El director de cine, televisión y teatro Juan José Campanella traerá su obra Empieza con D, siete letras a Mar del Plata, con funciones el 22 y 23 de mayo en el Teatro Auditorium. En diálogo con el programa Nunca se sabe, por Radio Mitre Mar del Plata, destacó que el espectáculo fue “un exitazo en Buenos Aires” y expresó su entusiasmo por presentarlo en la ciudad, a la que ama visitar “fuera de temporada”.

Protagonizada por Eduardo Blanco, Victoria Almeida y Gastón Cocchiarale, la obra aborda un encuentro impensado que se da en la sala de espera de un odontólogo. El director confió que evalúa su agenda para ver si puede venir a Mar del Plata a presentarla, porque tiene compromisos con la popular serie La ley y el orden: Unidad de Víctimas Especiales.

Durante la charla no podía pasar desapercibida la reciente muerte de Luis Brandoni, con el que Campanella realizó la exitosa Parque Lezama, ahora también película disponible en Netflix, y con el que mantenía una estrecha relación. Reconoció que el momento fue “muy fuerte” y explicó que, aunque su entorno más cercano ya sabía que el estado de salud del actor era delicado, la noticia igualmente impactó. Además, admitió que “uno no estaba preparado para la ausencia de Beto” y consideró que su figura “sigue creciendo con cada recuerdo”.

Por otra parte, también habló sobre The Ópera Locos, actualmente en cartel en el Teatro Politeama de Capital Federal. Aclaró que no tuvo participación creativa en el proyecto, lo que le permitió, según dijo con ironía, “fanfarronear” sobre sus virtudes. Y describió el espectáculo como una propuesta “increíble”, comparable con una versión operística del Cirque du Soleil, que combina humor y despliegue visual.

En esa línea, remarcó la capacidad de la obra para atraer a públicos diversos, incluyendo a los más jóvenes, y destacó el impacto que genera en los espectadores. Además, valoró especialmente la fusión entre un género tradicionalmente asociado a lo elitista como la ópera y un enfoque popular, con interpretaciones vocales de alto nivel y una puesta accesible, lo que consideró una “combinación maravillosa”.

-¿Qué encontraste en la dirección teatral que no estaba en el cine?Yo empecé en teatro a los 22 años, pero después la vida me llevó al cine y la televisión. Tras hacer Metegol, que fueron años de computadora, quise volver a algo más artesanal: guión y actores. Sin tecnología, sin celulares. Así hicimos Parque Lezama en 2013 y fue un éxito tremendo. Ver teatro con público presente es una experiencia que el cine no te da. Es lo inmediato. Después hicimos más obras y decidimos construir el Politeama desde cero.

-¿Cómo se construye la relación con un actor fetiche como Eduardo Blanco?Tiene que haber comunión en varios niveles. Primero, el sentido del humor. Si no entiende el chiste, no se puede dirigir. Después, la forma de trabajar, el clima, la disciplina. Con Eduardo, con Ricardo Darín o con Beto existe todo eso. Nos entendemos perfectamente y además somos amigos de la vida.

-¿Eso de “no entender el chiste” se aplica a las nuevas generaciones?Sí. A veces los más jóvenes se ofenden más fácilmente. Nuestro humor tiene mucha chicana y hoy eso genera conflictos. También hay un tema de disciplina que antes era más fuerte.

-¿Hay proyecto con Ricardo Darín?No por ahora, pero tenemos muchas ganas. El problema es coordinar agendas y encontrar un proyecto que nos entusiasme a todos.

Obviamente no podía faltar la referencia a La ley y el orden, y especialmente a una pregunta clave: ¿Olivia Benson y Elliot Stabler van a terminar siendo pareja? Entre Risas, Campanella confesó: “Es una gran discusión interna. Cuando volvió Stabler, los dos actores pidieron que yo dirigiera ese capítulo. Yo les dije que si alguna vez se besan y no estoy dirigiendo, ‘va a correr sangre’. Pero es un debate que lleva años”.

El próximo 22 de mayo a las 20:30 y el 23 a las 21:30, el director Juan José Campanella presentará su nueva obra, Empieza con D, Siete Letras, en la Sala Piazzolla (Patricio Peralta Ramos 2280). La pieza cuenta con las actuaciones de Eduardo Blanco, Victoria Almeida y Gastón Cocchiarale.

La trama se desarrolla en la sala de espera de un consultorio dental, donde dos personajes opuestos colisionan de manera imprevista. Miranda Delgado, una carismática profesora de yoga de treinta años, y Luis Cavalli, un médico jubilado y viudo de sesenta, inician una relación marcada por la ironía y la profundidad humana. A través de este encuentro, la obra se transforma en una montaña rusa emocional donde el afecto y la comedia son los ejes centrales.

Según la descripción de la producción, la pieza “desnuda la vulnerabilidad de dos almas que, a pesar de los golpes, todavía creen en la posibilidad de una segunda vuelta”. Se define como una comedia romántica de identidad argentina, en la cual el humor de lo cotidiano se funde con la ternura de quienes deciden apostar nuevamente por los vínculos afectivos.

Esta propuesta invita a los espectadores que “saben reírse de sí mismos, disfrutan del humor inteligente y creen que, a cualquier edad, la vida siempre puede sorprender con un nuevo capítulo”. Juan José Campanella ofrece aquí una oportunidad para la reflexión sobre los nuevos comienzos, la emoción y la resiliencia personal.

El director y guionista argentino Juan José Campanella contó una curiosa anécdota sobre cómo logró introducir jamón ibérico en la aduana sin que pasara por el escáner del aeropuerto. Según relató el cineasta, el truco consistió en declarar el producto como alimentos y pedir que lo revisaran manualmente, lo que hizo que los oficiales de aduana abrieran el paquete y no lo escanearan.

Campanella explicó que, tras varios intentos fallidos de pasar productos delicatessen por la seguridad aeroportuaria, decidió anticiparse y ser completamente honesto al declarar el jamón ibérico. Fue entonces cuando los agentes decidieron abrir la valija y revisar el contenido sin necesidad de hacerlo pasar por la máquina de rayos X.

Campanella compartió esta vivencia durante el programa Almorzando con Juana, destacando el valor del diálogo y la transparencia ante las autoridades para evitar inconvenientes al transportar productos gastronómicos de alta calidad. Además, resaltó que esta estrategia no busca “engañar” a nadie, sino facilitar el proceso ante los procedimientos habituales de la aduana. 

PARQUE LEZAMA (película) dirigida por Juan José Campanella, con Eduardo Blanco, Luis Brandoni, Verónica Pelaccini. En cines.

-Antes de llegar a Netflix, esta película tendrá un breve paso por los cines. Uno puede reflexionar sobre los problemas de la distribución actual de cine y cómo las plataformas lastraron la presencia de público en las salas, pero realmente con Parque Lezama no hay tanto dilema: es una propuesta pensada para el streaming, sin mayores méritos cinematográficos. Todo está basado en una obra de teatro que Campanella ya adaptó exitosamente sobre las tablas, también con Luis Brandoni y Eduardo Blanco. Evidentemente, más allá de una puesta en escena mínima, el director no pensó mucho la traslación al cine y se conformó con ilustrar más o menos bien lo que ya estaba en el teatro. Es decir, la anécdota de estos dos viejos que charlan naderías mientras una serie de personajes los cruzan e interactúan, motorizando las personalidades de ambos (el primero un ex militante comunista con ínfulas de mitómano; el otro un hombre gris cómodo en su idea de no llamar la atención), no tiene mayor brillo cinematográfico, preso de una chatura que es la de la puesta en escena pero también la de algunas ideas que Campanella exhibe ya como síntesis de sus mejores tiempos. Discusiones que parecen un poco anticuadas, aunque contenidas por la nostalgia habitual del cine del director. Discreta, no tan mala como Metegol, pero entre lo peor de su filmografía.

CAMINOS DEL CRIMEN (película) dirigida por Bart Layton, con Chris Hemsworth, Mark Ruffalo, Halle Berry. En cines.

-Tenemos dos películas. Una, la que funciona, es un policial que se respalda para nada inocentemente en la icónica Fuego contra fuego de Michael Mann y en la estética del policial de los 60’s y 70’s, especialmente Bullitt que tiene una cita explícita en algún diálogo. Ahí tenemos a un chofer que se encarga de millonarios robos sin usar la violencia física y a un grupo de personajes que empiezan a jugar a su alrededor, una vez que sale algo mal en uno de sus golpes. La otra película es una que intenta decir cosas sobre el mundo, sobre los marginados del sistema. Uno no tiene nada en contra de los marginados, pero sí contra elementos forzados que no funcionan dentro de una trama que se empecina en arruinar lo que funciona muy bien. Y es que el desconocido Layton filma muy bien, se aplica a las reglas del policial clásico y seco, hay buenas persecuciones en una película fierrera de las buenas. Y también un buen elenco, donde destaca Hemsworth como ese delincuente de guante blanco al que las cosas se le complican cuando se corren de sus reglas. Una buena película, con los reparos hechos.

¿ESTÁ FUNCIONANDO ESTO? (película) dirigida por Bradley Cooper, con Will Arnett, Laura Dern, Andra Day. En cines.

-No deja de ser curioso, pero tras Nace una estrella y Maestro, ambas nominadas al Oscar, Bradley Cooper no pudo con su tercera película repetir ese lugar en la temporada de premios. Y digo curioso porque esta es, claramente, su mejor película. La más personal, la menos afectada, la que tiene una mirada más despojada y menos pretenciosa. Tal vez sea eso. Cooper cuenta otro de esos grandes relatos norteamericanos sobre divorcios, una estética propia que va de Karmer Vs. Kramer a Historia de un matrimonio. Precisamente sobre la película Noah Baumbach parece surfear Cooper, incluso tomando a una de sus protagonistas: Laura Dern. Aquí tenemos a una pareja que atraviesa un divorcio de una manera bastante civilizada, aunque parece haber algo roto en ambos, algo no dicho. Y hacia allí va la película, haciendo hincapié en el punto de vista de Alex (Will Arnet en un protagónico que el cine le debía) y su descenso a las bares neoyorquinos donde comenzará a despuntar el vicio del stand-up. ¿Está funcionando esto? aprovecha los múltiples niveles de interpretación que permite su título para indagar tanto en cada individuo como en su vida en conjunto. Con mucho humor, no sin cierto dolor aunque mesurado, pero especialmente con un cariño por los personajes que se agradece. Tal vez da alguna vuelta de más, pero estamos ante una gran película.

ETERNIDAD (película) dirigida por David Freyne, con Miles Teller, Elizabeth Olsen, Callum Turner. En AppleTV.

-Estamos como en una comedia romántica de las que se hacían varias décadas atrás. Lo bueno, es que la cosa funciona. Lo aún mejor, es que la película deja de lado cualquier rasgo autoconsciente respecto del género que transita. Y la verdad que durante varios minutos Eternidad es muy disfrutable. Con algo del Albert Brooks de Visa al paraíso, el film de Freyne se divierte pensando en cómo es ese limbo al que llegan los personajes luego de morir y antes de decidir en qué eternidad quieren pasar sus días. El conflicto es que cuando ella (la Olsen) muere la está esperando su marido (Teller), pero también su primer gran amor (Turner). Y antes que alguien le grite “¡conservadora!” a la película, Eternidad se despreocupa de cualquier acusación y avanza muy segura y muy sólida con pasos de comedia realmente notables (sobresale Teller en ese aspecto) y un romanticismo a la antigua que se condice con las edades de los personajes. Tiene algunas trampitas y un par de vueltas de guion molestas cuando pasa de la comedia al drama romántico, pero en líneas generales estamos ante una película sumamente disfrutable, con tres protagonistas que se lucen, y alguno más como la genial Da’Vine Joy Randolph.

LA HISTORIA DEL SONIDO (película) dirigida por Oliver Hermanus, con Paul Mescal, Josh O’Connor, Molly Price. En cines.

-Lo banco a Paul Mescal, pero le quiero avisar que está desperdiciando su talento en dramas académicos y va a terminar muriendo de aburrimiento (pobre, cuando quiso apostar a un blockbuster, eligió Gladiador 2). La historia del sonido no es una película que esté decididamente mal, pero la suma de sus partes habla de un relato que debería emocionar y apenas nos permite un acercamiento solemne al drama de sus personajes. En la Norteamérica de las primeras décadas del Siglo XX dos musicólogos recorren la América profunda recolectando las canciones que canta la gente. Mientras, entre ambos va surgiendo un amor profundo. La historia del sonido es un drama queer, una historia de amor trágico, y también una recuperación del espíritu folk de cierta tradición literaria norteamericana. Pero lejos de la reciente y notable Sueño de trenes, no hay algo que alumbre la cercanía con el espectador, en un relato que avanza de manera despojada y desapasionada. Mescal, O’Connor y Chris Cooper en el último acto están perfectos, Hermanus ilustra bellamente cada cuadro, pero todo está tan bien que en el fondo está un poco mal. Un drama correcto, demasiado correcto.