BEBÉ RENO (miniserie) creada por Richard Gadd, con Richard Gadd, Jessica Gunning, Nava Mau. En Netflix.

-Cada vez que Netflix está contra las cuerdas, saca un manotazo ganador que lo pone nuevamente en la pelea. Tal vez un éxito impensado en la plataforma, esta miniserie británica creada y protagonizada por Richard Gadd se convirtió en ese rumor del que todos hablan y que resulta difícil saltear. Hay en la composición de Bebé Reno muchos de esos elementos que molestan: sordidez, misantropía, un poco de miserabilismo, algo de exacerbación de lo desagradable. Pero por una vez este combo de explotación parece tener sentido. En primera instancia es la historia de un comediante fracasado que sufre el acoso de una mujer con evidentes problemas psiquiátricos. Pero es, en el fondo, el relato de un tipo que se desarma y se vuelve a armar a partir de una serie de tragedias que parece provocar a propósito. Porque Gadd elude la imagen de la víctima para autoanalizarse con un nivel de descarno y sinceridad que hace recordar a las obras del inolvidable Fernando Peña. Por eso, toda esa exposición del fondo más podrido que toca el personaje no huele tanto a ese efectismo tan propio del cine y las series actuales, si no a una dosis de realidad incómoda, tan incómoda como la mejor comedia negra sabe ser. Luego, sí, están todas las noticias que surgen y pueblan la web y los magazines televisivos y radiales, algo que enturbia los logros de esta miniserie intensa y, por momentos, asfixiante. La actuación de Gunning es increíble.

PROFESIÓN PELIGRO dirigida por David Leitch, con Ryan Gosling, Emily Blunt, Aaron Taylor-Johnson. En cines.

-David Leitch dirigió junto a Chad Stahelski esa maravilla de John Wick. Luego tomaron caminos separados y mientras Stahelski logró consolidar un estilo que funciona a la perfección en la saga con Keanu Reeves, Leitch demostró ser medio un inepto, pero uno muy exitoso: fue el director de las dos irritantes Deadpool. Es decir, lo suyo es un estilo pirotécnico con personajes sobrecargados en su esfuerzo por ser excesivamente ingeniosos, graciosos, cancheros; lo mismo que le pasa a su estilo visual tan lleno de detalles como vacío. Tal vez la cima de la banalidad sea Tren bala. Bueno, ahora olvidemos todo lo que dijimos porque Leitch logró su mejor película a la fecha: Profesión peligro -remake de una vieja serie con Lee Majors, que tiene un simpático cameo- es una comedia de acción que funciona en ambos terrenos, que homenajea a esos nobles artesanos del golpe y el porrazo que son los dobles de riesgo y que encuentra en Gosling y Blunt una pareja con gran química, que explota -literalmente- en la pantalla. De hecho, es la primera vez que una película de Leitch tiene personajes con elementos humanos con los cuales nos podemos identificar. Por cierto, una película divertidísima con un par de secuencias memorables, y que sabe ser cine dentro del cine con gracia y espíritu lúdico. 

SIN GLASEAR dirigida por Jerry Seinfeld, con Jerry Seinfeld, Melissa McCarthy, Jim Gaffigan. En Netflix.

-Jerry Seinfeld creó la sitcom definitiva y eso le alcanzó para ser una celebridad y, a esta altura, una leyenda. Por eso su debut en la dirección de un largometraje generaba cierta expectativa. Como corresponde a un gran comediógrafo como es, defrauda a todo el mundo. No porque Sin glasear sea una mala película, sino porque básicamente lo que hace es ir por el camino más absurdo y delirante posible, bien lejos del prestigio y la cosa pretenciosa que algunos esperarían. Su película toma una disputa real entre Kellogg’s y Post en los 60’s por la invención de un nuevo producto para los desayunos para construir una comedia de una velocidad olvidada en la comedia actual, y una apuesta por el chiste que emociona. Casi que todas las líneas de diálogo tienen un chiste y si bien no siempre acierta, lo hace las más de las veces. Y la película tiene múltiples ideas, como la cofradía de lecheros malvados, las mascotas revolucionarias y esa secuencia en la que entierran a una persona con todos los honores del mundo de los cereales (?). Es decir, Seinfeld agarra una historia real y la llena de inventos geniales, de observaciones únicas: desayunar cereales con leche es “beber y comer con la misma mano”. Seinfeld logra la biografía más descaradamente falsa de la historia. Se agradece. 

GARFIELD: FUERA DE CASA dirigida por Mark Dindal, con las voces originales de Chris Pratt, Samuel L. Jackson, Hannah Waddingham. En cines.

-Hollywood lo intenta, una y otra vez. No funciona. En la tira cómica de Jim Davis, Garfield era un gato hedonista con una serie de observaciones irónicas sobre la realidad. Y algo de eso hay en el prólogo de esta nueva adaptación cinematográfica, pero lo que le sigue es una aventura básica y vulgar, digamos como una película Dreamworks hecha sin demasiada creatividad, en la que le quitan todo el encanto al personaje. Garfield sale a la aventura tras reencontrarse con su padre, un gato callejero que lo abandonó cuando cachorro. Y quedan a merced de una gata malvada que los obliga a robar litros y litros de leche de una compañía láctea. Dindal (que dirigió la horrible Chicken Little, debería haber recordado ese dato antes de poner expectativas a esta película) intenta disimular la pobreza del material con un ritmo veloz que es más confusión que otra cosa. Nada, o muy poco, funciona en esta película que busca en algunos momentos emotivos una justificación narrativa.

AMOR, MENTIRAS Y SANGRE dirigida por Rose Glass, con Kristen Stewart, Katy O'Brian, Ed Harris. En cines.

-Esta película es como ET. Bueno, no es como la obra maestra de Steven Spielberg, pero sí aprovecha un personaje que cae como un OVNI a romper todo. Eso representa la fisicoculturista interpretada por Katy O'Brian, una anomalía dentro de un relato que parece ubicarse dentro de la lógica del policial indie norteamericano (ese de rutas y pueblos polvorientos) y que su presencia lleva hasta los límites del fantástico y el absurdo. Lou (Stewart) trabaja en un gimnasio mientras busca distancia de su padre, el mafioso del pueblo. Pero la tranquilidad se resquebraja con la aparición de Jackie (O’Brian), cuya musculatura hiperbolizada le da movimiento y nervio a esta película desfachatada que no teme a cruzar ningún límite del ridículo. Si bien la directora Rose Glass parece caer en algunas tentaciones de la provocación superficial, lo cierto es que hay tal nivel de riesgo en Amor, mentiras y sangre, que los gestos cancheros quedan sepultados detrás de las múltiples apuestas y la vocación por lo inusitado. Y, sobre todo, por romper los esquemas y mover el piso del espectador que mira todo en piloto automático. Una película para amar o para irritarse.

DESAFIANTES dirigida por Luca Guadagnino, con Zendaya, Mike Faist, Josh O’Connor. En cines.

-El tráiler nos vende un trío sexual con aire a thriller pornosoft de los 90’s, con la ascendente Zendaya aprovechando el impulso de la exitosa serie Euphoria. Pero Guadagnino, director demasiado autoconsciente, lo que hace es llevar a Desafiantes por otro lado: lo suyo es la analogía entre el mundo de los deportistas competitivos y el mundo de los vínculos afectivos, con la posibilidad real de que personajes así sientan pasión o emoción, sin caer en la manipulación. Digamos que el director se toma un poco en serio y otro tanto en broma todo esto que sucede, divirtiéndose con el nivel de histeria de las relaciones sentimentales del presente. El trío protagónico cumple y Desafiantes es por momentos una película para tomar en serio y en otros pasajes una película adolescente disfrazada de psicodrama. El riesgo que corre Guadagnino es el de engolosinarse tanto con el espíritu de sus personajes que nunca termina de cerrar una idea. El final es una demostración de eso, una pelota al lado de la red que el director nunca remata, para aprovechar la metáfora deportiva. Una película más interesante de lo que es en apariencia, pero una mucho menos atractiva de lo que se cree.

LA GRAN EXCLUSIVA dirigida por Philip Martin, con Billie Piper, Gillian Anderson, Rufus Sewell. En Netflix.

-Esta película es el detrás de escena de cómo la BBC consiguió entrevistar al Príncipe Andrés acerca de su amistad con Jeffrey Epstein, condenado por trata de personas y abuso sexual, y finalmente suicidado en prisión. Y es, claro que sí, otra película sobre periodismo. Lo que importa aquí es ver qué se juegan esos personajes, especialmente en un contexto como el que se muestra la película, en el que los medios tradicionales están perdiendo el negocio. Claro que la tensión está dada en la recreación final de esa entrevista, algo que termina demostrando la fatuidad de todo el resto: La gran exclusiva no logra hacer de sus protagonistas criaturas con volumen, e incluso el conflicto de una productora no tomada demasiado en serio parece no merecer la atención que merece si medimos las dimensiones de ese conflicto con los otros que contrapone el relato. Hace unos años Frost/Nixon construía también un relato que iba tensando la cuerda hasta la recreación de una entrevista. Si allí Ron Howard lograba construir un mundo, Martin no logra lo mismo aquí. Incluso, si uno mira la nota real por YouTube, descubrirá la manipulación sutil que se hace con la representación del Andrés de Sewell, una caricatura patética. La gran exclusiva es más interesante por el momento histórico que recrea que por su valor real.

RED dirigida por Domee Shi, con las voces originales de Rosalie Chiang, Sandra Oh, Ava Morse. En Disney+ y en cines.

-Tal vez ya la vieron en Disney+, pero ahora tienen la oportunidad de verla en la gran pantalla. Esta pequeña y agradable película de Pixar tiene como protagonista a una chica un poco arrogante que descubre una maldición familiar que repercute en todas las mujeres: cuando se vuelven adolescentes y las emociones les ganan, se convierte en pandas rojos gigantes. Y como el seno de esta familia es de evidentes raíces asiáticas, la película de Shi terminará siendo otra película de kaijus, esos monstruos enormes a lo Godzilla. Hermosa reflexión sobre la adolescencia, la amistad y el amargo proceso de crecer, Red es como toda película de Pixar por un lado un prodigio técnico y por otro, una rigurosa relación entre sus temas y sus formas. Como si fuera poco, la perfecta recreación de las boys band a lo Backstreet Boys es otro hallazgo que conceptualiza un tiempo y un lugar de la cultura popular juvenil.

THE GREATEST HITS dirigida por Ned Benson, con Lucy Boynton, Justin H. Min, David Corenswet. En Star+.

-Drama romántico con elementos fantásticos, un subgénero siempre atravesado por cierta melancolía y la aceptación de las historias imposibles. The greatest hits se suma a la nómina con una premisa que intenta hacer narración una idea: las canciones nos transportan en el tiempo. Es lo que le pasa a la protagonista que, apesadumbrada por la muerte de su novio, descubre que cada vez que escucha una de las canciones que formaron aquella relación, viaja al pasado para revivir alguna situación durante los minutos que dura el tema. Eso es lo que hace andar a la película, que en verdad es una historia sobre el poder soltar el pasado y lo nocivo de la nostalgia excesiva. Uno de los problemas de estas películas es construir una lógica narrativa que debe ser explicada, algo de lo que Benson se desentiende bastante y hace avanzar la historia sin que lo inverosímil nos preocupe demasiado. Tal vez el único problema real, de un film que está bien en líneas generales, sea su falta de audacia y una falta de pasión que la vuelven un poco desabrida.

EL PODER DE LOS CENTAVOS dirigida por Craig Gillespie, con Paul Dano, Pete Davidson, Vincent D'Onofrio. En Max.

-Esta es una de esas películas para ver con un manual de instrucciones y tratar de entender toda la terminología sobre el mundo de las finanzas que nos arrojan a la cara por segundo. Lo cierto es que hace unos años un grupo de pequeños inversores, representantes de la clase trabajadora, generaron una revolución en Wall Street comprando acciones de una empresa insignificante. Y se hicieron millonarios. Obviamente esto generó una contraofensiva del poder económico, que no toleró la derrota a manos de un grupo de simplones liderado por uno de esos gurúes de las redes sociales. Uno puede o no entender esto, pero en El poder de los centavos hay algo más allá, que es la representación de un mundo que ha cambiado para siempre, uno donde hasta el vecino de la esquina, con un smartphone en la mano, puede jugar a la timba financiera; de jóvenes improductivos fascinados con la idea de hacer guita apostando desde su teléfono. El poder de los centavos es presentada como una comedia dramática basada en hechos reales, cuando en verdad es un film de terror.

BELLAS ARTES (serie) creada por Mariano Cohn, Andrés Duprat y Gastón Duprat, con Oscar Martínez, Koldo Olabarri, Aixa Villagrán. En Star+.

-Luego de Nada, que había representado un paso adelante hacia cierto nivel de sensibilidad en la obra de Cohn y Duprat, Bellas artes los devuelve al terreno que mejor conocen, que es de la misantropía y las lecciones morales gritadas a los cuatro vientos. Si bien pareciera que progresivamente los personajes que imaginan los autores se van haciendo cargo de ese lugar distante y obtuso que ocupan, siguen configurando universos forzados hacia la estupidez con el fin de confirmar las tesis sociológicas acerca de que la mayoría del mundo es idiota, malvado, indolente y acomodaticio. Como siempre el mundo del arte y la postura esnobista es algo que convoca el interés de Cohn y Duprat, y en esta historia sobre una suerte de dinosaurio que se hace cargo de la dirección de un museo de arte contemporáneo en Madrid las posibilidades son infinitas. Si bien se agradece que se animen -y a veces acierten- a un discurso tan a contracorriente de la mirada progresista culposa del presente, también es cierto que lo hacen con un nivel de maniqueísmo exasperante y con personajes que lejos de generar empatía provocan irritación. Bellas artes es además una oportunidad perdida, porque ese mundo cerrado del museo daba para una mirada humorísticamente compleja a lo The Office, pero en el fondo -por más que se crean provocadores- Cohn y Duprat no hacen más que tirar dardos complacientes a su público potencial. Funciona por momentos.

GUERRA CIVIL dirigida por Alex Garland, con Kirsten Dunst, Wagner Moura, Cailee Spaeny. En cines.

-“Emosido engañado” rezaba el grafiti hecho meme. Y un poco de eso hay aquí si pensamos en los tráilers y en la promoción de la nueva película de Garland. Porque en verdad, más que una reflexión política acerca de cómo las sociedades se acercan a su abismo, Guerra civil es una película sobre profesionales, sobre periodistas y corresponsales de guerra apasionados por su trabajo que se preguntan por qué y para qué hacen lo que hacen, pero en el fondo no pueden dejar de hacerlo. Ese es el centro dramático de la película, que pone a una fotógrafa, su compañero periodista, un periodista más veterano y una joven fotógrafa en viaje hacia Washington para entrevistar a un todopoderoso presidente que intenta perpetuarse en el poder mientras el combate estalla a lo largo y ancho del mapa de los EE.UU. La película logra ser espeluznante en su especulación sociológica (y acierta al aportar una confusión ideológica que no permite ver sus cartas), pero resulta mucho más interesante cuando se centra en ese grupo humano que vive su actividad con pasión y gusto por la adrenalina. Por lejos, la mejor película de Garland.

DESCANSAR EN PAZ dirigida por Sebastián Borensztein, con Joaquín Furriel, Griselda Siciliani, Gabriel Goity. En Netflix.

-La nueva película de Borensztein tiene una premisa atractiva: es el año 1994 y una familia de clase media alta atraviesa una crisis irremontable a partir de incontables deudas que ha contraído el padre. Pero un hecho fortuito -que es de paso una de las tragedias más grandes de aquella década en Argentina- permite que el hombre desaparezca de los lugares que solía frecuentar, inicie una nueva vida en otro país y le quite de paso un peso de la espalda a su familia. Hasta ahí la película funciona, especialmente en el abordaje de la psicología de un personaje algo alienado, en la incomodidad de su planteo y en el retrato de una época signada por el sálvese quien pueda. Pero, tentado por el thriller, Borensztein construirá un giro final que pone a la película en el terreno del relato de venganza. Lo psicológico desaparece y lo que nos queda es un film de suspenso mal trazado, con algunas decisiones narrativas que nos obligan a suspender demasiado la credulidad. En ese último acto, Descansar en paz termina tirando todo por la borda.

UN GATO CON SUERTE dirigida por Christopher Jenkins, con las voces de Mo Gilligan, Simone Ashley, Sophie Okonedo. En cines.

-Entre la serie de producciones animadas periféricas que nos llegan, que reproducen algo del diseño de Disney o Dreamworks en un tono más austero, esta película tiene las ideas suficientes como para no parecer una del montón, pero también las limitaciones para ser apenas un producto correcto. Un gato se gasta todas sus vidas y cae en una suerte de limbo, donde le brindan diez posibilidades de reencarnar en otras especies mientras intenta corregir aquello en lo que falló y recuperar el vínculo con su dueña, una abnegada científica que busca salvar a las abejas. Si esto parece bastante intrincado, hay que reconocer que el director Jenkins lo narra con habilidad y simpleza. En lo concreto, Un gato con suerte es una película sobre las segundas oportunidades representadas en esa figura religiosa de la reencarnación. Y hay que decir que la película recurre bastante a la simbología cristiana como para no dudar respecto de sus intenciones. En el medio se mete también un poco de discurso ambientalista, algo que por otro lado es ya un lugar común del cine de animación contemporáneo. Con su humor leve, mayormente apuntado al público infantil, pero con una narración que fluye en su construcción un poco episódica, la película es un amable cuento con moraleja.

EL SIMPATIZANTE (miniserie) creada por Don McKellar y Park Chan-wook, con Hoa Xuande, Robert Downey Jr., Toan Le. En Max.

-Basada en una novela de Viet Thanh Nguyen que ganó el Pulitzer en 2016, El simpatizante está centrada en la experiencia de un espía comunista que, en su rol de doble agente y en tiempos de la Guerra de Vietnam, escapa rumbo a los EE.UU. junto a la familia del derrocado gobernante. En su primer episodio (cada domingo habrá uno nuevo), El simpatizante exhibió todos los recursos narrativos con los que cuenta Park Chan-wook, aunque por momentos resultó un poco confusa en sus saltos temporales, cambios de tono y apuesta por una sátira que no termina de ser divertida. De todos modos, se aprecia un notable diseño de producción y la presencia de un director con mirada cinematográfica que le aporta un vuelo a las imágenes por encima de la televisión promedio. Como productor, Robert Downey Jr. se reserva además no uno, no dos, no tres, sino cuatro personajes que representan el imaginario norteamericano en diversos aspectos del conflicto político, en lo que se podría interpretarse también como un homenaje al Peter Sellers de Dr. Strangelove, una película con el mismo espíritu satírico. Cuando El simpatizante se aplaca, cuando se centra en la historia y sus personajes, cuando deja de lado el virtuosismo, resulta una producción atractiva sobre la política y el poder, pero especialmente sobre la identidad de personajes sin aparente moral. 

RECUERDOS MORTALES dirigida por Adam Cooper, con Russell Crowe, Karen Gillan, Marton Csokas. En cines.

-Un policía que padece Alzheimer y se ha sometido a un novedoso tratamiento es convocado por un condenado para que revea su caso, que ha dejado algunos cabos sueltos. La propuesta, entonces, es una invitación a jugar un poco el juego de la mente, a tratar de recordar el pasado difuso, en un relato que suma capas de manera bastante interesante. Hasta que, claro, tiene que resolver y empieza con una serie de giros a cuál más inverosímil. Ahí es donde Recuerdos mortales muestra sus cartas y se cae a pedazos, porque quiere pasar por ingenioso algo que es decididamente una tontería insostenible. Lo único que hace que mantenga el interés es la presencia de Crowe, un actor enorme, que aquí no luce demasiado pero así y todo es lo suficientemente profesional como para decir sus parlamentos con convicción y hacernos creer ese personaje imposible que le tocó en suerte.

RIPLEY (miniserie) creada por Steven Zaillian, con Andrew Scott, Johnny Flynn y Dakota Fanning. En Netflix.

-Los textos de Patricia Highsmith, una de las más grandes autoras de relatos policiales, han tenido infinidad de adaptaciones. Esta, a cargo de Steven Zaillian, es decididamente las más acabada, no sólo porque traslada el texto original con elegancia y precisión, sino porque además parece también querer abarcar a aquellos autores que se inspiraron en la escritora. Y aquí hay mucho de Hitchcock, que adaptó Extraños en un tren, y buena parte de esos relatos de misterio ambientados en la Europa de mediados del siglo pasado. Ripley vuelve sobre las andanzas del estafador Tom Ripley y su viaje a Italia para intentar convencer de regresar a EE.UU. al hedonista hijo de un ricachón. Y es otra historia ambigua (la sexualidad está un poco más explícita), que surfea la mente de un simulador compulsivo como el obsesivo y camaleónico Ripley, cuya impotencia (que es también mirada de clase), lo lleva a indetenibles estallidos de violencia. Lo genial de Ripley es que se balancea entre lo mecánico y lo impulsivo. Y por si la historia no alcanzara, y las actuaciones no fueran suficiente (Scott nació para este personaje), la miniserie es de una belleza visual que resulta fascinante.

AGENTE X: ÚLTIMA MISIÓN dirigida por Renny Harlin, con Aaron Eckhart, Nina Dobrev, Clifton Collins Jr. En Prime Video.

-Hay una máxima en el cine contemporáneo que indica que a cada chancho le llega su John Wick. Y en esta historia de agentes de la CIA a punto de ser traicionados, Aaron Eckhart -otrora actor con cierta reputación- espera ansiosamente ese personaje de acción que le permita una franquicia a partir de la construcción de un universo con sus particularidades. Y no lo logra porque la película es flojísima, sin una escena de acción más o menos recordable y con un protagonista al que se le quiere incorporar un misticismo que nunca llega. El Steve Vail de Eckhart es un agente marginal que se gana la vida como albañil, por lo que ocasionalmente termina usando el fratacho y la cuchara como arma mortal. Ni ese gesto ridículo le alcanza a Agente X: última misión. Es curioso que todo luzca tan poco imaginativo cuando detrás de cámaras está Renny Harlin, director especializado el género, aunque, es cierto, su época de gloria estuvo allá por los 90’s con películas como Duro de matar 2 o Riesgo total. El bueno de Renny hace lo que puede con una historia que es menos de lo mismo.

SIEMPRE HABRÁ UN MAÑANA dirigida por Paola Cortellesi, con Paola Cortellesi, Valerio Mastandrea, Romana Maggiora Vergano. En cines.

-Esta película protagonizada, escrita y dirigida (es su ópera prima) por Paola Cortellesi demuestra que el problema de algunas películas que corren detrás del viento de época no es eso, sino que son malas. Siempre habrá un mañana es claramente una película que se activa con los debates del presente acerca del rol de la mujer y la violencia masculina, pero lo hace con inteligencia, con creatividad para fusionar diversas capas del relato, con un altísimo grado de emoción y con un sentido del humor a veces retorcido para retratar la violencia a la que es sometida una mujer por parte de su marido en la Italia de los años 40’s. Cortellesi juega con los tonos del neorrealismo (la gran invención del cine italiano) en el retrato de esta familia que vive el posible casamiento de la hija como una forma de salir de la situación marginal en la que viven. Y así, entre canciones románticas utilizadas en sentido irónico, un grotesco excelentemente calibrado y actuaciones ajustadísimas en su representación de la iconografía de lo italiano, Siembre habrá un mañana va construyendo el camino de esa mujer y, también, el de un país.

HIJOS DE PERRA dirigida por Josh Greenbaum, con las voces de Will Ferrell, Jamie Foxx, Isla Fisher. En Max.

-Una estructura clásica de la comedia norteamericana es la del relato que involucra a un grupo definido de personajes en un lapso concreto de tiempo. Por lo general son historias de amistad que se resuelven en una noche en la que los personajes viven una aventura transformadora. Hijos de perra aplica a esos conceptos, pero le suma una singularidad: los protagonistas son cuatro perros. La película cuenta la historia de un perro maltratado que no entiende la maldad de su dueño y que, iluminado por un grupo de perros callejeros acerca del maltrato al que era sometido, emprenderá un viaje de regreso al hogar para… arrancarle de un mordisco el miembro viril a aquel sujeto. Sí, la sutileza no es lo van a encontrar aquí (la escatología y el humor sexual son la regla), pero a cambio nos llevaremos una sucesión de chistes perfectos provenientes de la mente del director Josh Greenbaum, el mismo de la esplendorosa Barb and Star go to Vista del Mar. De fondo, una moraleja sobre la importancia de la libertad en esta mezcla hilarante entre Homeward bound y Supercool.

COPPOLA, EL REPRESENTANTE (miniserie)creada por Ariel Winograd, con Juan Minujín, Monica Antonopulos, Joaquín Ferreira. En Star+.

-En esta suerte de revival de personajes icónicos de los 80’s y 90’s que está haciendo el audiovisual nacional, la figura de Guillermo Coppola era indispensable para pensar a cierto estatus de la farándula y la opulencia de aquellos años. Así lo entendió Ariel Winograd, que lejos de construir una apología del personaje y una celebración de sus andanzas de la noche porteña, prefirió ir por los terrenos de la ficción y la sátira, rompiendo constantemente la idea de la biografía a lo Wikipedia. Winograd, el mejor director de cine cómico del país, destruye el verosímil del biopic y apuesta por incorporar a este recorrido sin cronología alguna por la historia del representante de Maradona los tonos del cine y de la televisión argentina de aquellos tiempos (hay guiños al canal Venus, al VHS, a Ritmo de la noche, a publicidades icónicas). Se podría decir que la estructura de estos seis episodios está relacionada con el vínculo profesional entre Coppola y Maradona, pero la miniserie salta de año en año buscando pequeños hitos que van edificando una mirada sobre el protagonista: un fabulador, un vendedor compulsivo, alguien que no puede dejar de ser el personaje que construyó durante las 24 horas de los 365 días del año. Sin embargo, no hay aquí una glorificación del chanta triste, sino algo más complejo, tal vez inasible sobre un personaje fascinante pero repudiable a la vez. Muy interesante.

LAZOS DE VIDA dirigida por James Hawes, con Anthony Hopkins, Johnny Flynn, Helena Bonham Carter. En cines.

-Nicholas “Nicky” Winton fue un filántropo británico que en tiempos de la Segunda Guerra Mundial ayudó a rescatar más de 600 chicos de las garras del nazismo. Lazos de vida es un drama prolijo y bien narrado que cuenta esta historia en dos tiempos. El primero, la misión en sí, cuando Winton y un grupo de conocidos llevó adelante esta complicada acción mientras los nazis avanzaban por toda Europa. El segundo, hacia fines de los 80’s, cuando el protagonista, atormentado por las figuras de los chicos que tal vez no pudo rescatar, decide que la historia se conozca, pero nadie le presta el debido interés. Si bien la película va narrando estas instancias con algo de distancia, aunque con la máscara de Hopkins como punto de interés que nos atrae y nos hace seguir viendo, en el último acto aplica una serie de golpes, que no bajos, pero que vuelven a Lazos de vida profundamente emotiva, que habla en todo caso del poder de los medios de comunicación cuando son usados en el buen sentido. No es una gran película, pero revela una historia que merecía conocerse y lo hace con el pulso justo para no excederse en lo lacrimógeno.

ARTHUR dirigida por Simon Cellan Jones, con Mark Wahlberg, Nathalie Emmanuel, Simu Liu. En cines.

-Otra historia real llevada al cine. Mikael Lindnord fue el capitán del equipo sueco de atletismo de aventura, una disciplina que involucra diversas pruebas que requieren una alta exigencia física. En una de esas travesías, cuando ya estaba un poco de vuelta y buscaba un reto que le resignifique la nueva etapa que atravesaba en su vida, tuvo una experiencia particular: en medio de la selva de Costa Rica, mientras competía con su equipo, se cruzó con un perrito callejero al que alimentó. Y luego de varios kilómetros, escalada por medio, volvió a encontrarse con el perrito, al que llamó Arthur (por el rey) y lo incorporó al equipo. La película de Cellan Jones -que toca todos los lugares comunes-, funciona muy bien como relato deportivo (tiene alguna secuencia que a los que padecemos vértigo nos hará retorcer en la butaca) y también como historia de segundas oportunidades. Sin embargo, con la aparición del perro cede al encanto del melodrama y busca el lagrimón efectista, con recursos un poco espurios. Pero la historia es tan increíble, Wahlberg es un intérprete sólido en estos films que requieren un compromiso físico y el perro actúa tan bien, que Arthur nos chantajea un poco y nos termina ganando por cansancio. Una película no apta para rigurosos.

PALM ROYALE (serie) creada por Abe Sylvia, con Kristen Wiig, Ricky Martin, Laura Dern. En AppleTV.

-Maxine es una mujer decadente que busca pertenecer a toda costa a la alta sociedad, en la Palm Beach de 1969. Tanto es así, que en la primera escena la vemos entrar, colándose por arriba de un paredón, a un exclusivo club lleno de señoras ricachonas y aburridas. Ese ingreso fallido (porque la echarán) será finalmente el ingreso a un universo de apariencias y secretos, repleto de personajes capaces de cualquier cosa por sostener un estatus. Así contada, Palm Royale parece otra de esas series cínicas cuyo único sentido es decirnos que todo es una mierda y nadie se salva. Pero no, Palm Royale es una sátira chispeante y tiene un elemento clave: Kristen Wiig. La actriz, la mejor comediante norteamericana del Siglo XXI, es capaz de darle a su Maxine una dosis de ingenuidad que vuelve querible a su patetismo. Y así, avanza con el resto de los personajes, gente odiosa que detrás de la superficie va revelando aspectos más humanos. Palm Royale se podría quedar en la fácil, pero acierta en ir hacia un lado menos efectista. Y lo hace acompañada de un diseño visual notable, copiando el espíritu de los viejos melodramas hollywoodenses. Imperdible.

DETRÁS DE LA VERDAD dirigida por Miles Joris-Peyrafitte, con Hilary Swank, Olivia Cooke, Jack Reynor. En cines.

-Hilary Swank, la mujer que ha nacido para sufrir en el cine, interpreta aquí a una periodista que se entera a los pocos minutos de que su hijo adicto ha sido asesinado. Eso la lleva a reencontrarse con su nuera embarazada, en una película que parece un drama intimista entre dos mujeres unidas por una tragedia que tienen que superar sus diferencias, relato que progresivamente se va volviendo un thriller policial. Esa indefinición en el tono le juega en contra a la película, que nunca termina por hacer propias las reglas del film de misterio y comienza a dar vueltas con una serie de giros un poco imposibles. O si no imposibles, se vuelve un poco berreta para la intensidad del drama que cuenta. Obviamente Swank es muy buena y hace este personaje de taquito, pero el material que entrega Detrás de la verdad es tan limitado que todo queda en un tono de discreción. Y el final quiere jugar con una ambigüedad que nadie le pidió. No está necesariamente mal, pero es una película del montón. 

GODZILLA Y KONG: EL NUEVO REINO dirigida por Adam Wingard, con Rebecca Hall, Brian Tyree Henry, Dan Stevens. En cines.

-Tras mucho intentarlo, los norteamericanos finalmente lograron algunos productos dignos con Godzilla, a partir de esta franquicia que -con películas buenas y de las otras- supo construir un universo sólido en el que las reglas de las películas sobre monstruos funcionan perfectamente. Pero si la mayoría de estas películas protagonizadas por Godzilla y King Kong pecan de cierta solemnidad, esta nueva entrega dirigida por Adam Wingard saca a relucir un nivel de diversión que creíamos olvidado en el mainstream. Es que tras aceptar que no hay mucho nuevo por contar, lo que hace Godzilla y Kong: el nuevo reino es desbocarse por el lado del ridículo y lo absurdo, entonces tenemos a Kong padeciendo los dolores de una muela en mal estado y todo un operativo odontológico a escala desaforada para hacerle un implante. Esta es tan solo una de las ideas que la película utiliza como combustible. Porque obviamente no es la historia ni la complejidad de los personajes lo que logra el interés, sino la forma en que Wingard filma la acción y la manera en que esta se vuelve creativa. Una película que se define finalmente por la forma y el movimiento, y que es divertidísima. En definitiva, un de las sorpresitas del año.

COMO EL MAR dirigida por Nicolás Gil Lavedra, con Sofía Gala Castiglione, Zoe Hochbaum, Carmen Maura. En cines.

-En los primeros minutos de Como el mar, Azul descubre un secreto familiar que arrastraba desde siempre: quien dice ser su hermana es su madre y esa madre que acaba de morir era en verdad su abuela. A partir de ahí, la película de Nicolás Gil Lavedra seguirá el viaje de estas dos mujeres hacia Cabo Polonio, en Uruguay, donde Azul quiere ir a conocer a quien es su padre. El director de Verdades verdaderas y Las grietas de Jara, lejos de aquellas dos películas de tono más industrial, elige aquí el relato intimista y esa decisión es acertada. Como el mar, lejos de los zamarreos del melodrama efectista, piensa con inteligencia la reconstrucción de ese vínculo, que es ahora de madre e hija, aunque nunca pueda quedar atrás lo fraternal. Con los elementos típicos de la road movie, ese movimiento cruzará a las protagonistas (notables Gala Castiglione y Hochbaum -también guionista-) con otros personajes, en un viaje que será finalmente el de la confesión y la aceptación.

OPERACIÓN CERVEZA dirigida por Peter Farrelly, con Zac Efron, Russell Crowe, Jake Picking. En Apple TV.

-La semana pasada hablamos de Peter Farrelly por Ricky Stanicky: el impostor. Resulta que entre la oscarizada Green book y esta comedia que lo devolvió a las fuentes, Farrelly dirigió este drama basado en hechos reales, donde un muchacho bastante patriota y sin mucho por hacer en su país (Efron) decide ir a llevarles cervezas a sus amigos que están peleando en Vietnam como un gesto de camaradería y apoyo. Si la historia parece bastante increíble, Farrelly elige aprovechar ese viaje al centro de la guerra para confrontar la mirada del protagonista y generar un despertar en su conciencia de ciudadano. Relato antibelicista al fin y al cabo, lo que más se extraña es la posibilidad del director para aportar una mirada personal, dentro de una película en la que cede demasiado más su rasgo de identidad a la complacencia de lo bienpensante (mucho más que en Green book). Si bien no está mal lo que cuenta y Efron construye su personaje con el nivel de ingenuidad requerido, Operación cerveza luce un poco lavada y demasiado previsible, algo imperdonable para un director que ha hecho siempre de lo sorpresivo un estilo.

DAMSEL dirigida por Juan Carlos Fresnadillo, con Millie Bobby Brown, Ray Winstone, Angela Bassett. En Netflix.

-Netflix y su obsesión por convertir a Millie Bobby Brown en una estrella. Aquí el vehículo es una fantasía medieval en la que una princesa es el centro de un sacrificio: tras casarse con el príncipe de un poderoso reinado, es arrojada al fondo de un foso para ser merienda de una dragona con la que han firmado un acuerdo, ella no los ataca mientras que le tiren cada tanto una princesita. Damsel funciona mientras la víctima se encuentra en la caverna, tratando de escapar de la dragona, que además de comer humanos y escupir un fuego con aspecto de lava, habla y trabaja psicológicamente a la protagonista. Allí Fresnadillo demuestra su conocimiento en cine de género, manejando con inteligencia los climas y el suspenso, incluso con alguna secuencia espectacular. Obviamente, cuando la historia tiene que salir obligadamente de ese encierro, pierde tensión e interés. Y, para peor, todo el último acto es un subrayado de aquellas cosas que ya estaban claras de antemano. Una fantasía medieval con su necesaria dosis de actualidad y discursos de empoderamiento femenino que a esta altura huelen más a oportunismo que a otra cosa.

RUSTIN dirigida por George C. Wolfe, con Colman Domingo, Chris Rock, Glynn Turman. En Netflix.

-Desde el prejuicio, esta película genera todas las dudas, especialmente por su tema y por una época donde los abordajes no salen de lo esperable y del consenso discursivo. Mucho más en el cine de plataformas. Sin embargo, sorprende porque logra correrse del panfleto sin arrugas. Colman Domingo interpreta a Bayard Rustin, un activista de los derechos civiles que fue el gran ideólogo de la marcha a Washington en la que cientos de miles se movilizaron en contra de la discriminación racial. La película narra toda la preparación del evento y su concreción, pero especialmente las dificultades que tuvo el protagonista cuando se hizo pública su orientación sexual. Lo interesante de la película de George C. Wolfe es que muestra los dobleces, las contradicciones de los propios. No pone el conflicto en la vereda de enfrente, sino que lo mira desde adentro y elabora una autocrítica. Seguramente el final es un poco más edificante que la realidad, pero Rustin sirve como recorte de un tiempo y un momento, y también de un personaje al que la historia oficial no le terminó dando el lugar que merecía. De lo mejorcito lanzado por Netflix en este terreno.

Que Alexa, Siri, o Google Assistant puedan entender y responder una pregunta realizada por nosotros en voz alta es algo sorprendente. Que un programa informático como Dall-E o Stable Difussion pueda, a partir de una serie de palabras, crear una imagen única que incluso imite el estilo artístico de un pintor en particular, también. Que uno pueda ordenarle a ChatGPT o a Google Gemini que redacte un artículo periodístico y obtener un resultado coherente, parece increíble. Pero, ¿estamos lidiando con computadoras que realmente son «inteligentes»?

Todos los desarrollos actuales que se califican como pertenecientes al campo de la inteligencia artificial, se engloban en lo que se llama «inteligencia artificial débil», o «inteligencia artificial estrecha». La inteligencia artificial estrecha es aquella que está diseñada para una tarea específica y presenta fallas o errores cuando uno intenta aplicarla por fuera de los límites de dicho diseño.

Por ejemplo, si uno le pregunta a Google Assistant «¿Cuál es el sentido de la vida?», la aplicación se limitará a responder con alguna definición enciclopédica del vocablo «vida», pero es incapaz de responder la pregunta filosófica que el usuario le plantea.

De la misma manera, un software para creación de imágenes como Dall-E o Stable Difussion es incapaz de generar la imagen de un objeto para la cual el modelo no haya sido entrenado: si el modelo no cuenta en su base de datos con imágenes asociadas al concepto «mate», va a ser incapaz de generar una imagen coherente de dicha infusión.

El concepto tradicional de «inteligencia artificial» popularizado a través de los años en novelas de ciencia ficción y películas como Terminator o Matrix, es lo que hoy se denomina «inteligencia artificial general» y, por ahora, sigue siendo sólo una fantasía: se trataría de un tipo de IA capaz de superar las capacidades humanas. No existen actualmente desarrollos que siquiera se acerquen a este concepto.

La razón por la cual se les aplica el término de «inteligencia artificial» es porque son programas capaces de brindar resultados más complejos al funcionar de maneras que imitan de forma muy parcial y limitada algunos mecanismos específicos de la inteligencia humana. Una de las técnicas más utilizadas y revolucionarias es lo que se conoce como «redes neuronales artificiales».

Esta técnica consiste en crear diversas unidades individuales ordenadas en nodos interconectados, imitando la estructura de un cerebro biológico. Estas unidades se envían señales entre sí, incrementando o inhibiendo el estado de activación de las «neuronas» adyacentes, de la misma manera que sucede en una red de neuronas real. Estas estructuras virtuales son entrenadas con grandes cantidades de datos, y así «aprenden» a reconocer patrones o a identificar relaciones complejas. Cuando los nodos están ordenados en diversas capas o niveles, es cuando se habla de «aprendizaje profundo».

Existen otros desarrollos informáticos que se engloban dentro de lo que se denomina inteligencia artificial estrecha, como ciertos algoritmos complejos.

Como todo concepto nuevo y complejo, la «inteligencia artificial» genera temores y dudas. Sin embargo, a pesar de que estas técnicas ya están siendo aplicadas de maneras que afectan nuestra vida diaria, en lo inmediato no existe peligro alguno de que las máquinas se vuelvan conscientes y empiecen a controlar nuestras vidas.

Sin embargo, estas herramientas sí pueden servir como elementos de control: la inteligencia artificial determina, por ejemplo, a qué contenido somos expuestos en las redes sociales o plataformas de entretenimiento, como Netflix o YouTube. También, a qué información accedemos, o qué publicidades o productos nos ofrecen. Pero, en esos casos, la inteligencia artificial funciona como una herramienta al servicio de las empresas y corporaciones que nos brindan estos servicios. Hay personas detrás de esos algoritmos, que deciden cómo se aplican de acuerdo a los resultados que desean obtener. La solución es buscar información en fuentes diversas y siempre tener un ojo crítico a la hora de analizar lo que vemos y escuchamos.

La inteligencia artificial ofrece hoy en día herramientas que permiten mejorar nuestra vida diaria. Algunas de esas herramientas, son gratuitas.

Cualquier persona puede acceder, por ejemplo, a la versión gratuita de ChatGPT y pedirle que le redacte un email, o el borrador de un trabajo para el colegio. Estas herramientas aún son limitadas, y el resultado va a tener que ser corregido y chequeado, pero es una ayuda que permite ahorrar tiempo y esfuerzo.

Otra aplicación muy útil de la IA son las transcripciones: existen servicios en línea que permiten subir un audio o video y conseguir una transcripción bastante fiel de lo que se habla en el mismo. Uno puede, por ejemplo, convertir en un texto coherente la grabación en audio de una clase de la facultad o subtitular un video familiar que se grabó con poca calidad de audio.

Estos son sólo dos ejemplos de las muchas aplicaciones sencillas y gratuitas basadas en inteligencia artificial que están al alcance todos.

Una de las preocupaciones más asociadas con los desarrollos en inteligencia artificial es la posibilidad de que estos programas informáticos hagan que ciertos puestos de trabajo se vuelvan obsoletos. Sin embargo, a medida que se van popularizando estas herramientas, sus limitaciones se vuelven cada vez más evidentes.

El año pasado, los 160.000 profesionales de los medios y el entretenimiento afiliados al sindicato SAG-AFTRA de Estados Unidos —el cual reúne a la mayoría de los actores relevantes de Hollywood— se declararon en huelga. El principal foco del conflicto, fue la utilización de la inteligencia artificial y otras herramientas digitales en la industria del entretenimiento. También el año pasado, la plataforma Disney + estrenó la serie «Invasión Secreta», cuya presentación fue elaborada a través del uso de una inteligencia artificial.

Sin embargo, muchas de las empresas que habían empezado a apostar fuertemente por estas herramientas, están reviendo sus estrategias. La inteligencia artificial estrecha puede ayudar a realizar algunas tareas de manera más rápida y sencilla, pero su nivel de desarrollo aún no puede suplantar las capacidades de un ser humano.

El principal problema, es la falta de un punto de vista: la inteligencia artificial puede recopilar datos sobre un tema, pero no formar una opinión. No puede comprender las relaciones complejas entre los individuos, las instituciones, los gobiernos. Puede crear un texto que explique un tema, pero no redactar un artículo periodístico.

De la misma manera, la inteligencia artificial estrecha puede imitar ciertos aspectos estéticos del estilo de un artista, pero es incapaz de crear una pieza con peso dramático, donde el relato se construya a partir del contexto histórico y las sutilezas de los gestos y las expresiones.

En otras palabras, nunca una inteligencia artificial podrá crear una obra como «Iván el terrible y su hijo», del artista ruso Iliá Repin.

GHOSTBUSTERS: APOCALIPSIS FANTASMA dirigida por Gil Kenan, con Paul Rudd, Carrie Coon, Mckenna Grace. En cines.

-En 2021 Jason Reitman tomó la posta de su padre, el recordado Ivan, y recuperó la saga Cazafantasmas con una película que tenía un doble mérito: era un emotivo homenaje y a la vez lograba darle un nuevo impulso al concepto. Obviamente, cuando las cosas salen bien en Hollywood, la condena es tener que seguir exprimiendo aquello de lo que no se sabe si hay mucho más jugo. Un poco pasa eso en esta Ghostbusters: apocalipsis fantasma, dirigida por alguien experimentado en relatos fantásticos y familiares como Gil Kenan (tiene la animada y muy buena Monster House). Ghostbusters: apocalipsis fantasma pretende abrir una suerte de mitología con una vieja maldición y repensar los vínculos entre los protagonistas, en una película que suma demasiadas subtramas y personajes, y que por momentos no sabe cómo ser comedia y fantasía en el mismo momento. Entonces surgen escenas con Kumail Nanjiani y Patton Oswalt (dos grandes comediantes) que parecen sketches dentro de una película en la que necesariamente algunos personajes lucen extraviados, especialmente el padre postizo de Paul Rudd. Entre pasajes logrados, Ghostbusters: apocalipsis fantasma se va desinflando sin terminar nunca de ser una película.

RICKY STANICKY: EL IMPOSTOR dirigida por Peter Farrelly, con Zac Efron, John Cena, Andrew Santino. En Prime Video.

-Junto a su hermano Bobby, Peter Farrelly hizo algunas de las comedias más populares de los 90’s: Tonto y retonto, Loco por Mary, Irene, yo y mi otro yo. Comedias salvajes que recuperaban el espíritu sexual y escatológico de una parte de la comedia norteamericana de los 70’s y 80’s. Pero bueno, todos quieren ganar un Oscar en algún momento de la vida y Peter lo logró con Green book. Cuando lo creíamos perdido para siempre entre los humos del prestigio y la búsqueda de premios, el bueno de Peter -ya sin su hermano- regresa a esa comedia que lo hizo conocido. Y lo hace con buen timing en Ricky Stanicky: el impostor, que tiene una premisa muy ocurrente y a la cual sabe sacarle todo el jugo posible. Tres amigos de la infancia se inventan un amigo falso para echarle la culpa de todas las macanas que se mandan. Pero crecen, y siguen teniendo a ese comodín pasa zafar de aquellos eventos a los que no quieren concurrir. Claro, un día la mentira se agota y hay que crear un Ricky Stanicky. Y ahí aparece en escena esa revelación cómica de John Cena, para hacer de Ricky Stanicky uno de los mejores personajes de la comedia reciente. La película tiene grandes chistes, la procacidad veloz para los diálogos y las situaciones del buen cine Farrelly y, es cierto, un final que no está a la altura. Pero por un rato esta película nos devuelve a los tiempos en que lo importante en una comedia era buscar el chiste más efectivo posible.

AVATAR: LA LEYENDA DE AANG (serie) creada por Albert Kim, con Gordon Cormier, Kiawentiio, Ian Ousley. En Netflix.

-Esta serie es una nueva versión de la serie animada de Nickelodeon, que tuvo una fallida adaptación cinematográfica a cargo de M. Night Shyamalan (tan fallida que a poco estuvo de destruir su carrera), la cual estaba pensada para trilogía y murió con su primera entrega. Netflix ha puesto todo su oropel para una versión que luce imponente desde el diseño visual, con efectos digitales destacados y un universo que se adivina inagotable. Lo que hay adentro es lo que ya conocen: un mundo gobernador por cuatro tribus, cada una poseedora de sabiduría y manejo de un elemento natural: el fuego, el viento, el agua y la tierra. Claro, los de fuego son los malos y los que gobiernan a mano firme. Pero, y esta es la base de la aventura, hay un personaje que aparece cada tanto, que es capaz de juntar el conocimiento de todos los elementos. El elegido, un elemento religioso que finalmente la fantasía se apropió y lo ha vuelto recurrente. Y el elegido es Aang, un adolescente maestro del aire, el último de los suyos, que tendrá que hacer el camino del aprendizaje para convertirse en ese salvador que todos necesitan. Si bien es un producto norteamericano, hay bastante conocimiento sobre mitología asiática, aunque la serie abusa de esa espiritualidad un poco impostada. Pero cuando no cae en eso, cada capítulo se vuelve una aventura adolescente amena, donde lo que importa es el aprendizaje, porque Aang lejos está de ser un per perfecto. Puede que los capítulos sean un poco largos y la historia algo reiterativa, pero en esa grandilocuencia se juega también la importancia de estos productos audiovisuales destinados al gran público.

EL ASTRONAUTA dirigida por Johan Renck, con Adam Sandler, Carey Mulligan, Paul Dano. En Netflix.

-La comedia sandleriana fue una de las cosas más felices que nos pasaron durante un largo tiempo. No es que ese tiempo haya pasado de largo, pero es verdad que la felicidad es cada vez más esporádica. Sin embargo, Sandler ha sabido correrse de la comedia y ha demostrado interés en otros caminos como intérprete, algunas veces acertando y otras, como en este caso, fallando de margen a margen. Sandler interpreta aquí a un astronauta que va en misión a analizar una nebulosa. Está solo en la nave y la mente le empieza a jugar el desgaste: en ese contexto aparece una araña gigante (con la voz de Paul Dano), que lejos de generar miedo o convertir el relato en un thriller a lo Alien, habilita el juego de la ciencia ficción introspectiva y existencialista. Sandler es un comediante que ha sabido construir un concepto a partir de la tensión y la irascibilidad que su cuerpo transmite. Y aquí, en un relato que apuesta más por la sedación, su presencia en pantalla se vuelve decididamente inocua. Sustraído de su principal herramienta, Sandler vaga por la película como intentando dilucidar a su personaje mientras nosotros, del otro lado de la pantalla, tratamos de entender qué nos quiere decir la película. Que termina siendo otro de esos relatos sobre angustias maritales y sentimentales, disfrazado de cosa rara para llamar la atención.

SUNCOAST dirigida por Laura Chinn, con Nico Parker, Laura Linney, Woody Harrelson. En Star+.

-A partir de mediados de los 90’s se terminó por definir una suerte de concepto alrededor del cine independiente norteamericano. Que ya no era independiente, era indie. Películas alejadas de la grandilocuencia del mainstream, protagonizadas por una suerte de clase media alejada de las grandes ciudades, por lo general dramas con leves tonos de comedia que volvían agradable y sensible la experiencia. Ya no era el cine independiente virulento y rugoso del pasado, sino películas para ver reconfortados en el sillón de casa tapados con una manta tejida por la abuela. En ese esquema encaja perfectamente esta Suncoast, la historia de una madre que toma la decisión de internar a su hijo para que tenga la mejor calidad posible de vida en sus últimos días o meses, y la historia de una hija y hermana que atraviesa la dura etapa del final del secundario mientras se siente relegada por el hermano enfermo. Suncoast tiene todos esos elementos que señalábamos de manera un poco burlona, pero hay que reconocerle que es muy sincera en su abordaje del duelo, en la forma con que mira no al enfermo, sino a quienes lo rodean, que son en definitiva los que sobrellevarán la pérdida. La película se vale del tono adolescente para aligerar un poco las cosas, que son bastante densas, y por las actuaciones que complementan ese tono elegido por la directora y guionista, especialmente Nico Parker y esa reina del indie norteamericano que es Laura Linney. 

Por Mex Faliero

ARA SAN JUAN: EL SUBMARINO QUE DESAPARECIÓ (miniserie) creada por Mauricio Albornoz Iniesta. En Netflix.

-Esta miniserie documental recorre todas las instancias que bordearon a la desaparición del ARA San Juan, desde el hecho en sí hasta las implicancias políticas del asunto. Si bien no suma nada a lo que ya se conoce, sí hay que reconocer que tiene un interesante trabajo de montaje, desarrollando con pericia el orden cronológico de los sucesos. Que cada uno de sus ocho episodios dure alrededor de 25 minutos, le aporta además un ritmo que la vuelve atractiva. Ahora bien, que vivamos en la comunidad de la que son las víctimas, nos impide el acercamiento lúdico respecto de qué pasó con el submarino, de la misma forma en que nos preguntamos por el avión de Malasia Airlines que desapareció en el medio del Océano cuando miramos la miniserie sobre ese caso. Si bien la serie esboza algunas teorías, su apuesta está centrada en la denuncia y, en particular -y con justa razón-, en señalar al Gobierno de Mauricio Macri, que además de manejar con impericia la búsqueda tiene sobre sí la sospecha de espionaje sobre los familiares de las víctimas. Sin embargo la elección como testimoniantes de los ministros de Defensa kirchneristas Nilda Garré y -especialmente- Agustín Rossi nos da alguna pauta sobre la mirada que construye la serie.

DOBLES DE ACCIÓN dirigida por Larry Yang, con Jackie Chan, Liu Haocun, Yu Rongguang. En cines.

-Jackie Chan es una de las mejores cosas que le pasaron al cine durante el Siglo XX y esta película, hecha como vehículo para su lucimiento, es además un homenaje doble: hacia aquellos dobles de riesgo del cine, que se han jugado la vida incontable cantidad de veces, y al propio Chan, a su carrera, a su presencia que siempre puso el cuerpo en riesgo con sus acrobacias imposibles. Chan interpreta a un doble de riesgo en el ocaso, mientras vive entre viejos decorados del cine con un caballo igual de maltrecho que él. Precisamente la posibilidad de perder ese caballo por viejas deudas dispara el drama, que se convierte en melodrama cuando reaparece una hija con la que hacía tiempo no se veía. Si la película no es mejor se debe a sus ambiciones más bien módicas y, sobre todo, a que claramente Chan no es el de antes y ya no está para algunos trotes. Sin embargo, allí donde aparece el homenaje al artista del golpe y del porrazo, al tipo que supo cruzar a Buster Keaton con Bruce Lee, es cuando Dobles de acción da en el blanco y nos divierta a la vez que nos emociona. Lo que mejor la define es su tono otoñal.

RESCATE IMPOSIBLE dirigida por William Eubank, con Russell Crowe, Liam Hemsworth, Milo Ventimiglia. En cines.

-Hay dos películas aquí adentro. Una es un film de acción sobre una misión imposible en el medio de la selva filipina para ir a rescatar un soldado tomado de rehén por un grupo malo-malo. La otra es la historia de un tipo con muchos matrimonios, muchos hijos y muchos problemas, que maneja la misión a distancia y busca realizar su tarea lo mejor posible a pesar de un contexto de militares entre tontos y despreciables. Aquella primera película es regular, pero está filmada con nervio y tiene un grado de violencia que la vuelve anacrónica y desfachatada. La otra es mejor, básicamente porque el tipo que maneja los drones a distancia es Russell Crowe, un actor que desde que se olvidó de actuar para los premios se ha vuelto un mejor actor, capaz de interpretar a estos personajes que son profesionales, pero tienen miles de falencias, con la mayor de las precisiones. Los momentos de intimidad, de charla con el soldado a distancia, de construcción de un vínculo, son lo mejor de Rescate imposible. Y los que hacen que la última secuencia, absolutamente inverosímil en tiempo y espacio, funcione porque básicamente queremos que esos dos personajes salgan vivos de la misión.

EL BASTARDO dirigida por Nikolaj Arcel, con Mads Mikkelsen, Amanda Collin, Simon Bennebjerg. En cines.

-El bastardo es una película danesa, pero Arcel es uno de esos directores que han aprehendido los tonos del cine hollywoodense. Y más allá de lo folklórico y lo histórico, su película se ve como una cruza del cine de John Ford con el de Martin Scorsese, en esa mirada sobre la posibilidad de conquistar territorios y, a su vez, la violencia con la que se definen los poderes superiores. Mikkelsen, ese tesoro nacional de los daneses, interpreta a un militar que hacia fines del Siglo XVIII busca instalar una colonia en un páramo inhóspito donde nada crece. Pero allí se enfrenta a un terrateniente que cree que todo le pertenece. El bastardo se lee como un melodrama del Oeste salvaje, que avanza y escala su grado de violencia cuando las diferencias entre ambos personajes comienzan a ser insalvables. La película es intensa y bella visualmente, y Mikkelsen es un actor enorme, que desde su aspecto imperturbable construye un personaje terco y justo, atravesado por su búsqueda de avance, pero con tonos aprehendidos en la milicia. Lejos del qualité, El bastardo sabe ponerse salvaje. Muy recomendable.

SR. Y SRA. SMITH (serie) creada por Donald Glover y Francesca Sloane, con Donald Glover, Maya Erskine, Paul Dano. En Prime Video.

-Hace casi dos décadas la comedia de acción Sr. y Sra. Smith fue la comidilla de la prensa, porque fue la película que sembró el amor entre Brad Pitt y Angelina Jolie. Más allá del chusmerío de tabloide, la historia de la pareja de agentes secretos que desconoce de qué trabaja el otro, pero un día tiene la misión de eliminarse mutuamente, era una buena película con algunas escenas espectaculares y una química que funcionaba perfecta en la pantalla. Ahora, el creativo y talentoso Donald Glover (Atlanta, es una maravilla, véanla, está en Netflix) se mete con una adaptación llamativa, que de aquella premisa toma lo básico y se dispone a lo concreto: diseccionar el amor, las relaciones de pareja, la forma en que los vínculos se construyen y se destruyen. Aquí los John y Jane Smith (Glover y Maya Erskine, ambos excelentes) son agentes que saben el juego: simulan ser un matrimonio que vive en Nueva York mientras lleva adelante estrafalarias misiones. Sr. y Sra. Smith juega con los tópicos del cine de espionaje mientras de fondo usa esa lógica para retorcer las relaciones de pareja: cada capítulo es un estadio nuevo, que irá desembocando hacia la posibilidad de la ruptura. Si la película de Doug Liman era una comedia de acción de rematrimonio bastante pasada de rosca, esta serie es un poco eso, aunque el final de temporada con cliffhanger nos deja con ganas de saber cómo siguen las cosas. Hay un humor raro, una acción estetizada, un tono intimista bien logrado y dos protagonistas que parecen construir el amor delante nuestro. Funciona en todo lo que se propone. Sos bueno Donald Glover. 

Esta semana se conoció un informe de la Bolsa de Comercio de Rosario que asegura que la producción de soja puede alcanzar las 50 millones de toneladas, en un aumento del 150% con respecto a la campaña anterior, diezmada por la sequía.

La soja es un cultivo fundamental para la economía argentina, ya que se trata del principal producto de exportación del país, con un impacto significativo en el Producto Bruto Interno (PBI) y la generación de empleo. Argentina es el tercer productor mundial de este grano. La cadena sojera genera alrededor de 400.000 empleos directos e indirectos, y aporta divisas por más de 30.000 millones de dólares al año. Además, el complejo sojero es uno de los principales motores del desarrollo industrial del país, con inversiones en fábricas de procesamiento, puertos y logística.

Las primeras investigaciones al respecto del cultivo de la soja en Argentina, y la introducción de las primeras variedades, se remonta a la década de 1920. Recién veinte años más tarde, con la fundación de la Asociación Argentina de Soja, se consolida su producción comercial. En la década de 1950 se realizan las primeras exportaciones y para la década de 1970, Argentina se convierte en uno de los principales exportadores del mundo.

Si bien durante las primeras décadas del siglo XXI, Argentina se consolidó líder mundial en la producción y exportación de este grano, la actividad ha sufrido por diferentes motivos. En la campaña anterior, a causa de la sequía, que redujo su producción a niveles históricos. En la campaña actual, aún a pesar de la recuperación que implicaron las lluvias más recientes, la comercialización de esta oleaginosa está en los niveles más bajos desde la campaña 2014/2015.

Según Adrián Seltzer, referente del sector, esto se debe al nivel de incertidumbre que se vive de manera constante en nuestro país:  «Cuando los precios eran medianamente atractivos para el maíz y la soja, digamos entre octubre y noviembre, con niveles cercanos a los 200 y a los 350 dólares por tonelada para la posición de la nueva cosecha en el Matba Rofex, respectivamente, la incertidumbre económica y política que dominaba la escena, ballotage presidencial mediante, conspiró contra la toma de decisiones comerciales. Y cuando comenzaron a aparecer algunas certezas, los precios ya no resultaron atractivos para los vendedores, con valores que cayeron hasta los 160 dólares para el maíz y que deambulan debajo de los 300 dólares para la soja desde diciembre. Hoy solo se va vendiendo en función de las necesidades de efectivo».

Parte del escenario actual, también se debe a la especulación: como los productores acordaron con el gobierno anterior la pesificación de sus deudas en insumos, ahora están esperando hasta último momento qué es lo que sucede con el mercado cambiario, con las retenciones y la fluctuación de los precios para vender sus dólares y saldar estas deudas: «Muchos harán todo lo posible por continuar postergando ventas, inclusive refinanciando deudas o tomando nuevos préstamos. Sin embargo, en la medida que se aproxime el grueso de la cosecha habrá un volumen que inevitablemente deberá ser vendido y que podría generar una presión bajista extra, que solo lograría ser contrarrestado si la siembra/desarrollo inicial de los cultivos en Estados Unidos presenta complicaciones», dijo Sebastián Olivero, de la corredora StoneX.

En este contexto, Argentina comienza a posicionarse como productor de nuevas variantes de soja que permitirán incentivar la producción afectando menos al medioambiente.

Esta semana se autorizó la comercialización de un cultivo de soja genéticamente modificado que es más resistente a una enfermedad llamada «quiste de la soja» y más tolerante al uso de herbicidas.

El subsecretario de Alimentos, Bioeconomía y Desarrollo Regional, Pablo Nardone, señaló esta semana que «el quiste de la soja está producido por un pequeño gusano de forma cilíndrica llamado Heterodera glycines, que produce graves daños en las raíces de estas plantas al afectar sus sistemas de conducción, dificultando la absorción de agua y nutrientes. Las hembras fecundadas producen de 100 a 600 huevos y luego mueren, generando una cápsula o quiste que los mantiene viables en el suelo hasta por varios años, infectando nuevas raíces».

Este desarrollo permitirá generar cultivos más resistentes en áreas como Córdoba y otras cuatro provincias del país, donde esta enfermedad ha producido, en campañas anteriores, daños económicos de relevancia.

Este nuevo cultivo se suma a otros de gran éxito a nivel mundial producidos en nuestro país, como la variante HB4, producida por Bioceres, la cual se comercializa en Brasil y China con un enorme éxito.

Un día como hoy, pero de 1995 se inauguraban oficialmente en Mar del Plata los XII Juegos Deportivos Panamericanos, un evento que cambió para siempre a la ciudad al dotarla de una infraestructura que antes no poseía y que con el paso de los años le permitió ser sede de, por ejemplo, de la final de Copa Davis, un torneo Preolímpico de Básquet, y dos Final Six de la Liga Mundial de Vóley, por citar algunos.

Sin embargo, para llegar a ese 11 de marzo el proceso iniciado por un grupo que intentaron llamar peyorativamente “vecinos”, debieron sortear distintos momentos, algunos de alegría, otros con sinsabores, incertidumbre, un cambio de gobierno en el medio, pero con la certeza de dejarle un legado a la ciudad que aún persiste. 

La historia comenzó en 1986 cuando el Comité Olímpico Argentino tomó la decisión de postular a la Argentina como sede de los Juegos Panamericanos de 1991 al cumplirse ese año el 40 aniversario de los primeros juegos realizados en Buenos Aires.

Así las cosas, el organismo que rige el deporte olímpico envió cartas a Buenos Aires (que rechazó el convite), Córdoba, Rosario y Mar del Plata invitándolas a presentarse a competir por ser la sede a postularse ante la entonces Organización Deportiva Panamericana, ODEPA, hoy llamada Panam Sports, ya que son las ciudades quienes deben candidatearse en representación del país.

La capital argentina desecho participar del convite, entonces todo se dirimiría entre las tres ciudades del interior, poco menos de dos meses después, el 11 de septiembre de 1986 en las oficinas del Comité Olímpico Argentino. 

Para esa cita, Mar del Plata se presentó con un caudal de información y un estado de situación pocas veces visto, conociendo todas las virtudes que tenía y también todo lo que le faltaba, proponiendo un plan especifico para solventar las falencias, gracias a un trabajo artesanal de un equipo de trabajo que aprovechó los manuales técnicos utilizados en los juegos de Caracas en 1983, aportados por Rubén Aguilera, miembro de ese grupo, quien había estado como juez de marcha en aquella ocasión. Pero la balanza la terminaría de inclinar la soberbia alocución del entonces intendente Ángel Roig y un cierre casi perfecto con un audiovisual realizado por Manrique Zago donde mostraba a “La Feliz” en toda su dimensión. 

Los resultados del sufragio final fueron contundentes, Mar del Plata lograba ser la representante con 25 votos contra 4 de Rosario y solo 2 de Córdoba. 

El próximo paso fue el más difícil y el que a las postres pondría a la ciudad y sus dirigentes en consideración del mundo entero, porque en Barbados, la pequeña isla del caribe, el lugar elegido para la asamblea del organismo panamericano donde se definiría la sede de 1991, Mar del Plata debía luchar contra La Habana, Cuba, acaso una de las potencias deportivas en este tipo de competencias, cuyos representantes venían con la orden directa de Fidel Castro de obtener la plaza sí o sí.

Con esa tensión se llegó al 11 de noviembre de 1986, por un lado, la comitiva marplatense integrada por solo cinco personas, el jefe comunal Ángel Roig, Elgard Ruberto (secretario de Turismo), Juan Carlos Derosa (director de Prensa), Jorge De La Canale y Rubén Aguilera, sumado a representantes del Comité Olímpico Argentino y del gobierno nacional; mientras que, la delegación cubana encabezada por Miguel González Guerra, llevó a varios de sus medallistas olímpicos, panamericanos y mundiales.

La lucha se presentaba desigual, en cuanto a la posibilidad de hacer la parte política de sumar votos para la causa, sin embargo, a la ciudad la amparaba el reglamento que decía que debían realizarse en el hemisferio sur, dado que los de 1987 se realizarían en Indianápolis, pero del otro lado, estaba la amenaza latente de un posible boicot de no lograr el objetivo. 

Así las cosas, el dirigente boricua Germán Rockehoff, llamó a pasar a un cuarto intermedio, como medida preventiva, porque muchos pensaban que de ir a una votación sería “La Feliz” la ganadora y eso podría generar la división del organismo panamericano. 

Y en una de las habitaciones del hotel, Roig tomó la difícil decisión de declinar la candidatura y solicitar la de 1995, pesé a que él ya no estaría como jefe comunal, porque entendía que realizar unos juegos sin Cuba era restarle calidad al evento. 

Minutos más tarde sucedió lo impensado, porque cuando pidió la palabra ante todos los representantes y oficializó la decisión, se hizo un silencio sepulcral quebrado por una ovación que aún hoy casi cuarenta años después se puede escuchar, ganándose así el respeto y admiración de encumbrados dirigentes del deporte panamericano. 

Regresando a Mar del Plata con la promesa de que sería la sede de 1995, cosa que se confirmó el viernes 13 de octubre de 1989. 

A partir de allí el trabajo fue arduo, el 21 de septiembre se conformó el primer COPAN ’95, integrado exclusivamente por personas de la ciudad, que tuvo entre sus miembros a Juan Carlos Derosa (Presidente), Fernando Rodríguez Facal (vicepresidente), Esteban Macchi (secretario), Rubén Aguilera (prosecretario), Carlos Palumbo (tesorero) y que en calidad de vocales estaban: Jorge De La Canale, Pascual Marinucci, Mauricio Irigoin, Hector Carnicero, Juan Caceres, Alejandro Martínez Viademonte, Darwin Manuel, Vicente De La Colina, Julio Gayone y José María Lopetegui. 

Ellos establecieron las bases del trabajo a realizar, fueron a La Habana en 1991 para ver de primera mano todo lo que podía acontecer y tomar nota. Pero en octubre de ese año, todo comenzaría a cambiar, con la asunción de Mario Russak, ya que este no parecía estar muy convencido de la realización de los Juegos en la ciudad y de no ser por la determinación de aquellos dirigentes, junto al apoyo incondicional del presidente de la ODEPA, el mexicano Mario Vásquez Raña, casi lo logra.

De hecho, el nuevo jefe comunal con sus trabas hizo que el primer comité organizador presentara la renuncia y posteriormente estableció un nuevo ente tripartito, que se llamó COPAN ’95 Sociedad de Estado, donde debilitaba el poder local y le brindaba más autoridad a la Nación y la provincia. 

A su vez, también demoraba la concreción de las obras y en el medio sucedió un hecho impensado, cuando el 20 de febrero de 1992, la ciudad sufriría uno de los peores temporales de su historia, cuando en menos de catorce horas cayeron 235 mililitros, dejando bajo el agua al entonces estadio “Mundialista” hoy “José María Minella”, que sería uno de los escenarios principales al recibir las ceremonias de apertura y clausura, más los partidos de fútbol y otros deportes en sus gimnasios interiores.

Allí nuevamente, una decisión política sería determinante, porque el presidente Carlos Menem, en su recorrida por la zona afectaba, aseguraba que, a pesar de las perdidas, el evento deportivo no corría ningún tipo de riesgo de cancelación.

Los Juegos fueron récord por varios motivos. Primero, por la cantidad de países que participaron 42 en total; segundo, por la cantidad de deportes ya que hubo 40 disciplinas pertenecientes a 34 deportes, de los cuales siete se incorporaron en ese Juegos (bádminton, racquetbol, pelota, squash, karate, triatlón, y esquí náutico). En consecuencia, se repartieron incluso más medallas que en los Juegos Olímpicos de Barcelona 1992, al entregarse 1366 preseas (432 de Oro, 433 de Plata y 501 de Bronce). 

En cuanto a caudal de personas, cabe destacar que participaron 5.144 atletas, 1.872 oficiales y auxiliares, 227 médicos, 2.358 Jueces entre nacionales e internacionales, 2.700 periodistas y alrededor de 9.000 voluntarios.

Además, en lo estrictamente deportivo se establecieron 86 nuevos primados de los Juegos, algunos continúan vigentes hasta hoy como el del cubano Javier Sotomayor en el Salto en Alto con 2.40 metros o el del brasileño Wander do Prado Moura en los 3000m con obstáculos, este último también sigue siendo récord sudamericano en la distancia.

A su vez, hubo seis sub sedes: Necochea, Tandil, Miramar, Buenos Aires, Santa Fe y Paraná, que albergaron deportes como el fútbol, handball, baseball, softball, esquí acuático y mountain bike. 

La mayor delegación fue la de Estados Unidos con 1.200 personas, de las cuales 800 eran atletas, sumados a dirigentes, médicos, oficiales y entrenadores. Le siguió la de Argentina con 1.030 personas (750 atletas), posteriormente Cuba con 794 integrantes (497 atletas); Canadá con una delegación de 680 integrantes (512 deportistas) y Brasil con 650 personas (450 deportistas); y la más pequeña fue la de Islas Vírgenes con tan solo un atleta.

La inauguración fue, ni más ni menos, que la fiesta popular más importante en la historia de la ciudad, porque después de tanto sufrir con el tiempo, los marplatenses tuvieron el premio a una etapa de trabajo, esmeros, desvelos y sacrificios. Contó con la presencia de personalidades importantes de la dirigencia deportiva en el Palco de Honor, como el entonces presidente de la FIFA, el brasileño Joao Havelange; el presidente del Comité Olímpico Internacional, Juan Antonio Samaranch y el Ministro de Deportes de Brasil, y acaso una de las máximas figuras del fútbol mundial, Edson Arantes do Nascimento, más conocido como “Pelé”, quien acompañó y dio gestos de reconocimiento y gratitud junto al presidente de la ODEPA, quien sin dudas, fue el mayor aliado marplatense en este periplo, Mario Vázquez Raña. En el Palco también estaban el presidente de la Nación, Carlos Saúl Menem; el titular del COPAN, Francisco Mayorga, y el intendente Russak, quien recibió un abucheo general cada vez que era nombrado por el conductor Juan Carlos Vilches.

Cuando el reloj indicaba las 20.30 del domingo 11 de marzo, el estadio vibró de emoción al ver ingresar a Nora Alicia Vega con la antorcha Panamericana. La excelsa patinadora recorrió el campo de juego hasta la platea descubierta donde estaba el pebetero, su rostro concentrado y feliz, se cargó de lágrimas de alegría al momento de mezclarse con el público. Seis minutos más tarde, parada en las escalinatas del Pebetero, tras hacer una reverencia a los cuatro puntos cardinales, encendió la llama y así dejó inaugurados formalmente los XII Juegos Deportivos Panamericanos. 

Tras el encendido del pebetero, vino el juramento por parte de un deportista en representación de todos los demás y el elegido fue el entonces atleta y hoy destacado entrenador de atletismo, Leonardo Malgor, acompañado por el tenista Javier Frana, quien era el abanderado de la delegación argentina. 

Si hablamos de las ausencias, las más resonantes en la delegación nacional fueron las de Gabriela Beatriz Sabatini, Jorge Horacio Centurión y la de los hermanos marplatenses Juan Esteban y Gabriel Ovidio Curuchet. 

Sin embargo, hubo otra ausencia que pasó inadvertida, pero que al revisar el frondoso archivo surge y vale rescatarla del olvido y es la de Diego Armando Maradona, fallecido el 25 de noviembre del 2020. En una visita a nuestra ciudad, durante el verano de 1994, cuando era jugador de Newell’s Old Boys de Rosario, había manifestado su deseo de ser “panamericano” en una entrevista mano a mano con los responsables de prensa del COPAN ’95 que quedó reflejada en la edición Nº 4 de la revista Noti – COPAN publicada en marzo de 1994. Ese sueño quedaría trunco dado que en el Mundial de Fútbol 1994, en Estados Unidos, Maradona dio positivo en el control antidoping tras la victoria por 2-1 sobre Nigeria, lo que le valió una sanción de 15 meses de suspensión.

En cuanto a números hay que decir que la Argentina cosechó 159 medallas en total, de las cuales 40 fueron de oro, 45 de plata y 74 de bronce, que le permitieron ocupar el cuarto lugar en el medallero final, detrás de los Estados Unidos, primero con 424 (169-146-109), Cuba, segundo con 238 (112-66-60) y Canadá, tercero con 177(48-60-69). 

La delegación argentina contó con la presencia de 22 deportistas marplatenses: Sandra Patricia Izquierdo, Verónica Andrea Depaoli, Ana María Comaschi, Mariano Sala, Leonardo Michel Malgor y Guillermo Cacián (atletismo); en hockey sobre césped, Carlos Retegui; Gastón César y Pablo Fajián (natación). Natalia Martínez, Nora Vega, Sergio Mc Cargo, Guillermo Trinarolli y Andrea González (patín carrera). Ezequiel Albelo (squash); Patricia Santana (taekwondo). Bettina Fulco (tenis). Silvia Pollano y Rafael Olivera Arauz (tiro). Silvana Calcagno y María Victoria Coronel (triatlón) y Mariana Ratti, junto a Paula Parisi en vóleibol.

Quienes obtuvieron un total de 20 medallas: seis de oro (Carlos Retegui, en hockey sobre césped; Nora Vega, en patín 300 m contra reloj pista y 5.000 m americana; Andrea González, patín; 5.000 m americana; Bettina Fulco, tenis por equipos y Rafael Olivera, tiro pistola estándar 25 m), cuatro de plata (Nora Vega, patín; 300 m contra reloj ruta; Andrea González, patín; 1.500 m por eliminación ruta; Ezequiel Albelo, squash por equipos; Rafael Olivera, tiro por equipos pistola estándar 25 m) y diez de bronce (Nora Vega, patín; 500 m en línea; Sergio Mac Cargo, patín; 300 m contra reloj pista, 10.000 m americana pista, 300 m contra reloj ruta y 500 m en línea ruta; Natalia Martínez, patín 10.000 m por eliminación pista; Guillermo Trinaroli, patín maratón 42 km ruta; Patricia Santana, taekwondo categoría mini mosca hasta 43 kg); Bettina Fulco, tenis singles y Rafael Olivera, tiro por equipos pistola de fuego central 25 m).

Por los nombres propios que participaron podemos decir que el certamen disputado en Mar del Plata quizás fueron los últimos que aglomeraron tantas estrellas, con medallistas olímpicos y mundiales, como en el caso del atletismo con los cubanos Sotomayor, Ivan Pedroso, Ioanmet Quintero o Laiza Carrillo, el ecuatoriano Jefferson Pérez, el brasileño José Luis Barbosa o el estadounidense Roger Kingdom o en boxeo el del cubano Felix Savon. 

También para resaltar el dominio argentino con los oros en fútbol, básquet, vóley, tenis, y el hockey sobre césped masculino y femenino. 

En el caso del básquet fue la primera vez que lograba el primer lugar en un Panamericano, podría decirse que allí comenzaron a sentarse las bases para lo que termino siendo la Generación Dorada, ya que dos jugadores de ese plantel, Fabricio Oberto y Rubén Wolkowyski, casi una década después se consagrarían en Atenas 2004.

La apasionante final del vóley entre la Argentina y los Estados Unidos, que se dirimió en un tremendo tie-break, con un estadio Polideportivo colmado, acaso con más personas que las permitidas, sentadas en las escalinatas.  

La consagración definitiva de Nora Vega, que en una muestra de vigencia se adueño de tres medallas, dos de oro y una de bronce. 

Pasaron ya 29 años, de ese momento histórico que cambió para siempre a Mar del Plata, porque le permitió afirmarse definitivamente como un polo deportivo a nivel nacional e internacional. Porque gracias a la infraestructura heredada de aquella cita, dejó de ser solo la ciudad donde se disputaban los torneos de verano de fútbol y paso a albergar eventos impensados, como una final de Copa Davis o un preolímpico de básquet, por citar dos nada más. 

Sin dudas, la Mar del Plata deportiva de hoy no existiría sin aquel legado de esos “vecinos” que soñaron y añoraron una ciudad grande.

En 2023, se produjeron en Argentina un total de 580.000 vehículos, lo que implica un aumento del 18% con respecto al año anterior. Sin embargo, en enero de 2024, la producción se desplomó un 16,7% interanual. ¿El problema? El mismo que tienen casi todas las actividades productivas: los impuestos, el dólar y al incertidumbre a largo plazo.

La historia de la industria automotriz en Argentina comienza a principios del siglo XX con la producción de los primeros talleres artesanales hasta que, en 1925, Ford instala la primera fábrica para la producción en serie en nuestro país. La actividad se afianza más tarde cuando, en la década de 1950, arriban nuevas marcas y se desarrollan algunos modelos nacionales como el Rastrojero.

Luego de la crisis del 2001, la industria se fue recuperando lentamente, posicionando a la Argentina como el sexto productor de vehículos en América Latina y el vigésimo tercero a nivel mundial. El 75% de los vehículos que se producen en el país, se destinan a la exportación.

Sin embargo, sostener la competitividad en el actual contexto económico no es sencillo. Como bien indicó Roberto Acquavita, referente de esta industria: “Somos el país en dólares más caro de toda la región. No existe en la región que, un auto inicio de gama, este rondando de los u$s18.000 a u$s20.000. En Argentina, los de alta gama cuestan mucho más que el doble que en cualquier parte del mundo».

La actividad se fuertemente afectada por la inflación de los últimos tres meses, que se calcula en un acumulado de un 70%, y el dólar que ronda los $980. Pero, además, la fuerte carga impositiva afecta el valor del producto final, restándole competitividad: la suma de la carga impositiva total sobre la producción y comercialización de un vehículo en nuestro país alcanza el 58,09%. En Argentina, los impuestos representan el 11,6% del costo total de producción de un sedán mediano, mientras que en Brasil es de sólo el 7% y en México, el 0%

La expectativa es que el modelo de desregulación que impulsa el gobierno nacional permita encontrarle incentivos a la producción, y facilite la importación de insumos, pero es un camino largo y lleno de incertidumbres. El sector busca garantías impulsando la sanción de leyes específicas. 

Mientras tanto, el principal competidor de Argentina en este mercado, que es Brasil, anuncia inversiones a niveles históricos: esta semana se supo que Stellantis invertirá en dicho país un total de u$s6.000 millones entre 2025 y 2030, dándole continuidad a la inversión actual, que ronda los u$s3.000 millones. Esta inversión está fuertemente orientada al desarrollo de propulsiones sustentables, basada en 40 modelos de autos diferentes entre híbridos Flex (pueden funcionar con Etanol), híbridos Flex enchufables, y vehículos completamente eléctricos. Además, se suman las inversiones de Volkswagen de u$s3.000 millones, Toyota con u$s2.200 millones, General Motors con u$s 1.400 millones y la china BYD de u$s605 millones.

¿Cuál es la diferencia? Según el presidente de ADEFA, Martín Zuppi, el principal factor es la legislación: «Sabemos que hay una urgencia por resolver muchos problemas que incluso no pasan por la industria automotriz como prioridad. Tenemos que entenderlo, pero al mismo tiempo, no podemos quedarnos atrás, hay que subirse al tren porque es el rumbo hacia el que se dirige el mundo. La electrificación de la movilidad, aunque Argentina tenga todavía un gran déficit y una infraestructura muy limitada, es el camino y Brasil está creciendo mucho más por su legislación en esa materia».

Ellos ven una Ley de electromovilidad como punto de partida. El proyecto, creado por el gobierno de Alberto Fernández, nunca se movió y perdió estado parlamentario el año pasado. Mientras tanto, Brasil absorbe las inversiones del sector, que se alejan de la incertidumbre que plantea el mercado argentino.

«Es cierto que cuando en 2035 el mundo desarrollado deje de fabricar autos con motores térmicos, regiones como la nuestra continuará haciéndolo por muchos años más, y que esa es una situación que podría beneficiarnos a nivel industrial para recibir más producción. Pero al mismo tiempo, esta industria programa las cosas con mediano y largo plazo, y concentrarnos en aprovechar esa oportunidad también nos alejaría de los objetivos hacia los que va el mundo», asegura Zuppi.

La oportunidad es clara: nuestro país puede elegir sumarse a las tendencias mundiales y avanzar en un modelo que le permita competir fuertemente en la industria automotriz del futuro, cuyas características a 30 o 50 años, ya están claras el día de hoy… o dejar pasar el tren, una vez más.

Como todos los sábados, te acercamos un quinteto de reseñas de cine y series para que tengas en cuenta a la hora de ir al cine o de sentarte frente a tu plataforma preferida.

Por Mex Faliero

KUNG FU PANDA 4 dirigida por Mike Mitchell y Stephanie Stine, con las voces originales Jack Black, Awkwafina, Viola Davis. En cines.

-Una de las sagas más extensas de Dreamworks estrenó una nueva entrega, que tiene algo de sabor a despedida pero, también (porque en el fondo es un negocio), un poco de reinicio. Kung Fu Panda se sostuvo sobre una serie de variantes: un universo visualmente bello, secuencias de acción infrecuentes para el cine animado y villanos atractivos en su iconografía. De fondo, el crecimiento de su personaje, Po, que tiene mucho de la esencia de Jack Black, el actor que le da la voz. En esta cuarta entrega, Po se balancea entre la orden de conseguir un sucesor para emprender un nuevo camino y su necesidad de mantener su lugar sin cambios. Ante la aparición de una villana, la Camaleona, y la ausencia de sus secuaces, Po emprende una aventura con el objetivo de sostener su estatus de héroe. En el camino habrá trampas, giros, revelaciones y una aceptación final, que es la moraleja del cuento. Si el humor se encuentra agotado y los personajes principales también, Kung Fu Panda 4 se sostiene gracias a esa impronta visual y el vértigo de sus imaginativas secuencia de acción. Un entretenimiento menor, pero disfrutable. 

DUNA: PARTE DOS dirigida por Denis Villeneuve, con Timothée Chalamet, Zendaya, Rebecca Ferguson. En cines.

-Una a favor de esta segunda adaptación de Denis Villeneuve sobre la obra literaria de Frank Herbert: los personajes tienen arcos dramáticos, hay conflictos y algunas cosas se mueven delante de nosotros. Del prólogo estático que fue la primera entrega, saltamos a esta secuela que mantiene el nivel de solemnidad habitual del director canadiense pero le agrega algo de sangre, sudor y lágrimas. Duna: Parte Dos relata la revolución de un pueblo oprimido, pero lo hace sin épica ni sentido de grandeza. Lo que queda, entonces, es una película mastodóntica de 166 minutos que está más interesada en la alegoría política de la obra original que en construir la aventura de la rebeldía. Villeneuve filma todo como si su película fuera una maqueta, la simulación de cómo debería ser una producción mainstream de Hollywood. Otro tema es el abusivo uso del sonido y una música machacona que nos subraya cada acción como si fuera importante. Obviamente, no todo lo es.  

TODOS SOMOS EXTRAÑOS dirigida por Andrew Haigh, con Andrew Scott, Paul Mescal, Claire Foy. En cines.

-La película de Haigh mezcla sabiamente, en esta historia de amor queer, varios de los elementos constitutivos de la materialidad del cine: los recuerdos, la memoria, los fantasmas, lo vampírico. No, no es un film de terror, o tal vez lo sea sutilmente. El protagonista es un guionista que busca y rebusca inspiración en su infancia, algo que la película recrea como en sueños, donde el personaje, cuarentón como es, se encuentra con sus padres muertos, pero con el aspecto que tenían antes de morir trágicamente, es decir cuando tenían treintas. En ese viaje, la película reflexiona sobre cómo somos, inevitablemente, un poco lo que hicieron de nosotros y otro tanto nuestras propias decisiones. Y Todos somos extraños lo hace con valentía, con diálogos honestos y dolorosos de padres e hijo atravesado por la incertidumbre de cómo podrían haber sido las cosas. Haigh juega con el enrarecimiento en límites oníricos, creando imágenes que perduran. Y va cocinando un drama romántico sobre la soledad y sus misterios, de esos que calan hondo y seguimos madurando cuando salimos de la sala.

NUEVE REINAS dirigida por Fabián Bielinsky, con Ricardo Darín, Gastón Pauls, Leticia Brédice. En cines.

-¿Alguien en la sala no vio Nueve reinas? Qué espera, ya mismo salga a comprar su ticket. El reestreno de la ópera prima de Bielinsky nos permite redescubrir el encanto de una película fundamental del cine argentino, pero además el peso específico de lo cinematográfico como muy pocas veces se percibió en nuestra cinematografía, demasiado acomodada (sobre todo en aquel 2000) entre el costumbrismo y lo declamatorio. Bielinsky luego nos entregaría una obra superior, El aura, y moriría al poco tiempo, dejando huérfano al cine argentino de factura industrial pero con una dosis autoral que funcionaba en diversos niveles. Película de robos, de trampas, de personajes escurridizos que se camuflan perfecto en ese escenario urbano, Nueve reinas tiene la virtud de funcionar como entretenimiento, como metáfora de la realidad (no es difícil notar ecos del fin del menemismo) y como pieza de relojería que pone en evidencia su dispositivo narrativo; una película que es puro movimiento, con personajes que se mueven física y verbalmente a su ritmo. Y, claro, con Darín iniciando su etapa de gloria en la actuación, pero que aquí diseccionaba su chanta porteño simpático, para mostrar su reverso absolutamente siniestro. Peliculón.

VIDAS PASADAS dirigida por Celine Song, con Greta Lee, Yoo Teo, John Magaro. En cines.

-El trabajo de Song como realizadora y guionista es de una sutileza infrecuente en estos tiempos. Vidas pasadas es un drama romántico con varios clichés, pero que nunca se terminan sintiendo como tales. Trabaja su película como en una coctelera donde mezcla algo del tono del cine asiático y algo del cine indie norteamericano, pero también fusiona una mirada sobre las relaciones sentimentales que puede ser moderna y a la vez clásica, como si se propusiera ser un estudio antropológico sobre cómo se vivía el romance en los tiempos previos al poliamor y toda la cháchara del presente. El film va del presente al pasado para volver al presente, con el fin de contar la historia de una chica y un chico que viven en Corea y un día, por decisión de los padres de ella, ella emigra con su familia y nunca más se ven. Pero el tiempo los reencuentra, y Vidas pasadas irá relacionando una mirada espiritual sobre el amor con otra más concreta y material. Los diálogos son precisos y las actuaciones muy sólidas, y la película se construye con un nivel de madurez que no puede más que desarmar en su último acto, cuando las decisiones de los personajes pesan demasiado en ese vínculo extendido a lo largo del tiempo. Una gran película que está nominada al Oscar. 

Como si fuera una cruel broma del día de los inocentes, el pasado 28 de diciembre se conocía la intención del gobierno nacional de modificar —a través de la llamada Ley Ómnibus— la Ley Federal de Pesca, permitiendo el ingreso de empresas extranjeras al mar argentino. Por primera vez en décadas, todos los actores de la industria pesquera argentina unieron sus voces y lograron frenar el proyecto… pero esta es una historia que aún no terminó.

Con el diario del lunes, ahora sabemos que la llamada Ley Ómnibus que propuso el gobierno de Javier Milei, finalmente no prosperó. Pero antes de aquellas votaciones de madrugada que el líder libertario interpretó como una traición, hubo semanas y semanas de negociaciones y zozobras: el primer borrador del proyecto de la Ley Bases y Puntos de Partida para la Libertad de los Argentinos incluía, en la Sección III de su Capítulo VIII, una dramática modificación de la Ley Federal de Pesca que suponía un verdadero cambio de paradigma en cuanto al manejo del recurso en nuestro país.

La principal modificación era la imposición de un sistema de licitaciones internacionales que permitirían el ingreso de capitales extranjeros al mar argentino.

Mostrando un consenso nunca antes visto, todos los sectores de la industria se manifestaron en contra. Todas las provincias con litoral marítimo alzaron su voz. Luego de reuniones y negociaciones hasta último minuto, finalmente toda la Sección III del Capítulo VIII de la ley fue retirada del proyecto antes de su tratamiento infructuoso en el recinto. Pero está claro que esta es una historia que no terminó.

Con más de u$s1.700 millones de exportaciones anuales, y capturas que superan las 770.000 toneladas anuales, la pesca constituye la octava actividad económica de nuestro país, generando más de 37.000 puestos de trabajo genuino directos.

España, China, Estados Unidos, Italia, Tailandia, Corea del Sur, Japón, Brasil, Perú y Rusia son los principales países a los que se exportan las más de 450.000 toneladas anuales de productos pesqueros.

Todo esto se logra bajo el paraguas de una Ley Federal de Pesca que habilita el funcionamiento del Consejo Federal Pesquero, un organismo en el que tienen representación tanto el Estado Nacional como todas las provincias con litoral marítimo. A través de sus resoluciones, este organismo busca, entre otras cosas, un manejo sustentable de los recursos del mar argentino, lo que sitúa a nuestro país como un ejemplo internacional en cuanto al cuidado del caladero.

Un informe elaborado por CAPEAR ALFA a fines del año pasado revelaba que, cada vez que un barco argentino se propone realizar un viaje de pesca, debe cumplimentar un mínimo de 133 trámites para poder cumplir con las exigencias de las diferentes reparticiones del Estado, ya sea nacional, provincial, o municipal.

No sólo eso, sino que, además, la presión fiscal e impositiva sobre el sector —como sucede en casi todas las actividades en Argentina— es brutal: se estima que, por cada kilo de merluza Hubbsi que se captura, la carga impositiva sobre los costos de producción es del 40,53%.

A esto se suman decenas de resoluciones e imposiciones por parte de diferentes organismos: hay multas por navegar demasiado lento, por tardar mucho en llegar al puerto, porque el barco venga demasiado cargado (aunque la carga sea el combustible y los víveres de la tripulación porque el capitán tuvo suerte, pescó cerca, y el viaje fue más corto), entre muchas otras más.

Mientras el Estado argentino —con la noble intención de cuidar el recurso— se desespera por poner palos en la rueda, en la milla 201 hay una fiesta de depredación sin parangón en el ningún lugar del mundo que nadie controla.

La zona económica exclusiva de nuestro país se extiende hasta la línea de las 200 millas marinas. Se suele utilizar la frase «milla 201» para hablar a la zona aledaña del océano atlántico en la cual, todos los años, cientos de barcos extranjeros operan sin control alguno.

Esta flota internacional, compuesta principalmente por barcos chinos, españoles y coreanos se aprovecha, en muchos casos, de las políticas conservacionistas de nuestro país: ellos pescan los recursos que nosotros cuidamos y que «derraman» hacia la región del océano que es «mar de nadie».

Un caso muy claro es lo que sucede con el abadejo: sobre la línea de la milla 200, hay zonas de veda en las que no se pueden pescar, que coinciden con los «pozos» —regiones del mar más profundas— donde habita esta especie. Tan severos son los controles y las multas, que los barcos argentinos ni siquiera se acercan a estas zonas. Mientras tanto, los barcos coreanos pescan continuamente sobre el límite de la región, llevándose el abadejo que nosotros muy amablemente engordamos para ellos.

La situación es aún peor cuando se pone la atención sobre los barcos españoles: estos buques pescan el mismo producto que los barcos argentinos, e intentan luego colocar su producción en los mismos mercados. Ahora, como operan bajo la bandera del Reino de España, estas empresas no deben pagar los aranceles que impone la Unión Europea para ingresar importaciones, con lo que se genera con los productos argentinos un escenario de competencia desleal.

Cuando uno mira los mapas que muestran los recorridos que hacen los barcos en el océano, queda claro que el mar argentino se encuentra sitiado: la presencia de esta flota internacional en el límite preciso de nuestra zona económica exclusiva es casi constante.

Pero, como sucede en todo sitio, lo que quieren los que están afuera, es entrar para saquear y depredar. En un hecho sin precedentes, el año pasado, España multó a 25 naves que operaban en el Atlántico Sur por apagar sus sistemas de geolocalización. La sospecha es que los barcos realizaron esta maniobra para entrar a la zona económica exclusiva argentina sin ser detectados.

Y si bien su tratamiento en el marco de la Ley Ómnibus no prosperó, el plan para instalar un sistema de licitaciones internacionales sobre los recursos del mar argentino, sigue más que vigente.

Ahora bien, ¿cómo hace una flota integrada por barcos chinos, coreanos y españoles para operar a miles de kilómetros de su puerto de origen? La respuesta es sencilla: lo hace gracias al apoyo explícito del gobierno de Uruguay.

En 2021, la Administración Nacional de Puertos de la República Oriental del Uruguay abrió la licitación internacional para la construcción de una terminal pesquera en el puerto de Montevideo con la expresa intención —así lo dice el pliego de concesión— de brindarle apoyo a la flota china, española y coreana que opera en el Atlántico Sur. Como la licitación quedó desierta por falta de oferentes, la ANP realizó una inversión de u$s100 millones para su construcción.

Este puerto no sólo le brinda apoyo a los barcos que pescan en aguas internacionales, sino que también a aquellos que pescan en las aguas que Argentina disputa con Inglaterra por encontrarse a menos de 200 millas marítimas de las costas de las Islas Malvinas.

Por otra parte, informes de diferentes ONG aseguran que en la flota internacional que opera sin control alguno en la milla 201 las condiciones de trabajo son infrahumanas y que es un escenario propicio para delitos como el trabajo esclavo, la trata de personas y el narcotráfico. En el puerto de Montevideo es frecuente observar situaciones alarmantes, como la llegada de barcos con tripulantes muertos. Sin embargo, el silencio de las autoridades orientales ante estos hechos es total.

Federico Sturzenegger es el asesor presidencial que está detrás de la mayoría de los proyectos que tienen que ver con la desregulación de la economía argentina. Recientemente, en una conferencia brindada en una universidad de Miami, el ex director del Banco Central de la República Argentina se refirió a la industria pesquera en nuestro país.

El discurso de Sturzenegger tuvo dos puntos importantes: primero, cuestionó los derechos de propiedad sobre el recurso pesquero. Pero, además, apuntó al nivel de aportes que el sector pesquero hace al Estado.

Según la visión de Sturzenegger, los recursos del mar argentino son de todos. Y tiene razón, la ley lo que dice es que los recursos vivos del mar, son de todos. El tema es que, una vez que alguien lo pesca, ese mismo recurso —que ya no está vivo— pasa a ser propiedad privada.

Por otro lado, el asesor presidencial criticó que el derecho de extracción sea sólo del 0,15%, obviando estratégicamente mencionar todas las demás cargas e impuestos que la pesca —como toda actividad productiva en nuestro país— debe afrontar para poder funcionar.

Además, en una de sus publicaciones más resonantes en el último tiempo, el presidente Javier Milei hizo un fuerte descargo luego del fracaso de la Ley Ómnibus en el congreso en el cual se ocupó especialmente de esta actividad, asegurando: «No vamos a ser cómplices de los negocios de algunos con la industria pesquera».

¿Por qué semejante nivel de encono con una actividad que genera trabajo y divisas, sin depender ni de subsidios ni de préstamos? ¿No debería un gobierno libertario respaldar y apoyar a los empresarios del sector? ¿Qué gana el gobierno instalando este discurso?

Mientras tanto, los barcos poteros chinos siguen iluminando las aguas del atlántico sur de noche, buscando atraer los cardúmenes de calamares. Y ahí, cerquita, también operando en las mismas aguas, están los barcos españoles.

Por ahora, del otro lado de la línea imaginaria de las 200 millas, aunque ese escenario —si se cumple lo que desean algunos— muy pronto, podría cambiar.

El triángulo del litio que se ubica entre Argentina, Bolivia y Chile, concentra cerca del 46% de los recursos mundiales de este metal. Nuestro país cuenta con yacimientos en Jujuy, Salta y Catamarca y se destaca como el segundo productor mundial después de Australia.

Argentina posee un enorme potencial para aumentar su participación en la producción global, ya que las salmueras de los salares argentinos albergan un litio de alta calidad, lo que facilita su extracción y procesamiento.

En los últimos años, se han realizado importantes inversiones en el desarrollo de la industria del litio en Argentina, en las que empresas nacionales e internacionales han puesto en marcha proyectos de exploración, extracción y procesamiento del mineral.

La semana pasada, Techint presentó un proyecto ante el gobierno de Salta planteando una inversión de u$s800 millones, a través de Tecpretrol, para realizar extracciones de este mineral en el Salar de Tolillar, anticipando una producción cercana a las 30.000 toneladas anuales de carbonato litio (Li2CO3).

Parte de la agenda del encuentro entre el presidente Javier Milei y el secretario de Estado de los Estados Unidos, Antony Blinken pasó por el tema del litio. Fuentes de la Casa Blanca informaron que el funcionario norteamericano «buscará facilitar las inversiones estadounidenses en la provincias del NOA».

Gabriel Toffani, CEO de Adionics, una empresa francesa que busca instalarse en Salta, aseguró esta semana que su objetivo es «industrializar el Triángulo del Litio, sobre todo en Chile y Argentina». La empresa busca impulsar una nueva tecnología que permitiría la extracción directa de litio líquido-líquido (DLE), una forma de obtener este mineral que es mucho más amigable con el medioambiente. El pasado 5 de febrero, la planta piloto que esta empresa instaló en la región finalizó con éxito una prueba de 1.500 horas de extracción.

China, Japón, Corea del Sur y Estados Unidos son los países que reciben el 90% de las exportaciones de litio que salen de nuestro país, las cuales aumentaron en un 30% durante 2023.

La producción mundial del litio se quintuplicó en la última década, respondiendo a la demanda de China que es el país que absorbe un tercio de las importaciones globales, impulsado tanto por su constante demanda interna y la exportación de autos eléctricos que se fabrican en dicho país. Pero las proyecciones son aún más impresionantes, ya que un informe de 2021 prevé que la producción mundial se cuadriplicará para 2030.

Si bien actualmente Australia es el país que más litio produce a nivel mundial, la producción de este mineral en el triángulo del litio es mucho más sustentable. Eso se debe a que una tonelada de litio producida a partir de los minerales emite casi ocho veces más gases de efecto invernadero que la que se produce en un salar natural.

Además, producir litio en América del Sur implica un consumo mucho menor de energía: para producir la misma cantidad de carbonato de litio en Australia, se requiere un uso de energía tres veces mayor.