Como contábamos la semana pasada, en la década de 1980 diez hitazos se impusieron en el rubo a Mejor Canción Original de los Premios Oscar. Diez canciones que hoy siguen presentes y que han marcado a fuego a una generación, pero incluso sobrevivieron a eso y se mantienen como himnos pop de generaciones posteriores. Pero lo curioso es que, como para demostrar que fue una época gloriosa, si buscamos entre la lista de perdedores encontraremos otra cantidad igual de canciones imborrables, incluso algunas mejores que las que ganaron. 

Dentro de este recorrido por esa década, algunos años impactan por el nivel de los competidores. Allí arriba de todo está 1985, cuando Stevie Wonder se impuso con I just called to say I love you dejando atrás nada más y nada menos que a Footloose de Kenny Loggins, Ghostbusters de Ray Parker Jr. y Against all odds -Take a look at me now de Phil Collins. ¡Tres temazos que hoy integran cualquier lista de éxitos de los 80’s! No queremos generar polémica, pero la de Phil Collins es mejor que la de Steve Wonder.

Si vio algún especial de boxeo, sabrá que no hay forma de musicalizar un montaje sin Eye of the tiger de Survivor, hecho para la banda sonora de Rocky III. Un tema inmortal, que nos traslada inmediatamente al entrenamiento pugilístico. Esta canción inagotable es otra de las grandes perdedoras del Oscar en los 80’s. Sin embargo ese año, 1983, perdió contra la baladaza Up where we belong de Joe Cocker y Jennifer Warnes. Aunque quisiéramos, no podríamos quejarnos.

The power of love de Huey Lewis and the News perdiendo contra Say you, say me de Lionel Richie; 9 to 5 de Dolly Parton cayendo contra Fame de Irene Cara; o Glory of love de Peter Cetera mordiendo el polvo ante Take my breath away de Berlin. La música de los 80’s irrumpía con toda su potencia en las radios y la Academia no podía dejar pasar el viento de época. Podríamos seguir quejándonos por los derrotados, pero qué mejor que escucharlos.

9 to 5 de la película Cómo eliminar a su jefe por Dolly Parton (perdió en 1981 con Fama por Irene Cara)

Eye of the tiger de la película Rocky 3 por Survivor (perdió en 1983 con Up where we belong por Joe Cocker y Jennifer Warnes)

Maniac de la película Flashdance por Michael Sembelo (perdió en 1984 con Flashdance... what a feeling por Irene Cara)

Against all odds -Take a look at me now de la película El poder y la pasión por Phil Collins (perdió en 1985 con I just called to say I love you por Steve Wonder)

Footloose de la película Footloose por Kenny Loggings (perdió en 1985 con I just called to say I love you por Steve Wonder)

Ghostbusters de la película Los Cazafantasmas por Ray Parker Jr (perdió en 1985 con I just called to say I love you por Steve Wonder)

The power of love de la película Volver al futuro por Huey Lewis & The News (perdió en 1986 con Say you, say me por Lionel Richie)

Glory of love de la película Karate Kid II por Peter Cetera (perdió en 1987 con Take my breath away por Berlin)

Nothing’s gonna stop us now de la película Mannequin por Starship (perdió en 1988 con (I've had) The time of my life por Bill Medley y Jennifer Warnes)

Two hearts de la película Buster por Phil Collins (perdió en 1989 con Let the river run por Carly Simon)

THE MANDALORIAN (serie) creada por Jon Favreau, con Pedro Pascal, Chris Bartlett, Katee Sackhoff. En Disney+.

-Es posible que algunos no sepan de qué se habla cuando se habla de The Mandalorian y por eso el estreno de cines de esta semana le significará nada, pero lo cierto es que a lo largo de tres temporadas la serie creada por Favreau se convirtió en una de las cosas más felices que salieron de esa usina inagotable del universo Star Wars. La serie imagina a un personaje integrante de un particular credo, que tiene que rescatar a una criatura. Punto de inicio de una serie que es pura algarabía, alejándose de la pesadez de los subtextos y las obsesiones de la saga original y tirándose de cabeza a la aventura hecha y derecha, como en los viejos seriales donde los personajes iban de acá para allá sin importar demasiado el trasfondo. Con ese espíritu, la serie crecía a su vez de la mano del carisma que exudan sus dos protagonistas, el lacónico Mando y el muy querido Grogu. Hay capítulos brillantes, donde la aventura y la comicidad se dan la mano, y una lectura acertadísima de Favreau respecto de cómo recuperar las lecciones del cine clásico. Una maravilla.

STAR WARS: THE MANDALORIAN AND GROGU (película) dirigida por Jon Favreau, con Pedro Pascal, Jeremy Allen White, Martin Scorsese. En cines.

-Ni lento ni perezoso, en vez de seguir extendiendo la serie, Disney imaginó que detrás de este universo había una película. Con los mismos responsables a cargo del guion y del desarrollo, y con Favreau también detrás de cámaras, finalmente Mando y Grogu tienen su experiencia de larga duración, que para algunos podrá sonar a un capítulo extendido. Y si bien pueden estar en lo cierto, la verdad es que la película sostiene la lógica de la serie centrada en misiones, en viajes, en aventura, en comicidad y en acción. Aquí el protagonista es enviado a rescatar a una criatura, que está prisionera en otro planeta. Básicamente toda la película es el plan para ese rescate y sus consecuencias. No hay mucho más y es justo lo necesario, lo que tiene que contar una historia sostenida en resortes clásicos donde los contextos de los personajes no son demasiado relevantes. Aquí importa el movimiento, la manera en la que avanzan y van fortaleciendo su vínculo por medio de la acción. Puede que parezca un poco pequeña, o demasiado simple, pero sus imágenes espectaculares, alguna secuencia de acción y el carisma de sus protagonistas son suficiente material para justificar la empresa.

CARÍSIMA (serie) dirigida por Nano Garay Santaló y Federico Suarez, con Julián Kartún, Alex Pelao, Iara Portillo. En Netflix.

-Aquí tenemos el ejemplo contrario al anterior. Caro Pardíaco, personaje surgido de pequeñas intervenciones y apariciones donde importa más la improvisación que otra cosa, es la protagonista de esta serie donde la puesta en marcha de una fiesta se complica ante la aparición de un asesino. Creada por Kartún, Caro Pardíaco tiene elementos que podrían albergar la ilusión en la construcción de un mundo a su alrededor. Pero de las ideas a las concreciones hay un trecho largo, y los episodios, a pesar de durar apenas diez minutos, se vuelven intransitables. Narrada a las apuradas, como si el formato corto le jugara en contra, Carísima es una serie que sólo puede funcionar en el público cautivo y los fanáticos, que son -como sabemos- cultores de la indulgencia. Se agradece el esfuerzo de todos los involucrados, pero el resultado es pobrísimo.

NADA ENTRE LOS DOS (película) dirigida por Juan Taratuto, con Gael García Bernal, Natalia Oreiro, Peto Menahem. En cines.

-En el marco de una crisis empresarial que debe ser atendida durante un fin de semana, dos ejecutivos -él mexicano y ella argentina- se cruzan en un hotel y van construyendo una relación que más que una realidad, es una síntesis de todo aquello que no está del todo bien en el hogar de cada uno. Taratuto vuelve a mostrar su solidez como narrador de este tipo de historias centradas en vínculos personales y sentimentales, a la vez que logra sacar sinceras interpretaciones de García Bernal y Oreiro. Nada entre los dos indaga en los vericuetos del amor, de la vida en pareja, del deseo y la frustración. Lo hace con una mirada atenta a los detalles y diálogos bien escritos. El único problema de la película es que claramente le faltan picos como para que su tono un poco monocorde no termine abrumando. Está todo tan bien en la película, que a veces se extrañan algunas fallas que rayen esa superficie correcta y despeine un poco a sus personajes.

SATISFACCIÓN GARANTIZADA (serie) creada por David Rosen, con Tatiana Maslany, Jake Johnson, Jessy Hodges. En AppleTV.

-La primera secuencia del primer episodio es una muestra de la habilidad de esta serie para meternos en su propio juego: una mujer charla con un muchacho computadora por medio. Parece un pariente, un amigo o un novio. Pero no, es un encuentro sexual de estos que se estilan en la virtualidad. Sin embargo todo da un vuelco cuando ella termina involucrada en una situación policial y su vida comienza a complicarse mucho más: atraviesa un divorcio difícil, con la tenencia de su hija en juego. Si bien recién se vieron sus primeros episodios, Satisfacción garantizada promete por algunos nombres involucrados, como Maslany, Johnson y hasta el mismísimo David Gordon Green, director del piloto. Con guiños a Hitchcock y De Palma, la serie mixtura el thriller, la comedia negra y el drama con mucha solidez, y con un espíritu extravagante. Falta el arco completo, pero el inicio es prometedor.

Si en este mismísimo momento lanzamos una encuesta en la que le preguntamos a los lectores qué canción ganó el Oscar hace dos meses, seguramente muy pocos la recuerden. Signo de los tiempos, las películas, las canciones y los libros hechos para el consumo inmediato que proponen las plataformas y la velocidad de las redes han logrado que, en un alto porcentaje, el arte que circula sea absolutamente perecedero. Y no es un problema de Golden, la ganadora de este año, sino de las canciones en general que lo vienen haciendo en este Siglo XXI. Claro, siempre hubo un tiempo en el espejo retrovisor en el que fuimos felices… y si pensamos en el Oscar a Mejor Canción, ese momento fueron los 80’s.

Aquella década fue de quiebre para la industria cinematográfica en su totalidad. En los 70’s tuvimos la última gran generación de directores con la capacidad de discutir un corte final con los productores y tener cierto dominio creativo, algo que en los 80’s comenzó a desvanecerse en favor de un marketing mucho más presente en las películas y un cambio generacional en el consumo que impuso la mirada juvenil en la taquilla. Y eso se iba a ver reflejado con exactitud en el rubro a Mejor Canción Original en los Oscar: una década brillante en la que cada una de las ganadoras es un himno inmortal que hoy sigue sonando y que ganó vida propia por encima de la película para la que fue compuesta.

Atrás quedaron las baladas de los compositores clásicos de Hollywood que ya comenzaban a sonar viejas hacia fines de los 70’s. Y entonces llegaron nuevos vientos y las canciones de los 80’s que se impusieron en los premios tenían el sonido de los nuevos sonidos, y el reflejo magnético de la innovadora estética de MTV. Canciones juveniles, muchas de ellas baladas cachondísimas, otras tantas que pertenecían a films sobre baile (como Fama, Flashdance o Dirty dancing), que evidenciaban además la temperatura en ebullición de la platea. Tiempo de pop y sintetizadores. ¡Todos a bailar!

Si bien hubo buenas canciones ganando el premio, antes y después, lo curioso de los 80’s es que los diez temas quedaron en la memoria. Y detrás del fenómeno hubo algunas caras repetidas, por ejemplo -y valga el juego de palabras- Irena Cara que impuso su voz característica con el tema de Fama y más adelante con What a feeling de Flashdance. También repitió otra gran voz de la década, Jennifer Warnes, por sus duetos con Joe Cocker en la perfecta balada Up where we nelong de Resto al destino y con Bill Medley por la festiva (I've had) The time of my life. Y si hablamos del sonido de la década, el rey del disco Giorgio Moroder estuvo detrás de los éxitos musicales de Top Gun y Flashdance.

Lo curioso de la década del 80 es que la última película en ganar el Oscar a la Mejor Canción fue La sirenita -el clásico con el que Disney se reinventó-, gracias a Under the sea, que no tiene nada que ver con el sonido de la década. Sin embargo, anticipó el cambio de era de lo que premiaría la Academia en los 90’s, con varias películas de la compañía de cine animado llevándose la estatuilla. Como sea, los 80’s se mantienen como una década increíble repleta de grandes hits que ganaron el favor del público y de la crítica. Incluso hay canciones notables entre las perdedoras, pero eso será motivo de una próxima columna… ahora, a disfrutar. 

Fame de la película Fama por Irene Cara, ganadora en 1981

Best that you can do de la película Arthur: el millonario seductor por Christopher Cross, ganadora en 1982

Up where we belong de la película Resto al destino por Joe Cocker y Jennifer Warnes, ganadora en 1983

Flashdance... what a feeling de la película Flashdance por Irene Cara, ganadora de 1984

I just called to say I love you de la película Una chica al rojo vivo por Stevie Wonder, ganadora de 1985

Say you, say me de la película Sol de medianoche por Lionel Richie, ganadora de 1986

Take my breath away de la película Top Gun por Berlin, ganadora de 1987

(I've had) the time of my life de la película Dirty dancing por Bill Medley y Jennifer Warnes, ganadora de 1988

Let the river run de la película Secretaria ejecutiva por Carly Simon, ganadora de 1989

Under the sea de la película La sirenita por Samuel E. Wright, ganadora de 1990

La librería El Gran Pez, ubicada en Santiago del Estero 2052, será sede este mes de dos encuentros dedicados a la experimentación sonora, la performance audiovisual y el cine independiente, con la participación de artistas locales y nacionales de proyección internacional.

El martes 19 de mayo a las 20.30 hs se realizará una nueva edición del ciclo “Tesoros de mi ciudad”, con la presentación del músico y artista sonoro Nicolás Melmann y el dúo experimental marplatense Halo & Grasa.

Melmann presentará “Música Aperta”, una performance electroacústica e inmersiva construida a partir de cuerdas, órgano, cinta y electrónica, acompañada por visuales realizadas con archivos de películas microscópicas del siglo XX. La obra ya fue exhibida en festivales y espacios internacionales de Helsinki, Barcelona y Bratislava.

La fecha contará además con la participación de Halo & Grasa, integrado por Polette y Patricio O’Connor, quienes desarrollan trabajos vinculados al arte sonoro, las grabaciones de campo y la experimentación audiovisual.

Por otro lado, el sábado 30 de mayo desde las 18 hs se inaugurará “El sonido de lo que nadie quiere ver (Vol. 6)”, una nueva intervención de Silencio Dispositivo Portátil con acceso libre y gratuito.

Luego, a las 19 hs, se proyectará “El nacimiento del niño cripto”, primera película de Lucas Martí, recientemente estrenada en la Competencia Oficial del BAFICI 27. El film fue íntegramente escrito, dirigido, musicalizado y editado por el músico y artista visual.

Las actividades se desarrollarán en El Gran Pez, ubicado en Santiago del Estero 2052, Mar del Plata. Para más información y consultas: 223 312-5696 o por Instagram @elgranpezlibros

La cartelera de los cines de Mar del Plata se renueva esta semana con el estreno de En la zona gris, la nueva película dirigida por Guy Ritchie, junto a Exit 8, Tu yo y la Toscana, Obsesión y Umamusume: pretty derby. Además, la semana suma dos reestrenos destacados: Top Gun y Top Gun: Maverick.

En la zona gris dirigida por Guy Ritchie, con Jake Gyllenhaal, Henry Cavill, Eiza González.

-Un equipo encubierto de agentes de élite es enviado a recuperar una fortuna de mil millones de dólares robada por un déspota. Lo que inicia como un atraco imposible en las sombras escala rápidamente hacia una guerra total de estrategia, engaño y supervivencia extrema.

Exit 8 dirigida por Genki Kawamura, con Kazunari Ninomiya, Yamato Kôchi, Naru Asanuma.

-Inspirada en el videojuego homónimo, la película sigue a una persona atrapada en un bucle infinito dentro de una estación de metro. Para escapar, debe identificar anomalías en su entorno: avanzar si todo es normal o retroceder para no regresar al inicio del laberinto.

Tu yo y la Toscana dirigida por Kat Coiro, con Halle Bailey, Regé-Jean Page, Aziza Scott.

-Anna viaja a Italia tras un encuentro fortuito y termina fingiendo ser la prometida de un apuesto joven ante su madre. Sin embargo, la mentira se complica cuando aparece un primo de la familia y surge una atracción inesperada que transformará su vida para siempre.

Obsesión dirigida por Curry Barker, con Michael Johnston, Inde Navarrette, Cooper Tomlinson.

-El anhelo romántico de un joven por su amor platónico desencadena un hechizo siniestro que convierte a la chica en su sombra obsesiva. Esta metáfora sobre la cosificación de las relaciones explora los límites peligrosos a los que puede llegar el deseo de ser correspondido.

Umamusume: pretty derby dirigida por Ken Yamamoto.

-Inspirada por una gran victoria, la joven Jungle Pocket entrena para ser la amazona más rápida del mundo. Su camino al éxito se ve obstaculizado por Agnes Tachyon, cuya velocidad imposible se convierte en una obsesión que amenaza con destruir su sueño.

Top gun dirigida por Tony Scott, con Tom Cruise, Kelly McGillis, Tom Skerritt.

-En la escuela de élite de la Marina, los mejores pilotos son entrenados para ser fríos e intrépidos en combates extremos. A la academia llega Maverick, un joven temerario y brillante cuya forma de pilotar desafía las reglas y rompe la barrera del sonido.

Top gun: Maverick dirigida por Joseph Kosinski, con Tom Cruise, Miles Teller, Jennifer Connelly.

-Tras décadas como piloto de pruebas, Pete “Maverick” Mitchell regresa a Top Gun para entrenar a una nueva generación de élite. Allí deberá enfrentar los fantasmas de su pasado al conocer al hijo de su difunto amigo Goose, mientras preparan una misión suicida.

Esta semana se cumplieron 41 años del estreno de Esperando la carroza, que el 6 de mayo de 1985 comenzó un camino en las salas que derivó en algo impensado: un fenómeno popular que cuatro décadas después se mantiene firme en la memoria colectiva de los argentinos. Ya sea por sus frases recordadas, por sus personajes, por escenas, lo cierto es que Esperando la carroza es un hito indiscutido, convirtiéndose en referencia incluso de generaciones muy posteriores. Esa posteridad que hoy se convierte en meme, GIF, sticker y cuanto elemento de la contemporaneidad conduzca al humor y al guiño cómplice que alcanza con solo mencionar una línea de diálogo para que todos sepamos de qué estamos hablando.

Inspirado en una obra de teatro uruguaya de 1962 escrita por Jacobo Langsner y producida por la Comedia Nacional de Uruguay, el film dirigido por Alejandro Doria se erigió desde el vamos como un grotesco pasado de rosca que miraba de frente, en los albores de la nueva democracia, a esa sociedad argentina de los años de la dictadura. Sin ningún tipo de sutileza, hay que decirlo (también debo decir que no comparto el amor por esta película), la comedia sobre una familia -los Musicardi- que a partir de la desaparición de la abuela entra en estado de shock, se ha convertido en una suerte de sinónimo de una noción un poco desbordada de lo nacional, o de lo que los argentinos creen de sí mismos.

Hay que decir que Esperando la carroza ya había tenido una representación en la televisión nacional con el ciclo Alta comedia. Allá por 1973, la obra de teatro había sido llevada a la pantalla chica también con dirección de Doria y con un elenco integrado por la mismísima China Zorrilla, pero con Pepe Soriano, Raúl Rossi, Dora Baret, Alberto Argibay, Lita Soriano, Alicia Berdaxagar, Marta Gam y Hedy Crilla. Curiosidad, Soriano interpretó a la abuela en esa comedia negrísima La Nona, antecedente bastante claro de Esperando la carroza.

La versión cinematográfica de 1985 contaba en su elenco con una suma de caras muy conocidas y algunos intérpretes que estaban comenzando a serlo. Desde Luis Brandoni, a China Zorrilla, Juan Manuel Tenuta o Lidia Catalano, a Antonio Gasalla, Betiana Blum, Enrique Pinti o Darío Grandinetti, entre muchos otros. Tal vez no haya en la historia del cine argentino una película que cuente en su elenco con tantas caras conocidas. Pero lo verdaderamente cierto es que el film no fue muy exitoso al momento de su estreno y, por ejemplo, se lo pudo ver a Gasalla durante varios sábados haciendo el personaje en el programa Badía y compañía como una forma de promocionarlo. No fue hasta su edición en VHS y su exhibición constante en televisión, que la película se convirtió en el fenómeno que hoy conocemos.

Para Gasalla, que tenía una carrera extendida en el teatro (con algún paso por el cine como La tregua), el personaje fue una verdadera explosión. Y, hay que decirlo, es el único que está contenido en una película que tiende a estar dos o tres tonos arriba de lo requerido. Sin embargo, en primera instancia Doria le ofreció el personaje a Niní Marshall, pero esta lo rechazó y ahí derivó en el popular cómico, que ya venía haciendo de una vieja similar en el teatro. Seguramente la decisión más feliz del director fue que la abuela tenga más participación que solo los últimos minutos que le destinaba la obra de Langsner. “El propuso ponerla en la vereda de enfrente, que vea desde ahí las situaciones y que participe más”, contó Gasalla durante una entrevista.

Tal fue el nivel de popularidad que logró Gasalla con esa caracterización, que luego reinterpretaría al personaje en sus diferentes envíos televisivos y hasta sería invitado constante al programa de Susana Giménez, donde intervino como “La abuela” durante más de una década.

Obviamente de la película se recuerdan sus frases y siempre se encuentra la forma de meter en una reunión familiar o de amigos aquello de “yo hago ravioles, ella hace ravioles”. De hecho la reciente muerte de Luis Brandoni fue otra vez motivo para que se lo recuerdo con las “tres empanadas”, algo que al actor posiblemente no le hubiera hecho demasiada gracia ya que estaba un poco cansado de la referencia. Lo curioso es que según el anecdotario de la película, cuando se rodó y Brandoni tiró la frase, no causó la más mínima gracia y fue vivido como un momento dramático. Fue tan solo con las primeras exhibiciones que se escucharon las risas y el público empezó a repetir aquello.

Otro detalle curioso de Esperando la carroza es que hasta sus locaciones se volvieron icónicas para los fanáticos. Los principales hechos de la película transcurren en una típica casa chorizo de Echenagucía 1232, en el barrio de Versalles. La casa fue declarada Patrimonio Cultural de la Ciudad de Buenos Aires en 2011, pero los dueños tuvieron que sacarle el timbre por las constantes visitas de quienes querían recrear las escenas de la película y conocer el lugar. Todo esto queda muy bien retratado en el documental Carroceros de Mariano Frigerio y Denise Urfeig (disponible en Flow), que muestra cómo se ha montado todo un mercado fetichista de fans que hasta contratan tours turísticos para visitar las locaciones.

Si Esperando la carroza logró lo que muy pocas películas argentinas en su historia, convertirse en un film de culto que trascienda generaciones, la tentación de una secuela estaba siempre en el tapete. Y eso sucedió en 2008, bajo la dirección de Gabriel Condrom. Como no me gusta Esperando la carroza no voy a decir que la secuela es mucho peor, pero lo cierto es que pretende empatar su hilo sociológico hablando un poco de los 90’s sin alcanzar el mismo nivel de acierto iconográfico y acercando su humor al de las comedias de Gerardo Sofovich. Esperando la carroza 2 no contó con muchos de los del elenco original (entre ellos los indispensables China Zorrilla y Antonio Gasalla) y quienes fueron de la partida, lo lamentaron. Como Brandoni, que reconocería durante una conferencia de prensa por el reestreno en cines de la original que la secuela era “mala, no era coherente con la historia, resultó siendo mala”.

Otro ejemplo más de que la nostalgia no es un buen punto de inicio para emprender nada: “Qué miseria che”.

GARY (especial) dirigido por Christopher Storer, con Ebon Moss-Bachrach, Jon Bernthal, Gillian Jacobs. En Disney+.

-Mientras se nos confirma que la quinta temporada de El oso, que llegará en junio, será la última, Disney+ lanzó sin hacer mucho ruido este episodio especial, centrado en un flashback que indaga en la dinámica de la relación del querido primo Richie con Mikey Berzatto, el hermano que siempre funciona como una sombra sobre el resto de la familia. Básicamente los sigue en un viaje a la ciudad de Gary, donde tienen que realizar una tarea para el tío Jimmy. Eso es una excusa, en verdad, para que Storer retome formas y modos de la serie, con esos diálogos intensos y esa puesta de cámara bien cercana a los personajes. Hay un leve hilo narrativo y una relación que se constituye desde cierto código interno de violencia verbal, que en determinado momento se corta cuando la cosa se vuelve demasiado personal. Bien interpretado, bien narrado, Gary nos muestra algo del esquivo y problemático Mikey y profundiza en esa personalidad explosiva de Richie. Casi una muestra gratis o un episodio menor de El oso.

MARGO TIENE PROBLEMAS DE DINERO (serie) creada por David E. Kelley, con Elle Fanning, Nick Offerman, Michelle Pfeiffer. En AppleTV.

-Esta serie creada por el experimentado Kelly se suma a otras del estilo que integran el catálogo de AppleTV, dramedias nobles de gente rota que decide no sumarse a la caravana de cínicos contemporáneos. Aquí el centro es Margo, joven que se hace cargo de un niño no buscado y de un progenitor abandónico, mientras reconstruye su familia integrada por una madre con la que se lleva mal y un padre, con el que se lleva bien pero al que hace años que no ve. La serie se edifica desde lo estrafalario (la madre es una vendedora medio grasa, el padre una figura del catch en decadencia) para poner una mirada tierna sobre un grupo de personajes rotos que desean ser mejores. Con mucho humor, con momentos dramáticos que no empañan el asunto, Margo tiene problemas de dinero tiene además un gran elenco y una decisión evidente: correrse del prejuicio y aceptar a sus personajes como son. Bienvenida.

APEX (película) dirigida por Baltasar Kormákur, con Charlize Theron, Taron Egerton, Eric Bana. En Netflix.

-El prólogo es una muestra gratis de lo que vendrá. Una tragedia en las alturas filmada con criterio a la hora de construir climas y tensión. Luego, una aventura: la mujer del comienzo, ahora sola, vagando por Australia en una viaje de expiación personal. Y ahí comienzas los problemas, cuando la mujer (Theron) se cruce con un personaje (Egerton) que más pronto que tarde mostrará la hilacha: más que un simpático guía es un asesino despiadado que goza con hacer sufrir a sus víctima. Apex, entonces, es un relato de supervivencia adentro de un juego de gato y ratón. El film es pequeño, lo que no sígnica lo mismo que malo: Theron es una gran protagonista que sabe actuar desde lo físico, Egerton disfruta de estos personajes torturados y siniestros, y Kormákur (el de Bestia y Everest) filma muy bien el suspenso y la tensión en el entorno natural. Un thriller sólido, una película como las que antes llegaban a los cines y ahora apenas se estrenan en plataformas. Corta y eficaz.

BRONCA (miniserie) creada por Lee Sung Jin, con Oscar Isaac, Carey Mulligan, Cailee Spaeny. En Netflix.

-Esta serie antológica vuelve con otra de esas historias donde el azar juega su parte y todo se vuelve bastante turbio. Ahora estamos en un club exclusivo, donde sus encargados (la típica pareja de ricachones con problemas de alcoba) tienen una pelea que es observada por dos empleados del lugar. En verdad ven un recorte de la discusión, pero eso les sirve para crear un juicio. Ese mínimo episodio, básicamente, servirá para que las cosas escalen y se vuelvan descontroladas, mientras la serie aprovecha la locura generalizada para hacer una lectura sociológica acerca de muchas de las taras del presente, aquí las diferencias de clase, los juicios de valor construidos en la nada y las miserias de ricos y pobres. A Bronca la puede la ecuanimidad, a veces forzando las situaciones. Ese es su principal inconveniente, aunque también uno de los motivos de su éxito.

LA HUELLA DEL ORO (miniserie) creada y dirigida por Daniel Duche. En HBO Max.

-Esta producción animada argentina se ha convertido en un suceso, impensado -sólo- si pensamos en su origen y aceptamos que la animación nacional no tiene por ahora la trascendencia que podría tener. Lo cierto es que este relato fantástico que sigue a un mercenario en lucha contra criaturas de todas las dimensiones y formas posibles, es en primera instancia una construcción narrativa que funciona en su propia lógica y muy especialmente un diseño visual que impacta y se impone. Podríamos decir que la leve narración se sostiene desde lo gráfico, desde esas peleas tremebundas que siempre encuentran alguna invención para crear imágenes potentes. La huella del oro no solo funciona, sino que además muestra un camino posible para la animación nacional.  

La escritora marplatense Kathy Piazzolla impulsa el proyecto cinematográfico Sonrisas de bandoneón, una propuesta que ya cuenta con guion completo y banda sonora original grabada, y que ahora busca financiamiento y socios estratégicos para concretar su producción entre Argentina y España.

La iniciativa, que combina cine y música, presenta una particularidad poco habitual en proyectos en desarrollo: dispone de una banda sonora terminada, con más de siete canciones originales en español e inglés que recorren géneros como el tango, la milonga, la balada y el vals.

La historia se centra en dos familias argentinas emigradas a Barcelona y aborda temas como el duelo, la identidad, los vínculos y la creación artística. El relato incluye la figura de un joven que encuentra en la música una forma de reconstruirse tras la pérdida, junto a otros personajes atravesados por secretos y conflictos personales.

La productora María Alquezar, quien se sumó al proyecto, destacó el valor diferencial de la propuesta: “La música es el corazón del proyecto y ya está ahí, lista. Eso es enormemente valioso”.

En esta etapa, el equipo avanza en la búsqueda de financiamiento a través de líneas de fomento cinematográfico y en la conformación de alianzas con coproductores tanto en Argentina como en España, con el objetivo de llevar la historia a la pantalla.

Sonrisas de bandoneón se presenta como una obra con identidad propia desde su origen, que apuesta a un enfoque integral donde la música “no acompaña la narrativa, sino que la constituye desde su base”, indicaron desde la producción.

Los cines de Mar del Plata renovarán su cartelera esta semana con la llegada de Mortal Kombat II, la nueva entrega de la popular saga de acción basada en el videojuego, junto a Las ovejas detectives, una producción familiar orientada al público infantil, la de terror llegará Hokum: la maldición de la bruja y dos propuestas musicales: Billie Eilish - Hit me hard and soft: El tour y Iron Maiden: burning ambition.

Mortal Kombat II dirigida por Simon McQuoid, con Karl Urban, Adeline Rudolph, Jessica McNamee.

-Los campeones de la Tierra, junto al carismático Johnny Cage, se enfrentan en una sangrienta batalla a muerte contra el oscuro régimen de Shao Kahn. El destino de la humanidad pende de un hilo en este enfrentamiento definitivo para salvar al Reino de la Tierra.

Las ovejas detectives dirigida por Kyle Balda, con Hugh Jackman, Emma Thompson, Nicholas Braun.

-Tras la muerte de un pastor que solía leerles misterios, sus ovejas comprenden que ha sido asesinado. Decididas a hacer justicia, este inusual rebaño comienza a investigar el crimen, convencidas de que tienen las pistas necesarias para resolver el caso.

Hokum: la maldición de la bruja dirigida por Damian McCarthy, con Adam Scott, Florence Ordesh, Peter Coonan.

-Un escritor de terror viaja a una antigua posada irlandesa con la misión de esparcir las cenizas de sus padres. Sin embargo, su duelo se ve interrumpido al descubrir que la propiedad está bajo la influencia de una bruja y una maldición ancestral.

Billie Ellish - Hit me hard and soft: El tour dirigida por James Cameron y Billie Eilish, con intervenciones de Billie Eilish, Finneas O’Connell, James Cameron.

-Dirigido por la propia artista junto a James Cameron, este film captura la energía de su gira mundial con entradas agotadas. Una experiencia cinematográfica que recorre los grandes éxitos de una de las figuras más influyentes de su generación en la gran pantalla.

Iron Maiden: burning ambition dirigida por Malcolm Venville, con intervenciones de Iron Maiden, Steve Harris, Bruce Dickinson.

-Documental que recorre el ascenso de la banda desde los pubs de Londres hasta los estadios mundiales. Incluye entrevistas exclusivas, la última charla con Paul Di’Anno e imágenes inéditas que celebran medio siglo de historia del heavy metal.

Hace más de una década que las plataformas de streaming son una amenaza para las salas de cine, incluso mucho más de lo que representaron en su momento el VHS o el DVD. Las plataformas otorgaron una sensación de saciedad audiovisual que fue alejando de los cines a mucho público, agotando las posibilidades de varios géneros en la pantalla grande: policiales, dramas, comedias, comedias románticas y el cine de autor sobreviven hoy casi exclusivamente en los dispositivos hogareños, mientras la salida al cine parece quedar reservada a películas evento o grandes producciones. A su propia potencia (catálogos amplios, estrenos con estrellas, variedad de géneros), las plataformas contaron con un aliado impensado: la pandemia, que sirvió para convencer de la comodidad de la reclusión hogareña y resignificar el criterio con el que se consume cultura. En tiempos de sobre-estímulo y glorificación de la “experiencia”, sentarse en una sala oscura frente a una película que nos demanda exclusiva atención no parece la mejor “experiencia”. Entonces el cine, como industria, se desangra.

Con ese espíritu, las salas sobreviven con los tres o cuatro éxitos del año, mientras películas por fuera del radar naufragan con números cada vez más flacos de taquilla. Por eso, el éxito que viene acompañando a Michael, la biografía de Michael Jackson, y recientemente a El diablo viste a la moda 2, representa no solo un soplo de aire fresco para la industria, sino además un gesto que recupera para un sector de la población la magia del ritual de ir al cine. Para ser concretos, desde la pandemia, los sectores de adultos y adultos mayores son los que más dejaron de ir a las salas, lo que termina repercutiendo en qué tipo de propuestas tienen la posibilidad de estreno.

Según un artículo publicado en la web Nofilmschool.com, durante 2025 en Estados Unidos el 67% de personas entre 18 y 29 años habían ido al cine, mientras que solo un 39% de mayores de 65 lo habían hecho. Precisamente, esa porción de espectadores es la que habitualmente consumía películas de presupuesto medio. Pero el problema es global: en España, por ejemplo, observaron esta misma situación y en 2024 se aplicó un programa denominado Cine Sénior, por medio del cual mayores de 65 años podían concurrir al cine los martes abonando una entrada de apenas 2 euros. El resultado fue que ese año concurrieron un 82% más de espectadores en ese rango etario, a la vez que el martes se convirtió en el tercer mejor día de convocatoria en las salas.

Si bien la merma de espectadores es un tema general y atraviesa a todos los públicos (en Argentina en los primeros tres meses de 2026 se cortaron 900.000 tickets menos que en el mismo período de 2025, según cifras de Ultracine), en ese sentido la taquilla se mueve en ocasiones al vaivén del interés que generan los tanques. Sin embargo con el público adulto la ecuación es diferente, porque ya no se trata de interés en los estrenos, sino básicamente en un cambio en la forma de consumo. Es un público que parece esperar el arribo de las películas a la comodidad de su hogar, y eso puede estar atravesado por varios motivos, que incluyen hasta aspectos sociales que exceden a la industria audiovisual. Un problema mayúsculo para el cine nacional, que tiene en el público adulto / adulto mayor a su espectador potencial. En estos seis años solo Homo Argentum parece haber reunido los elementos suficientes como para recuperar a ese público.

Cuando comenzó el año, se decía que este 2026 era un año clave para la industria, ya que arribarían a las salas muchos tanques de esos que deberían convocar multitudes, algo que no funcionó del todo en 2025. Sin embargo se están dando algunos fenómenos tal vez impensados y que vienen movilizando a esos sectores de la platea que parecían dormidos o imposible de arrastrar a las salas. Uno de esos ejemplos es Michael, el film de Antoine Fuqua que retrata un segmento de la vida de Michael Jackson. La película tuvo un debut monstruoso, con 97 millones de dólares de recaudación en Estados Unidos y otros 210 millones a nivel global durante su fin de semana de estreno.

Con estos números, Michael se convirtió entonces en el mejor debut para una película biográfica, pero además en el mejor arranque del año para una película original, que no pertenece a una franquicia. Sin embargo, el dato más alentador es que si bien acercó una audiencia variada, su público estuvo compuesto en un 50% por espectadores mayores a los 35 años, una cifra que recupera la presencia de público adulto.

Y la tendencia parece sostenerse con el reciente estreno de El diablo viste a la moda 2, que superó los 50 millones de dólares en sus funciones de preestreno en todo el mundo y superando ampliamente los 110 millones en su primer fin de semana. Si bien el éxito de la película protagonizada por Meryl Streep y Anne Hathaw estaba descontado, lo cierto es que tenía que revalidar las expectativas. En este contexto, el dato más atractivo es otra vez el regreso de espectadores adultos: según cifras recolectadas por el sitio especializado Deadline.com, del total de espectadores el 36% eran mayores de 45 años y el 22%, de mayores de 55.

Habrá que ver si estos números se mantienen o se trata solo de una operación nostálgica de una generación que va al cine a ver solo aquello que los compromete sentimentalmente: las canciones de Michael Jackson, la secuela de una película de hace dos décadas. Este año el cine para adultos tiene algunas apuestas significativas con la adaptación de La odisea a cargo de Christopher Nolan o la vuelta de Steven Spielberg a la ciencia ficción con Disclosure Day. Que la tendencia continúe y que ir al cine vuelva a ser un ritual para el gran público.

EL DIABLO VISTE A LA MODA 2 (película) dirigida por David Frankel, con Meryl Streep, Anne Hathaway, Stanley Tucci. En cines.

-A veinte años de la primera entrega, esta secuela de El diablo viste a la moda desarma inmediatamente todos los prejuicios del espectador: lejos de la frivolidad de los vestuarios y la opulencia con la que se promociona, esta comedia dramática se centra desde sus primeros minutos en el mundo del trabajo, el periodismo y los cambios de época que vuelven a los personajes unos verdaderos dinosaurios. En ese sentido, el film es fiel reflejo de la obra de Frankel, director que tras superficies de amabilidad y simpleza sabe trasuntar algunas dosis de amargura (bien lo sabe el personaje de Owen Wilson en la sorprendente Marley y yo). En definitiva, que los personajes (regresan los cuatro principales) se vuelven a reunir mientras la extinción de los medios gráficos y las fusiones empresariales, que siempre dejan en declive a las ideas por sobre el negocio, pesan sobre sus espaldas. El diablo viste a la moda 2 se anima a reflexionar sobre algunos de estos asuntos del presente, más allá de que su final sea optimista aunque no cínico: los personajes saben que su triunfo es pírrico y momentáneo, pero no los exime de disfrutar. Obviamente, están todos simpatiquísimos y Hathaway y Streep están perfectas.

MICHAEL (película) dirigida por Antoine Fuqua, con Jaafar Jackson, Nia Long, Colman Domingo. En cines.

-Producida por la misma gente que hizo Rapsodia bohemia, esta película copia hasta el hartazgo su estructura de biografía lavada, incluso recursos dramáticos que parecen ser un guiño: el cameo de Mike Myers en un rol similar, la recreación final de un concierto. Michael Jackson es uno de los artistas más grandes de la historia y la preocupación de muchos respecto de qué detalles escabrosos de su intimidad se contarán, queda descartada desde el inicio: sus hermanos son productores, su sobrino es quien lo interpreta. Es decir, Michael es un relato familiar, en doble sentido. Familiar, porque son los seres cercanos los que cuentan la historia de Jackson, y familiar porque todo lo que pasa en la pantalla ya lo vimos en otras biografías. El discreto artesano que es Fuqua muestra poca inventiva para lo musical, y apenas nos quedan un puñado de canciones inmortales y la excelente recreación que hace Jaafar de su tío Michael. Nada nuevo bajo el sol.

YIYA MURANO: MUERTE A LA HORA DEL TÉ (película) dirigida por Alejandro Hartmann, con testimonios de Chiche Gelblung, Jorge Ávalos, Osvaldo Bazán. En Netflix.

-Con experiencia en documentales sobre casos policiales icónicos de la criminología argentina, Hartmann se mete con -tal vez- el caso más popular. Pero no solo eso: también el caso que derivó en un universo kitsch, que en ocasiones olvida que detrás de la absurda Yiya hay varias víctimas. Pero lo que diferencia a Hartmann de otros directores dentro de este registro, es que se nota que es un director de cine y no un mero escenógrafo de morbos. El documental es interesante y relata los crímenes de Murano con precisión, mientras se van cocinando otros asuntos: ¿por qué el caso derivó en una suerte de chacota generalizada? ¿Cuál era el poder de seducción del personaje? ¿Qué pasa con las víctimas en ese contexto? Hartmann se hace las preguntas adecuadas, aunque puede que algunos asuntos lleguen un poco tarde y no se terminen de resolver del todo. Más allá de eso, Yiya Murano: muerte a la hora del té es un documental bien narrado, con los testimonios justos y con unas dramatizaciones que, por una vez, sí suman al conjunto.

RISA Y LA CABINA DEL VIENTO (película) dirigida por Juan Cabral, con Diego Peretti, Cazzu, Joaquín Furriel.

-En un pueblo argentino una cabina telefónica convoca a sus habitantes. En ese lugar, por esa línea, la gente logra comunicarse con los muertos. Allí estará nuestra joven heroína, entonces, dispuesta a resolver algunos asuntos. La película de Cabral, ganadora de premios en el último Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, es una producción que se diferencia del resto del cine nacional contemporáneo por una sumatoria de decisiones felices y poco habituales. Lo que sobresale es el elemento fantástico, que está notablemente utilizado porque funciona como soporte genérico pero además se aplica con precisión al conflicto de los protagonistas. Risa y la cabina del viento, además, suma una actuación infantil sobresaliente, un tono costumbrista que no se excede en demagogias y un toque autóctono que le aporta identidad sin caer en lo subrayado. Aunque opte por caminos diferentes, hace acordar en cierta medida al cine de Shyamalan por la manera en que logra relacionar lo fantástico con cuestiones sociales y terrenales.

NOCHE DE PIZZA (película) dirigida por Nick Kocher y Brian McElhaney, con Gaten Matarazzo, Sean Giambrone, Lulu Wilson. En Disney+.

-Esta comedia es una de las sorpresitas del año. Dos perdedores, de esos que son maltratados por todos sus compañeros, vivirán una verdadera aventura cuando consuman una droga y bajar dos pisos para atender el delivery se vuelva misión imposible debido a las consecuencias alucinógenas de la sustancia. Comedia en el sentido más estricto del género, esta película es sumamente imaginativa y recupera la capacidad del género para convertir lo físico en un chiste potencial. Casi a contracorriente del cine del presente, se permite hacer chistes con todo lo que se le cruza e incluso más, porque sus ideas atraviesan los márgenes hasta del propio verosímil. Noche de pizza es libre y se abraza a un espíritu lúdico que creíamos perdido. Y nos demuestra que este Matarazzo puede ser algo más que el de gorrita de Stranger things.

Si bien en sus inicios Alejandro Hartmann dirigió un documental sobre la Generación Dorada y la crisis que enfrentó ese grupo de basquetbolistas una vez que fueron dejando la práctica activa del deporte, con el tiempo se convirtió en un director especializado en ese subgénero conocido como true crime. Fue primero con Carmel, la serie documental que abordó el asesinato de María Marta García Belsunce y que fue un verdadero hit. Luego vinieron documentales sobre José Luis Cabezas, Nahir Galarza, los hermanos Menéndez y -ahora- “Yiya” Murano. Pero lejos de quedarse en el simple morbo que el relato de estos casos policiales populares genera, el realizador va más profundo: “Me interesa el policial como un disparador para reflexionar sobre la sociedad”.

Tras el estreno del documental Yiya Murano: muerte a la hora del té, que está disponible en la plataforma Netflix luego de su paso por el BAFICI, charlamos con el directo en el marco del programa Modo Regreso por Radio Mitre Mar del Plata. “Lo que más me interesó en Carmel fue la reacción social y el tratamiento mediático. Eso se relaciona con un cine más social o político que ya venía haciendo. Entendí que los casos policiales son un espacio donde se juegan muchas cosas: la justicia, los medios, las relaciones sociales y familiares”, comentó al recordar aquella exitosa serie y el inicio de un camino por el centro de la criminología aplicada al cine.

Hartmann se mete con casos populares sobre los que hay mucha documentación (y adelanta que en el futuro puede haber alguna nueva producción dentro del subgénero). Sin embargo, como en el caso de Yiya Murano, consideró que el horizonte no tenía que ser forzadamente presentar de vista original o novedoso, porque entiende que “hay mucha gente que conoce la historia, pero también hay mucha gente joven que no la conoce o, con suerte, ubica el nombre”. Entonces, su objetivo fue apuntar a “distintos públicos”.

-Imagino que uno de los desafíos fue reunir todo el material judicial, policial y televisivo. ¿Cómo fue ese trabajo?Además conseguir testimonios de gente que la hubiera conocido en aquella época. Nos abocamos primero a buscar el expediente, relevar qué materiales había, identificar a quienes la conocieron y ver qué registros existían, como fotos, archivos, etcétera. La idea fue reconstruir quién fue este personaje tan particular y controversial.

-¿Cómo fue la selección de los entrevistados? Hay periodistas, investigadores y también aparece su hijo, Martín Murano.Siempre trato de que los entrevistados tengan una relación real con la historia. A veces puede haber expertos, pero en este caso casi todos, salvo quizás una economista que aparece en un momento puntual, tuvieron algún vínculo con ella, aunque fuera mínimo. Ese fue el criterio.

-¿Y cómo fue el contacto con Martín Murano? ¿Se dio fácilmente su participación?No fue sencillo, porque él vivió esta historia en carne propia y con mucho dolor. Tuvimos que hablar mucho, reunirnos varias veces. Desde el primer momento tuvo ganas de participar y se puso a disposición, pero fue un proceso largo de construcción de confianza y de entendimiento mutuo.

-Martín es una figura central en el documental, pero hacia el final su mirada también se pone en tensión. ¿Cómo trabajaron eso y cómo lo tomó él?Es una persona muy sensible, muy inteligente y con gran capacidad de autoanálisis. Entendió hacia dónde íbamos y confió mucho en mí. Creo que se siente representado por la película. Hay cosas con las que está más de acuerdo y otras menos, pero en líneas generales quedó contento y su devolución fue muy buena.

-En casos así, con personas tan involucradas, ¿se consensúa el resultado final o el documental tiene libertad total?Yo trato de tener libertad, pero también tengo un compromiso con quienes participan. Ellos deciden contar su historia en un documental mío, y eso implica una responsabilidad enorme, sobre todo cuando han vivido situaciones traumáticas. No les muestro el corte para pedir permiso, pero sí intento ser lo más ético posible.

El director de cine, televisión y teatro Juan José Campanella traerá su obra Empieza con D, siete letras a Mar del Plata, con funciones el 22 y 23 de mayo en el Teatro Auditorium. En diálogo con el programa Nunca se sabe, por Radio Mitre Mar del Plata, destacó que el espectáculo fue “un exitazo en Buenos Aires” y expresó su entusiasmo por presentarlo en la ciudad, a la que ama visitar “fuera de temporada”.

Protagonizada por Eduardo Blanco, Victoria Almeida y Gastón Cocchiarale, la obra aborda un encuentro impensado que se da en la sala de espera de un odontólogo. El director confió que evalúa su agenda para ver si puede venir a Mar del Plata a presentarla, porque tiene compromisos con la popular serie La ley y el orden: Unidad de Víctimas Especiales.

Durante la charla no podía pasar desapercibida la reciente muerte de Luis Brandoni, con el que Campanella realizó la exitosa Parque Lezama, ahora también película disponible en Netflix, y con el que mantenía una estrecha relación. Reconoció que el momento fue “muy fuerte” y explicó que, aunque su entorno más cercano ya sabía que el estado de salud del actor era delicado, la noticia igualmente impactó. Además, admitió que “uno no estaba preparado para la ausencia de Beto” y consideró que su figura “sigue creciendo con cada recuerdo”.

Por otra parte, también habló sobre The Ópera Locos, actualmente en cartel en el Teatro Politeama de Capital Federal. Aclaró que no tuvo participación creativa en el proyecto, lo que le permitió, según dijo con ironía, “fanfarronear” sobre sus virtudes. Y describió el espectáculo como una propuesta “increíble”, comparable con una versión operística del Cirque du Soleil, que combina humor y despliegue visual.

En esa línea, remarcó la capacidad de la obra para atraer a públicos diversos, incluyendo a los más jóvenes, y destacó el impacto que genera en los espectadores. Además, valoró especialmente la fusión entre un género tradicionalmente asociado a lo elitista como la ópera y un enfoque popular, con interpretaciones vocales de alto nivel y una puesta accesible, lo que consideró una “combinación maravillosa”.

-¿Qué encontraste en la dirección teatral que no estaba en el cine?Yo empecé en teatro a los 22 años, pero después la vida me llevó al cine y la televisión. Tras hacer Metegol, que fueron años de computadora, quise volver a algo más artesanal: guión y actores. Sin tecnología, sin celulares. Así hicimos Parque Lezama en 2013 y fue un éxito tremendo. Ver teatro con público presente es una experiencia que el cine no te da. Es lo inmediato. Después hicimos más obras y decidimos construir el Politeama desde cero.

-¿Cómo se construye la relación con un actor fetiche como Eduardo Blanco?Tiene que haber comunión en varios niveles. Primero, el sentido del humor. Si no entiende el chiste, no se puede dirigir. Después, la forma de trabajar, el clima, la disciplina. Con Eduardo, con Ricardo Darín o con Beto existe todo eso. Nos entendemos perfectamente y además somos amigos de la vida.

-¿Eso de “no entender el chiste” se aplica a las nuevas generaciones?Sí. A veces los más jóvenes se ofenden más fácilmente. Nuestro humor tiene mucha chicana y hoy eso genera conflictos. También hay un tema de disciplina que antes era más fuerte.

-¿Hay proyecto con Ricardo Darín?No por ahora, pero tenemos muchas ganas. El problema es coordinar agendas y encontrar un proyecto que nos entusiasme a todos.

Obviamente no podía faltar la referencia a La ley y el orden, y especialmente a una pregunta clave: ¿Olivia Benson y Elliot Stabler van a terminar siendo pareja? Entre Risas, Campanella confesó: “Es una gran discusión interna. Cuando volvió Stabler, los dos actores pidieron que yo dirigiera ese capítulo. Yo les dije que si alguna vez se besan y no estoy dirigiendo, ‘va a correr sangre’. Pero es un debate que lleva años”.

Este jueves en cines de Mar del Plata habrá cuatro novedades, entre ellas la esperada biografía del ícono del pop, Michael: la historia de Michael Jackson. Por otra parte, llegará la secuela terrorífica El bufón 2, el drama político El mago del Kremlin con Paul Dano, Alicia Vikander y Jude Law, y la animación checa La princesa y la flor mágica.

Michael: la historia de Michael Jackson dirigida por Antoine Fuqua, con Jaafar Jackson, Juliano Krue Valdi, Colman Domingo.

-Un recorrido por la evolución de Michael Jackson, desde sus inicios como el prodigioso líder de los Jackson Five hasta su transformación en una estrella visionaria. La obra analiza cómo su ambición creativa y su búsqueda de la perfección lo llevaron a consagrarse como el mayor icono en la historia de la industria del entretenimiento.

El bufón 2 dirigida por Colin Krawchuk, con Jessica Ambuehl, Kaitlyn Trentham, Hassen Kacem.

-Durante la noche de Halloween, Max, una maga adolescente, se enfrenta al siniestro Bufón, un asesino sobrenatural. En un duelo de ingenio y supervivencia, Max deberá demostrar que sus habilidades son superiores a los trucos mortales de un enemigo cuya magia oscura es aterradoramente real.

El mago del Kremlin dirigida por Olivier Assayas, con Paul Dano, Alicia Vikander, Jude Law.

-En la convulsa Rusia de los años 90, el artista Vadim Baranov se convierte en el asesor principal de un ascendente agente del KGB: Vladimir Putin. Desde las sombras del poder, ambos colaboran para moldear el destino de la nueva Rusia, utilizando la manipulación mediática para borrar las fronteras entre la realidad y la ficción.

La princesa y la flor mágica dirigida por Radek Beran y David Lisy.

-Tras ser rechazado por la orgullosa princesa Carolina, el rey Benjamín se infiltra en su castillo disfrazado de jardinero para conquistarla. A través de la música y las flores, ambos se enamoran, pero deben huir juntos para escapar de los juegos de poder de la corte. En su escape, Benjamín deberá encontrar el momento oportuno para revelar su verdadera identidad.

Habitante de la Costa Atlántica desde la pandemia, el director de cine y series, y músico, Mariano Heter, repasó su trayectoria y su presente creativo, atravesado por el cruce entre el cine, la música y un cambio de vida. Recordó que comenzó muy joven: a los 21 años realizó su primera serie, lo que lo convirtió en “el director más joven de la historia de la ficción argentina”, según indicó. Desde entonces, aseguró: “No paré, no paré de hacer series; hoy, con poco más de 30 años, puedo decir que hice quince series y películas”.

En diálogo con el programa +Chance que se emite por La100 Mar del Plata, el director de la reciente serie de ficción sobre Yiya Murano destacó entre sus trabajos El grito de las mariposas, una producción internacional que lo llevó a vivir en Colombia, y La mente del poder, realizada para HBO. En ese recorrido, remarcó como un diferencial el hecho de haber desarrollado mayormente proyectos propios: “No son proyectos donde voy a dirigir algo de otro, sino proyectos míos, algo recontra difícil y no muy común”.

Hueter reflexionó sobre las exigencias del oficio y admitió que, si bien no suele arrepentirse de decisiones creativas, sí le ocurre que con el paso del tiempo siente que podría haber disfrutado más los procesos. Explicó que durante los rodajes vive todo “como si fuese la final del mundo”, con un nivel de intensidad muy alto, y que luego, al ver el resultado, piensa: “¿Por qué no lo disfruto un poco más?”. Esa presión, recordó, fue especialmente fuerte en sus inicios: durante la realización de su primera serie, con apenas 21 años, atravesó un nivel de estrés tal que terminó internado. Sin embargo, ese proyecto, Inconsciente colectivo, tuvo un impacto notable: “Rompió todos los números de rating”, fue seleccionado en Cannes y “se vendió a un montón de países”.

Sobre sus comienzos, relató que su ingreso a la industria se dio a partir de cortometrajes realizados en la facultad. Uno de ellos, Utopía, obtuvo premios importantes y llegó a ser “Patrimonio Mundial de la UNESCO”. A partir de esos logros, decidió invertir un premio económico en la realización del piloto de una serie propia, una apuesta que finalmente le permitió ganar un concurso y concretar su primer gran proyecto.

Pero más allá del cine y las series, el director se refirió a su vínculo con la música, una disciplina con la que dijo sentirse profundamente identificado desde chico. Aunque siempre estuvo presente en su vida, explicó que en esta etapa decidió encararla con mayor dedicación: “Me estoy permitiendo dedicar un poquito a esto que me apasiona que es la música”. En ese sentido, contó que durante el último año grabó un disco con un equipo de músicos y un proceso de trabajo intenso: “Un disco de alto nivel, como cualquier disco mainstream de rock nacional”.

En cuanto a su estilo, detalló que se inscribe en una tradición de canción con influencias claras: “Soy Los Rodríguez, soy como los 90, los 2000”, y mencionó nombres como Calamaro, Fito, Charly o Spinetta. Subrayó su interés por la narrativa en la música: “Para mí las canciones también son eso, son series, son películas, las tomo como cortometrajes”. Esa mirada también se traduce en lo audiovisual, donde busca construir un universo integral para cada tema.

Además, destacó su fuerte involucramiento en las bandas sonoras de sus proyectos: “Me gusta mucho ese proceso, es como ir a una juguetería”. Reconoció que suele ser exigente y detallista, trabajando junto a los músicos en múltiples versiones hasta encontrar el tono adecuado.

Hueter abordó también su decisión de mudarse a la Costa Atlántica, más precisamente a Valeria del Mar, durante la pandemia. Allí encontró un cambio profundo en su estilo de vida: eso lo llevó a conectar con nuevas actividades como el surf y el deporte. “Yo no surfeaba nada antes”, admitió, y agregó que ese entorno también influyó en su presente creativo.

En ese marco, destacó la formación de una banda con músicos de la zona y el impulso de un nuevo espacio cultural en Pinamar, pensado como un “café concert” con música en vivo, teatro y distintas propuestas artísticas. Según explicó, se trata de un proyecto colectivo en el que están volcando “mucho laburo y tiempo” y también “nuestra pasión”.

Hueter definió su presente como un momento de gran intensidad: “Tengo un nivel de intensidad que alguna gente padece y otros disfrutan”, afirmó, y sostuvo que, aunque muchas veces “no me da el tiempo”, responde a una elección personal: “Las que elijo las quiero hacer bien”.

Mariano Hueter es un joven director, guionista y músico que traslada su universo del set al escenario, cruzando cine, rock y vida en un relato apasionante.

Surgió en el mundo audiovisual como un prodigio precoz: a los 18 años dirigió su primer cortometraje Utopía, ganando varios reconocimientos y con apenas 21 produjo su primera serie, Inconsciente colectivo, con Nicolás Pauls y Felipe Colombo.

Ha creado y dirigido éxitos para Disney+, Netflix, Amazon, Flow, Star+, Viacom y MGM, como Inconvivencia (2019, estrenada en Berlín y mejor serie argentina), El mundo de Mateo (premio al mejor guion en BA Series 2020), El grito de las mariposas (2023, 13 episodios sobre las hermanas Mirabal) y Yiya (2025, sobre la primera asesina serial argentina).

Su ópera prima en cine, Pensamiento lateral (2025, con Itziar Ituño de La Casa de Papel y Alberto Ammann), thriller psicológico sobre poder y género, arrasó con el Premio de la Crítica en Moscú y preseleccionó a los Oscar argentinos, consolidando premios como PRODU al Mejor Director Iberoamericano, DAC a trayectoria y Luna de Valencia.

Músico desde la adolescencia con su propia banda de rock -para escapar de lo cotidiano-, Hueter compuso bandas sonoras para sus obras audiovisuales antes de lanzar su debut solista este año: un disco de ocho canciones conceptuales, depuradas de más de 14 temas, donde rock nacional noventoso (eco de Los Rodríguez y Calamaro) se funde con su narrativa cinematográfica.

Producido por Yamil Salvador (Guasones) con arreglos y teclados, reúne a cracks como Nicolás Simone (La Franela) en guitarras, El Niño (vientos, ex Calamaro) y Tano Cavalletti (La Mancha de Rolando) como drum doctor; adelantos como No existe la primavera prometen letras profundas en un sonido emocional y actualizado al 2026.

+ = Tu lado más positivo / Soy muy optimista con todo, a veces demasiado. Tengo mucha confianza en lo que hago y eso me hace ser positivo frente a todos los resultados, sean o no los esperados. Incluso cuando las cosas vienen difíciles o trabadas, me concentro lo que hay que hacer para que todo salga bien.

C = ¿Cuándo se despertó en vos la vocación de lo que estás haciendo? / Siempre fui muy artista de chiquito, con pasión por la música, el cine y cualquier cosa que se relacione con el arte. Fue en la secundaria cuando me di cuenta que tenía potencial para intentar dedicarle mi vida a lo que me apasionaba, y desde ese entonces que lo hago sin pensar demasiado en ello. Hoy por ejemplo, hacer música me conecta directamente con mi lado más infantil y eso me encanta.

H = ¿Hacia dónde vas en este mundo actual? / Me conecto mucho con transformar para bien lo que me rodea. Por más chiquito que sea, y tratar que los lugares por donde pase, sean un poco mejor. Sea el club donde hago deporte, mi banda, mi grupo de amigos, el colegio a donde llevo mis chicos, la ciudad donde vivo. Me parece que si cada uno hiciera eso, la realidad cambiaria drásticamente para bien.

A = ¿Alguna vez pensaste en dejar todo para comenzar una nueva vida? / Todo el tiempo, y muchas veces lo he hecho en distintos ámbitos. En la cúspide de mi carrera como director de cine, con mucho trabajo en Buenos Aires decidí venirme a vivir frente al mar, sabiendo que eso tendría un costo para mí. También lo he hecho con hábitos que detecté no eran buenos para mi vida y los cambié rotundamente. Creo que no debería dejar todo y empezar de nuevo, un poco, todos los días.

N = ¿Nunca le dirías Si a qué? / A la comodidad, al estancamiento, a lo estable, al confort absoluto. Han aparecido esas oportunidades y siempre (quizás no siendo muy inteligente en este sistema en el que vivimos) le escape con un NO rotundo.

C = ¿Cómo conectás con tu lado espiritual? / La verdad es que no lo tengo bien claro. Soy muy espiritual y me vinculo mucho con eso, pero sin ningún tipo de religiosidad o creencia exacta. Me permito dudar de todo siempre, y al mismo tiempo soy alguien de mucha fe.

E = ¿Esperás volver en otra vida y haciendo qué? / No pienso en eso, te diría que vivo con la certeza de que esta es nuestra única vida, y que no podemos conformarmos con la revancha de algo que no sabemos si vendrá. Es hoy, es ahora

Chacha Durán | @chachaduran

Locutor Nacional . Conductor Radio y Tv.

www.chachaduran.com

Cuatro novedades llegan este jueves a los cines de Mar del Plata, con el film de terror La posesión de la momia como la más destacadas. Además se podrán ver El nuevo film de Jim Jarmusch, Padre, madre, hermana, hermano, con Adam Driver y Cate Blanchett, la nacional Risa y la cabina del viento con la cantante Cazzu y Diego Peretti, además del film animado y musical David.

La posesión de la momia dirigida por Lee Cronin, con Jack Reynor, Laia Costa, May Calamawy.

-Ocho años después de desaparecer en el desierto, la hija de un periodista regresa inesperadamente con su familia. Sin embargo, el milagroso reencuentro pronto se transforma en una pesadilla cuando descubren que la joven trae consigo un horror ancestral que desafía toda lógica.

Padre, madre, hermana, hermano dirigida por Jim Jarmusch, con Tom Waits, Adam Driver, Charlotte Rampling.

-Película dividida en tres actos ambientados en EE.UU., Dublín y París. A través de tres historias distintas, varios hermanos se ven obligados a confrontar traumas del pasado y la fría distancia de sus padres, intentando sanar vínculos rotos en un viaje emocional por diferentes culturas.

Risa y la cabina del viento dirigida por Juan Cabral, con Diego Peretti, Elena Romero, Cazzu.

-Risa, una niña de 10 años que perdió a su padre en un incendio, descubre un teléfono público capaz de comunicar con el más allá. Para cumplir su deseo de hablar con su papá una última vez, deberá ayudar a las almas en pena a resolver sus asuntos pendientes en el mundo de los vivos.

David dirigida por Phil Cunningham y Brent Dawes, con las voces originales de Brandon Engman, Brian Stivale, Shahar Tavoch.

-En un reino oprimido por el miedo, un joven pastor se enfrenta a un gigante y a las fuerzas oscuras que lo controlan. Su valentía no solo desafía al poder tiránico, sino que inspira a toda una nación a recuperar su libertad mediante la fe y el coraje.

Para esta semana, las plataformas confirmaron varios estrenos, entre ellos el regreso de la premiada miniserie de antología Bronca, ahora con Oscar Isaac y Carey Mulligan en los protagónicos. También se estrenará la serie Margo tiene problemas de dinero, que cuenta entre sus protagonistas a Elle Fanning, Michelle Pfeiffer, Nick Offerman, Greg Kinnear y Nicole Kidman. Finalmente la temporada 5 de la popular serie Machos alfa y la nueva película de Peter Farrelly, Bolas arriba.

La huella del oro-HBO Max-Fafner es un mercenario implacable que llega a una ciudad sitiada en busca de una recompensa. Entre batallas elementales y combates contra monstruos y gladiadores, recorre un camino moralmente ambiguo para recuperar los fragmentos de su pasado.

Margo tiene problemas de dinero-AppleTV-David E. Kelley-Con solo 20 años, Margo abandona la universidad para enfrentar la maternidad soltera sin empleo ni recursos. Hija de una ex camarera y un ex luchador, debe luchar contra una montaña de deudas y la precariedad para construir un futuro para ella y su bebé. Con Elle Fanning, Michelle Pfeiffer, Nick Offerman, Greg Kinnear, Nicole Kidman.

Bronca // Temporada 2-Netflix -Una joven pareja presencia una violenta disputa entre su jefe y su esposa. Este incidente los sumerge en una red de favores, chantajes y juegos de poder dentro del elitista entorno de un club de campo, bajo la sombra de un influyente propietario multimillonario. Con Oscar Isaac y Carey Mulligan.

Machos alfa // Temporada 5-Netflix-Pedro, Santi, Luis y Raúl intentan escapar de sus crisis personales -divorcios, deudas y fracasos sentimentales- fundando una “comuna” exclusiva para hombres. En este refugio, buscan procesar su fallida deconstrucción y fortalecer su amistad lejos de las presiones del mundo moderno.

Chernóbil, en el corazón del desastre // Miniserie-Disney+-A cuatro décadas del desastre nuclear más grave de la historia, National Geographic explora la zona de exclusión de Prípiat. A través de testimonios clave y acceso inédito a la planta, el documental revela por qué las secuelas de la explosión siguen vigentes en la actualidad.

Bolas arriba-Prime Video-Brad y Elijah, dos audaces ejecutivos de marketing, desatan un escándalo global tras lanzar un polémico patrocinio de preservativos en plena Copa del Mundo en Brasil. Lo que comenzó como una celebración eufórica se convierte en una huida desesperada: para salvar sus carreras y sus vidas, deberán escapar de hinchas enfurecidos, criminales y políticos corruptos. Dirigida por Peter Farrelly, con Mark Wahlberg, Paul Walter Hauser, Benjamin Bratt, Eva De Dominici.

Familia en renta-Disney+-Un actor estadounidense en Tokio, perdido y sin rumbo, acepta un empleo en una agencia de “familias de alquiler”. Al interpretar roles para desconocidos, las fronteras entre la actuación y la realidad se borran, llevándolo a descubrir conexiones humanas auténticas y un nuevo sentido de pertenencia. Con Brendan Fraser.

Ronaldinho-Netflix-Un recorrido biográfico por la vida y carrera de Ronaldinho Gaúcho, analizando su evolución desde que era un joven prodigio en Brasil hasta convertirse en un icono global del fútbol.

La caja azul-Prime Video-En la Patagonia, un millonario recluido tras un accidente conoce a una mujer a través de una app de citas. Lo que comienza como un juego misterioso centrado en un objeto llamado "la caja azul" se transforma en una relación intensa, hasta que una advertencia anónima lo hace dudar de la identidad y las verdaderas intenciones de ella. Dirigida por Martín Hodara, con Luisana Lopilato, Gustavo Bassani, Jean Pierre Noher.

Nadie 2-HBO Max-Cuatro años después de su choque con la mafia rusa, Hutch sigue saldando una deuda millonaria mediante golpes contra criminales. Agotado por la violencia y distanciado de su esposa, decide llevar a su familia de vacaciones al lugar de su infancia, buscando reconectar mientras lidia con su peligrosa realidad profesional. Con Bob Odenkirk.

El loop temporal, o bucle temporal (uso loop porque bucle se me hace un término más de peluquería) es uno de los elementos más utilizados en la ciencia ficción contemporánea, aunque ha echado raíces en diversos géneros que van de la comedia al terror o el policial. ¿A qué llamamos loop temporal? A esas películas en las que un personaje, por algún motivo mágico que puede o no ser explicado, vive una y otra vez el mismo día. Recurso que la ficción utiliza en ocasiones como método evangelizador para que el personaje aprenda algo, pero que en otros es apenas un vehículo lúdico para poner en movimiento la narración.

Seguramente cuando muchos piensen en la relación de loop temporal con el cine, arribarán a la misma conclusión: Hechizo del tiempo. La película de Harold Ramis de 1993 es un clásico moderno del cine, una comedia en la que un meteorólogo con el semblante de Bill Murray vive una y otra vez el mismo día, en este caso el más abrumador y tedioso. Claro, habrá un aprendizaje; claro, el protagonista descubrirá cómo sacarle provecho a la situación.

Hechizo del tiempo, también conocida como Día de la marmota, es estudiada hasta por filósofos y es considerada además como la que originó el recurso del loop temporal, aunque esto no sea estrictamente cierto. Hay toda una bibliografía sobre animé y producciones asiáticas que ya usaban el recurso, además de un film de 1987, Christmas every day, que ponía a su protagonista a repetir el día de Navidad hasta aprender el verdadero sentido de la vida. Como verán, la moralina es parte fundamental del subgénero.

Lo cierto es que hoy por hoy cuando una historia recurre al loop temporal, enseguida gritamos “¡Hechizo del tiempo!”. Por ejemplo esta semana se estrenó en los cines, y de alguna manera dio origen a este texto, Buena suerte, diviértete, no mueras, la película de Gore Verbinski que parte de un viajero en el tiempo que asegura estar viviendo por 117ª vez ese mismo día, con el objetivo de finalmente organizar el equipo que derrote a una IA por lanzarse y que llevó todo al apocalipsis. La curiosidad aquí es que si bien se sobreentiende que el protagonista vivió una y otra vez el mismo día, solo lo conocemos en una única jornada.

Al filo del mañana (2014) es una adaptación de una obra japonesa, que casualmente este año tuvo una adaptación al animé (Solo necesitas matar). Tom Cruise interpreta a un militar que despierta una y otra vez en el día donde fue asesinado en el campo de batalla por unos extraterrestres malos-malos. Pero todo comienza a cambiar cuando conoce a un superior interpretada por Emily Blunt, lo que lo vuelve obsesivo con las estrategias para tratar de derrotar a esos bicharracos. Es un gran relato de acción y ciencia ficción, pero es sobre todo una gran historia de amor. Disponible en HBO Max.

En Un día más para morir (2021) un oficial retirado de las fuerzas especiales es obligado a vivir una y otra vez el día de su muerte. Si algo tiene la película a su favor es su honesto espíritu de clase B, algo que le sienta perfecto al protagonista Frank Grillo y que sirve de vehículo para que Mel Gibson se divierta de lo lindo como el villano. El director es Joe Carnahan, alguien no muy habituado a este tipo de relatos más lúdicos. Sin embargo debe ser la películas más divertida que hizo hasta la fecha. Disponible en Netflix.

Otra película que usa el recursos del loop desde el thriller tecnológico es 8 minutos antes de morir (2011), en la que un militar participa en un experimento que le permite habitar el cuerpo de la víctima de un atentado ferroviario minutos antes de la explosión con el objetivo de descubrir al terrorista. Dirigida por Duncan Jones y protagonizada por Jake Gyllenhaal, además del magnetismo propio del policial ambientado en un tren, tiene como valor extra el hecho de que impensadamente se convierte en una defensa de la eutanasia y la posibilidad de las personas de decidir su destino. Disponible en Prime Video.

Palm Springs (2020) dirigida por Max Barbakow y protagonizada por Andy Samberg y Cristin Milioti, este film es como un regreso a Hechizo del tiempo, otra comedia romántica ambientada en un loop temporal. Aquí los protagonistas, Nyles y Sarah, quedan atrapados en un bucle dentro de una boda, por lo que deben vivir una y otra vez esa fiesta. Si bien hay material, y del bueno, para la comedia, lo cierto es que este film avanza hacia un costado más melancólico, sobre el amor y la soledad y el destino y quedarse aferrados a un no lugar. Una gran representante del subgénero. Disponible en Disney+.

Si usted estimado lector es más fanático de series que de películas, sepa que el recurso también se aplica a ese formato. Es posible que la más famosa sea Muñeca rusa (2019-2022), la serie creada y protagonizado por Natasha Lyonne, quien interpreta a una mujer que muere la noche en que celebra su cumpleaños número 36 para despertar una y otra vez frente a un espejo. Son dos temporadas, la primera es realmente ocurrente y graciosa, con ese nihilismo que maneja tan bien la Lyonne, una actriz que encontró aquí un personaje perfecto, y con la ciudad como gran protagonista. La segunda temporada luce más cara y sobreproducida, pero es tan aburrida que avala eso que dicen de las segundas partes. Disponible en Netflix.

TORRENTE PRESIDENTE (película) dirigida por Santiago Segura, Santiago Segura, Fernando Esteso, Jerónimo Nieto. En cines.

-Con casi tres décadas de existencia, el personaje de José Luis Torrente está un poco agotado. O bastante ya. Igual se agotó rápido, desde la segunda película que ha tenido una sobrevida excesiva: fue una gran idea, un gran concepto, que se evaporó en esa primera entrega maravillosa, donde la burla a los sectores conservadores españoles sintetizados en ese policía corrupto era brillante, punzante y grosera. A esta altura de las cosas, entonces, Torrente se ha convertido en una forma perezosa de la comedia. Eso sí, cuando acierta lo hace a lo grande, y en esta nueva entrega tiene algunos momentos desopilantes. Ya no sabemos bien de qué trabaja, pero Torrente llama la atención de operadores del partido Nox (cualquier parecido con Vox es pura coincidencia), que encuentran en ese ser embrutecido una representación de una España de tradiciones. Así que Torrente presidente se mete con el mundo de la política (con una referencia explícita a Argentina), con los de derecha, los de centro, los extremos, los de izquierda, los progres y todo lo que anda dando vueltas. A veces es efectivo e inteligente, a veces se queda en lo vulgar y repetitivo. Despareja, aunque superior a entregas anteriores.

BUENA SUERTE, DIVIÉRTETE, NO MUERAS (película) dirigida por Gore Verbinski, con Sam Rockwell, Juno Temple, Haley Lu Richardson. En cines.

-A casi una década de su última película, Verbinski vuelve a las salas con esta comedia negra de ciencia ficción sobre un hombre que dice venir del futuro, para alertarnos de los males de la Inteligencia Artificial. Los primeros minutos son fascinantes, y una serie de flashbacks que se insertan a modo de representación de ese mundo hasta el momento, son interesantes. Pero la travesía de los personajes va de la comedia al drama existencial, y los cambios de tono no le sientan bien a la película. Para colmo de males en el epílogo quiere recuperar el tono mordaz, bien elaborado hasta entonces, pero virado hacia un cinismo fatalista que convierte a esta película en ocasiones bastante ocurrente y perspicaz, en una tontería. La sostiene el elenco, especialmente el divertido Rockwell en un personaje estrafalario que le sienta perfecto.

TUS AMIGOS Y VECINOS (serie) creada por Jonathan Tropper, con Jon Hamm, Amanda Peet, Olivia Munn. En AppleTV.

-En su segunda temporada, la serie protagonizada por Hamm vuelve con su mirada sardónica sobre la alta sociedad, mientras el protagonista ya disfruta totalmente de su talento delictivo. Claro, algunas consecuencias traerá como que su mejor amigo descubra sus artimañas y, lejos de enojarse (bueno, al comienzo un poquito), le pedirá ser parte del juego. Porque como teoriza la serie, si bien los trabajos de estos personajes se cruzan a veces con el crimen de guante blanco, el delito de acción y nervio termina siendo más seductor y fascinante. En paralelo, la aparición de un nuevo personaje en el barrio, interpretado por Michael Marsden en plan reptil, le da aire a la trama. Tus amigos y vecinos se balancea entre la comedia cínica y el thriller, y lo hace siempre con acierto, mientras de fondo se van cocinando los vínculos familiares y de amistad. Un entretenimiento que alcanza su mejor tono cuando se vuelve más sofisticado.

LA CASACA DE DIOS (película) dirigida por Fernán Mirás, con Natalia Oreiro, Jorge Marrale, Zoe Peralta. En cines.

-La nueva película de Mirás como director es tal vez la más sólida desde un aspecto narrativo y formal: una comedia dramática costumbrista, atravesada por temas como Malvinas y la épica futbolera y nacionalista, que es narrada con solvencia y cierto vuelo visual en algunas secuencias. El utilero de un club de barrio en decadencia (Marrale), que fue utilero de la Selección Nacional en el Mundial de México 86, se obsesiona con recuperar la camiseta que usó Diego Maradona en aquel icónico partido contra Inglaterra, el del gol con la mano y el del golazo de la gambeta interminable. Precisamente entre esas dos vertientes, lo legal o lo no permitido, se balancea el relato que abraza la lógica futbolera de las pasiones y el folklore. Ahora bien, que sea el film más sólido de Mirás como realizador no significa que sea el mejor: La casaca de Dios es todo lo chauvinista que uno se imagina y cae en sentimentalismos propios del cine de Marcos Carnevale, no por nada autor del guion. Y, lo más curioso e incongruente, para una película que se aferra al nacionalismo más ramplón, titularse “la casaca” en vez de “la camiseta”, es un acto de extemporaneidad lingüística llamativo. Solo apta para fanáticos.

ERRORES EPICOS (serie) creada por Dan Levy y Rachel Sennott, con Dan Levy, Laurie Metcalf, Taylor Ortega. En Netflix.

-Dan Levy, hijo del gran comediante Eugene Levy, evidentemente heredó algo de su padre: la gracia para el humor estrafalario y la sátira social. En esta comedia creada junto a Rachel Sennott, el guionista y actor se pone al frente del reparto junto a Laurie Metcalf para interpretar a un par de hermanos de una familia italiana que terminan involucrados en una trama policial de manera accidental, como suele ocurrir en el género. Con la nona moribunda, el robo de una aparente baratija para homenajearla, termina involucrando a este par (él líder de una congregación religiosa, ella una actriz fracasada) en una trama muy graciosa. Hay gags brillantes, humor negro y una mirada sobre los rituales familiares que evidencia capacidad para la parodia pero, además, cariño por esos personajes. Errores épicos se vale de esa cualidad insondable del azar y lo vuelve músculo cómico.