Esta semana se cumplieron 41 años del estreno de Esperando la carroza, que el 6 de mayo de 1985 comenzó un camino en las salas que derivó en algo impensado: un fenómeno popular que cuatro décadas después se mantiene firme en la memoria colectiva de los argentinos. Ya sea por sus frases recordadas, por sus personajes, por escenas, lo cierto es que Esperando la carroza es un hito indiscutido, convirtiéndose en referencia incluso de generaciones muy posteriores. Esa posteridad que hoy se convierte en meme, GIF, sticker y cuanto elemento de la contemporaneidad conduzca al humor y al guiño cómplice que alcanza con solo mencionar una línea de diálogo para que todos sepamos de qué estamos hablando.

Inspirado en una obra de teatro uruguaya de 1962 escrita por Jacobo Langsner y producida por la Comedia Nacional de Uruguay, el film dirigido por Alejandro Doria se erigió desde el vamos como un grotesco pasado de rosca que miraba de frente, en los albores de la nueva democracia, a esa sociedad argentina de los años de la dictadura. Sin ningún tipo de sutileza, hay que decirlo (también debo decir que no comparto el amor por esta película), la comedia sobre una familia -los Musicardi- que a partir de la desaparición de la abuela entra en estado de shock, se ha convertido en una suerte de sinónimo de una noción un poco desbordada de lo nacional, o de lo que los argentinos creen de sí mismos.

Hay que decir que Esperando la carroza ya había tenido una representación en la televisión nacional con el ciclo Alta comedia. Allá por 1973, la obra de teatro había sido llevada a la pantalla chica también con dirección de Doria y con un elenco integrado por la mismísima China Zorrilla, pero con Pepe Soriano, Raúl Rossi, Dora Baret, Alberto Argibay, Lita Soriano, Alicia Berdaxagar, Marta Gam y Hedy Crilla. Curiosidad, Soriano interpretó a la abuela en esa comedia negrísima La Nona, antecedente bastante claro de Esperando la carroza.

La versión cinematográfica de 1985 contaba en su elenco con una suma de caras muy conocidas y algunos intérpretes que estaban comenzando a serlo. Desde Luis Brandoni, a China Zorrilla, Juan Manuel Tenuta o Lidia Catalano, a Antonio Gasalla, Betiana Blum, Enrique Pinti o Darío Grandinetti, entre muchos otros. Tal vez no haya en la historia del cine argentino una película que cuente en su elenco con tantas caras conocidas. Pero lo verdaderamente cierto es que el film no fue muy exitoso al momento de su estreno y, por ejemplo, se lo pudo ver a Gasalla durante varios sábados haciendo el personaje en el programa Badía y compañía como una forma de promocionarlo. No fue hasta su edición en VHS y su exhibición constante en televisión, que la película se convirtió en el fenómeno que hoy conocemos.

Para Gasalla, que tenía una carrera extendida en el teatro (con algún paso por el cine como La tregua), el personaje fue una verdadera explosión. Y, hay que decirlo, es el único que está contenido en una película que tiende a estar dos o tres tonos arriba de lo requerido. Sin embargo, en primera instancia Doria le ofreció el personaje a Niní Marshall, pero esta lo rechazó y ahí derivó en el popular cómico, que ya venía haciendo de una vieja similar en el teatro. Seguramente la decisión más feliz del director fue que la abuela tenga más participación que solo los últimos minutos que le destinaba la obra de Langsner. “El propuso ponerla en la vereda de enfrente, que vea desde ahí las situaciones y que participe más”, contó Gasalla durante una entrevista.

Tal fue el nivel de popularidad que logró Gasalla con esa caracterización, que luego reinterpretaría al personaje en sus diferentes envíos televisivos y hasta sería invitado constante al programa de Susana Giménez, donde intervino como “La abuela” durante más de una década.

Obviamente de la película se recuerdan sus frases y siempre se encuentra la forma de meter en una reunión familiar o de amigos aquello de “yo hago ravioles, ella hace ravioles”. De hecho la reciente muerte de Luis Brandoni fue otra vez motivo para que se lo recuerdo con las “tres empanadas”, algo que al actor posiblemente no le hubiera hecho demasiada gracia ya que estaba un poco cansado de la referencia. Lo curioso es que según el anecdotario de la película, cuando se rodó y Brandoni tiró la frase, no causó la más mínima gracia y fue vivido como un momento dramático. Fue tan solo con las primeras exhibiciones que se escucharon las risas y el público empezó a repetir aquello.

Otro detalle curioso de Esperando la carroza es que hasta sus locaciones se volvieron icónicas para los fanáticos. Los principales hechos de la película transcurren en una típica casa chorizo de Echenagucía 1232, en el barrio de Versalles. La casa fue declarada Patrimonio Cultural de la Ciudad de Buenos Aires en 2011, pero los dueños tuvieron que sacarle el timbre por las constantes visitas de quienes querían recrear las escenas de la película y conocer el lugar. Todo esto queda muy bien retratado en el documental Carroceros de Mariano Frigerio y Denise Urfeig (disponible en Flow), que muestra cómo se ha montado todo un mercado fetichista de fans que hasta contratan tours turísticos para visitar las locaciones.

Si Esperando la carroza logró lo que muy pocas películas argentinas en su historia, convertirse en un film de culto que trascienda generaciones, la tentación de una secuela estaba siempre en el tapete. Y eso sucedió en 2008, bajo la dirección de Gabriel Condrom. Como no me gusta Esperando la carroza no voy a decir que la secuela es mucho peor, pero lo cierto es que pretende empatar su hilo sociológico hablando un poco de los 90’s sin alcanzar el mismo nivel de acierto iconográfico y acercando su humor al de las comedias de Gerardo Sofovich. Esperando la carroza 2 no contó con muchos de los del elenco original (entre ellos los indispensables China Zorrilla y Antonio Gasalla) y quienes fueron de la partida, lo lamentaron. Como Brandoni, que reconocería durante una conferencia de prensa por el reestreno en cines de la original que la secuela era “mala, no era coherente con la historia, resultó siendo mala”.

Otro ejemplo más de que la nostalgia no es un buen punto de inicio para emprender nada: “Qué miseria che”.

GARY (especial) dirigido por Christopher Storer, con Ebon Moss-Bachrach, Jon Bernthal, Gillian Jacobs. En Disney+.

-Mientras se nos confirma que la quinta temporada de El oso, que llegará en junio, será la última, Disney+ lanzó sin hacer mucho ruido este episodio especial, centrado en un flashback que indaga en la dinámica de la relación del querido primo Richie con Mikey Berzatto, el hermano que siempre funciona como una sombra sobre el resto de la familia. Básicamente los sigue en un viaje a la ciudad de Gary, donde tienen que realizar una tarea para el tío Jimmy. Eso es una excusa, en verdad, para que Storer retome formas y modos de la serie, con esos diálogos intensos y esa puesta de cámara bien cercana a los personajes. Hay un leve hilo narrativo y una relación que se constituye desde cierto código interno de violencia verbal, que en determinado momento se corta cuando la cosa se vuelve demasiado personal. Bien interpretado, bien narrado, Gary nos muestra algo del esquivo y problemático Mikey y profundiza en esa personalidad explosiva de Richie. Casi una muestra gratis o un episodio menor de El oso.

MARGO TIENE PROBLEMAS DE DINERO (serie) creada por David E. Kelley, con Elle Fanning, Nick Offerman, Michelle Pfeiffer. En AppleTV.

-Esta serie creada por el experimentado Kelly se suma a otras del estilo que integran el catálogo de AppleTV, dramedias nobles de gente rota que decide no sumarse a la caravana de cínicos contemporáneos. Aquí el centro es Margo, joven que se hace cargo de un niño no buscado y de un progenitor abandónico, mientras reconstruye su familia integrada por una madre con la que se lleva mal y un padre, con el que se lleva bien pero al que hace años que no ve. La serie se edifica desde lo estrafalario (la madre es una vendedora medio grasa, el padre una figura del catch en decadencia) para poner una mirada tierna sobre un grupo de personajes rotos que desean ser mejores. Con mucho humor, con momentos dramáticos que no empañan el asunto, Margo tiene problemas de dinero tiene además un gran elenco y una decisión evidente: correrse del prejuicio y aceptar a sus personajes como son. Bienvenida.

APEX (película) dirigida por Baltasar Kormákur, con Charlize Theron, Taron Egerton, Eric Bana. En Netflix.

-El prólogo es una muestra gratis de lo que vendrá. Una tragedia en las alturas filmada con criterio a la hora de construir climas y tensión. Luego, una aventura: la mujer del comienzo, ahora sola, vagando por Australia en una viaje de expiación personal. Y ahí comienzas los problemas, cuando la mujer (Theron) se cruce con un personaje (Egerton) que más pronto que tarde mostrará la hilacha: más que un simpático guía es un asesino despiadado que goza con hacer sufrir a sus víctima. Apex, entonces, es un relato de supervivencia adentro de un juego de gato y ratón. El film es pequeño, lo que no sígnica lo mismo que malo: Theron es una gran protagonista que sabe actuar desde lo físico, Egerton disfruta de estos personajes torturados y siniestros, y Kormákur (el de Bestia y Everest) filma muy bien el suspenso y la tensión en el entorno natural. Un thriller sólido, una película como las que antes llegaban a los cines y ahora apenas se estrenan en plataformas. Corta y eficaz.

BRONCA (miniserie) creada por Lee Sung Jin, con Oscar Isaac, Carey Mulligan, Cailee Spaeny. En Netflix.

-Esta serie antológica vuelve con otra de esas historias donde el azar juega su parte y todo se vuelve bastante turbio. Ahora estamos en un club exclusivo, donde sus encargados (la típica pareja de ricachones con problemas de alcoba) tienen una pelea que es observada por dos empleados del lugar. En verdad ven un recorte de la discusión, pero eso les sirve para crear un juicio. Ese mínimo episodio, básicamente, servirá para que las cosas escalen y se vuelvan descontroladas, mientras la serie aprovecha la locura generalizada para hacer una lectura sociológica acerca de muchas de las taras del presente, aquí las diferencias de clase, los juicios de valor construidos en la nada y las miserias de ricos y pobres. A Bronca la puede la ecuanimidad, a veces forzando las situaciones. Ese es su principal inconveniente, aunque también uno de los motivos de su éxito.

LA HUELLA DEL ORO (miniserie) creada y dirigida por Daniel Duche. En HBO Max.

-Esta producción animada argentina se ha convertido en un suceso, impensado -sólo- si pensamos en su origen y aceptamos que la animación nacional no tiene por ahora la trascendencia que podría tener. Lo cierto es que este relato fantástico que sigue a un mercenario en lucha contra criaturas de todas las dimensiones y formas posibles, es en primera instancia una construcción narrativa que funciona en su propia lógica y muy especialmente un diseño visual que impacta y se impone. Podríamos decir que la leve narración se sostiene desde lo gráfico, desde esas peleas tremebundas que siempre encuentran alguna invención para crear imágenes potentes. La huella del oro no solo funciona, sino que además muestra un camino posible para la animación nacional.  

Hace más de una década que las plataformas de streaming son una amenaza para las salas de cine, incluso mucho más de lo que representaron en su momento el VHS o el DVD. Las plataformas otorgaron una sensación de saciedad audiovisual que fue alejando de los cines a mucho público, agotando las posibilidades de varios géneros en la pantalla grande: policiales, dramas, comedias, comedias románticas y el cine de autor sobreviven hoy casi exclusivamente en los dispositivos hogareños, mientras la salida al cine parece quedar reservada a películas evento o grandes producciones. A su propia potencia (catálogos amplios, estrenos con estrellas, variedad de géneros), las plataformas contaron con un aliado impensado: la pandemia, que sirvió para convencer de la comodidad de la reclusión hogareña y resignificar el criterio con el que se consume cultura. En tiempos de sobre-estímulo y glorificación de la “experiencia”, sentarse en una sala oscura frente a una película que nos demanda exclusiva atención no parece la mejor “experiencia”. Entonces el cine, como industria, se desangra.

Con ese espíritu, las salas sobreviven con los tres o cuatro éxitos del año, mientras películas por fuera del radar naufragan con números cada vez más flacos de taquilla. Por eso, el éxito que viene acompañando a Michael, la biografía de Michael Jackson, y recientemente a El diablo viste a la moda 2, representa no solo un soplo de aire fresco para la industria, sino además un gesto que recupera para un sector de la población la magia del ritual de ir al cine. Para ser concretos, desde la pandemia, los sectores de adultos y adultos mayores son los que más dejaron de ir a las salas, lo que termina repercutiendo en qué tipo de propuestas tienen la posibilidad de estreno.

Según un artículo publicado en la web Nofilmschool.com, durante 2025 en Estados Unidos el 67% de personas entre 18 y 29 años habían ido al cine, mientras que solo un 39% de mayores de 65 lo habían hecho. Precisamente, esa porción de espectadores es la que habitualmente consumía películas de presupuesto medio. Pero el problema es global: en España, por ejemplo, observaron esta misma situación y en 2024 se aplicó un programa denominado Cine Sénior, por medio del cual mayores de 65 años podían concurrir al cine los martes abonando una entrada de apenas 2 euros. El resultado fue que ese año concurrieron un 82% más de espectadores en ese rango etario, a la vez que el martes se convirtió en el tercer mejor día de convocatoria en las salas.

Si bien la merma de espectadores es un tema general y atraviesa a todos los públicos (en Argentina en los primeros tres meses de 2026 se cortaron 900.000 tickets menos que en el mismo período de 2025, según cifras de Ultracine), en ese sentido la taquilla se mueve en ocasiones al vaivén del interés que generan los tanques. Sin embargo con el público adulto la ecuación es diferente, porque ya no se trata de interés en los estrenos, sino básicamente en un cambio en la forma de consumo. Es un público que parece esperar el arribo de las películas a la comodidad de su hogar, y eso puede estar atravesado por varios motivos, que incluyen hasta aspectos sociales que exceden a la industria audiovisual. Un problema mayúsculo para el cine nacional, que tiene en el público adulto / adulto mayor a su espectador potencial. En estos seis años solo Homo Argentum parece haber reunido los elementos suficientes como para recuperar a ese público.

Cuando comenzó el año, se decía que este 2026 era un año clave para la industria, ya que arribarían a las salas muchos tanques de esos que deberían convocar multitudes, algo que no funcionó del todo en 2025. Sin embargo se están dando algunos fenómenos tal vez impensados y que vienen movilizando a esos sectores de la platea que parecían dormidos o imposible de arrastrar a las salas. Uno de esos ejemplos es Michael, el film de Antoine Fuqua que retrata un segmento de la vida de Michael Jackson. La película tuvo un debut monstruoso, con 97 millones de dólares de recaudación en Estados Unidos y otros 210 millones a nivel global durante su fin de semana de estreno.

Con estos números, Michael se convirtió entonces en el mejor debut para una película biográfica, pero además en el mejor arranque del año para una película original, que no pertenece a una franquicia. Sin embargo, el dato más alentador es que si bien acercó una audiencia variada, su público estuvo compuesto en un 50% por espectadores mayores a los 35 años, una cifra que recupera la presencia de público adulto.

Y la tendencia parece sostenerse con el reciente estreno de El diablo viste a la moda 2, que superó los 50 millones de dólares en sus funciones de preestreno en todo el mundo y superando ampliamente los 110 millones en su primer fin de semana. Si bien el éxito de la película protagonizada por Meryl Streep y Anne Hathaw estaba descontado, lo cierto es que tenía que revalidar las expectativas. En este contexto, el dato más atractivo es otra vez el regreso de espectadores adultos: según cifras recolectadas por el sitio especializado Deadline.com, del total de espectadores el 36% eran mayores de 45 años y el 22%, de mayores de 55.

Habrá que ver si estos números se mantienen o se trata solo de una operación nostálgica de una generación que va al cine a ver solo aquello que los compromete sentimentalmente: las canciones de Michael Jackson, la secuela de una película de hace dos décadas. Este año el cine para adultos tiene algunas apuestas significativas con la adaptación de La odisea a cargo de Christopher Nolan o la vuelta de Steven Spielberg a la ciencia ficción con Disclosure Day. Que la tendencia continúe y que ir al cine vuelva a ser un ritual para el gran público.

EL DIABLO VISTE A LA MODA 2 (película) dirigida por David Frankel, con Meryl Streep, Anne Hathaway, Stanley Tucci. En cines.

-A veinte años de la primera entrega, esta secuela de El diablo viste a la moda desarma inmediatamente todos los prejuicios del espectador: lejos de la frivolidad de los vestuarios y la opulencia con la que se promociona, esta comedia dramática se centra desde sus primeros minutos en el mundo del trabajo, el periodismo y los cambios de época que vuelven a los personajes unos verdaderos dinosaurios. En ese sentido, el film es fiel reflejo de la obra de Frankel, director que tras superficies de amabilidad y simpleza sabe trasuntar algunas dosis de amargura (bien lo sabe el personaje de Owen Wilson en la sorprendente Marley y yo). En definitiva, que los personajes (regresan los cuatro principales) se vuelven a reunir mientras la extinción de los medios gráficos y las fusiones empresariales, que siempre dejan en declive a las ideas por sobre el negocio, pesan sobre sus espaldas. El diablo viste a la moda 2 se anima a reflexionar sobre algunos de estos asuntos del presente, más allá de que su final sea optimista aunque no cínico: los personajes saben que su triunfo es pírrico y momentáneo, pero no los exime de disfrutar. Obviamente, están todos simpatiquísimos y Hathaway y Streep están perfectas.

MICHAEL (película) dirigida por Antoine Fuqua, con Jaafar Jackson, Nia Long, Colman Domingo. En cines.

-Producida por la misma gente que hizo Rapsodia bohemia, esta película copia hasta el hartazgo su estructura de biografía lavada, incluso recursos dramáticos que parecen ser un guiño: el cameo de Mike Myers en un rol similar, la recreación final de un concierto. Michael Jackson es uno de los artistas más grandes de la historia y la preocupación de muchos respecto de qué detalles escabrosos de su intimidad se contarán, queda descartada desde el inicio: sus hermanos son productores, su sobrino es quien lo interpreta. Es decir, Michael es un relato familiar, en doble sentido. Familiar, porque son los seres cercanos los que cuentan la historia de Jackson, y familiar porque todo lo que pasa en la pantalla ya lo vimos en otras biografías. El discreto artesano que es Fuqua muestra poca inventiva para lo musical, y apenas nos quedan un puñado de canciones inmortales y la excelente recreación que hace Jaafar de su tío Michael. Nada nuevo bajo el sol.

YIYA MURANO: MUERTE A LA HORA DEL TÉ (película) dirigida por Alejandro Hartmann, con testimonios de Chiche Gelblung, Jorge Ávalos, Osvaldo Bazán. En Netflix.

-Con experiencia en documentales sobre casos policiales icónicos de la criminología argentina, Hartmann se mete con -tal vez- el caso más popular. Pero no solo eso: también el caso que derivó en un universo kitsch, que en ocasiones olvida que detrás de la absurda Yiya hay varias víctimas. Pero lo que diferencia a Hartmann de otros directores dentro de este registro, es que se nota que es un director de cine y no un mero escenógrafo de morbos. El documental es interesante y relata los crímenes de Murano con precisión, mientras se van cocinando otros asuntos: ¿por qué el caso derivó en una suerte de chacota generalizada? ¿Cuál era el poder de seducción del personaje? ¿Qué pasa con las víctimas en ese contexto? Hartmann se hace las preguntas adecuadas, aunque puede que algunos asuntos lleguen un poco tarde y no se terminen de resolver del todo. Más allá de eso, Yiya Murano: muerte a la hora del té es un documental bien narrado, con los testimonios justos y con unas dramatizaciones que, por una vez, sí suman al conjunto.

RISA Y LA CABINA DEL VIENTO (película) dirigida por Juan Cabral, con Diego Peretti, Cazzu, Joaquín Furriel.

-En un pueblo argentino una cabina telefónica convoca a sus habitantes. En ese lugar, por esa línea, la gente logra comunicarse con los muertos. Allí estará nuestra joven heroína, entonces, dispuesta a resolver algunos asuntos. La película de Cabral, ganadora de premios en el último Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, es una producción que se diferencia del resto del cine nacional contemporáneo por una sumatoria de decisiones felices y poco habituales. Lo que sobresale es el elemento fantástico, que está notablemente utilizado porque funciona como soporte genérico pero además se aplica con precisión al conflicto de los protagonistas. Risa y la cabina del viento, además, suma una actuación infantil sobresaliente, un tono costumbrista que no se excede en demagogias y un toque autóctono que le aporta identidad sin caer en lo subrayado. Aunque opte por caminos diferentes, hace acordar en cierta medida al cine de Shyamalan por la manera en que logra relacionar lo fantástico con cuestiones sociales y terrenales.

NOCHE DE PIZZA (película) dirigida por Nick Kocher y Brian McElhaney, con Gaten Matarazzo, Sean Giambrone, Lulu Wilson. En Disney+.

-Esta comedia es una de las sorpresitas del año. Dos perdedores, de esos que son maltratados por todos sus compañeros, vivirán una verdadera aventura cuando consuman una droga y bajar dos pisos para atender el delivery se vuelva misión imposible debido a las consecuencias alucinógenas de la sustancia. Comedia en el sentido más estricto del género, esta película es sumamente imaginativa y recupera la capacidad del género para convertir lo físico en un chiste potencial. Casi a contracorriente del cine del presente, se permite hacer chistes con todo lo que se le cruza e incluso más, porque sus ideas atraviesan los márgenes hasta del propio verosímil. Noche de pizza es libre y se abraza a un espíritu lúdico que creíamos perdido. Y nos demuestra que este Matarazzo puede ser algo más que el de gorrita de Stranger things.

Si bien en sus inicios Alejandro Hartmann dirigió un documental sobre la Generación Dorada y la crisis que enfrentó ese grupo de basquetbolistas una vez que fueron dejando la práctica activa del deporte, con el tiempo se convirtió en un director especializado en ese subgénero conocido como true crime. Fue primero con Carmel, la serie documental que abordó el asesinato de María Marta García Belsunce y que fue un verdadero hit. Luego vinieron documentales sobre José Luis Cabezas, Nahir Galarza, los hermanos Menéndez y -ahora- “Yiya” Murano. Pero lejos de quedarse en el simple morbo que el relato de estos casos policiales populares genera, el realizador va más profundo: “Me interesa el policial como un disparador para reflexionar sobre la sociedad”.

Tras el estreno del documental Yiya Murano: muerte a la hora del té, que está disponible en la plataforma Netflix luego de su paso por el BAFICI, charlamos con el directo en el marco del programa Modo Regreso por Radio Mitre Mar del Plata. “Lo que más me interesó en Carmel fue la reacción social y el tratamiento mediático. Eso se relaciona con un cine más social o político que ya venía haciendo. Entendí que los casos policiales son un espacio donde se juegan muchas cosas: la justicia, los medios, las relaciones sociales y familiares”, comentó al recordar aquella exitosa serie y el inicio de un camino por el centro de la criminología aplicada al cine.

Hartmann se mete con casos populares sobre los que hay mucha documentación (y adelanta que en el futuro puede haber alguna nueva producción dentro del subgénero). Sin embargo, como en el caso de Yiya Murano, consideró que el horizonte no tenía que ser forzadamente presentar de vista original o novedoso, porque entiende que “hay mucha gente que conoce la historia, pero también hay mucha gente joven que no la conoce o, con suerte, ubica el nombre”. Entonces, su objetivo fue apuntar a “distintos públicos”.

-Imagino que uno de los desafíos fue reunir todo el material judicial, policial y televisivo. ¿Cómo fue ese trabajo?Además conseguir testimonios de gente que la hubiera conocido en aquella época. Nos abocamos primero a buscar el expediente, relevar qué materiales había, identificar a quienes la conocieron y ver qué registros existían, como fotos, archivos, etcétera. La idea fue reconstruir quién fue este personaje tan particular y controversial.

-¿Cómo fue la selección de los entrevistados? Hay periodistas, investigadores y también aparece su hijo, Martín Murano.Siempre trato de que los entrevistados tengan una relación real con la historia. A veces puede haber expertos, pero en este caso casi todos, salvo quizás una economista que aparece en un momento puntual, tuvieron algún vínculo con ella, aunque fuera mínimo. Ese fue el criterio.

-¿Y cómo fue el contacto con Martín Murano? ¿Se dio fácilmente su participación?No fue sencillo, porque él vivió esta historia en carne propia y con mucho dolor. Tuvimos que hablar mucho, reunirnos varias veces. Desde el primer momento tuvo ganas de participar y se puso a disposición, pero fue un proceso largo de construcción de confianza y de entendimiento mutuo.

-Martín es una figura central en el documental, pero hacia el final su mirada también se pone en tensión. ¿Cómo trabajaron eso y cómo lo tomó él?Es una persona muy sensible, muy inteligente y con gran capacidad de autoanálisis. Entendió hacia dónde íbamos y confió mucho en mí. Creo que se siente representado por la película. Hay cosas con las que está más de acuerdo y otras menos, pero en líneas generales quedó contento y su devolución fue muy buena.

-En casos así, con personas tan involucradas, ¿se consensúa el resultado final o el documental tiene libertad total?Yo trato de tener libertad, pero también tengo un compromiso con quienes participan. Ellos deciden contar su historia en un documental mío, y eso implica una responsabilidad enorme, sobre todo cuando han vivido situaciones traumáticas. No les muestro el corte para pedir permiso, pero sí intento ser lo más ético posible.

Quién iba a pensar que una serie sobre médicos, casi un subgénero de la televisión con ejemplos que han llevado el formato al agotamiento, nos iba a generar tal nivel de adicción y fanatismo. Con la segunda temporada recién terminada el pasado jueves en la plataforma HBO Max, podemos asegurar tras esta nueva tanda de episodios que The Pitt es la serie del momento. Ganadora de todos los premios con su primera temporada, los nuevos capítulos llegaron no solo para confirmar todos sus aciertos, sino también para redoblar las apuestas y ganar con una confianza encomiable.

Desde su premisa, The Pitt parece algo absolutamente trillado: sigue la vida cotidiana de un grupo de médicos que trabajan en la sala de emergencia de un hospital público, en este caso en Pittsburgh, y de ahí la doble lectura que propone su título, The Pitt, como diminutivo cariñoso de una ciudad pero también entendido como su homógrafo The Pitt (La Fosa en la traducción), según acepción irónica. En ese doble juego, la serie encuentra una red: primero la ciudad, la identidad, la lógica de un espacio determinado con su respiración propia, y a la vez ese caos que contamina cada rincón del hospital y las vidas de los protagonistas.

El nacimiento de The Pitt es casi de carácter espurio y haría dudar a cualquiera. El productor y protagonista Noah Wyle acumuló múltiples anécdotas de tiempos de la pandemia que le acercaban conocidos y personas que lo cruzaban en redes. Wyle, aquí como el enorme jefe de la guardia Michael “Robby” Robinavitch, pero antes popularmente conocido como el John Carter de ER, tal vez la más emblemática serie sobre médicos, creación de Michael Crichton de la que muchos tomaron prestadas un montón de cosas. Incluida esta The Pitt, que Wyle pensó como continuación espiritual de aquella, pero que no pudo empatar por asuntos relacionados con los derechos. Sin embargo nada frenó el ímpetu del actor, que se reunió con dos conocidos de ER como R. Scott Gemmill y John Wells, ambos productores de aquella y nuevamente cumpliendo diversos roles en esta. Posiblemente ese fracaso haya sido el origen del verdadero éxito de la serie.

Pero qué hace diferente a The Pitt sobre otras series del estilo, que también cuentan casos médicos, algunos inusitados, intercalados con las vidas de los médicos y enfermeros. Básicamente una sumatoria de decisiones inteligentes que son una síntesis de elementos creativos y otros más pragmáticos, que encuentran como síntesis de su perfección una puesta en escena coreográfica, en la que personajes de reparto y extras operan como un coro que actúa en el mismo nivel de intensidad que lo que vemos en el primer plano. Sin necesidad de alardes tecnológicos, podríamos decir que The Pitt es una serie en 3D, donde algunos elementos toman relieve y sobresalen de la pantalla mientras la vida sucede en la profundidad de campo. Y todo pensado para el micromundo de la pantalla televisiva.

The Pitt logra algo que no muchas series alcanzan, de ahí su genialidad. Que es por un lado construir un vehículo para el lucimiento de sus intérpretes -lo que funciona en un público que celebra a los actores por sobre todo-, a la vez que se edifica sobre una puesta en escena sofisticada que acerca al público más formalista. Y mientras todo esto sucede en paralelo, la representación realista de su entorno también seduce a quienes buscan esa dosis de verismo. Sin embargo The Pitt esquiva hábilmente la tentación de la solemnidad y el ponerse seria sobre temas importantes, para descomprimir con lunáticos pasos de comedia, que son más una reacción nerviosa ante situaciones que superan tanto a los espectadores como a los personajes, como así también en diálogos escritos con enorme precisión, que se recuestan en un elenco que sabe decir esas líneas con una sabiduría que parece provenir de sus propias experiencias humanas antes de que las manos de un equipo de guionistas.

Hablamos de la puesta en escena, pero la misma no se queda en el mero exhibicionismo de formalismo, sino en una estructura que resulta finalmente indispensable para el andamiaje narrativo. Cada temporada se plantea como la recreación de un turno de 15 horas, a razón de un episodio por hora. Claro que esa simulación del tiempo real tiene sus elipsis, pero eso no impide que toda la temporada se sostenga en un nivel de tensión inusitado, siempre explotado por la vía de algún suceso externo que pone los nervios de los personajes en constante tensión. Hay claros elementos ficcionales que se aprovechan de la acumulación como músculo, pero la simulación del tiempo real más la utilización de casos médicos verídicos que se imponen más por lo dramático que por lo espectacular, hacen de The Pitt una experiencia fascinante que nunca se agota.

Otro acierto de esa puesta en escena es la fragmentación. La galería de personajes es tan extensa, que la serie se permite entrar y salir de cada uno, sin que ninguna subrama se sienta estirada o perezosa. Tal vez un gesto que nos hace ruido sobre un personaje se retoma varios episodios después. Pero lo verdaderamente notable es cómo construye esos universos desde gestos mínimos, desde pequeños conflictos. Que lo que veamos de cada personaje sean tan solo esas quince horas de un solo día, también suma al misterio de criaturas que van progresando a medida que avanza esa jornada. Lo que conocemos es solamente su trabajo y cómo son en su trabajo. The Pitt es la serie definitiva sobre ser profesional y estar convencido o no de lo que se hace, en una actividad que hace de la duda un calvario, como bien lo sabe el doctor “Robby”.

Así como los conflictos de los personajes entran y salen, también lo hacen los temas importantes. En estas dos temporada, The Pitt ha mechado apuntes sobre el estado de la salud pública en Estados Unidos, de la represión gubernamental sobre la inmigración, de la violencia de género, de la falencia de las políticas de salud mental, de los problemas económicos de jóvenes médicos, del drama de carecer de un seguro de salud, de los dilemas que plantea el uso de las nuevas tecnologías y un largo etcétera. Pero The Pitt nunca se detiene, avanza sin parar y utiliza esos elementos como contexto, como una forma de decir estamos hablando de esto aquí y ahora, pero lo que nos importan son las vidas de este grupo de personajes y su responsabilidad ante el mundo que administran. Los límites y las posibilidades de cada uno ante lo que ocurre, muchas veces alguna injusticia, son también puestos en el microscopio. La serie marcha con inteligencia la distancia entre lo deseado y lo posible.

The Pitt, entonces, tiene una galería de criaturas notables. Desde la gran jefa de enfermeras Dana (Katherine LaNasa), un motor, una mujer gastada por un trabajo arduo que funciona como reflejo de las injusticias que se narran, hasta cada uno de los médicos y practicantes: Langdom (Patrick Ball) y su lucha con la adicción y el desprecio de su jefe y ejemplo a seguir, Samira (Supriya Ganesh) y sus dudas profesionales, Cassie (Fiona Dourif) y la canalización de sus dramas a través de esa sala de urgencia, King (Taylor Dearden) y sus inseguridades relacionadas con su propia condición, Santos (Isa Briones) y su ironía molesta, Whitaker (Gerran Howell) y la mirada social sobre su rol, Javadi (Shabana Azeez) y los dilemas de ser una nepo-girl de la que muchos esperan cosas que tal vez ella no espera de sí misma.

Pero claro que por sobre todos, Wyle como el implacable doctor “Robby”. Un profesional de reputación probadísima, alguien con las credenciales suficientes para llevar adelante a este grupo de médicos y aspirantes, pero también con una crisis existencial que surge desde la imposibilidad del control absoluto que desea tener sobre todo. “Robby” imparte saberes, pero también castigos; puede ser durísimo y extenso en los reproches, y demasiado seco y corto para las felicitaciones. Personaje emocionante y verdadero espíritu de la serie, que emociona además por la disposición de Wyle a interpretarlo con una dosis de aplomo y sabiduría infrecuente en estos tiempos de excesos de gestualidad. Y emociona sobre todo por entender que entre ER y The Pitt la carrera de Wyle no fue un dechado de virtudes. Que el actor haya encontrado en su madurez interpretativa este personaje espectacular no es azaroso, es una búsqueda autoconsciente y un rapto de sabiduría. La última escena del último capítulo de la última temporada es una muestra de la forma en que actor y personaje se han integrado en uno solo.

El loop temporal, o bucle temporal (uso loop porque bucle se me hace un término más de peluquería) es uno de los elementos más utilizados en la ciencia ficción contemporánea, aunque ha echado raíces en diversos géneros que van de la comedia al terror o el policial. ¿A qué llamamos loop temporal? A esas películas en las que un personaje, por algún motivo mágico que puede o no ser explicado, vive una y otra vez el mismo día. Recurso que la ficción utiliza en ocasiones como método evangelizador para que el personaje aprenda algo, pero que en otros es apenas un vehículo lúdico para poner en movimiento la narración.

Seguramente cuando muchos piensen en la relación de loop temporal con el cine, arribarán a la misma conclusión: Hechizo del tiempo. La película de Harold Ramis de 1993 es un clásico moderno del cine, una comedia en la que un meteorólogo con el semblante de Bill Murray vive una y otra vez el mismo día, en este caso el más abrumador y tedioso. Claro, habrá un aprendizaje; claro, el protagonista descubrirá cómo sacarle provecho a la situación.

Hechizo del tiempo, también conocida como Día de la marmota, es estudiada hasta por filósofos y es considerada además como la que originó el recurso del loop temporal, aunque esto no sea estrictamente cierto. Hay toda una bibliografía sobre animé y producciones asiáticas que ya usaban el recurso, además de un film de 1987, Christmas every day, que ponía a su protagonista a repetir el día de Navidad hasta aprender el verdadero sentido de la vida. Como verán, la moralina es parte fundamental del subgénero.

Lo cierto es que hoy por hoy cuando una historia recurre al loop temporal, enseguida gritamos “¡Hechizo del tiempo!”. Por ejemplo esta semana se estrenó en los cines, y de alguna manera dio origen a este texto, Buena suerte, diviértete, no mueras, la película de Gore Verbinski que parte de un viajero en el tiempo que asegura estar viviendo por 117ª vez ese mismo día, con el objetivo de finalmente organizar el equipo que derrote a una IA por lanzarse y que llevó todo al apocalipsis. La curiosidad aquí es que si bien se sobreentiende que el protagonista vivió una y otra vez el mismo día, solo lo conocemos en una única jornada.

Al filo del mañana (2014) es una adaptación de una obra japonesa, que casualmente este año tuvo una adaptación al animé (Solo necesitas matar). Tom Cruise interpreta a un militar que despierta una y otra vez en el día donde fue asesinado en el campo de batalla por unos extraterrestres malos-malos. Pero todo comienza a cambiar cuando conoce a un superior interpretada por Emily Blunt, lo que lo vuelve obsesivo con las estrategias para tratar de derrotar a esos bicharracos. Es un gran relato de acción y ciencia ficción, pero es sobre todo una gran historia de amor. Disponible en HBO Max.

En Un día más para morir (2021) un oficial retirado de las fuerzas especiales es obligado a vivir una y otra vez el día de su muerte. Si algo tiene la película a su favor es su honesto espíritu de clase B, algo que le sienta perfecto al protagonista Frank Grillo y que sirve de vehículo para que Mel Gibson se divierta de lo lindo como el villano. El director es Joe Carnahan, alguien no muy habituado a este tipo de relatos más lúdicos. Sin embargo debe ser la películas más divertida que hizo hasta la fecha. Disponible en Netflix.

Otra película que usa el recursos del loop desde el thriller tecnológico es 8 minutos antes de morir (2011), en la que un militar participa en un experimento que le permite habitar el cuerpo de la víctima de un atentado ferroviario minutos antes de la explosión con el objetivo de descubrir al terrorista. Dirigida por Duncan Jones y protagonizada por Jake Gyllenhaal, además del magnetismo propio del policial ambientado en un tren, tiene como valor extra el hecho de que impensadamente se convierte en una defensa de la eutanasia y la posibilidad de las personas de decidir su destino. Disponible en Prime Video.

Palm Springs (2020) dirigida por Max Barbakow y protagonizada por Andy Samberg y Cristin Milioti, este film es como un regreso a Hechizo del tiempo, otra comedia romántica ambientada en un loop temporal. Aquí los protagonistas, Nyles y Sarah, quedan atrapados en un bucle dentro de una boda, por lo que deben vivir una y otra vez esa fiesta. Si bien hay material, y del bueno, para la comedia, lo cierto es que este film avanza hacia un costado más melancólico, sobre el amor y la soledad y el destino y quedarse aferrados a un no lugar. Una gran representante del subgénero. Disponible en Disney+.

Si usted estimado lector es más fanático de series que de películas, sepa que el recurso también se aplica a ese formato. Es posible que la más famosa sea Muñeca rusa (2019-2022), la serie creada y protagonizado por Natasha Lyonne, quien interpreta a una mujer que muere la noche en que celebra su cumpleaños número 36 para despertar una y otra vez frente a un espejo. Son dos temporadas, la primera es realmente ocurrente y graciosa, con ese nihilismo que maneja tan bien la Lyonne, una actriz que encontró aquí un personaje perfecto, y con la ciudad como gran protagonista. La segunda temporada luce más cara y sobreproducida, pero es tan aburrida que avala eso que dicen de las segundas partes. Disponible en Netflix.

TORRENTE PRESIDENTE (película) dirigida por Santiago Segura, Santiago Segura, Fernando Esteso, Jerónimo Nieto. En cines.

-Con casi tres décadas de existencia, el personaje de José Luis Torrente está un poco agotado. O bastante ya. Igual se agotó rápido, desde la segunda película que ha tenido una sobrevida excesiva: fue una gran idea, un gran concepto, que se evaporó en esa primera entrega maravillosa, donde la burla a los sectores conservadores españoles sintetizados en ese policía corrupto era brillante, punzante y grosera. A esta altura de las cosas, entonces, Torrente se ha convertido en una forma perezosa de la comedia. Eso sí, cuando acierta lo hace a lo grande, y en esta nueva entrega tiene algunos momentos desopilantes. Ya no sabemos bien de qué trabaja, pero Torrente llama la atención de operadores del partido Nox (cualquier parecido con Vox es pura coincidencia), que encuentran en ese ser embrutecido una representación de una España de tradiciones. Así que Torrente presidente se mete con el mundo de la política (con una referencia explícita a Argentina), con los de derecha, los de centro, los extremos, los de izquierda, los progres y todo lo que anda dando vueltas. A veces es efectivo e inteligente, a veces se queda en lo vulgar y repetitivo. Despareja, aunque superior a entregas anteriores.

BUENA SUERTE, DIVIÉRTETE, NO MUERAS (película) dirigida por Gore Verbinski, con Sam Rockwell, Juno Temple, Haley Lu Richardson. En cines.

-A casi una década de su última película, Verbinski vuelve a las salas con esta comedia negra de ciencia ficción sobre un hombre que dice venir del futuro, para alertarnos de los males de la Inteligencia Artificial. Los primeros minutos son fascinantes, y una serie de flashbacks que se insertan a modo de representación de ese mundo hasta el momento, son interesantes. Pero la travesía de los personajes va de la comedia al drama existencial, y los cambios de tono no le sientan bien a la película. Para colmo de males en el epílogo quiere recuperar el tono mordaz, bien elaborado hasta entonces, pero virado hacia un cinismo fatalista que convierte a esta película en ocasiones bastante ocurrente y perspicaz, en una tontería. La sostiene el elenco, especialmente el divertido Rockwell en un personaje estrafalario que le sienta perfecto.

TUS AMIGOS Y VECINOS (serie) creada por Jonathan Tropper, con Jon Hamm, Amanda Peet, Olivia Munn. En AppleTV.

-En su segunda temporada, la serie protagonizada por Hamm vuelve con su mirada sardónica sobre la alta sociedad, mientras el protagonista ya disfruta totalmente de su talento delictivo. Claro, algunas consecuencias traerá como que su mejor amigo descubra sus artimañas y, lejos de enojarse (bueno, al comienzo un poquito), le pedirá ser parte del juego. Porque como teoriza la serie, si bien los trabajos de estos personajes se cruzan a veces con el crimen de guante blanco, el delito de acción y nervio termina siendo más seductor y fascinante. En paralelo, la aparición de un nuevo personaje en el barrio, interpretado por Michael Marsden en plan reptil, le da aire a la trama. Tus amigos y vecinos se balancea entre la comedia cínica y el thriller, y lo hace siempre con acierto, mientras de fondo se van cocinando los vínculos familiares y de amistad. Un entretenimiento que alcanza su mejor tono cuando se vuelve más sofisticado.

LA CASACA DE DIOS (película) dirigida por Fernán Mirás, con Natalia Oreiro, Jorge Marrale, Zoe Peralta. En cines.

-La nueva película de Mirás como director es tal vez la más sólida desde un aspecto narrativo y formal: una comedia dramática costumbrista, atravesada por temas como Malvinas y la épica futbolera y nacionalista, que es narrada con solvencia y cierto vuelo visual en algunas secuencias. El utilero de un club de barrio en decadencia (Marrale), que fue utilero de la Selección Nacional en el Mundial de México 86, se obsesiona con recuperar la camiseta que usó Diego Maradona en aquel icónico partido contra Inglaterra, el del gol con la mano y el del golazo de la gambeta interminable. Precisamente entre esas dos vertientes, lo legal o lo no permitido, se balancea el relato que abraza la lógica futbolera de las pasiones y el folklore. Ahora bien, que sea el film más sólido de Mirás como realizador no significa que sea el mejor: La casaca de Dios es todo lo chauvinista que uno se imagina y cae en sentimentalismos propios del cine de Marcos Carnevale, no por nada autor del guion. Y, lo más curioso e incongruente, para una película que se aferra al nacionalismo más ramplón, titularse “la casaca” en vez de “la camiseta”, es un acto de extemporaneidad lingüística llamativo. Solo apta para fanáticos.

ERRORES EPICOS (serie) creada por Dan Levy y Rachel Sennott, con Dan Levy, Laurie Metcalf, Taylor Ortega. En Netflix.

-Dan Levy, hijo del gran comediante Eugene Levy, evidentemente heredó algo de su padre: la gracia para el humor estrafalario y la sátira social. En esta comedia creada junto a Rachel Sennott, el guionista y actor se pone al frente del reparto junto a Laurie Metcalf para interpretar a un par de hermanos de una familia italiana que terminan involucrados en una trama policial de manera accidental, como suele ocurrir en el género. Con la nona moribunda, el robo de una aparente baratija para homenajearla, termina involucrando a este par (él líder de una congregación religiosa, ella una actriz fracasada) en una trama muy graciosa. Hay gags brillantes, humor negro y una mirada sobre los rituales familiares que evidencia capacidad para la parodia pero, además, cariño por esos personajes. Errores épicos se vale de esa cualidad insondable del azar y lo vuelve músculo cómico.

En los 90’s un grupo de seres amarillos animados revolucionó la televisión, con un humor caótico y absurdo que desmoronó las células de la principal estructura social: la familia. Con el éxito de varias temporadas sobre la espalda (las mejores, sin dudas) en el nuevo siglo otra familia tomó la posta dejada por Los Simpson: hablamos de los… Bueno, en verdad nunca quedó muy claro el apellido de la familia que protagonizó Malcolm in the middle, serie creada por Linwood Boomer, ganadora de siete Emmys y que se extendió en igual cantidad de temporadas. Pero no teman, el próximo viernes 10 vuelve en forma de miniserie por Disney+.

Malcolm in the Middle es una de las comedias familiares más influyentes de la televisión, tanto por su humor grotesco, sus personajes entrañables, imperfectos y al límite de lo correcto, como por elementos narrativos particulares, como esa constante rotura de la cuarta pared a la que el protagonista recurría para integrar a los espectadores en el desastre que, sentía, se estaba convirtiendo su vida. En el camino, claro, varios integrantes del elenco se convirtieron en celebridades.

Si hablamos de personalidades juveniles de comienzo del Siglo XX no podemos no mencionar a Frankie Muniz. El personaje de Malcolm fue originalmente concebido como un niño menor, lo que llevó al actor -quien tenía más edad- a dudar de sus chances. Sin embargo, los productores ajustaron el perfil del personaje y su elección terminó siendo determinante para el éxito del show.

Cómo olvidar que el temible Walter White de Breaking bad se hizo mundialmente conocido como Hal, el padre atolondrado, irresponsable y descomprometido de la realidad de esta comedia. Bryan Cranston convirtió al querible personaje en una criatura inolvidable no solo por su gracia singular, sino además por su compromiso extremo hasta en lo físico. El actor realizó varias de sus acrobacias y protagonizó una de las escenas más recordadas al cubrirse con miles de abejas reales, algo que comenzó como una broma con los guionistas y terminó, afortunadamente, solo con una picadura.

Y si hablamos de Walter White, hay que mencionar que estuvo a punto de anticipar Breaking bad ya que el mismísimo Aaron Paul, el Jesse Pinkman de aquella serie, audicionó para el de Francis. Eso no sucedió, pero años antes de compartiría pantalla con Cranston en aquel recordado fenómeno televisivo.

Como decíamos anteriormente, la serie también jugó con su propia identidad narrativa. Aunque en el episodio piloto se menciona el apellido Wilkerson, los creadores optaron por eliminarlo deliberadamente para reforzar la universalidad de la historia, transformándolo en un guiño recurrente para los fans. Lo que se convirtió incluso en un chiste autoconsciente que derivó en algunos episodios donde la familia se apellidaba “Nolastname”.

En un guiño a Matilda -otro ícono de la sátira familiar-, Malcolm era un niño genio en medio de una familia vulgar. Sin embargo, aquí el personaje termina en una escuela de superdotados con un grupo apodado los “Krelboyne”, nombre tomado de un personaje nerd de la película de culto La tiendita de los horrores (1960).

Quienes al leer este texto sientan nostalgia por Malcolm in the middle, tengan en cuenta que el próximo viernes el universo de la serie volverá a la plataforma Disney+ con la miniserie de cuatro capítulos Malcolm in the Middle: la vida sigue siendo injusta, que cuenta con parte del elenco original (Bryan Cranston, Frankie Muniz, Jane Kaczmarek, Christopher Masterson, Justin Berfield y Emy Coligado) y la presencia de su creador Linwood Boomer actuando como guionista y productor ejecutivo. Solo Caleb Ellsworth-Clark, el recordado Dewey, se bajó del proyecto debido a su retiro de la actuación, aunque actor avaló la continuidad del personaje.

En este regreso la historia se centra en el reencuentro de la familia tras años de distanciamiento, cuando Hal y Lois convocan a sus hijos para celebrar su aniversario de bodas. Esto obliga a Malcolm, que construyó una vida adulta lejos de su familia, a revelar a su propio núcleo estos personajes caóticos que son sus padres y hermanos. Como le decía Kate Hudson a Hugh Jackman en Song sung blue, “la nostalgia paga”. Y Malcolm in the middle vuelve para confirmar no solo eso, sino además que en estos tiempos de cristal y positivismo que la vida también puede ser injusta.

SÚPER MARIO GALAXY: LA PELÍCULA (película) dirigida por Aaron Horvath, Michael Jelenic, Pierre Leduc, con las voces de Chris Pratt, Anya Taylor-Joy, Jack Black. En cines.

-Las películas de la compañía Illumination parecen todas sacadas por un mismo molde: un diseño visual atractivo y muy colorido; personajes con gancho en el gran público; suma de comedia y aventuras con mínima moraleja; y resultados entre discretos y apenas aceptables. Esta segunda película de Súper Mario Bros. no es la excepción, un film a reglamento que ofrece la dosis básica de de movimiento, espectacularidad y guiños para los fans. La princesa Peach sale a la búsqueda de otra princesa, mientras el hijo de Bowser amenaza con destruir el universo. Y ahí van los personajes, en una película que se diferencia de la primera en el sentido de que no quiere contar algo por encima de la aventura. Por eso, porque todo se resuelve en la acción y en la inventiva esporádica para generar imágenes, Súper Mario Galaxy luce apenas un poco más satisfactoria que la primera. Claro, si tienen la posibilidad de ver la versión subtitulada no lo duden: escuchar las voces originales hace que mejore un poco la experiencia apenas aceptable.  

MIKE Y NICK Y NICK Y ALICE (película) dirigida por BenDavid Grabinski, con Vince Vaughn, James Marsden, Eiza González. En Disney+.

-Una comedia de acción con elementos de ciencia ficción, bien disparatada, como se hacían en los 90’s. De hecho, la banda sonora está regada de varios hits de aquellos tiempos. Un mafioso va a revelar, al final de la noche, quién fue la rata que traicionó a su hijo y lo hizo pasar seis años preso. Así, comienza una carrera contra el tiempo, que lo es mucho más profundamente si pensamos que uno de los personajes viene del futuro para impedir que suceda lo que ha sucedido en esa noche. Si un poco canchera y estilizada, la película de Grabinski le contrapone a ese lastre grandes momentos de comedia, secuencias de acción bien coreografiadas y ciencia ficción lúdica, además de una dupla que está perfecta: Vaughn y Marsden tienen química en pantalla y es desde ellos que la película se vuelve furiosamente divertida. Un cine que se aleja de las exigencias del presente para dar, a cambio, entretenimiento del bueno. Para dejarse llevar y no hacerse demasiadas preguntas.

BAIT (serie) creada por Riz Ahmed, con Riz Ahmed, Guz Khan, Aasiya Shah. En Prime Video.

-Creada y protagonizada por Ahmed, esta comedia se mete con temas del presente como el acoso de las redes sociales, la intolerancia, la corrección política y varios asuntos más. En el centro tenemos a un actor en caída libre, que parece encontrar su camino cuando es convocado a un casting para interpretar a James Bond. Claro, la noticia de que el agente 007 será interpretado por un pakistaní convoca los debates que ya sabemos… y en medio queda este pobre sujeto, al que todos confunden con la estrella Dev Patel. Bait es muy divertida, le saca juego con originalidad a estos conflictos contemporáneos y hace que ese cine dentro del cine sea algo más que la expiación de dolores burgueses. Divertida, imprevisible, caótica, es además un registro urbano y energético de Londres.

JUGADA MAESTRA (película) dirigida por John Patton Ford, con Glen Powell, Margaret Qualley, Jessica Henwick. En cines.

-A la manera de las viejas comedias británicas, Jugada maestra cruza el humor ácido, una alta dosis de cinismo y una lectura sociológica. Tenemos al último heredero de una familia acaudalada, el primo realmente marginado, que un poco por avaricia y fundamentalmente por venganza, va a ir eliminando uno a uno a esos que le hicieron daño y dejaron en ruinas a su madre. Uno de los aciertos de la película es que no construye un protagonista unidimensional, sino que se trata de un persona con fricciones, incluso con contradicciones. Otro acierto es la presencia de Powell, actor que funciona en estos personajes que involucran un poco la ingenuidad y otro tanto la maldad. Si bien se enreda con algunos giros sentimentales que le restan potencia, y algunos crímenes son un poco sencillos moralmente (si se entiende lo que queremos decir), Jugada maestra es una comedia negra más que atractiva para expiar nuestros propios demonios.

EL DÍA QUE PARALIZARON LA TIERRA (película) dirigida por Robert Wise, con Michael Rennie, Patricia Neal, Hugh Marlowe. Hoy a las 20:00 en Cineclub Sueños y Pesadillas (Gally Café, Santiago del Estero 2076).

-La película de Wise es uno de los grandes clásicos de la ciencia ficción, tal vez no un gran película, pero sí uno con la suficiente fuerza icónica como para sostenerse a tantas décadas de su estrenos. El film registra, en pleno auge de este tipo de relatos, la llegada de una nave alienígena y la presencia de un extraterrestre en la sociedad. La clave de la película es que entre tantos relatos de acción e invasiones, lo que plantea esta historia es que la Tierra será exterminada si los humanos no logran convivir en paz. Si bien a esta altura puede resultar un poco ingenua en su planteo, la presencia del emblemático Klaatu le da un soporte clave. Atención, si en televisión se cruza con la remake El día que la tierra se detuvo, no se detenga, es una trampa… y un fiasco aburridísimo.

DAREDEVIL: BORN AGAIN (serie) creada por Matt Corman, Chris Ord y Dario Scardapane, con Charlie Cox, Vincent D’Onofrio, Margarita Levieva. En Disney+.

-Seguramente el de Daredevil sea el universo más sólido que creó Marvel en materia de series hechas para plataformas, incluso superó el inconveniente de mudarse de Netflix a Disney+ y no perder demasiado en el camino. Si bien la versión Netflix era más sólida narrativamente (se nota en este pasaje a Disney+ cierta impostura y pose de “oh sí qué violentos podemos ser”), lo cierto es que el comienzo de la segunda temporada vuelve a exhibir algunos de los aciertos de la primera de este reinicio. Una trama centrada en los bajo-fondos neoyorquinos, con un grado de violencia que se balancea entre los estilizado y lo explícito, y unos personajes sólidos que no precisan demasiada presentación. Cox sigue siendo un Daredevil potente y D’Onofrio encontró el papel de su vida en ese villano que mete miedo con solo apretar un puño. La historia continúa los hechos precedentes, con Fisk como alcalde montando un grupo parapolicial para detener el hampa mientras va construyendo su propio imperio de corrupción, y Daredevil actuando en las sombras para desbaratar todos los planes. A veces el tono político es un poco ingenuo, pero para los cánones de este tipo de producciones se bastante jugada. El primer episodio de la nueva temporada, aunque más derivativo que otra cosa, presume una profundización de los temas ya abordados y la construcción de un héroe no del todo perfecto. Sigue siendo interesante.

NUREMBERG: EL JUICIO DEL SIGLO (película) dirigida por James Vanderbilt, con Russell Crowe, Rami Malek, Leo Woodall. En cines.

-Vanderbilt es un guionista con una extensa carrera em Hollywood. Escribió el guion de la obra maestra Zodíaco, pero también el de la espantosa Día de la Independencia: Contraataque. Por lo tanto, no sabemos bien qué pensar de su segunda película como director, ya que tiene tantos momentos gloriosos como de los otros. En lo concreto narra los hechos posteriores a la Segunda Guerra Mundial, cuando un grupo de jerarcas nazis fue enjuiciado por un tribunal internacional en el histórico Juicio de Nuremberg. Entre ellos sobresale Hermann Göring, un personaje que le permite a Russell Crowe un lucimiento y prestigio del que se alejó entre tanto thriller discreto. El peso del drama está puesto en las sesiones que mantenían Göring con Douglas Kelly, un psiquiatra que tenía la tarea de determinar si los prisioneros eran aptos para ser juzgados por sus crímenes de guerra. Solo en ocasiones la película de Vanderbilt alcanza real complejidad, aunque lo intenta y construye por momentos un drama intenso sobre los insondables vericuetos de la condición humana. En determinada escena usa notablemente las imágenes de archivo y en otros cede al historicismo de manual, con ese tipo de frases grandilocuentes que parecen talladas en piedra. Una película industrial, bien narrada y producida, pero sin mayores novedades.

PENSAMIENTO LATERAL (película) dirigida por Mariano Hueter, con Itziar Ituño, Alberto Ammann, César Bordón. En cines.

-La popular actriz española Itziar Ituño, reconocida por La casa de papel, se pone al hombro este thriller psicológico que se construye sobre su propia figura y sobre la base de una situación de encierro: la protagonista es una psicóloga y docente que es secuestrada y mantenida atada en un depósito por hombres que buscan información. Pero su rol de víctima pasiva pasa a otro un poco más interesante, ya que sus cualidades de psicóloga le permiten jugar con esos tipos a la espera de un dato. El film de Hueter comienza bien, con un misterio en torno a ese secuestro que fortalece la tensión de una puesta en escena que se sostiene en planos cortos y buenas actuaciones de Ituño, Alberto Ammann y César Bordón. Sin embargo, a medida que avanza, todo luce un poco estirado, como si se tratara de una idea que hubiera funcionado mejor en un corto. Para el cuidado inicial en la puesta en escena, la resolución es bastante confusa. Un film apenas aceptable, al que se le nota demasiado su apuro para confirmar una tesis.

TED LASSO (serie) creada por Jason Sudeikis, Brendan Hunt y Joe Kelly, con Jason Sudeikis, Hannah Waddingham, Brendan Hunt. En AppleTV.

-Por estas páginas siempre mencionamos Ted Lasso, cuando hablamos de Terapia sin filtro o ahora con Rooster, pero en verdad nunca recomendamos Ted Lasso. Y ahora que, además, está por volver con una innecesaria (hasta el momento) cuarta temporada, qué mejor que comentarla brevemente para que quienes no la hayan visto deciden pegarse una vuelta por ahí. El protagonista de Ted Lasso es quien porta como nombre el título de la serie, un entrenador de fútbol americano que es contratado por un club de la Premier League británica para hacerse cargo del equipo, aunque desconozca profundamente aspectos fundamentales del fútbol. Lo interesante de la serie (al menos en sus primera dos temporadas y en pasajes de la tercera) es cómo logra balancearse entre el humor británico y el norteamericano, y fundamentalmente cómo construye su universo a partir de un personaje sumamente optimista como Lasso, que en manos de gente menos sabia hubiera redundado en un ser realmente insoportable. Pero aquí la sensibilidad y la inteligencia se dan la mano para construir un relato que con mucha sabiduría indaga en la profundidad de sus personajes, un abanico de criaturas entre lunáticas y desbordadas, que tienen el deporte profesional y su propia lógica como modo de vida. Gran comedia, grandes personajes, grandes actuaciones. Súper recomendada.

¿QUIERES SER JOHN MALKOVICH? (película) dirigida por Spike Jonze, con John Cusack, Cameron Diaz, Catherine Keener. En MUBI.

-Hay que aprovechar que la plataforma MUBI subió a su catálogo ¿Quieres ser John Malkovich? para recomendarla a quienes no la hayan visto y quieran saber por dónde andaba el cine de fines del Siglo XX. Esta comedia dramática y surrealista, repleta de detalles absurdos, sigue a un titiritero que descubre un portal que conduce literalmente a la mente del actor John Malkovich. Dirigida por Spike Jonze y escrita por Charlie Kaufman, la película tenía un reparto que reunía a reinas del indie como Catherine Keener, un actor multitarget como John Cusack (todavía en el centro de la escena) y estrellas en busa de prestigio como Cameron Diaz. Con todo eso, ¿Quieres ser John Malkovich? se valía de muchos de los truquitos del cine puramente de guion de esos tiempos, pero también de un espíritu genuino y sin artificios que la volvía fascinante. Eran nuevos realizadores intentando renovar el lenguaje del cine, mientras avizoraban el fin de determinadas ideas en el quiebre de siglo a siglo. Rápidamente los Jonze y los Kaufman del mundo demostraron ser un poco unos chantas con algo de talento, pero más allá de eso dejaron una serie de películas icónicas para una generación joven que intentaba construir una cinefilia personal. Y esta es una de esas películas indispensables.

En la década de 1990 apareció en el cine norteamericano un grupo de realizadores que renovaron el lenguaje y las formas (como suele ocurrir cada dos décadas más o menos, la última gran oleada había sido en los 70’s), con películas sorprendentes, algunas de ellas icónicas. En ese grupo, entre los más populares, se encuentran Quentin Tarantino, Paul Thomas Anderson, Wes Anderson y David Fincher. Curiosamente, hasta el pasado domingo, ninguno de ellos había ganado el Oscar a Mejor Dirección. Finalmente Anderson rompió con esa “maldición”.

Pero a no preocuparse, Martin Scorsese recién pudo ganar su primer (y único) Oscar en 2007 con Los infiltrados, luego de más de treinta años de trayectoria y con varias películas emblemáticas.

El director de Una batalla tras otra ya había estado nominado varias veces, como director y guionista, pero nunca se lo había llevado. Curioso, si tenemos en cuenta que se trata de uno de los directores más prestigiosos del cine contemporáneo, junto a Tarantino seguramente las dos grandes mentes del cine norteamericano de las últimas tres décadas. Pero finalmente Anderson, que venía zapatero, en una misma noche se ganó tres estatuillas: Guion Adaptado, Dirección y Película (este último lo obtiene por ser productor).

Entonces usted se preguntará, tal vez, qué hay para ver de Paul Thomas Anderson en plataformas, si es que no lo conoce y quiere descubrir su cine… o si lo conoce y quiere volver a algunas de sus obras más emblemáticas. Le diremos que, como suele ocurrir con los mejores autores, no hay mucho del director en los catálogos, pero lo que hay puede ser un poco representativo de su cine.

Por ejemplo, en HBO Max está precisamente Una batalla tras otra, su última película, la que finalmente le dio el Oscar. El film protagonizado por Leonardo DiCaprio es una sátira política, algo sobre lo que el director había avanzado ligeramente en su anterior Licorice Pizza, pero aquí de manera más desembozada. Un film que construye un teatro de operaciones alrededor de un enfrentamiento entre viejos revolucionarios y actuales fascistas, que se ríe de todo y que demuestra el talento del director para recorrer varios géneros y construir situaciones de lo más disparatadas. No olvidemos que Anderson tuvo un pasado en el Saturday Night Live! y que la comedia, de forma lateral y extraña, está muy presente en su cine.

En HBO Max y Netflix está disponible Magnolia, no su primera película pero sí la primera que llamó la atención del gran público. Un film con muchos de los truquitos narrativos y de guion propios del cine de fin de Siglo XX, que contaba con un elenco de notables. Todo giraba alrededor del creador de un programa de preguntas y respuestas que estaba a punto de morir, y el relato coral, con mucho del cine de Robert Altman (uno de los íconos del cine independiente norteamericano y gran referencia del cine de Anderson), iba de aquí para allá en una historia de padres e hijos bastante melancólica. Un film enorme más allá de sus exabruptos, algunos muy bellos como esa lluvia de ranas que llega para sanar todo.

Nos mantenemos en Netflix un rato para mencionar que allí se puede encontrar Anima, un experimento surrealista de 15 minutos protagonizado por Thom Yorke, el líder de Radiohead, quien además aporta algunas canciones en una colaboración que funciona más como curiosidad que como otra cosa.

Por último hacemos un zapping hasta Prime Video, plataforma que tiene en su catálogo Licorice Pizza, anterior film de Anderson, su película más amable, en el sentido que tiene las fugas propias de su cine, pero todo contenido por una historia de amor memorable. Un relato que habla del cine, desde adentro y desde afuera, pero también de los 70’s, de la locura política que se traducía a una locura social: la película tiene personajes memorables y situaciones delirantes, como una huida marcha atrás con un camión que debe estar entre los momentos cómicos más memorables del cine del Siglo XXI. Y en el medio Alana Kane y Gary Valentine, dos personajes hermosos, en uno de esos inolvidables amores locos y explosivos. Una de las grandes películas del director.

PROYECTO FIN DEL MUNDO (película) dirigida por Phil Lord y Christopher Miller, con Ryan Gosling, Sandra Hüller, Milana Vayntrub. En cines.

-Lord y Miller, los de Lluvia de hamburguesas, La gran aventura Lego y Comando especial, se hacen cargo de llevar a la gran pantalla una nueva novela de Andy Weir guionada por Drew Goddard (autor y guionista de Misión rescate). En primera instancia la historia de este profesor universitario que se ve involucrado en un proyecto espacial para investigar el motivo por el que están muriendo las estrellas no parece estar dentro del rango de intereses de los directores, pero todo se aclara cuando avanzada la historia descubrimos un misterio y un gran personaje: Rocky, habitante de otro planeta, que está en el mismo plan que el científico que interpreta Gosling. Historia de soledad y supervivencia, como Misión rescate, pero llevada a un límite de su existencialismo. Proyecto Fin del Mundo se sostiene primero en la gran actuación de Gosling y, segundo, en el talento y la gracia de esta pareja de realizadores que demuestran que los dilemas que se exhiben en este film pueden ser representados con gracia, amabilidad y emoción. Película que funciona como remedio a los dramas espaciales engolados como Interestelar o La llegada.

SCARPETTA: MÉDICO FORENSE (serie) creada por Elizabeth Sarnoff, con Nicole Kidman, Jamie Lee Curtis, Bobby Cannavale. En Prime Video.

-La experimentada Sarnoff desarrolla esta serie que cuenta con dirección de David Gordon Green en varios capítulos, un thriller de asesinos seriales (o tal vez no) pero que vira con decisión hacia el drama familiar. La trama está partida en dos, con la forense interpretada por Kidman investigando un caso en el presente que tal vez tenga relación con otro caso que investigó a fines de los 90’s y que parecía haber sido resuelto. Sin embargo, por encima de esto, Scarpetta va construyendo un drama familiar donde la mayoría de los personajes están vinculados, de una u otra manera, con la justicia y la ley: la forense, un investigador retirado, un agente del FBI, una viuda y chica genio que podría trabajar de detective. Seguramente esa cuestión psicológica sedujo al elenco que también integran Curtis, Cannavale, Simon Baker y Ariana DeBose. Hay algunas cosas molestas (una inteligencia artificial demasiado desarrollada) y dilemas que restan atractivo a la subtrama policial, pero en líneas generales es más o menos lo esperable: una serie del montón con gente muy profesional involucrada, que la hace ver mejor de lo que es.

ROOSTER FIGHTER (serie) creada por Shû Sakuratani, con las voces de Kenta Miyake, Mariko Honda, Chiharu Hokaze. En Disney+.

-Atención a esta serie animada, que si bien recién lanzó un episodio por Disney+, ya genera cierto interés. Animé sobre kaijus que aterrorizan a los ciudadanos, aquí el héroe es bastante improbable: un gallo con un poder sobrehumano, que desde su pequeñez se enfrenta a estos monstruos gigantes y los destroza cuando saca su feroz alarido. Visualmente la serie es muy atractiva, con una mezcla de animación digital y tradicional, pero mucho más lo es su narrativa, que juega sobre la lógica de aquellas viejas series autoconclusivas con un personaje que va recorriendo diferentes lugares y ayudando a quien se le cruza. Mientras, claro, busca el rastro del monstruo que asesinó a su hermana. Violenta, sexual y muy divertida, tiene el logro además de estar centrada en un disparate que se vuelve bastante serio y sombrío. Se emite los domingos.

STEVE!: UN DOCUMENTAL EN DOS PARTES (miniserie) dirigida por Morgan Neville, con los testimonios de Steve Martin, Melinda Dobbs, Jerry Seinfeld. En AppleTV.

-Todos conocemos más o menos a Steve Martin, comediante popularísimo que se mantiene vigente y en notable proceso creativo con la serie Only murders in the building. Este documental en dos partes, como reza su título, recorre íntegramente la carrera del actor, desde sus comienzos hasta el presente. Y lo hace con incontable material de archivo y la sabiduría narrativa del director Neville, experimentadísimo en el género. Seguramente el primer episodio sea el más interesante a partir de los datos que aporta y los detalles sobre los inicios de la carrera de Martin, no tan conocidos. Si bien a partir de los 80’s se convirtió en el comediante más popular del planeta, antes de llegar a ese lugar luchó bastante en el plano del stand-up para hacerse un lugar desde un estilo que rompía con la lógica del propio registro. Humorista de vanguardia, eterno disconforme, Steve! es el retrato necesario de uno de los grandes artistas del Siglo XX… y del XXI también.

TURBULENCIA: PÁNICO EN EL AIRE (película) dirigida por Claudio Fäh, con Hera Hilmar, Jeremy Irvine, Kelsey Grammer. En cines.

-Una pareja con algunos contratiempos decide reforzar el vínculo con una suerte de luna de miel tardía en un paseo en globo aerostático por los cielos italianos. Pero lo que amenaza con ser sumamente romántico, termina en tragedia cuando al viaje se suma una mujer que el muchacho conoció la noche anterior y tiene planes de chantajearlo. Como suele ocurrir con el cine de premisa, aquí tenemos una historia que transcurrirá únicamente en la cesta de ese globo, con cuatro personajes y con el esfuerzo del guionista por sostener la atención del espectador. Es verdad que la película fluye, que hay cierto ingenio para escalonar la tensión, pero también que todo luce bastante arbitrario, especialmente algunos giros en el personaje masculino funcionales para que la película encuentre su final de revalidación de lo femenino. Un thriller discreto y falso, como esos fondos artificiales que pretenden simular el viaje en globo. Por ahí anda el pobre Kelsey Grammer bastante desaprovechado.

Esta noche se entregan los premios Oscar, una ceremonia que décadas atrás generaba gran expectativa y que ahora sobrevive como un espacio para hacer bromas en redes sociales. Sin embargo, la noche de hoy puede ser un momento histórico para la estatuilla: en 98 años sería la primera vez que un director negro, Ryan Coogler, se lleve el premio a la Mejor Dirección -por su trabajo en Pecadores-. ¿Ocurrirá? No se sabe, pero lo cierto es que se siente más cerca que nunca.

Desde que se estrenó en abril del año pasado, la película protagonizada en duplicado por Michael B. Jordan generó ruido de premios en la prensa norteamericana. Solo hubo que esperar un año bastante flojo para confirmar que este film de gángsters mezclados con vampiros tendría su lugar confirmado y no solo eso, se convirtió en el principal favorito cuando en enero se anunciaron las nominaciones y batió el récord: disputa 16 rubros. Ninguna película había logrado semejante reconocimiento en 98 años.

Solo la presencia de Una batalla tras otras, del histórico perdedor Paul Thomas Anderson, puede darle pelea y, de hecho, fue la gran favorita durante mucho tiempo, hasta que las encuestas comenzaron a decir lo contrario. De hecho parecía que Leonardo DiCaprio se llevaba un nuevo Oscar, pero luego se comentó que lo perdería a manos de Timothée Chalamet… ahora cancelado por unas declaraciones pavotas y dejándoselo en bandeja a Jordan -dicen-.

Pero vamos a lo que importa. Si bien el candidato número uno en el rubro Dirección sigue siendo Anderon, la verdad es que con el paso de las semanas Pecadores ha ido ganando en consideración. Eso incluye la figura de Coogler, el séptimo director negro en conseguir la dicha de ser nominado. Coogler llamó la atención desde su primer largo, el indie Fruitvale Station, y rápidamente se posicionó en el mainstream dirigiendo Creed, aunque siempre con un toque autoral, dividiéndose entre su pretensión como artista y su búsqueda del gran público: lo demostró con las dos películas de Pantera Negra para Marvel, la primera -de hecho- nominada al Oscar a Mejor Film.

Como dijimos, de llevarse la estatuilla esta noche como Mejor Dirección, Coogler sería el primer director negro en ganar en ese rubro en 98 entregas del premio de la Academia. Antes de Coogler tuvieron el honor de las nominaciones John Singleton por Boyz n the Hood (1991), Lee Daniels por Preciosa (2009), Steve McQueen por 12 años de esclavitud (2013), Barry Jenkins por Luz de luna (2016) -la noche del recordado incidente de La La Land-, Jordan Peele por ¡Huye! (2017) y Spike Lee por El infiltrado del KKKlan (2018).

Como verán, hubo que esperar más de 60 años para que un negro fuera nominado a Mejor Dirección. De hecho, Singleton tuvo el particular placer de ser la persona más joven nominada en ese rubro, con solo 24 años.

Si fueron pocos directore negros los nominados, con las películas dirigidas por negros pasa más o menos lo mismo. Recién la primera en estar nominada a Mejor Film fue Preciosa, y luego le siguieron 12 años de esclavitud, Selma de Ava DuVernay, Fences de Denzel Washington, Luz de luna, ¡Huye!, Pantera negra de Ryan Coogler, El infiltrado del KKKlan, Judas y el mesías negro de Shaka King y Rey Richard de Reinaldo Marcus Green. Solo 12 años de esclavitud y Luz de luna se llevaron el gran premio.

Tal vez los votantes hayan decidido dividir los premios y Una batalla tras otra gane en Dirección y Pecadores en Película. Sin embargo, si se tiene en cuenta la reciente tendencia del Oscar a dar gestos en lugar de reconocimientos, es probable que la del 15 de marzo de 2026 sea recordada como la primera vez que un director negro ganó el Oscar. Y puede, también, que a las pocas horas ya nadie se acuerde.

ROOSTER (serie) creada por Bill Lawrence y Matt Tarses, con Steve Carell, Charly Clive y Phil Dunster. En HBO Max.

-El universo de Lawrence (Ted Lasso, Terapia sin filtro) se expande con esta nueva comedia protagonizada por Carell, en la que un escritor concurre a una universidad para dar una charla, pero sobre todo para entrar en contacto con su hija, atravesada por un depresión post-divorcio. Como es habitual, Lawrence hace todo sencillo: trabaja los vínculos humanos de todo tipo y escala, sin caer en paternalismos ni sensiblerías, siempre con una sabiduría que tampoco es un rebusque intelectual sino más bien ese conocimiento del estado de las cosas. Si bien solo se emitió un episodio, ya podemos encontrar en esta comedia que se burla de los lugares comunes de la vida académica los rasgos habituales del autor: un reparto coral con personajes de reparto que se van imponiendo progresivamente, diálogos filosos y una sensibilidad que funciona como frontera entre el drama y la comedia más alocada. Rooster promete.

EL GUARDIÁN: ULTIMO REFUGIO (película) dirigida por Ric Roman Waugh, con Jason Statham, Bill Nighy, Naomi Ackie. En cines.

-Si bien no estamos hablando de un virtuoso, este Ric Roman Waugh es un artesano competente que le da al cine de acción en el viejo estilo todavía un aire para ocupar espacio en las pantallas del mundo. Y se vale del querido Statham para construirle otro vehículo para su lucimiento. Aquí el británico interpreta a un ex marine que vive recluido en un faro perdido de Escocia, hasta que la llegada de una joven y un descuido lo hacen visible para las autoridades que lo buscan. Es decir, la misma película de Statham de siempre, pero aquí con el valor que le aporta su director, que no se precipita hacia la acción rampante y, por el contrario, construye un relato más otoñal, donde la acción bien narrada le gana a la espectacularidad. Incluso, con alguna buena idea narrativa que deja un elemento de la trama en el terreno de las suposiciones antes que en el de los clichés confirmados.

DTF ST. LOUIS (miniseries) creada por Steve Conrad, con Jason Bateman, David Harbour, Linda Cardellini. En HBO Max.

-La presencia de Bateman se ha vuelto un seguro de confianza en materia de series y miniseries. Vuelve a funcionar aquí en esta nueva producción emitida por HBO Max, en la que interpreta a un meteorólogo de la tele que termina involucrado en un triángulo amoroso que termina mal. Junto a Bateman, aparece Harbour, gran actor que se hizo popular gracias a Stranger things pero que tiene una trayectoria gigante que lo respalda. Harbour interpreta aquí al mejor amigo y compañero de trabajo de Bateman, quien comienza a tener curiosidad por una app de citas que le recomendó su amigo. Ambos casados y ambos con ganas de indagar por los caminos de la infidelidad como respuesta a una vida personal insatisfactoria. Eso, con todo de comedia sardónica, es la premisa de la miniserie, que vuelca hacia el policial cuando alguien aparece muerto y empieza una investigación que, como tiene que ser en estos relatos ambientados en pequeñas ciudades, revelará más cosas de las que aparecen en superficie. Muy interesante.

EL TESTIMONIO DE ANN LEE (película) dirigida por Mona Fastvold, con Amanda Seyfried, Thomasin McKenzie, Lewis Pullman. En cines.

-Película curiosa, con desniveles, con momentos fascinantes y otros de esos más irritantes. De todos modos, la de Fastvold es una película fuera de norma. Primero, porque cuenta la historia de una de las líderes fundadoras de un movimiento religioso denominado Shaker en la Inglaterra de fines del Siglo XVIII y lo hace despojándose de cualquier juicio de valor y sin distancia irónica. No deja de ser valiente, cuando el material daba para cierto cinismo. Pero, además, porque apela a momentos musicales, a una puesta en escena desbordada donde el movimiento propio de los feligreses de ese culto utópico se reproduce en secuencias de baile que fusionan lo erótico con lo religioso. Pero como decíamos, tiene algunos pasajes irritantes, de esos que gustan shockear al espectador, que se los podemos adjudicar al coguionista Brady Corbet, el manipulador director de El brutalista. Sin embargo, se impone más la fascinación, en parte por la potente interpretación de Seyfried, quien ya había colaborado con la directora en miniseries como Long bright river y The crowded room.

LA CAZA (serie) con Benoît Magimel, Mélanie Laurent, Damien Bonnard. En AppleTV.

-Un grupo de amigos salen de caza y todos sabemos lo que suele pasar en contextos como esos: nada bueno. Y así ocurre en esta serie francesa, donde los muchachos son atacados a balazos y ellos responden, asesinando a uno. A partir de ahí comienza un thriller psicológico centrado en las dudas de si fue un accidente o si fue un ataque premeditado. La transposición de tópicos recurrentes del policial norteamericano a los bosques franceses le da su toque a esta serie donde lo que termina importando más que lo policial son los vínculos de los personajes y sus historias de familia. Un misterio bien urdido.  

Muerte en invierno, un thriller protagonizado por Emma Thompson en un registro poco habitual dentro de su carrera, llegó esta semana a los cines de Mar del Plata. La película dirigida por Brian Kirk se inscribe dentro de una noble tradición de policiales norteamericanos ambientados en parajes nevados, que generan una seducción particular en el espectador: climas ominosos, un frío que cala en los huesos y unos movimientos parsimoniosos que le permiten al policial indagar en aspectos psicológicos de sus personajes mientras los muertos se van acumulando. Rojo sobre blanco, sangre sobre nieve, una combinación que en el cine queda perfecta, como se puede ver en las películas que recomendamos a continuación.  

Fargo (1996) dirigida por Joel Coen, con Frances McDormand, William H. Macy, Steve Buscemi.

-La película de los hermanos Coen es icónica en lo que respecta al tratamiento visual del policial nevado. La historia es la de una patético vendedor de autos que orquesta el secuestro de su esposa para cobrarle el rescate a su malvado suegro pero, como no podía ser de otra manera, todo lo que puede salir mal sale aún peor. Si bien a los Coen les gusta por momentos maltratar a sus personajes, Fargo es una película que se balacea entre el cinismo molesto de sus autores y los elementos visuales y narrativos que resultan fascinantes. Y, claro, las actuaciones de todos, empezando por McDormand como esa increíble policía embarazada.

Un plan simple (1998) dirigida por Sam Raimi, con Bill Paxton, Billy Bob Thornton, Bridget Fonda.

-Saliéndose por un momento del terror y el fantástico, Sam Raimi dirigió este gran film que quedó un poco sepultado por la fama de Fargo. Otro policial centrado en dilemas éticos, aquí dos hermanos que encuentran un botín millonario que cayó de una avioneta accidentada y la lucha entre el hermano correcto y el hermano marginal por ver qué hacer con ese dinero. Raimi construye con maestría el policial y va tensionando lentamente todas las cuerdas, con unos toques violentos tan elegantes como tremendos. Y Paxton está totalmente odiable y el pobre Thornton está súper querible en ese rol de hermano problemático. Una joya un tanto perdida dentro de la filmografía de Raimi.

Viento salvaje (2017) dirigida por Taylor Sheridan, con Jeremy Renner, Elizabeth Olsen, Julia Jones.

-Sheridan era más conocido por los guiones de Sicario y la excelente Sin nada que perder, y este policial nevado lo reveló -además- como un gran director. Con el protagónico de dos Marvel como Renner y Olsen, cuenta con gran pulso y sentido de la tensión la historia de un cazador de coyotes traumatizado por la muerte de su hija y una agente del FBI que se reúnen para investigar un crimen ocurrido en una reserva indígena. Se trata de un policial sólido que utiliza los códigos del western y el choque cultural para explorar la violencia institucionalizada y el duelo en un entorno natural hostil y desolador.

Venganza bajo cero (2019) dirigida por Hans Petter Moland, con Liam Neeson, Laura Dern, Emmy Rossum.

-Cuando alguien insiste con la idea de que Liam Neeson hizo una sola película con variantes desde Búsqueda implacable para acá, me gusta recomendarle este policial delirante en el que un conductor de un quitanieves busca venganza por la muerte de su hijo, mientras queda en medio de una lucha de narcotraficantes con una serie de personajes estrafalarios y una violencia caricaturesca que se vuelve más y más increíble. La película subvierte las expectativas del cine de acción de Liam Neeson, transformándose en una comedia negra con aires a los Coen.

El líder (2011) dirigida por Joe Carnahan, con Liam Neeson, Frank Grillo, Dermot Mulroney.

-Y si hablamos de Neeson, qué mejor que recomendar esta, que es posiblemente una de sus mejores películas desde que se convirtió en héroe de acción. El film sigue a un grupo de trabajadores del petróleo que, tras un accidente aéreo, quedan perdidos en la tundra subártica. Carnahan maneja con sabiduría el drama entre los personajes, mientras de fondo se va construyendo una suerte de película de monstruos, con un lobo que va asesinado uno a uno a los personajes. El líder es un thriller áspero y existencialista que usa la supervivencia ante una amenaza salvaje para explorar lo humano.

HOPPERS: OPERACIÓN CASTOR (película) dirigida por Daniel Chong, con las voces de Piper Curda, Bobby Moynihan, Jon Hamm. En cines.

-Entre secuela y secuela (se viene Toy Story 5 y anunciaron una nueva de Monsters INC) Pixar avanza en universos nuevos, demostrando una pizca de espíritu aventurero en este presente de regurgitación constante del sistema audiovisual. Y por suerte que lo hacen, porque Hoppers es una nueva demostración de la calidad narrativa, técnica y expositiva de la compañía. En este caso se involucran con una trama ambiental, en la que una joven activista logra meterse en el cuerpo de un castor robot para convencer a otros animales de regresar a un estanque donde el alcalde está construyendo una autopista. La película tiene grandes ideas visuales (¡un tiburón levantado por una bandada de gaviotas!) y narrativas, poniendo los discursos en un lugar más que interesante. Y trata de hacer que los discursos extremos logren algunos puntos de acuerdos, sin hipocresía. Lejos de las grandes joyas de la empresa, algo que parece imposible a esta altura, Hoppers logra igualmente varios de esos momentos en los que Pixar demuestra una distancia abismal con el resto de la producción de cine animado contemporáneo.

EL JOVEN SHERLOCK (serie) creada por Peter Harness, Guy Ritchie, Matthew Parkhill, con Hero Fiennes Tiffin, Dónal Finn, Natascha McElhone. En Prime Video.

-Hace casi dos décadas, Guy Ritchie trajo al cine para una nueva generación a Sherlock Holmes. Lo hizo con un par de películas espasmódicas, bien propias de su estilo pirotécnico y vacío. El británico regresa al personaje creado por Arthur Conan Doyle, ahora con una versión juvenil, algo que no es novedad ya que hay adaptaciones al respecto como el clásico ochentoso El secreto de la pirámide. Si algunas de sus últimas producciones Ritchie había mostrado una intención de bajarle cinco cambios a su estilo, parece que cree que Sherlock es inseparable de esa estética clipera, centrada en un montaje canchero y en constantes quiebres de la linealidad narrativa. La serie tiene el diseño de producción esperable y un elenco de notables, pero muchas veces el pensamiento propio del personaje se enreda malamente en los manierismos visuales de Ritchie. Si bien logra ser por momentos simpática, esta serie no es más que una extensión de lo ya hecho en las dos molestas películas. Solo necesaria para quienes deseen descubrir el personaje.

PAUL MCCARTNEY: MAN ON THE RUN (película) dirigida por Morgan Neville, con testimonios de Paul McCartney, Linda McCartney, George Harrison. En Prime Video.

-La cantera de material sobre The Beatles es inagotable. Sin embargo, este documental es y no es sobre The Beatles. Es, porque la emblemática banda británica es la mochila que pesa durante todo el metraje sobre la espalda de McCartney, quien cuenta su historia posterior a la salida del grupo y los conflictos personales y judiciales que atravesó. No es, porque aquí el centro musical está en Wings y en algunas experiencias solistas posteriores del legendario músico, especialmente en la relación sentimental y creativa con su esposa Linda. Neville, experimentado director de documentales musicales, demuestra su conocimiento tanto del tema como de la forma, en varias decisiones narrativas que toma, sobre todo aquella que lo lleva a prescindir de los bustos parlantes para trazar un colchón de imágenes impresionantes sobre voces en off sólo referencia por un breve subtítulo impreso que indica quién habla. La historia es apasionante, porque McCartney lo es, y porque estamos ante uno de los cinco artistas indispensables del Siglo XX que todavía nos quedan vivos. Imperdible para melómanos, para fanáticos y para todos aquellos que todavía conserven el buen gusto.

MONARCH: LEGACY OF MONSTERS (serie) creada por Chris Black y Matt Fraction, con Anna Sawai, Kiersey Clemons, Ren Watabe. En AppleTV.

-Tras una primera temporada que se sintió un poco estirada, en el tironeo entre ser un relato gigante con monstruos descomunales que destruyen todo y un drama familiar intimista en medio del caos, la segunda temporada comenzó tirando la casa por la ventana y negando los pasos atrás. Esta producción continúa en formato serie y plataforma la franquicia cinematográfica de monstruos que ha puesto finalmente a pelear a King Kong con Godzilla. Aquí, aprovechándose un poco de ese universo preexistente para jugar con las expectativas del espectador que espera de una buena vez por todas la destrucción. La serie la da en cuentagotas, aunque la rotura de una brecha entre mundos ha traído de nuevo a la Tierra al querido Kong, pero también a una suerte de calamar gigante que parece venir por todo. En el medio, padres, madres, abuelas, hijos, nietas y aventureros del espacio-tiempo que tienen que ser rescatados. Una fantaciencia que resulta divertida cuando no se toma demasiado en serio a sí misma.

REFUGIO MORTAL (película) dirigida por Michael Dowse, con Dave Bautista, Jack Champion, Bobby Cannavale. En Prime Video.

-El canadiense Dowse es uno de los mejores y más desconocidos directores de comedia del cine contemporáneo. Junto a Bautista, por ejemplo, crearon la divertidísima buddy movie Stubber. Aquí el director se corre de la comedia y se vuelca decididamente a la acción, aunque algunas ideas que integran el relato son jugadas con el espíritu lúdico y desprejuiciado de su cine. Un grupo de agentes de la DEA sufre bajas en una misión y sus hijos, que van todos al mismo colegio, se deciden tomar venganza emulando las características de sus progenitores para el combate. Eso es precisamente lo mejor de Refugio mortal, esa vuelta de tuerca a las aventuras adolescentes de acción, narradas aquí con un grado de virulencia y fisicidad que no es habitual en ese subgénero. Pero claro, la película es antes acción que comedia, o en todo caso no logra empatar ambos registros, y cuando abandona el humor se vuelve predecible, rutinario, sin imágenes que logren impactar. Con sus cosas buenas, Refugio mortal es tal vez la película de vuelo más bajo del director.

Volvió La llama que llama y la alegría no puede ser mayor. Primero, porque la calidad de la serie que estrenó Flow el viernes es muy alta, manteniendo la coherencia del humor que hizo famosa a esta campaña publicitaria emitida entre 1998 y 2001, pero segundo porque nos lleva de vuelta a un tiempo en el que la creatividad y el humor se daban la mano para generar momentos felices. Claro que vuelven después de 25 años y hay que explicarles a las nuevas generaciones de qué estamos hablando cuando hablamos de frases icónicas como “Llamá a Chamot”, “El hipopótamo que hipotálamo”, “Quiero ser lo más, lo más de Zamora” o el hit Que me pincha el cardo del grupo Llamaradas.

Como decíamos, y esto es increíble, La llama que llama era una campaña publicitaria (publicidad, eso que estaba en los cortes televisivos, entre bloque y bloque, o eso molesto que aparece cuando abren una página web o quieren ver un video en YouTube y no pueden remover si no tienen el servicio pago) y sin dudas era un motivo suficiente como para no hacer zapping (no, no me voy a poner a explicarles qué es el zapping) cuando los programas iban al corte. De hecho, a veces era mucho más divertido ver las publicidades de La llama que llama que los programas en sí. Era escuchar el clásico charango y esperar una nueva publicidad para sumergirse en un universo lunático y hermoso, de chistes pavos, juegos de palabras y muñecos de felpa.

La campaña de La llama que llama fue una creación de la agencia Agulla & Baccetti para la firma Telecom, con el objetivo de promocionar su servicio telefónico de larga distancia. Agulla & Baccetti, agencia detrás de las principales publicidades de los 90’s, y también, ¡ejem!, de la campaña presidencial de la Alianza que llevó a Fernando de la Rúa al poder. En el caso de las publicidades de las llamas, tenían además la particularidad del uso de marionetas, lo que les daba un look decididamente artesanal y hacían recordar también al espíritu anárquico de Los Muppets. Sepan disculpar Carozo y Narizota, La llama que llama fue el mejor uso de marionetas en la Argentina.

Con la excusa de llamar larga distancia a bajo costo, las publicidades de La llama que llama imaginaron entonces a una familia de los animales del título que habitaban una casa de la puna jujeña y que desde ahí se dedicaban a hacer bromas telefónicas. Las bromas telefónicas, esas que el Dr. Tangalanga y Bart Simpson convirtieron en arte, y que fueron el gran entretenimiento de todo niño que habitó entre los 80’s y los 90’s, en épocas donde no existía el identificador de llamada. Digamos que junto al “ring raje”, las bromas (estoy tentado de decirles jodas, pero este es un texto serio) telefónicas eran de las actividades más molestas que existían, pero uno era un niño y se divertía barato. Pensar que de las bromas telefónicas pasamos a las estafas telefónicas es un poco ver cómo la sociedad se fue degradando. Pero será para otro debate…

Si bien Agulla & Baccetti se llevaron el crédito por esta creación, en verdad detrás estaban Maximiliano Anselmo y Sebastián Wilhelm, quienes fueron los verdaderos cerebros de este fenómeno. Y estaba el concepto, estaban los títeres, estaba la idea, pero sobre todo lo que terminó por convertir en un suceso a La llama que llama fue su súper equipo de voces, una síntesis perfecta de lo mejor del humor argentino que se podía encontrar por esos tiempos y que tiene ecos con algo que creció allá en los 90’s por la televisión, con programas icónicos como De la cabeza o Cha-Cha-Cha. De hecho, es imposible pensar estas publicidades sin esos antecedentes.

La Llama Papá era Damián Dreizik, integrante del dúo cómico Los Melli junto a Carlos Belloso, uno de los más destacados egresados del Parakultural, esa movida teatral porteña que brilló en los 80’s. También allí se hizo popular Vanesa Weinberg, quien hacía la voz de la Llama Mamá, integrante de otro dúo cómico, Las hermanas nervio, junto a Valeria Bertuccelli, también protagonista de la emblemática comedia nacional Silvia Prieto. Y como la Llama Hijo estaba nada más y nada menos que el gran Daniel Casablanca, capo absoluto del inoxidable grupo teatral Los Macocos. Es decir, todo era perfecto y cuidado hasta el último detalle.

Fueron en total 26 publicidades, que terminaron convirtiendo a estas llamas en íconos de la cultura popular argentina, trascendiendo su origen publicitario y volviéndose un fenómeno que incluyó muñecos y merchandising de todo tipo, incluso con la edición de la canción Que me pincha el cardo en una gran versión. Que estén de vuelta puede ser entendido como un efecto nostálgico o retro, pero lo cierto es que en este presente de plataformas y reformulación del consumo audiovisual, la serie de La llama que llama les da a los personajes la oportunidad de mostrar su talento por fuera de la necesidad de vender un producto y explorar el universo que se construyó en aquellas publicidades.

Los involucrados (desde los creativos a las voces) son los mismos y el buen humor se mantiene, sumando una autoconciencia y un tono mordaz sobre el paso del tiempo y las taras culturales del presente, que aleja rápidamente el llanto por el pasado y las vuelve inesperadamente necesarias en un tiempo donde la comicidad argentina se ve atrapada en un exceso de literalidad. Y todo se resume a escuchar el clásico charango y a saber que estamos por entrar en un universo que no se parece a nada y que nos da absoluta felicidad.

EL AGENTE SECRETO (película) dirigida por Kleber Mendonça Filho, con Wagner Moura, Alice Carvalho, Gabriel Leone. En cines.

-Esta película brasileña fue una de las más celebras del 2025, lo que la llevó a instalarse con fuerza en la temporada de premios. Tanto es así, que no solo está nominada en los Oscar a Mejor Película Internacional, sino además a Mejor Película, Mejor Actor y Mejor Elenco. Y bien merecidos que tiene todos sus elogios, por cuanto se trata de un drama ambientado en tiempos de la dictadura en Brasil, que no teme en meterle mano a la ficción para quebrar tonos y registros, pasando del drama más intenso a la comedia, incluso con algún pasaje fantástico que sirve para flejar una idea que atraviesa a toda la película: la ficción como elemento constitutivo de la sociedad y en choque constante con la realidad. Esto involucra tanto al cine mismo como al periodismo y a la política. En el medio tenemos a un docente universitario que escapa de unos sicarios y un entretejido de personajes que orquestan un gran retrato de un tiempo. Gran trabajo de Mendonça Filho, una muestra de que se pueden abordar temáticas trilladas con creatividad y sin perder el sentido de lo cinematográfico.

PLAYA DE LOBOS (película) dirigida por Javier Veiga, con Guillermo Francella, Dani Rovira, Javier Veiga. En cines.

-Pequeña sorpresita. Uno, aburrido de los mohines habituales de Guillermo Francella, se encuentra aquí con una comedia negra que aprovecha bien las cualidades del actor argentino y que construye una buena dupla con el español Dani Rovira. El primero es un turista que llega a un destino de playa español y el segundo, un empleado del balneario donde recala aquel. Lo que inicia como un diálogo inocente acerca de ciertas taras del turista medio, se va volviendo un juego mental de gato y ratón en constante reflexión sobre los aspectos más siniestros del instinto y el subconsciente. Un único espacio aprovechado muy bien por el director Veiga, que se vale de la velocidad del diálogo, el filo de las situaciones, algún pasaje gore e inserts absurdos que acercan esta película extraña al musical, para construir un relato sólido que sostiene el interés durante toda su duración e invita al espectador a reencontrarse con su parte más oscura.

PARADISE (serie) creada por Dan Fogelman, con Sterling K. Brown, Julianne Nicholson, Nicole Brydon Bloom. En Disney+.

-El gran desafío de esta serie es sostener la tensión en torno a un gran misterio, que tiene que ver con la instalación de una parte reducida de la humanidad en un búnker subterráneo mientras el mundo se extingue. En verdad el desafío estaba dado desde el segundo episodio de la primera temporada, tras un piloto que culminaba con el cliffhanger más grande que se recuerde en los últimos tiempos. Así que en sus primeros tres episodios de la nueva temporada, Paradise se dedica a dividir su trama en tres subtramas que, seguramente, serán el pico de la temporada cuando se junten. Por lo pronto, la serie se respalda en su solidez narrativa para contar paso a paso las consecuencias de la primera sesión, e incluso sumar personajes e intérpretes de renombre como la reconocida Shailene Woodley. Los tres episodios fueron más construcción que confirmación, aunque se agradece la ampliación del universo sin caer en giros rebuscados ni absurdos. Sigue interesando.

LA LLAMA QUE LLAMA (serie) creada por Maximiliano Anselmo y Sebastián Wilhelm, con las voces de Sebastián Dreizik, Vanesa Weinberg, Daniel Casablanca. En Flow.

-Hacia fines de los 90’s, La llama que llama fue un fenómeno popular enorme, infrecuente dado su origen: la publicidad. Unas llamas revoltosas que vendían el producto de una empresa de telefonía. A casi tres décadas de aquella fama, regresan en formato serie de corta duración, con episodios que rondan entre los 5 y los 6 minutos. Y el regreso no podía ser más notable, con una perfecta utilización del artesanal recurso de las marionetas, y con un trabajo de voces que destraba rápidamente recuerdos, con frases icónicas. Pero a todo eso, esta nueva versión de La llama que llama le agrega un carácter provocador que no estaba en el original, jugando constantemente en los bordes de la cancha donde se estipula lo que se puede y no se puede decir, aquello sobre lo que se puede y no se puede hacer humor. Lo genial en este caso, a diferencia de lo que ocurre con las series de Cohn y Duprat, es que desde la ingenuidad y hasta la tontería sobre la que hacen apología, su humor corrosivo sobre el paso del tiempo y la sensibilidad actual es no sólo efectivo sino además necesario. “¡Seamos cancelables, seamos cancelables!”, gritan las llamas mientras se ríen socarronamente. Gracias por volver.

BROCKMIRE (serie) creada por Joel Church-Cooper, con Hank Azaria, Amanda Peet, Tyrel Jackson Williams. En Netflix.

-Hank Azaria se hizo popular por las diversas voces que interpretó en Los Simpson, aunque es uno de los grandes comediantes norteamericanos contemporáneos. Tal vez le faltó el gran protagónico, algo que alcanzó en esta comedia deportiva que es como un secreto a voces y que, ahora, Netflix viene a darnos a conocer sus cuatro temporadas. Emitida desde 2017, la serie explota un personaje que Azaria había creado tiempo atrás. Y por explotar entendamos el término en todo su esplendor, porque la plataforma de lanzamiento de estos capítulos de poco más de veinte minutos es notable. Brockmire es un relator de béisbol que un día sufre un brote al aire, tras descubrir que fue engañado por su mujer. La comedia, por tanto, tratará sobre cómo este tipo busca una segunda oportunidad tras haberse convertido en un chiste de redes. Es muy buena la idea de que el personaje desapareció de la Tierra en 2007 y, diez años después, desconoce lo que es un viral. Sin embargo, lo verdaderamente sorprendente de la serie es su humor rudo, grosero, sexual, sin tapujos ni censuras, al que Azaria y Peet le ponen todo el cuerpo. Una verdadera anomalía y una sorpresa que merece ser vista.

Una de las noticias del mundo del cine de esta semana fue la muerte a los 95 años de Robert Duvall, sin dudas uno de los actores más importantes de la historia. Integró la ola renovadora del Hollywood de los 70’s y notablemente a lo largo de seis décadas se mantuvo siempre presente. Sus primeros créditos son televisivos y datan de 1960, y actuó hasta 2022 en Los crímenes de la academia. Carrera extensísima que conoció el prestigio de las nominaciones y los premios, pero que también supo reinventarse con el paso de los años y ser un sólido veterano de reparto en infinidad de películas de todos los géneros y ambiciones. Por suerte su talento puede ser revisitado en varias películas que están en plataformas, de las cuales vamos a rescatar cinco, descartando obviamente su presencia en El padrino 1 y 2, que está por encima de todo y es una recomendación que excede este simple texto.

MASH (1970) dirigida por Robert Altman, con Donald Sutherland, Elliott Gould, Tom Skerritt. En Disney+.

-Esta comedia de Altman dio lugar, luego, a una popular serie que terminó siendo más importante que la película; sin embargo, se trata de una comedia de referencia para el cine norteamericano. Estamos ante una sátira de la Guerra de Corea, principalmente a través de las hedonistas características de los personajes de Sutherland y Gould. La película es bastante burlona del militarismo norteamericano, precisamente a partir de la presencia del mayor Frank Burns, interpretado por Duvall. Se trata de un cirujano fundamentalista, pero a la vez alguien totalmente inepto para desarrollar su carrera, con Duvall explorando una zona oscura y lunáticamente cómica.

Los aristócratas del crimen (1975) dirigida por Sam Peckinpah, con James Caan, Robert Duvall, Arthur Hill. En Prime Video.

-Prime Video es una plataforma bastante peculiar, donde está todo tan desordenado que a veces hay que buscar con una lupa diversas joyas o películas fuera de cualquier catálogo. De hecho, es una de la que más películas con Duvall tiene, incluso de esas que no son las referencias inmediatas de su carrera. Un ejemplo es este film de acción de Peckinpah en el que vuelve a compartir reparto con James Caan luego de El padrino. Con el grado de violencia característico del director, Duvall interpreta a George Hansen, un asesino a sueldo que traiciona a su amigo y compañero.

Impacto profundo (1998) dirigida por Mimi Leder, con Robert Duvall, Téa Leoni, Elijah Wood. En MercadoPlay.

-Ese año hubo dos películas con meteoritos que iban a destruir la Tierra. La exitosa fue la pirotécnica Armagedón e Impacto profundo no tuvo la misma suerte. Claro, era una película sin tanto carisma y se tomaba el asunto de la extinción del planeta como una posibilidad de explorar la psicología de sus personajes. Había en el tono de este relato de ciencia ficción un carácter más introspectivo, como si la directora Leder intentara cruzar todo con el drama intimista. Ahí aparecía Robert Duvall para interpretar al capitán Spurgeon “Fish” Tanner, quien comandaba la expedición Messiah con el objetivo de destruir el cometa y nos regalaba algunos pasajes de amable sabiduría interpretativa con un personaje sumamente querible.

Loco corazón (2009) dirigida por Scott Cooper, con Jeff Bridges, Maggie Gyllenhaal, Robert Duvall. En Disney+.

-En esta película sobre la capacidad de redención de un cantante country descollaba Jeff Bridges, como ese artista que intentaba un poco torpemente recomponer lazos mientras trataba de esquivar una dolencia cardíaca refugiándose en la música y el alcohol. Y allí aparecía entonces Robert Duvall, ya veteranísimo pero con la amabilidad de siempre, como Wayne Kramer, el amigo confidente del protagonista, también dueño de un bar, quien resultaba un sostén ineludible que intentaba atajar el descenso del amigo.

El juez (2014) dirigida por David Dobkin, con Robert Downey Jr., Robert Duvall, Vera Farmiga. En HBO Max.

-La última de las seis nominaciones al Oscar que obtuvo Duvall fue por su interpretación del juez Joseph Palmer en este drama de Dobkin, que era en verdad un vehículo para el lucimiento de Robert Downey Jr. Pero Duvall, grande como siempre, le robaba cada una de las escenas en las que aparecía, interpretando a ese hombre de principios que entraba en zona de sombras tras ser acusado de un asesinato. El juez atravesaba varios subgéneros, del policial al relato judicial, pero donde mejor funcionaba era en el drama de padre e hijo. Duvall siguió actuando y dirigiendo, pero entregó aquí, a los 84 años, su última gran interpretación.