo mala”.

Otro ejemplo más de que la nostalgia no es un buen punto de inicio para emprender nada: “Qué miseria che”.

GARY (especial) dirigido por Christopher Storer, con Ebon Moss-Bachrach, Jon Bernthal, Gillian Jacobs. En Disney+.

-Mientras se nos confirma que la quinta temporada de El oso, que llegará en junio, será la última, Disney+ lanzó sin hacer mucho ruido este episodio especial, centrado en un flashback que indaga en la dinámica de la relación del querido primo Richie con Mikey Berzatto, el hermano que siempre funciona como una sombra sobre el resto de la familia. Básicamente los sigue en un viaje a la ciudad de Gary, donde tienen que realizar una tarea para el tío Jimmy. Eso es una excusa, en verdad, para que Storer retome formas y modos de la serie, con esos diálogos intensos y esa puesta de cámara bien cercana a los personajes. Hay un leve hilo narrativo y una relación que se constituye desde cierto código interno de violencia verbal, que en determinado momento se corta cuando la cosa se vuelve demasiado personal. Bien interpretado, bien narrado, Gary nos muestra algo del esquivo y problemático Mikey y profundiza en esa personalidad explosiva de Richie. Casi una muestra gratis o un episodio menor de El oso.

MARGO TIENE PROBLEMAS DE DINERO (serie) creada por David E. Kelley, con Elle Fanning, Nick Offerman, Michelle Pfeiffer. En AppleTV.

-Esta serie creada por el experimentado Kelly se suma a otras del estilo que integran el catálogo de AppleTV, dramedias nobles de gente rota que decide no sumarse a la caravana de cínicos contemporáneos. Aquí el centro es Margo, joven que se hace cargo de un niño no buscado y de un progenitor abandónico, mientras reconstruye su familia integrada por una madre con la que se lleva mal y un padre, con el que se lleva bien pero al que hace años que no ve. La serie se edifica desde lo estrafalario (la madre es una vendedora medio grasa, el padre una figura del catch en decadencia) para poner una mirada tierna sobre un grupo de personajes rotos que desean ser mejores. Con mucho humor, con momentos dramáticos que no empañan el asunto, Margo tiene problemas de dinero tiene además un gran elenco y una decisión evidente: correrse del prejuicio y aceptar a sus personajes como son. Bienvenida.

APEX (película) dirigida por Baltasar Kormákur, con Charlize Theron, Taron Egerton, Eric Bana. En Netflix.

-El prólogo es una muestra gratis de lo que vendrá. Una tragedia en las alturas filmada con criterio a la hora de construir climas y tensión. Luego, una aventura: la mujer del comienzo, ahora sola, vagando por Australia en una viaje de expiación personal. Y ahí comienzas los problemas, cuando la mujer (Theron) se cruce con un personaje (Egerton) que más pronto que tarde mostrará la hilacha: más que un simpático guía es un asesino despiadado que goza con hacer sufrir a sus víctima. Apex, entonces, es un relato de supervivencia adentro de un juego de gato y ratón. El film es pequeño, lo que no sígnica lo mismo que malo: Theron es una gran protagonista que sabe actuar desde lo físico, Egerton disfruta de estos personajes torturados y siniestros, y Kormákur (el de Bestia y Everest) filma muy bien el suspenso y la tensión en el entorno natural. Un thriller sólido, una película como las que antes llegaban a los cines y ahora apenas se estrenan en plataformas. Corta y eficaz.

BRONCA (miniserie) creada por Lee Sung Jin, con Oscar Isaac, Carey Mulligan, Cailee Spaeny. En Netflix.

-Esta serie antológica vuelve con otra de esas historias donde el azar juega su parte y todo se vuelve bastante turbio. Ahora estamos en un club exclusivo, donde sus encargados (la típica pareja de ricachones con problemas de alcoba) tienen una pelea que es observada por dos empleados del lugar. En verdad ven un recorte de la discusión, pero eso les sirve para crear un juicio. Ese mínimo episodio, básicamente, servirá para que las cosas escalen y se vuelvan descontroladas, mientras la serie aprovecha la locura generalizada para hacer una lectura sociológica acerca de muchas de las taras del presente, aquí las diferencias de clase, los juicios de valor construidos en la nada y las miserias de ricos y pobres. A Bronca la puede la ecuanimidad, a veces forzando las situaciones. Ese es su principal inconveniente, aunque también uno de los motivos de su éxito.

LA HUELLA DEL ORO (miniserie) creada y dirigida por Daniel Duche. En HBO Max.

-Esta producción animada argentina se ha convertido en un suceso, impensado -sólo- si pensamos en su origen y aceptamos que la animación nacional no tiene por ahora la trascendencia que podría tener. Lo cierto es que este relato fantástico que sigue a un mercenario en lucha contra criaturas de todas las dimensiones y formas posibles, es en primera instancia una construcción narrativa que funciona en su propia lógica y muy especialmente un diseño visual que impacta y se impone. Podríamos decir que la leve narración se sostiene desde lo gráfico, desde esas peleas tremebundas que siempre encuentran alguna invención para crear imágenes potentes. La huella del oro no solo funciona, sino que además muestra un camino posible para la animación nacional.  

Hace más de una década que las plataformas de streaming son una amenaza para las salas de cine, incluso mucho más de lo que representaron en su momento el VHS o el DVD. Las plataformas otorgaron una sensación de saciedad audiovisual que fue alejando de los cines a mucho público, agotando las posibilidades de varios géneros en la pantalla grande: policiales, dramas, comedias, comedias románticas y el cine de autor sobreviven hoy casi exclusivamente en los dispositivos hogareños, mientras la salida al cine parece quedar reservada a películas evento o grandes producciones. A su propia potencia (catálogos amplios, estrenos con estrellas, variedad de géneros), las plataformas contaron con un aliado impensado: la pandemia, que sirvió para convencer de la comodidad de la reclusión hogareña y resignificar el criterio con el que se consume cultura. En tiempos de sobre-estímulo y glorificación de la “experiencia”, sentarse en una sala oscura frente a una película que nos demanda exclusiva atención no parece la mejor “experiencia”. Entonces el cine, como industria, se desangra.

Con ese espíritu, las salas sobreviven con los tres o cuatro éxitos del año, mientras películas por fuera del radar naufragan con números cada vez más flacos de taquilla. Por eso, el éxito que viene acompañando a Michael, la biografía de Michael Jackson, y recientemente a El diablo viste a la moda 2, representa no solo un soplo de aire fresco para la industria, sino además un gesto que recupera para un sector de la población la magia del ritual de ir al cine. Para ser concretos, desde la pandemia, los sectores de adultos y adultos mayores son los que más dejaron de ir a las salas, lo que termina repercutiendo en qué tipo de propuestas tienen la posibilidad de estreno.

Según un artículo publicado en la web Nofilmschool.com, durante 2025 en Estados Unidos el 67% de personas entre 18 y 29 años habían ido al cine, mientras que solo un 39% de mayores de 65 lo habían hecho. Precisamente, esa porción de espectadores es la que habitualmente consumía películas de presupuesto medio. Pero el problema es global: en España, por ejemplo, observaron esta misma situación y en 2024 se aplicó un programa denominado Cine Sénior, por medio del cual mayores de 65 años podían concurrir al cine los martes abonando una entrada de apenas 2 euros. El resultado fue que ese año concurrieron un 82% más de espectadores en ese rango etario, a la vez que el martes se convirtió en el tercer mejor día de convocatoria en las salas.

Si bien la merma de espectadores es un tema general y atraviesa a todos los públicos (en Argentina en los primeros tres meses de 2026 se cortaron 900.000 tickets menos que en el mismo período de 2025, según cifras de Ultracine), en ese sentido la taquilla se mueve en ocasiones al vaivén del interés que generan los tanques. Sin embargo con el público adulto la ecuación es diferente, porque ya no se trata de interés en los estrenos, sino básicamente en un cambio en la forma de consumo. Es un público que parece esperar el arribo de las películas a la comodidad de su hogar, y eso puede estar atravesado por varios motivos, que incluyen hasta aspectos sociales que exceden a la industria audiovisual. Un problema mayúsculo para el cine nacional, que tiene en el público adulto / adulto mayor a su espectador potencial. En estos seis años solo Homo Argentum parece haber reunido los elementos suficientes como para recuperar a ese público.

Cuando comenzó el año, se decía que este 2026 era un año clave para la industria, ya que arribarían a las salas muchos tanques de esos que deberían convocar multitudes, algo que no funcionó del todo en 2025. Sin embargo se están dando algunos fenómenos tal vez impensados y que vienen movilizando a esos sectores de la platea que parecían dormidos o imposible de arrastrar a las salas. Uno de esos ejemplos es Michael, el film de Antoine Fuqua que retrata un segmento de la vida de Michael Jackson. La película tuvo un debut monstruoso, con 97 millones de dólares de recaudación en Estados Unidos y otros 210 millones a nivel global durante su fin de semana de estreno.

Con estos números, Michael se convirtió entonces en el mejor debut para una película biográfica, pero además en el mejor arranque del año para una película original, que no pertenece a una franquicia. Sin embargo, el dato más alentador es que si bien acercó una audiencia variada, su público estuvo compuesto en un 50% por espectadores mayores a los 35 años, una cifra que recupera la presencia de público adulto.

Y la tendencia parece sostenerse con el reciente estreno de El diablo viste a la moda 2, que superó los 50 millones de dólares en sus funciones de preestreno en todo el mundo y superando ampliamente los 110 millones en su primer fin de semana. Si bien el éxito de la película protagonizada por Meryl Streep y Anne Hathaw estaba descontado, lo cierto es que tenía que revalidar las expectativas. En este contexto, el dato más atractivo es otra vez el regreso de espectadores adultos: según cifras recolectadas por el sitio especializado Deadline.com, del total de espectadores el 36% eran mayores de 45 años y el 22%, de mayores de 55.

Habrá que ver si estos números se mantienen o se trata solo de una operación nostálgica de una generación que va al cine a ver solo aquello que los compromete sentimentalmente: las canciones de Michael Jackson, la secuela de una película de hace dos décadas. Este año el cine para adultos tiene algunas apuestas significativas con la adaptación de La odisea a cargo de Christopher Nolan o la vuelta de Steven Spielberg a la ciencia ficción con Disclosure Day. Que la tendencia continúe y que ir al cine vuelva a ser un ritual para el gran público.

EL DIABLO VISTE A LA MODA 2 (película) dirigida por David Frankel, con Meryl Streep, Anne Hathaway, Stanley Tucci. En cines.

-A veinte años de la primera entrega, esta secuela de El diablo viste a la moda desarma inmediatamente todos los prejuicios del espectador: lejos de la frivolidad de los vestuarios y la opulencia con la que se promociona, esta comedia dramática se centra desde sus primeros minutos en el mundo del trabajo, el periodismo y los cambios de época que vuelven a los personajes unos verdaderos dinosaurios. En ese sentido, el film es fiel reflejo de la obra de Frankel, director que tras superficies de amabilidad y simpleza sabe trasuntar algunas dosis de amargura (bien lo sabe el personaje de Owen Wilson en la sorprendente Marley y yo). En definitiva, que los personajes (regresan los cuatro principales) se vuelven a reunir mientras la extinción de los medios gráficos y las fusiones empresariales, que siempre dejan en declive a las ideas por sobre el negocio, pesan sobre sus espaldas. El diablo viste a la moda 2 se anima a reflexionar sobre algunos de estos asuntos del presente, más allá de que su final sea optimista aunque no cínico: los personajes saben que su triunfo es pírrico y momentáneo, pero no los exime de disfrutar. Obviamente, están todos simpatiquísimos y Hathaway y Streep están perfectas.

MICHAEL (película) dirigida por Antoine Fuqua, con Jaafar Jackson, Nia Long, Colman Domingo. En cines.

-Producida por la misma gente que hizo Rapsodia bohemia, esta película copia hasta el hartazgo su estructura de biografía lavada, incluso recursos dramáticos que parecen ser un guiño: el cameo de Mike Myers en un rol similar, la recreación final de un concierto. Michael Jackson es uno de los artistas más grandes de la historia y la preocupación de muchos respecto de qué detalles escabrosos de su intimidad se contarán, queda descartada desde el inicio: sus hermanos son productores, su sobrino es quien lo interpreta. Es decir, Michael es un relato familiar, en doble sentido. Familiar, porque son los seres cercanos los que cuentan la historia de Jackson, y familiar porque todo lo que pasa en la pantalla ya lo vimos en otras biografías. El discreto artesano que es Fuqua muestra poca inventiva para lo musical, y apenas nos quedan un puñado de canciones inmortales y la excelente recreación que hace Jaafar de su tío Michael. Nada nuevo bajo el sol.

YIYA MURANO: MUERTE A LA HORA DEL TÉ (película) dirigida por Alejandro Hartmann, con testimonios de Chiche Gelblung, Jorge Ávalos, Osvaldo Bazán. En Netflix.

-Con experiencia en documentales sobre casos policiales icónicos de la criminología argentina, Hartmann se mete con -tal vez- el caso más popular. Pero no solo eso: también el caso que derivó en un universo kitsch, que en ocasiones olvida que detrás de la absurda Yiya hay varias víctimas. Pero lo que diferencia a Hartmann de otros directores dentro de este registro, es que se nota que es un director de cine y no un mero escenógrafo de morbos. El documental es interesante y relata los crímenes de Murano con precisión, mientras se van cocinando otros asuntos: ¿por qué el caso derivó en una suerte de chacota generalizada? ¿Cuál era el poder de seducción del personaje? ¿Qué pasa con las víctimas en ese contexto? Hartmann se hace las preguntas adecuadas, aunque puede que algunos asuntos lleguen un poco tarde y no se terminen de resolver del todo. Más allá de eso, Yiya Murano: muerte a la hora del té es un documental bien narrado, con los testimonios justos y con unas dramatizaciones que, por una vez, sí suman al conjunto.

RISA Y LA CABINA DEL VIENTO (película) dirigida por Juan Cabral, con Diego Peretti, Cazzu, Joaquín Furriel.

-En un pueblo argentino una cabina telefónica convoca a sus habitantes. En ese lugar, por esa línea, la gente logra comunicarse con los muertos. Allí estará nuestra joven heroína, entonces, dispuesta a resolver algunos asuntos. La película de Cabral, ganadora de premios en el último Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, es una producción que se diferencia del resto del cine nacional contemporáneo por una sumatoria de decisiones felices y poco habituales. Lo que sobresale es el elemento fantástico, que está notablemente utilizado porque funciona como soporte genérico pero además se aplica con precisión al conflicto de los protagonistas. Risa y la cabina del viento, además, suma una actuación infantil sobresaliente, un tono costumbrista que no se excede en demagogias y un toque autóctono que le aporta identidad sin caer en lo subrayado. Aunque opte por caminos diferentes, hace acordar en cierta medida al cine de Shyamalan por la manera en que logra relacionar lo fantástico con cuestiones sociales y terrenales.

NOCHE DE PIZZA (película) dirigida por Nick Kocher y Brian McElhaney, con Gaten Matarazzo, Sean Giambrone, Lulu Wilson. En Disney+.

-Esta comedia es una de las sorpresitas del año. Dos perdedores, de esos que son maltratados por todos sus compañeros, vivirán una verdadera aventura cuando consuman una droga y bajar dos pisos para atender el delivery se vuelva misión imposible debido a las consecuencias alucinógenas de la sustancia. Comedia en el sentido más estricto del género, esta película es sumamente imaginativa y recupera la capacidad del género para convertir lo físico en un chiste potencial. Casi a contracorriente del cine del presente, se permite hacer chistes con todo lo que se le cruza e incluso más, porque sus ideas atraviesan los márgenes hasta del propio verosímil. Noche de pizza es libre y se abraza a un espíritu lúdico que creíamos perdido. Y nos demuestra que este Matarazzo puede ser algo más que el de gorrita de Stranger things.

Si bien en sus inicios Alejandro Hartmann dirigió un documental sobre la Generación Dorada y la crisis que enfrentó ese grupo de basquetbolistas una vez que fueron dejando la práctica activa del deporte, con el tiempo se convirtió en un director especializado en ese subgénero conocido como true crime. Fue primero con Carmel, la serie documental que abordó el asesinato de María Marta García Belsunce y que fue un verdadero hit. Luego vinieron documentales sobre José Luis Cabezas, Nahir Galarza, los hermanos Menéndez y -ahora- “Yiya” Murano. Pero lejos de quedarse en el simple morbo que el relato de estos casos policiales populares genera, el realizador va más profundo: “Me interesa el policial como un disparador para reflexionar sobre la sociedad”.

Tras el estreno del documental Yiya Murano: muerte a la hora del té, que está disponible en la plataforma Netflix luego de su paso por el BAFICI, charlamos con el directo en el marco del programa Modo Regreso por Radio Mitre Mar del Plata. “Lo que más me interesó en Carmel fue la reacción social y el tratamiento mediático. Eso se relaciona con un cine más social o político que ya venía haciendo. Entendí que los casos policiales son un espacio donde se juegan muchas cosas: la justicia, los medios, las relaciones sociales y familiares”, comentó al recordar aquella exitosa serie y el inicio de un camino por el centro de la criminología aplicada al cine.

Hartmann se mete con casos populares sobre los que hay mucha documentación (y adelanta que en el futuro puede haber alguna nueva producción dentro del subgénero). Sin embargo, como en el caso de Yiya Murano, consideró que el horizonte no tenía que ser forzadamente presentar de vista original o novedoso, porque entiende que “hay mucha gente que conoce la historia, pero también hay mucha gente joven que no la conoce o, con suerte, ubica el nombre”. Entonces, su objetivo fue apuntar a “distintos públicos”.

-Imagino que uno de los desafíos fue reunir todo el material judicial, policial y televisivo. ¿Cómo fue ese trabajo?Además conseguir testimonios de gente que la hubiera conocido en aquella época. Nos abocamos primero a buscar el expediente, relevar qué materiales había, identificar a quienes la conocieron y ver qué registros existían, como fotos, archivos, etcétera. La idea fue reconstruir quién fue este personaje tan particular y controversial.

-¿Cómo fue la selección de los entrevistados? Hay periodistas, investigadores y también aparece su hijo, Martín Murano.Siempre trato de que los entrevistados tengan una relación real con la historia. A veces puede haber expertos, pero en este caso casi todos, salvo quizás una economista que aparece en un momento puntual, tuvieron algún vínculo con ella, aunque fuera mínimo. Ese fue el criterio.

-¿Y cómo fue el contacto con Martín Murano? ¿Se dio fácilmente su participación?No fue sencillo, porque él vivió esta historia en carne propia y con mucho dolor. Tuvimos que hablar mucho, reunirnos varias veces. Desde el primer momento tuvo ganas de participar y se puso a disposición, pero fue un proceso largo de construcción de confianza y de entendimiento mutuo.

-Martín es una figura central en el documental, pero hacia el final su mirada también se pone en tensión. ¿Cómo trabajaron eso y cómo lo tomó él?Es una persona muy sensible, muy inteligente y con gran capacidad de autoanálisis. Entendió hacia dónde íbamos y confió mucho en mí. Creo que se siente representado por la película. Hay cosas con las que está más de acuerdo y otras menos, pero en líneas generales quedó contento y su devolución fue muy buena.

-En casos así, con personas tan involucradas, ¿se consensúa el resultado final o el documental tiene libertad total?Yo trato de tener libertad, pero también tengo un compromiso con quienes participan. Ellos deciden contar su historia en un documental mío, y eso implica una responsabilidad enorme, sobre todo cuando han vivido situaciones traumáticas. No les muestro el corte para pedir permiso, pero sí intento ser lo más ético posible.

Quién iba a pensar que una serie sobre médicos, casi un subgénero de la televisión con ejemplos que han llevado el formato al agotamiento, nos iba a generar tal nivel de adicción y fanatismo. Con la segunda temporada recién terminada el pasado jueves en la plataforma HBO Max, podemos asegurar tras esta nueva tanda de episodios que The Pitt es la serie del momento. Ganadora de todos los premios con su primera temporada, los nuevos capítulos llegaron no solo para confirmar todos sus aciertos, sino también para redoblar las apuestas y ganar con una confianza encomiable.

Desde su premisa, The Pitt parece algo absolutamente trillado: sigue la vida cotidiana de un grupo de médicos que trabajan en la sala de emergencia de un hospital público, en este caso en Pittsburgh, y de ahí la doble lectura que propone su título, The Pitt, como diminutivo cariñoso de una ciudad pero también entendido como su homógrafo The Pitt (La Fosa en la traducción), según acepción irónica. En ese doble juego, la serie encuentra una red: primero la ciudad, la identidad, la lógica de un espacio determinado con su respiración propia, y a la vez ese caos que contamina cada rincón del hospital y las vidas de los protagonistas.

El nacimiento de The Pitt es casi de carácter espurio y haría dudar a cualquiera. El productor y protagonista Noah Wyle acumuló múltiples anécdotas de tiempos de la pandemia que le acercaban conocidos y personas que lo cruzaban en redes. Wyle, aquí como el enorme jefe de la guardia Michael “Robby” Robinavitch, pero antes popularmente conocido como el John Carter de ER, tal vez la más emblemática serie sobre médicos, creación de Michael Crichton de la que muchos tomaron prestadas un montón de cosas. Incluida esta The Pitt, que Wyle pensó como continuación espiritual de aquella, pero que no pudo empatar por asuntos relacionados con los derechos. Sin embargo nada frenó el ímpetu del actor, que se reunió con dos conocidos de ER como R. Scott Gemmill y John Wells, ambos productores de aquella y nuevamente cumpliendo diversos roles en esta. Posiblemente ese fracaso haya sido el origen del verdadero éxito de la serie.

Pero qué hace diferente a The Pitt sobre otras series del estilo, que también cuentan casos médicos, algunos inusitados, intercalados con las vidas de los médicos y enfermeros. Básicamente una sumatoria de decisiones inteligentes que son una síntesis de elementos creativos y otros más pragmáticos, que encuentran como síntesis de su perfección una puesta en escena coreográfica, en la que personajes de reparto y extras operan como un coro que actúa en el mismo nivel de intensidad que lo que vemos en el primer plano. Sin necesidad de alardes tecnológicos, podríamos decir que The Pitt es una serie en 3D, donde algunos elementos toman relieve y sobresalen de la pantalla mientras la vida sucede en la profundidad de campo. Y todo pensado para el micromundo de la pantalla televisiva.

The Pitt logra algo que no muchas series alcanzan, de ahí su genialidad. Que es por un lado construir un vehículo para el lucimiento de sus intérpretes -lo que funciona en un público que celebra a los actores por sobre todo-, a la vez que se edifica sobre una puesta en escena sofisticada que acerca al público más formalista. Y mientras todo esto sucede en paralelo, la representación realista de su entorno también seduce a quienes buscan esa dosis de verismo. Sin embargo The Pitt esquiva hábilmente la tentación de la solemnidad y el ponerse seria sobre temas importantes, para descomprimir con lunáticos pasos de comedia, que son más una reacción nerviosa ante situaciones que superan tanto a los espectadores como a los personajes, como así también en diálogos escritos con enorme precisión, que se recuestan en un elenco que sabe decir esas líneas con una sabiduría que parece provenir de sus propias experiencias humanas antes de que las manos de un equipo de guionistas.

Hablamos de la puesta en escena, pero la misma no se queda en el mero exhibicionismo de formalismo, sino en una estructura que resulta finalmente indispensable para el andamiaje narrativo. Cada temporada se plantea como la recreación de un turno de 15 horas, a razón de un episodio por hora. Claro que esa simulación del tiempo real tiene sus elipsis, pero eso no impide que toda la temporada se sostenga en un nivel de tensión inusitado, siempre explotado por la vía de algún suceso externo que pone los nervios de los personajes en constante tensión. Hay claros elementos ficcionales que se aprovechan de la acumulación como músculo, pero la simulación del tiempo real más la utilización de casos médicos verídicos que se imponen más por lo dramático que por lo espectacular, hacen de The Pitt una experiencia fascinante que nunca se agota.

Otro acierto de esa puesta en escena es la fragmentación. La galería de personajes es tan extensa, que la serie se permite entrar y salir de cada uno, sin que ninguna subrama se sienta estirada o perezosa. Tal vez un gesto que nos hace ruido sobre un personaje se retoma varios episodios después. Pero lo verdaderamente notable es cómo construye esos universos desde gestos mínimos, desde pequeños conflictos. Que lo que veamos de cada personaje sean tan solo esas quince horas de un solo día, también suma al misterio de criaturas que van progresando a medida que avanza esa jornada. Lo que conocemos es solamente su trabajo y cómo son en su trabajo. The Pitt es la serie definitiva sobre ser profesional y estar convencido o no de lo que se hace, en una actividad que hace de la duda un calvario, como bien lo sabe el doctor “Robby”.

Así como los conflictos de los personajes entran y salen, también lo hacen los temas importantes. En estas dos temporada, The Pitt ha mechado apuntes sobre el estado de la salud pública en Estados Unidos, de la represión gubernamental sobre la inmigración, de la violencia de género, de la falencia de las políticas de salud mental, de los problemas económicos de jóvenes médicos, del drama de carecer de un seguro de salud, de los dilemas que plantea el uso de las nuevas tecnologías y un largo etcétera. Pero The Pitt nunca se detiene, avanza sin parar y utiliza esos elementos como contexto, como una forma de decir estamos hablando de esto aquí y ahora, pero lo que nos importan son las vidas de este grupo de personajes y su responsabilidad ante el mundo que administran. Los límites y las posibilidades de cada uno ante lo que ocurre, muchas veces alguna injusticia, son también puestos en el microscopio. La serie marcha con inteligencia la distancia entre lo deseado y lo posible.

The Pitt, entonces, tiene una galería de criaturas notables. Desde la gran jefa de enfermeras Dana (Katherine LaNasa), un motor, una mujer gastada por un trabajo arduo que funciona como reflejo de las injusticias que se narran, hasta cada uno de los médicos y practicantes: Langdom (Patrick Ball) y su lucha con la adicción y el desprecio de su jefe y ejemplo a seguir, Samira (Supriya Ganesh) y sus dudas profesionales, Cassie (Fiona Dourif) y la canalización de sus dramas a través de esa sala de urgencia, King (Taylor Dearden) y sus inseguridades relacionadas con su propia condición, Santos (Isa Briones) y su ironía molesta, Whitaker (Gerran Howell) y la mirada social sobre su rol, Javadi (Shabana Azeez) y los dilemas de ser una nepo-girl de la que muchos esperan cosas que tal vez ella no espera de sí misma.

Pero claro que por sobre todos, Wyle como el implacable doctor “Robby”. Un profesional de reputación probadísima, alguien con las credenciales suficientes para llevar adelante a este grupo de médicos y aspirantes, pero también con una crisis existencial que surge desde la imposibilidad del control absoluto que desea tener sobre todo. “Robby” imparte saberes, pero también castigos; puede ser durísimo y extenso en los reproches, y demasiado seco y corto para las felicitaciones. Personaje emocionante y verdadero espíritu de la serie, que emociona además por la disposición de Wyle a interpretarlo con una dosis de aplomo y sabiduría infrecuente en estos tiempos de excesos de gestualidad. Y emociona sobre todo por entender que entre ER y The Pitt la carrera de Wyle no fue un dechado de virtudes. Que el actor haya encontrado en su madurez interpretativa este personaje espectacular no es azaroso, es una búsqueda autoconsciente y un rapto de sabiduría. La última escena del último capítulo de la última temporada es una muestra de la forma en que actor y personaje se han integrado en uno solo.

El loop temporal, o bucle temporal (uso loop porque bucle se me hace un término más de peluquería) es uno de los elementos más utilizados en la ciencia ficción contemporánea, aunque ha echado raíces en diversos géneros que van de la comedia al terror o el policial. ¿A qué llamamos loop temporal? A esas películas en las que un personaje, por algún motivo mágico que puede o no ser explicado, vive una y otra vez el mismo día. Recurso que la ficción utiliza en ocasiones como método evangelizador para que el personaje aprenda algo, pero que en otros es apenas un vehículo lúdico para poner en movimiento la narración.

Seguramente cuando muchos piensen en la relación de loop temporal con el cine, arribarán a la misma conclusión: Hechizo del tiempo. La película de Harold Ramis de 1993 es un clásico moderno del cine, una comedia en la que un meteorólogo con el semblante de Bill Murray vive una y otra vez el mismo día, en este caso el más abrumador y tedioso. Claro, habrá un aprendizaje; claro, el protagonista descubrirá cómo sacarle provecho a la situación.

Hechizo del tiempo, también conocida como Día de la marmota, es estudiada hasta por filósofos y es considerada además como la que originó el recurso del loop temporal, aunque esto no sea estrictamente cierto. Hay toda una bibliografía sobre animé y producciones asiáticas que ya usaban el recurso, además de un film de 1987, Christmas every day, que ponía a su protagonista a repetir el día de Navidad hasta aprender el verdadero sentido de la vida. Como verán, la moralina es parte fundamental del subgénero.

Lo cierto es que hoy por hoy cuando una historia recurre al loop temporal, enseguida gritamos “¡Hechizo del tiempo!”. Por ejemplo esta semana se estrenó en los cines, y de alguna manera dio origen a este texto, Buena suerte, diviértete, no mueras, la película de Gore Verbinski que parte de un viajero en el tiempo que asegura estar viviendo por 117ª vez ese mismo día, con el objetivo de finalmente organizar el equipo que derrote a una IA por lanzarse y que llevó todo al apocalipsis. La curiosidad aquí es que si bien se sobreentiende que el protagonista vivió una y otra vez el mismo día, solo lo conocemos en una única jornada.

Al filo del mañana (2014) es una adaptación de una obra japonesa, que casualmente este año tuvo una adaptación al animé (Solo necesitas matar). Tom Cruise interpreta a un militar que despierta una y otra vez en el día donde fue asesinado en el campo de batalla por unos extraterrestres malos-malos. Pero todo comienza a cambiar cuando conoce a un superior interpretada por Emily Blunt, lo que lo vuelve obsesivo con las estrategias para tratar de derrotar a esos bicharracos. Es un gran relato de acción y ciencia ficción, pero es sobre todo una gran historia de amor. Disponible en HBO Max.

En Un día más para morir (2021) un oficial retirado de las fuerzas especiales es obligado a vivir una y otra vez el día de su muerte. Si algo tiene la película a su favor es su honesto espíritu de clase B, algo que le sienta perfecto al protagonista Frank Grillo y que sirve de vehículo para que Mel Gibson se divierta de lo lindo como el villano. El director es Joe Carnahan, alguien no muy habituado a este tipo de relatos más lúdicos. Sin embargo debe ser la películas más divertida que hizo hasta la fecha. Disponible en Netflix.

Otra película que usa el recursos del loop desde el thriller tecnológico es 8 minutos antes de morir (2011), en la que un militar participa en un experimento que le permite habitar el cuerpo de la víctima de un atentado ferroviario minutos antes de la explosión con el objetivo de descubrir al terrorista. Dirigida por Duncan Jones y protagonizada por Jake Gyllenhaal, además del magnetismo propio del policial ambientado en un tren, tiene como valor extra el hecho de que impensadamente se convierte en una defensa de la eutanasia y la posibilidad de las personas de decidir su destino. Disponible en Prime Video.

Palm Springs (2020) dirigida por Max Barbakow y protagonizada por Andy Samberg y Cristin Milioti, este film es como un regreso a Hechizo del tiempo, otra comedia romántica ambientada en un loop temporal. Aquí los protagonistas, Nyles y Sarah, quedan atrapados en un bucle dentro de una boda, por lo que deben vivir una y otra vez esa fiesta. Si bien hay material, y del bueno, para la comedia, lo cierto es que este film avanza hacia un costado más melancólico, sobre el amor y la soledad y el destino y quedarse aferrados a un no lugar. Una gran representante del subgénero. Disponible en Disney+.

Si usted estimado lector es más fanático de series que de películas, sepa que el recurso también se aplica a ese formato. Es posible que la más famosa sea Muñeca rusa (2019-2022), la serie creada y protagonizado por Natasha Lyonne, quien interpreta a una mujer que muere la noche en que celebra su cumpleaños número 36 para despertar una y otra vez frente a un espejo. Son dos temporadas, la primera es realmente ocurrente y graciosa, con ese nihilismo que maneja tan bien la Lyonne, una actriz que encontró aquí un personaje perfecto, y con la ciudad como gran protagonista. La segunda temporada luce más cara y sobreproducida, pero es tan aburrida que avala eso que dicen de las segundas partes. Disponible en Netflix.