Por Marcelo Gobello

​Hoy, 24 de mayo, resuena con claridad el verso inicial de “Ya el sol del 25 viene asomando” de este gato tradicional, con los versos del tradicionalista Domingo Lombardi sobre una melodía de Santiago Rocca, que no solo es una pieza fundamental del folklore rioplatense. Su verdadero valor radica en ser el testimonio invisible de la evolución técnica y política de la mayor voz de nuestra historia: Carlos Gardel.

A través de sus surcos, podemos rastrear cómo el "Zorzal" pasó de ser un cantor criollo de comités a una figura monumental, dejando en el camino cuatro registros fundamentales que hoy son joyas para los coleccionistas. ​La relación de Gardel con "El Sol del 25" no fue un homenaje aislado, sino un idilio que se extendió por casi dos décadas, sirviendo como termómetro de los avances de la incipiente industria del disco en Argentina.

Ya consolidado como el "Dúo Nacional" junto a José Razzano, graba el tema el 9 de abril de 1917 para el sello de Max Glücksmann (Nacional Odeón, disco Nº 18001). Con la histórica guitarra de José Ricardo, la placa se convierte en un suceso de ventas y fija el estándar del canto criollo urbano. ​La última y más fascinante versión de "El Sol del 25" se registró el 22 de mayo de 1930.

Para ese entonces, Razzano ya se había retirado de los escenarios debido a sus problemas en las cuerdas vocales, por lo que Gardel la afronta completamente como solista. ​Lo maravilloso de esta toma, más allá de la madurez vocal del Zorzal, es el respaldo de su mítico trío de guitarras: Guillermo Barbieri, Ángel Domingo Riverol y José María Aguilar. 

​Que Gardel haya vuelto una y otra vez a "El Sol del 25" demuestra que el folklore rioplatense fue el cimiento indispensable sobre el cual se edificó su posterior universalidad tanguera. ​Hoy, a casi un siglo de su última grabación eléctrica, aquellas estrofas que asocian la libertad con el amanecer de un nuevo día sintonizan a la perfección con nuestra identidad. Ya no solo en el sonido texturado del vinilo o en los archivos digitales, sino en cada rincón donde se recuerde que la historia de la patria también se escribió cantando. 

Las artistas marplatenses Karina Levine y Flor Cosentino presentarán el espectáculo Mujeres argentinas el próximo viernes 29 a las 21:30 en El Argentino Bar (Chacabuco 3627), donde volverán a compartir escenario tras diez años con un homenaje a referentes femeninas de la música nacional.

La propuesta reúne un repertorio inspirado en figuras como María Elena Walsh, Tita Merello, Eladia Blázquez, Sandra Mihanovich, Celeste Carballo, Marilina Ross, Teresa Parodi, Fabiana Cantilo y Gilda, artistas que marcaron profundamente el recorrido de ambas intérpretes.

Mujeres argentinas propone un recorrido emotivo y celebratorio por canciones de grandes compositoras e intérpretes nacionales, en un espectáculo atravesado por la música, el humor, las anécdotas y la complicidad artística que caracteriza a la dupla, unida también por una profunda amistad.

“Es un espectáculo que nace de nuestras ganas de volver a trabajar juntas y homenajear a intérpretes y autoras argentinas que marcaron nuestras vidas como artistas”, expresaron las protagonistas.

Con voces reconocidas por su calidez y presencia escénica, Levine y Cosentino se reencuentran con un público que históricamente acompañó sus presentaciones conjuntas. El show contará además con la participación de César Monzón en guitarra y Maximiliano Escalante en teclado.

La plataforma Netflix anunció un evento gratuito y al aire libre en Mar del Plata para celebrar el estreno de la película Dibu Martínez: El pibe que ataja el tiempo, que se realizará el sábado 30 y domingo 31, de 11:30 a 15:00, en Plaza Mitre, con propuestas recreativas destinadas a niños y familias.

La iniciativa está pensada especialmente para chicos de hasta 12 años y propone un recorrido interactivo con estaciones temáticas inspiradas en el universo del arquero Emiliano Martínez. Durante ambas jornadas, los asistentes podrán participar de actividades lúdicas, generar contenido y disfrutar de un paseo al aire libre con food trucks, música y distintas sorpresas.

El evento se desarrollará en la ciudad natal del futbolista, que además ocupa un lugar central en la narrativa de la película. La propuesta busca acercar la historia del jugador a nuevos públicos a través de experiencias participativas.

La película, que se estrenará globalmente este jueves 28, combina testimonios inéditos con animación y está basada en un cuento de Hernán Casciari, con ilustraciones de Liniers y dirección de Gustavo Cova. El relato sigue a un niño con la capacidad de detener el tiempo, que dialoga con una pelota -con la voz de Agustín Aristarán- mientras enfrenta distintos desafíos.

El Ente Municipal de Turismo y Cultura de General Pueyrredon presentó una amplia agenda de actividades para este fin de semana largo en la ciudad, con propuestas que incluirán música en vivo, gastronomía, recorridos culturales y celebraciones patrias en distintos puntos de la ciudad.

Uno de los principales ejes de la programación será la participación de los tres organismos musicales municipales en el Teatro Colón. Las actividades comenzarán este viernes 22 a las 20 con la presentación de la Banda Sinfónica Municipal. El sábado 23, también a las 20, será el turno de la Orquesta Sinfónica Municipal, que ofrecerá un concierto especial bajo la dirección invitada de Gustavo Fontana.

La agenda artística continuará el domingo 24 de mayo con la tradicional velada de gala previa al aniversario de la Revolución de Mayo, que estará a cargo de la Orquesta Municipal de Tango desde las 20 en el Teatro Colón. El espectáculo será gratuito y el ingreso se realizará por orden de llegada hasta completar la capacidad de la sala.

Además de las propuestas musicales, el fin de semana contará con actividades en museos y espacios culturales municipales. El sábado 23 se desarrollará la tercera edición del CaFest, un evento que combinará gastronomía local y música electrónica en vivo durante diez horas consecutivas en los parques de Villa Victoria y Villa Mitre, con entrada libre y gratuita.

Ese mismo día, la Casa sobre el Arroyo abrirá sus puertas para realizar visitas guiadas gratuitas entre las 10 y las 14. Quienes deseen participar deberán reservar previamente su lugar a través de la cuenta oficial de Instagram del museo.

La programación también incluirá una noche de tango en vivo en la Casa de Mariano Mores, prevista para el sábado a las 20 con acceso gratuito. En tanto, el domingo 24 la actividad continuará en Villa Victoria con una función de teatro leído desde las 19.30 y posteriormente en Villa Mitre con un recital de “Jazz en Mitre” a partir de las 20.

Por otra parte, el lunes 25 de mayo se realizará el acto oficial por un nuevo aniversario de la Revolución de Mayo. Las actividades comenzarán a las 9 con el izado del pabellón nacional en Plaza San Martín. Luego, a las 10, se celebrará el tradicional Tedeum en la Iglesia Catedral y, media hora más tarde, habrá presentaciones de agrupaciones folclóricas junto al reparto de chocolate caliente para el público en el playón de la Catedral.

Desde el EMTURyC también recordaron que durante todo el fin de semana largo permanecerán abiertos los museos municipales con sus respectivas muestras y propuestas culturales para residentes y turistas.

La cantante An Espil se presentará este viernes 22 de mayo junto a la banda 442 en Club TRI, en un show que promete una mezcla de R&B, jazz, funk y rock distorsionado con una fuerte impronta teatral.

El recital comenzará a las 20 en Club TRI, ubicado en 20 de Septiembre 2650. Las entradas pueden adquirirse de manera online a través de Articket o en los puntos de venta físicos de Belgrano 3420 y Luro 3247.

El espectáculo “ESPIL & 442” reúne a An Espil con los músicos Iván C. Bakmas en guitarra, Tomás Caso en bajo y Fernando Moreno en batería. Durante el show interpretarán canciones de los discos “Jesica Alegría” y “Laura Polines”, trabajos que consolidaron el proyecto artístico del grupo.

La propuesta ya tuvo funciones agotadas en Buenos Aires y desembarca ahora en Club TRI luego de una destacada etapa de crecimiento para la artista, que se presentó en escenarios como Lollapalooza, Obras, Niceto Club y el Centro Cultural Konex, además de abrir conciertos de artistas internacionales.

Como banda soporte estará Iris Iris, una propuesta artística que fusiona neo-soul, R&B y folk desde un enfoque íntimo y emocional. La formación se presentará con banda completa integrada por Penélope en voz, Fede Bejarano en bajo, Tomás Baccile en guitarra eléctrica, Antú Oroza en batería, Simón Sayas en teclado y Caleb Montenegro en saxofón.

La noche también contará con la participación de María Morgade, un proyecto musical atravesado por la sensibilidad poética y una identidad sonora construida entre el mar y la ciudad. Sus composiciones exploran los silencios, la melancolía y la búsqueda de transformar las emociones en canciones dentro de una estética delicada e introspectiva.

El próximo 5 de junio a las 21:00, la reconocida directora Magenia Múgica presentará el espectáculo Entre puntas y pies descalzos en la Sala Piazzolla (Boulevard Marítimo 2280), en el marco del lanzamiento oficial de Marea Compañía de Danza, un nuevo proyecto artístico de origen local.

La propuesta reunirá en escena a la flamante compañía junto al estudio de danza de Múgica, en una función que combina distintos lenguajes del movimiento y que busca consolidar un espacio profesional para los bailarines de la ciudad.

El programa propone un recorrido por diversos estilos que van desde el ballet clásico hasta la danza contemporánea. La apertura estará a cargo de Somos Mar, somos Marea, una obra de Múgica con música de Claude Debussy que contará con 33 bailarines en escena y coreografías compartidas con Violeta Bianco Othar y Malena Pérez.

Asimismo, la noche incluirá un dúo con música de Astor Piazzolla y coreografía de Laura Albanese, además de un repertorio clásico con fragmentos de Giselle y La Bayadère, bajo la coreografía del maestro Negroni -integrante de la Fundación Julio Bocca y del Teatro Colón- y la reposición de Macarena Verón.

Por su parte, el segmento contemporáneo contará con la participación de la Compañía Némesis, que exhibirá una obra de Malena Pérez y piezas como Un refugio en mi memoria, mientras que el cierre estará a cargo de Desde el polvo, un montaje de David Millán que tendrá a Julieta Coronel como invitada.

La función estará dedicada de forma especial a Sandra Othar, histórica colaboradora del estudio durante 35 años. Al respecto, desde la organización señalaron: “Ella siempre estará presente en nuestro recuerdo”, en un profundo reconocimiento a su trayectoria.

Por otra parte, los miembros del nuevo elenco expresaron su entusiasmo ante este debut formal. Respecto a la dinámica del proyecto, los integrantes de Marea Compañía de Danza destacaron: “Trabajamos de manera cooperativa, construyendo juntos desde la danza la búsqueda y el proceso creativo”.

La vicepresidente del Ente Municipal de Turismo y Cultura (EMTURyC), Johanna Panebianco, dialogó sobre las expectativas para el próximo fin de semana largo y los detalles de la reprogramación del CAFEST Vol. 3, esperado evento gastronómico y cultural que se llevará a cabo este sábado 23 en Villa Victoria y Villa Mitre: “Viene como anillo al dedo para darle tracción al fin de semana largo”.

Tras la suspensión del pasado fin de semana por mal tiempo, Panebianco se mostró muy optimista en diálogo con El Marplatense por la nueva fecha del evento. En ese sentido, recordó que suele atraer a un público que trasciende los límites de la ciudad. “Siempre en las ediciones anteriores hemos tenido gente que viene de los alrededores de Tandil, de Miramar, de Necochea, así que esperamos que esta sea una buena excusa para que de nuevo nos visiten turistas de la región”.

Sobre las características de esta tercera edición, la funcionaria precisó que “van a ser 40 cafeterías en las dos villas, en Villa Mitre y en Villa Victoria”. La propuesta no se limitará únicamente a la gastronomía, sino que ofrecerá una experiencia integral para los asistentes.

“También va a haber charlas para los más amantes del café que quieran saber curiosidades. Va a haber ocho sets de DJ’s, cuatro en cada villa”, adelantó, sumando a la grilla una atractiva propuesta musical y de divulgación.

El festival se desarrollará de 11:00 a 21:00 y contará con una feria de emprendedores en la calle de temática cafetera. Además, pensando en la comodidad de los padres, la vicepresidente del EMTURyC confirmó que “va a haber también un espacio para que puedan cuidar y jugar los chicos más chiquitos”.

Finalmente, Panebianco remarcó el valor emocional y comercial que tiene este encuentro para Mar del Plata. Afirmó que se trata de “un evento pensado para toda la familia” y “esperado por toda la comunidad marplatense”, recordando que a fines del año pasado debió suspenderse una edición, sumado a la reciente reprogramación por el factor climático.

A pesar de los contratiempos, la funcionaria se mostró entusiasmada con el panorama actual: “Deseado, esperado, anhelado, viene a darnos ese toque que nos faltaba para el fin de largo”, concluyó, apelando al refrán popular de que “no hay mal que por bien no venga en este sentido”.

Con una cartelera que reúne clásicos del teatro argentino, estrenos, figuras consagradas y espectáculos de proyección internacional, Mar del Plata se confirma como uno de los grandes escenarios culturales del país, con propuestas que trascienden el verano y convocan a públicos diversos.

-Celebration Rock, con Black Jack, Sucio y Desprolijo y Trueno Tierra: 22 de mayo a las 21:00

-New Sensation revive el histórico show Live Baby Live de INXS: 24 de mayo a las 21:00

-La H No Murió conmemora los 35 años de su disco Acido argentino: 3 de julio a las 20:00

-Lucas “Crazy Waves” y Martín “Konga” llegan con Cirko Marisko: 22 de mayo

-Tras una década de construir un mundo mágico junto a sus seguidores, vuelve la banda Pequeño Pez: 24 de mayo (Teatro Radio City)

-Natalie Pérez presentará Casa: 17 de octubre a las 21:00

-Estoy aquí – Nacha Guevara: una diva rebelde: muestra que recorre más de seis décadas de trayectoria artística de la artista.: 30 de mayo al 7 de junio, de 14:00 a 20:00

-David Lebón y Pedro Aznar con la gira Serú Girán por Lebón & Aznar: 14 de agosto a las 21:00

-Fito Páez llega con la gira Sale el Sol Tour 2026: 3 de octubre a las 21:00

-Tan Biónica presentará su nuevo álbum junto con todos sus hits: 21 de noviembre

-Las pastillas del abuelo: 5 de julio

-La Kermesse: 6 de junio a las 21:00

-Los Gardelitos: 20 de junio a las 19:00

-Empieza con D, Siete Letras, con Eduardo Blanco, Victoria Almeida y Gastón Cocchiarale, y dirección de Juan José Campanella: 22 de mayo a las 20:30 y 23 de mayo a las 21:30 (Sala Piazzolla)

-Mis Santas, con Rocío Baraglia, Amelia Polverini y Jorge Repetto, bajo la dirección de Mónica Pari: 23 de mayo a las 21:00

-Adrián Berra presenta Antes de saltar, su nuevo disco de estudio: 5 de junio a las 21:00

La representación poética y musical “Que no vengan a mi velorio”, con textos y dramaturgia de Cocó Galli, música de Luis Caro y dirección de Marta Sol Bendahan, tendrá una función solidaria el próximo viernes 29 de mayo a las 20 en Espacio Cova, ubicado en Funes 2146.

La propuesta artística pone en escena a una mujer atravesada por emociones como la soledad, la ilusión, el amor y el desasosiego, acompañada por textos y canciones que buscan abrir nuevos encuentros y reflexiones.

“Hay que cambiar la vergüenza de lugar”, expresa Cocó Galli en el espectáculo, mientras Luis Caro acompaña con guitarra y voz en una puesta de tono íntimo y sensible.

La función será a beneficio del Hogar Nazareth, por lo que la entrada consistirá en la donación de artículos de higiene personal y elementos de limpieza. Entre ellos se solicitan cepillos de dientes, jabones de tocador, pasta dental, desodorantes, trapos de piso, lavandina y detergente.

Todo lo recaudado será destinado al hogar ubicado en Balcarce 5036, que trabaja con personas en situación de vulnerabilidad.

La propuesta combina teatro, poesía y música en vivo en una jornada solidaria que busca unir el arte con la ayuda comunitaria.

Este 18 de mayo se cumplen 51 años de la muerte de Aníbal Troilo, uno de los grandes nombres de la historia del tango argentino. Bandoneonista, director de orquesta y compositor, “Pichuco” construyó una forma propia de decir desde la música: intensa, profunda y atravesada por una emoción que todavía permanece vigente.

Nacido en Buenos Aires el 11 de julio de 1914, Troilo comenzó a tocar el bandoneón desde muy chico y rápidamente encontró en ese instrumento una manera de expresar el pulso de la ciudad. En 1937 formó su propia orquesta típica, que se convirtió en una de las más influyentes del género y marcó a varias generaciones de músicos y cantores.

Por su agrupación pasaron voces fundamentales como Francisco Fiorentino, Edmundo Rivero y Roberto Goyeneche. Con ellos, Troilo consolidó un estilo inconfundible, en el que el bandoneón no solo acompañaba: respiraba, contaba y emocionaba.

También dejó una obra clave como compositor. Entre sus piezas más recordadas aparecen “Sur”, “Barrio de tango”, “Che bandoneón” y “Responso”. Su vínculo artístico con Homero Manzi dio origen a algunas de las páginas más profundas y reconocidas de la música popular argentina.

Troilo siempre rechazó los grandes gestos de vanidad. Alguna vez, al hablar del lugar que ocupaba en el afecto popular, dejó una frase que resume su relación con la ciudad y con la gente: “Yo sé que la gente me quiere… No sé si soy un ídolo… Por otra parte, no soy tan vanidoso como para creerme eso… ¿Buenos Aires? No, qué voy a ser Buenos Aires… Pero yo quisiera ser media calle de un barrio cualquiera de mi ciudad…”.

Esa imagen parece explicar mejor que cualquier definición la dimensión de “Pichuco”: no solo como músico fundamental, sino como parte del paisaje sentimental de Buenos Aires y de la historia grande del tango.

A medio siglo de su partida, Aníbal Troilo sigue siendo una referencia inevitable. Su música, su orquesta y su manera de tocar el bandoneón permanecen como una marca profunda en la identidad argentina.

La banda marplatense Georgie Boy presentará oficialmente su nuevo lanzamiento, “Casta”, el próximo sábado 23 de mayo en Mole Club, en una noche que promete puro rock and roll y una fuerte conexión con el público.

Luego del impacto generado por “Hola Maradona”, cuyo videoclip superó las 50 mil reproducciones en YouTube, Georgie Boy vuelve a escena con una canción intensa y directa que profundiza el universo sonoro y emocional de la banda.

La fecha contará además con la participación de La Reventada, banda de rock and roll oriunda de Tandil, encargada de abrir una noche atravesada por la potencia en vivo y la energía del género.

Con un presente de crecimiento constante, Georgie Boy continúa consolidándose como una de las propuestas más auténticas del nuevo rock marplatense. Tras compartir escenario con Caras Extrañas y Jóvenes Pordioseros, presentarse en el Teatro de Flores y agotar la presentación oficial de su disco “El Carro”, la banda sigue expandiendo su camino con una identidad propia, cruda y emocional.

SOBRE GEORGIE BOY

Georgie Boy es una banda de rock and roll nacida en Mar del Plata y liderada por Lobo Peláez, ex cantante y guitarrista de La Cuadra y Lunáticos. Con una propuesta intensa, urbana y emocional, el grupo combina crudeza, melodías filosas y letras atravesadas por la calle, el amor, la oscuridad y la redención.

En 2025 lanzaron su primer disco, “El Carro”, consolidando una identidad sonora propia dentro de la nueva escena rockera. Ese mismo año publicaron “Hola Maradona”, homenaje a Diego Armando Maradona que logró gran repercusión nacional y superó las 50 mil visualizaciones en YouTube.

Actualmente, la banda se encuentra presentando “Casta”, su nuevo lanzamiento audiovisual y una nueva etapa artística marcada por la madurez, la potencia en vivo y la búsqueda constante de dejar una marca propia dentro del rock argentino contemporáneo.

Antes de convertirse en uno de los imitadores más reconocidos de su generación, Iván Ramírez hizo de la observación, la música y el humor una forma de construir personajes. Esa combinación hoy lo lleva por distintos escenarios del país y lo proyecta hacia nuevos desafíos, con Mar del Plata como uno de los destinos que más desea volver a pisar.

Conocido en redes sociales y escenarios por sus imitaciones de figuras como Guillermo Francella, Lionel Messi, Darío Barassi, Mirtha Legrand, Luis Miguel y Javier Milei, Ramírez aseguró que actualmente cuenta con más de 150 personajes en su repertorio y que sigue entrenando para sumar nuevas voces y perfeccionar cada interpretación.

Durante la entrevista explicó que gran parte de su trabajo pasa por “salir de la zona de confort”, algo que considera fundamental para cualquier actor. Según relató, esa necesidad de búsqueda permanente es lo que lo impulsa a crear nuevos contenidos, arriesgarse en redes sociales y sostener shows con decenas de cambios vocales y de vestuario. “Cuando uno se siente demasiado cómodo empieza a caer en la vagancia”, sostuvo.

Ramírez también contó que su presente laboral atraviesa un momento intenso, con viajes constantes y presentaciones en distintas provincias. En los últimos días estuvo trabajando en Santiago del Estero y luego viajó a Córdoba para preparar una nueva función de “El Camaleón de las Mil Voces”, el espectáculo que presentará en Jesús María. Allí despliega más de 40 personajes en escena, combinando humor, música e imitaciones.

Uno de los momentos más destacados de la charla fue el recuerdo de su encuentro con Francella. El humorista relató que fue contratado para actuar en el cumpleaños del hermano del actor y que decidió sorprenderlo imitando a Pepe Argento y Eliseo, el personaje de la serie El Encargado. El video de ese momento se viralizó rápidamente y superó los siete millones de reproducciones en redes sociales. “Me temblaba todo”, confesó sobre aquella presentación frente a uno de sus máximos referentes.

Además, destacó el esfuerzo que requiere sostener semejante nivel de exigencia vocal y física. “Hay que cuidar mucho la garganta”, explicó, al tiempo que remarcó que disfruta profundamente el contacto con el público y que jamás se molesta cuando la gente le pide personajes o videos improvisados en la calle. “Me preocuparía el día que no me los pidan más”, aseguró.

En otro tramo de la entrevista, recordó con cariño su paso por Mar del Plata durante la temporada teatral que compartió con Mariano Iúdica y Belén Francese en el Teatro Provincial. Ramírez afirmó que la ciudad “lo conecta” y que le gustaría desembarcar con su espectáculo propio durante el próximo verano. Incluso deslizó la idea de realizar funciones especiales los fines de semana largos para probar el formato ante el público marplatense.

El Concejo Deliberante reconoció a la Sociedad Argentina de Escritores filial Atlántica Mar del Plata por sus 65 años de trayectoria, en un acto realizado en el recinto. La ceremonia contó con la presencia de autoridades de la institución, entre ellas su presidente, Carlos Félix Pérez de Villarreal, y la secretaria Graciela Reveco.

Durante el acto se destacó el rol de la entidad en la promoción de la escritura, la formación literaria y la construcción de identidad cultural. En Mar del Plata, la institución fue creada el 15 de enero de 1961 en el Club Pueyrredon, con la participación de escritores como Ulyses Petit de Murat y Rafael Esteban.

Pérez de Villarreal agradeció el reconocimiento e indicó que desde la entidad “se realiza una actividad permanente promoviendo cultura” y afirmó que “desde la perspectiva social, los textos contribuyen a construir identidad”.

La filial local forma parte de la estructura nacional de la SADE, fundada en 1928 y presidida a lo largo de su historia por referentes de la literatura como Leopoldo Lugones, Jorge Luis Borges, Arturo Capdevilla y Ezequiel Martínez Estrada.

En Mar del Plata, la entidad reúne a cerca de 120 socios y desarrolla actividades culturales, concursos, capacitaciones y publicaciones, consolidándose como un actor clave en la vida literaria local.

“Gracias le doy a la vida, gracias le doy al señor. Porque entre tanto rigor y habiendo perdido tanto, no perdí mi amor al canto, ni mi voz como cantor”. Fue allá por el disco en vivo El regreso, que quedó patentada esta cita casi textual a El regreso de Martín Fierro al final de Estadio Azteca. De aquella idea, “como cantor”, extrajo entonces Andrés Calamaro el título de esta gira que lo trajo a Mar del Plata, que además de título es también un concepto que viene explorando desde La lengua popular: convertir su cuerpo en herramienta y su voz en una forma de entretenimiento masivo, de saberes populares y eruditos, de autoconciencia de un repertorio infinito y banda sonora de la vida de muchos.

Fueron algo más de dos horas de show en la noche del Polideportivo Islas Malvinas, una fecha poco habitual en el calendario marplatense para el arribo del Salmón (“Mar del Plata, fin de temporada”, bromeó cuando ingresó al escenario). Fueron 25 canciones y algún extra que siempre se filtra (citas a Atahualpa Yupanqui, a Bob Marley), en un concierto que fue una verdadera avalancha de hits. Hace apenas un año y medio Calamaro había venido a la ciudad con la gira de Honestidad brutal, y Como cantor significó el reencuentro con muchísimas canciones que no entraron aquella vez. Y, curiosidad, un ánimo llamativamente parlanchín para un recital que tiene como objetivo celebrarlo como cantante. Calamaro habló hasta por los codos, contó anécdotas, se emocionó al recordarse como aquel pibe que soñaba ser rockero, habló de los 70’s, los 80’s, el Mundial, el fútbol, la yerba misionera, la yerba uruguaya, Julio Iglesias, los éxitos y los fracasos. Habló al nivel de que la clásica presentación de la banda se bifurcó en más anécdotas, por momento impacientando a algún ansioso que fue por las canciones. Pero bueno, que el cantor es también sus circunstancias.

No de gusto Como cantor arrancó con la bellísima Todavía una canción de amor, aquella letra de Joaquín Sabina que dice que “cantar es disparar contra el olvido”. Fue el puntapié inicial de una recorrida por el repertorio de Los Rodríguez que tuvo además escalas en A los ojos, Mi enfermedad, Palabras más, palabras menos y Sin documentos. Porque Calamaro es su repertorio y el de las bandas que integró. Y allí estuvieron también esos himnos del rock nacional que son Mil horas (previo puente con Tres Marías) y Costumbres argentinas, dos de las obras más celebradas de Los abuelos de la nada.

Calamaro como cantor recorrió casi toda su discografía, a excepción de sus primeros tres discos y -para sorpresa- el estupendo Cargar la suerte. Para los nostálgicos hizo dos joyitas de Nadie sale vivo de aquí (elegantes versiones de Pasemos a otro tema y Señal que te he perdido, puenteado sabiamente con Te quiero igual para los espectadores perdidos). No faltaron temas de Alta suciedad (Loco, Me arde, Crímenes perfectos, Alta suciedad, Flaca), Honestidad brutal (Te quiero igual, Paloma), El salmón (El salmón), El cantante (Estadio Azteca), La lengua popular (Carnaval de Brasil, Mi gin tonic, Los chicos), On the rock (Tres Marías) y Bohemio (Cuando no estás, Bohemio). Y fuera de programa, un tanguito: Garúa.

Calamaro como tributo de Calamaro. Un repertorio gigantesco al que dos horas y pico de show le quedan cortas. Y una banda afiladísima que, a los habituales, le sumó instrumentos de viento.

Calamaro habla sobre el escenario de ser rockero como proclama artística, como forma de vida y como manera de conectar con los demás. Y se divierte en un juego de ida y vuelta con la pantalla posterior y la imagen de un dinosaurio que avanza mientras suenan unos potentes riff de Alta suciedad. La pantalla, de una puesta en escena despojada y simple (la atención está puesta en el repertorio), fue un personaje más, con algunas intervenciones cinematográficas que llevaron la experiencia a otro nivel: como el efecto increíble de escuchar Crímenes perfectos con la secuencia de La danza de las valquirias de Apocalipsis Now! de fondo.

La recta final del recital fue elevándose del nivel del suelo con A los ojos, Mi enfermedad, Me arde, El salmón, Palabras más, palabras menos, Alta suciedad y Sin documentos. Y el final fue con los coritos inmortales de Paloma y Flaca, tal vez dos de los hits más potentes de Calamaro y dos de los temas que más han sido elegidos para cerrar sus shows. Obviamente, el Calamaro cantor no podía eludir la responsabilidad de ejecutarlos, aún en esas versiones modificadas con las que siempre sorprende. Ni evitar irse y volver para los bises, que apelaron a la emoción de Estadio Azteca, la cita a Martín Fierro y ese impensado hit de Los chicos, homenaje además a los amigos ausentes, algo que siempre está presente en los shows del artista.

Si en algún momento tardó más de una década en volver a presentarse en la ciudad, entre Alta suciedad y On the rock, estos 17 meses que separaron la Agenda 1999 de Como cantor, han sido un suspiro. Por eso tomamos con honor la promesa de volver a Mar del Plata que hizo sobre el escenario. Sobre todo porque recordamos que cantar es disparar contra el olvido y vivir sin las canciones de Calamaro es dormir en la estación.

Por Marcelo Gobello

Según Paul Mc Cartney, que algo sabe del tema; “Nadie puede presumir de una educación musical completa sin haber escuchado antes ‘Pet Sounds’ de los Beach Boys". De hecho el tema estrella de ese disco, la maravillosa balada God Only Knows, es la canción favorita de todos los tiempos del ex Beatle.

Cuando los directivos de Capitol Records escucharon en su célebre edificio redondo de Hollywood and Vine las cintas de lo que sería el esperado nuevo disco de los Beach Boys para 1966, pensaron que Brian Wilson se había vuelto loco. Lo cual (si bien clínicamente no estaba muy lejos de la realidad) mostraba la total incomprensión inicial ante un trabajo que iba a transformarse no sólo en un clásico del rock, sino en una bisagra fundamental para la música popular del siglo XX. 

Lejos habían quedado las alegres melodías adolescentes, plenas de loas al sol y las chicas de California, o esas primeras combinaciones de riffs de Chuck Berry con armonías vocales del Doo Woop, exaltando el surf, la secundaria y los autos preparados. Brian Wilson (la usina creadora y esencia de la banda) tenía otras ideas e inquietudes para esa época y quiso plasmar en el nuevo disco (técnicamente toda una obra solista, si bien el resto de la banda pone sus voces y armonías como siempre) la música e ideas que sentía bullir en su interior. Casi como una necesidad mística.

Hasta 1965 los discos Long Plays (o LPs) eran meramente un rejunte de simples exitosos con algunos temas de relleno. En 1965 la edición de ‘Rubber Soul’ de los Beatles marcó el rumbo de un nuevo tipo de trabajo discográfico, en cuanto concepción y calidad, que hicieron replantear a Brian (siempre atento a lo que hacían sus “primos” británicos) sobre cómo iba a ser su próximo disco. 

Esa sana competencia creativa que tenía con los de Liverpool le dio el empuje necesario para plasmar un trabajo distinto e innovador, en ir más allá del concepto habitual, dejar de pensar en términos de simples, y crear una obra más compleja que se pueda escuchar como una totalidad.

Para ello tomó varias determinaciones importantes y arriesgadas: primero dejó de formar parte de la banda en directo (para poder centrarse en la parte compositiva y de producción de los discos sería reemplazado por otro músico en las giras); segundo, reclutó al escritor Tony Asher como ayuda para plasmar las letras que tenía en su cabeza y corazón (hasta el momento las escribía solo o junto a su primo y compañero de banda Mick Love); y tercero, contrató a excelentes músicos de sesión: los mítica Wrecking Crew.  

El Wrecking Crew: Los arquitectos invisibles detrás del genio

Para comprender la revolución de Pet Sounds, es imperativo descorrer el velo sobre el Wrecking Crew, un nombre que hoy resuena con aura de leyenda pero que, en 1966, representaba simplemente a la aristocracia de los músicos de sesión de Los Ángeles. 

Este colectivo informal de músicos de sesión fue el motor secreto detrás de casi todos los éxitos que salían de los estudios Gold Star, United Western o Capitol, desde Frank Sinatra y Simon & Garfunkel hasta los Monkees y, por supuesto, los Beach Boys. Bautizados así por la "vieja guardia" de músicos de estudio- quienes temían que estos jóvenes melenudos "arruinaran" (wreck) la industria con su enfoque hacia el rock y el pop—, el Wrecking Crew era una unidad de élite capaz de grabar tres o cuatro hits en un solo día, bajo las órdenes de productores tan exigentes como Phil Spector. 

Cuando Brian Wilson decidió abandonar las giras para encerrarse en el estudio, no buscaba una banda, sino una pequeña orquesta capaz de materializar sus complejas visiones polifónicas. En las sesiones de Pet Sounds, los Beach Boys "titulares" solo aportaron las voces; la instrumentación era territorio exclusivo del "Crew". 

Las figuras clave de este seleccionado de sesionistas fundamentales para el disco fueron cinco: Carol Kaye, la única mujer del grupo y una bajista prodigiosa cuya técnica de púa y sus líneas melódicas en temas como "God Only Knows" elevaron el bajo de un mero marcador de tiempo a un instrumento narrativo; la base rítmica la completó el gran Hal Blaine, uno de los bateristas con más grabaciones, su capacidad para entender los matices de Wilson le permitió pasar de la potencia del rock a la delicadeza de una percusión casi sinfónica; en la guitarra alguien que luego brillaría con luz propia como solista, Glen Campbell, capaz de interpretar arreglos que desafiaban la estructura del pop tradicional; completaban el grupo Don Randi (piano) y Steve Douglas (saxofón), responsables de esas texturas barrocas y arreglos de viento que le dieron al álbum su atmósfera de ensueño. Sin la ductilidad técnica de estos profesionales, Brian Wilson se habría quedado solo con sus partituras imposibles. 

El Wrecking Crew fue el traductor perfecto: músicos que no solo tenían la destreza para tocar lo que se les pedía, sino la intuición para sumar ese "swing" y esa calidez humana que convirtieron a un experimento de estudio en una de las obras cumbre de la música popular del siglo XX. En Pet Sounds, el genio de Wilson puso el mapa, pero ellos construyeron el camino.

El estudio como instrumento creador

Las sesiones de grabación se efectuaron entre Enero y Abril de 1966 (comenzaron con la grabación de las bases instrumentales mientras el resto de la banda se encontraba de gira por Japón). 

La sorpresa de los miembros de la banda con respecto a lo que escucharon al llegar no le fue en zaga al estupor que luego tuvieran los directivos de la compañía grabadora: temas complejos y de intrincada estructura, arreglos imposibles, y una instrumentación nunca vista (todo valía para Brian: cuerdas, metales, acordeón, flautas, mandolinas, harpsicordios, clavinets, ukeleles y hasta el uso de ese sicodélico proto-sintetizador llamado Theremin (vital para el futuro sencillo “Good Vibrations”, tema que fuera grabado durante las sesiones de ‘Pet Sounds’ pero que Brian no consideró lo suficientemente pulida para incluir en el álbum en su momento). 

Si bien Brian se ocuparía de la mayoría de las partes vocales solistas en este disco, el trabajo de armonías del grupo raya lo sublime (aunque a un precio altísimo, ya que las sesiones vocales fueron verdaderas torturas de repetición tras repetición hasta dar con el punto justo que Brian escuchaba en su cabeza; algunas canciones, como por ejemplo la inicial “Wouldn’t It Be Nice” costaron semanas de intentos y tomas hasta alcanzar la perfección buscada).

Con la grabación de ‘Pet Sounds’ Brian Wilson rompió todos los moldes previos como productor, llevando aún más lejos que Spector el hecho de tomar al estudio como un instrumento más. Recordemos que los avances técnicos de la época eran limitados y la experimentación, inspiración y riesgo de Wilson fue lo que llevó la forma de grabar un disco de música Pop a nuevos horizontes. 

Como bien señalara Sir George Martin (el productor de los Beatles): “Sin ‘Pet Sounds’ no habría existido ‘Sgt. Pepper’; este fue un intento de igualar a ‘Pet Sounds’”. El propio Paul McCartney (que considera al disco de los Beach Boys como un clásico absoluto y uno de sus discos preferidos) se sintió creativamente sorprendido y abatido al escucharlo por primer vez: “Cuando escuché ‘Pet Sounds’ por vez primera me dije: ‘Dios Mío…¿Y ahora que hacemos?’”

Curiosamente el disco no tuvo de movida un gran éxito masivo en los Estados Unidos; de hecho en un principio se le consideró un bajón a nivel comercial (en Inglaterra fue todo lo contrario, crítica y publico se enamoraron del disco). Hilando fino podríamos agregar que el producto final era de una elevada sofisticación para el gusto del americano medio, y por otro lado, que la portada elegida por los creativos de la Capitol era sencillamente ridícula y casi bochornosa para los tiempos que corrían. De todas maneras estos son sólo dos detalles menores e irrelevantes.

Más allá de hallazgos técnicos y producciones inspiradas, lo realmente valioso es la calidad y belleza de las composiciones (desde el optimismo hecho canción de “Wouldn’t It Be Nice”, a la balada preferida de Brian, “Caroline No”, pasando por joyas como “You Still Believe In Me”, el soberbio instrumental “Let’s Go Away For Awhile”, y la brillantez de “God Only Knows” (una de las mejores canciones de todos los tiempos) lo impresionante de las vocalizaciones y el asistir a la exposición del espíritu de un genio creador en estado de gracia como Brian Wilson, quien supo plasmar todo lo que tenía dentro en una verdadera obra de arte que ha trascendido las modas y el tiempo.

La quinta edición de Invierno, la Feria de Editoriales y Cultura Gráfica, se realizará el 13 y 14 de junio, de 14:00 a 21:00, en el Centro Provincial de las Artes Teatro Auditorium (Patricio Peralta Ramos 2280), con entrada libre y gratuita y la participación de más de 140 editoriales de todo el país. Como anticipo, se conoció que la directora Lucrecia Martel será de la partida con la presentación del documental Nuestra tierra y del libro Un destino común.

El evento reunirá a sellos independientes, artistas gráficos, escritores y lectores en el Foyer del Auditorium, con una programación que incluye unas 30 actividades entre charlas, entrevistas, talleres y proyecciones.

En esta edición participarán más de 140 editoriales y proyectos gráficos de distintos puntos de la Argentina, abarcando tanto sellos emergentes como otros de amplia trayectoria.

La programación incluirá actividades para chicos y adultos, un encuentro de traductores de poesía y la proyección de dos films, con acceso gratuito sujeto a la capacidad de cada sala.

Como se indicó, uno de los puntos destacados será la presencia de Lucrecia Martel, quien participará de la proyección de Nuestra tierra y presentará el libro Un destino común en diálogo con Malena Rey.

Nuestra tierra aborda el juicio por el asesinato de Javier Chocobar, ocurrido en 2009 en el marco de un conflicto territorial, y propone una reflexión sobre la historia de la usurpación de tierras desde la época colonial hasta la actualidad.

Desde la organización señalaron que “Invierno es una feria y una fiesta de la cultura y el arte”, e invitaron al público a recorrer los stands y participar de las actividades a lo largo de ambas jornadas.

La feria es organizada por la librería y editorial El Gran Pez junto al Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires.

El músico León Gieco se presentará el próximo 16 de julio a las 21:00 en el Centro de Arte MDP (San Luis 1750), donde encabezará un espectáculo de carácter íntimo acompañado por Joana Gieco y Alejo León. El show propone un reencuentro cercano con el público marplatense tras una prolongada ausencia de los escenarios locales.

“Este recital que preparamos junto a Joana Gieco y Alejo León -dos músicos excelentes-, tendrá características muy especiales, será intimista, y muy cercano”, explicó el artista.

Asimismo, el cantautor destacó que la velada “contará con fotografías, un repaso histórico en imágenes y anécdotas y sobre todo mucha música para disfrutar y recordar”. La propuesta busca amalgamar la trayectoria de Gieco, reconocida por su fusión de folklore y rock, con un soporte visual que refuerce el contenido social y solidario de su obra.

El elenco musical se completa con la participación de Joana Gieco, pianista y compositora formada en la Universidad Nacional de las Artes y el Conservatorio Nacional de Música López Buchardo, y Alejo León, guitarrista autodidacta y prolífico compositor.

Ambos músicos conforman un dúo con actividad constante en giras y presentaciones, y en esta ocasión aportarán su juventud y solvencia técnica para recorrer el repertorio de clásicos que han marcado la historia de la música argentina.

El equipo del Museo MAR (Avenida Félix U. Camet y López de Gomara) llevará adelante durante el ciclo lectivo 2026 el proyecto educativo ¿Cuántos carros entran en un espejo?, tras ser distinguido en el programa Ensayar Museos de la Fundación Williams.

Esta propuesta articula el trabajo conjunto entre el museo, el espacio Silencio Intermitente, la Escuela de Educación Secundaria Especializada en Arte N°1 y la Escuela de Educación Secundaria N°1 de General Pueyrredon. Tiene como objetivo principal generar un vínculo sólido entre estudiantes de 6° año, artistas locales y el campo cultural, promoviendo la creación contemporánea y el trabajo colaborativo mediante el uso de una sala móvil de arte contemporáneo.

El dispositivo central consiste en una estructura de hierro con paredes de policarbonato translúcido y sistema de traslado, diseñada por espacios autogestivos de la ciudad para funcionar como laboratorio itinerante.

Durante la primera etapa del año, los alumnos participarán de encuentros con gestores y artistas, mientras que, tras el receso invernal, la sala se instalará en los establecimientos educativos. Allí, cada grupo desarrollará y emplazará su obra en la unidad móvil, la cual será trasladada posteriormente al museo para una exhibición especial con una duración de una semana.

Desde la organización destacaron que el proyecto busca estimular propuestas que vinculen el espacio interior y exterior, ampliando las posibilidades de creación y exhibición en la escena local. Por su parte, la Fundación Williams continúa con su labor de apoyo a iniciativas vinculadas a la ciencia y la cultura, haciendo foco en la formación y el desarrollo profesional en áreas de artes visuales.

A través de este reconocimiento, se garantiza el desarrollo de un proyecto que busca la inserción de los jóvenes en el circuito artístico profesional de manera dinámica y cercana.

La cuenta regresiva para una nueva edición de FUNCINEMA ya comenzó y, como previa al festival que se desarrollará en septiembre, la organización anunció una función especial con algunos de los cortometrajes más destacados de la edición 2025.

El encuentro será el próximo 29 de mayo a las 20:30 en El Galpón de las Artes y contará con entrada a colaboración solidaria.

Desde la organización recomendaron realizar una reserva previa y gratuita para asegurar el ingreso a la sala. Las ubicaciones pueden reservarse a través de El Galpón de las Artes.

La selección estará integrada por algunos de los cortos favoritos del público y también por producciones premiadas por el jurado durante la 11ª edición del festival, consolidando una programación centrada en destacadas comedias internacionales.

Entre los trabajos que formarán parte de la proyección se encuentran El desliz, de Francia; Long faces, de Bélgica y ganador del premio a Mejor Actuación; Lumen, de Canadá; y Check please, de Estados Unidos, reconocido con el premio al Mejor Gag.

También se proyectará Los Pantonne, elegido como Mejor Corto Argentino en Exhibición, y Night session, ganador de los premios a Mejor Corto y Mejor Dirección.

Mientras tanto, la convocatoria para participar de la 12ª edición de FUNCINEMA continuará abierta hasta el 31 de mayo. Las producciones interesadas podrán inscribirse mediante FilmFreeway FUNCINEMA.

Según informaron desde la organización, la inscripción tiene costo para producciones extranjeras, mientras que la participación de cortos y largometrajes nacionales es gratuita.

Este 15 de mayo se cumplen seis años de la muerte de Sergio Denis, una de las voces más reconocidas de la música popular argentina. El artista falleció en 2020, luego de permanecer más de catorce meses internado tras la grave caída que sufrió durante un recital en el teatro Mercedes Sosa de Tucumán. 

El accidente ocurrió el 11 de marzo de 2019. Mientras interpretaba “Te llamo para despedirme”, Denis caminó hacia una pasarela ubicada sobre el foso de orquesta y cayó desde varios metros de altura. Las imágenes generaron conmoción inmediata y dieron inicio a una larga internación marcada por múltiples intervenciones quirúrgicas y complicaciones de salud.

El cantante permaneció primero en Tucumán y luego fue trasladado a una clínica de rehabilitación en Buenos Aires. Durante meses, familiares, amigos y seguidores mantuvieron la esperanza de una recuperación, mientras distintas figuras de la música argentina le dedicaban homenajes y mensajes de apoyo.

Detrás de la tragedia había también una historia de reconstrucción personal. Antes del accidente, Sergio Denis atravesaba una etapa de renovación artística y emocional. Después de años complejos, que incluyeron problemas económicos, conflictos laborales y un fuerte desgaste profesional, el cantante buscaba recuperar el vínculo con el público y volver a los escenarios con mayor continuidad.

En ese contexto, planeaba celebrar sus 70 años con un espectáculo especial junto a sus fanáticos, un proyecto que finalmente quedó truncado tras la caída en Tucumán. Con el paso del tiempo, ese episodio se transformó en uno de los momentos más impactantes de la historia reciente del espectáculo argentino.

Nacido como Héctor Omar Hoffmann, Sergio Denis construyó una carrera de más de cinco décadas y dejó canciones que marcaron a distintas generaciones. Temas como “Te quiero tanto”, “Gigante, chiquito”, “Un poco loco” y “Nada hará cambiar mi amor por ti” se mantuvieron vigentes en radios, reuniones familiares y plataformas digitales.

A seis años de su muerte, su figura continúa asociada a una época de la música romántica argentina y a una conexión muy fuerte con el público, que todavía recuerda sus recitales, sus canciones y su estilo cercano arriba del escenario.