El mundo de la cultura despidió este fin de semana a Adolfo Aristarain, uno de los cineastas más influyentes del país, fallecido a los 82 años. El velatorio se realizó en Buenos Aires en un clima de profundo dolor, con la presencia de familiares, allegados y destacadas personalidades del ámbito artístico.

Uno de los momentos más emotivos de la jornada lo protagonizó Fito Páez, quien se acercó para despedir al director y dejó un gesto cargado de simbolismo frente al féretro, reflejando el vínculo de admiración y respeto que mantenía con el cineasta.

También conmovió el mensaje de Cecilia Roth, actriz muy cercana a Aristarain y protagonista de algunas de sus obras más recordadas. “Lo dabas todo. Qué vacío tu ausencia. Cuánto duele”, expresó en sus redes sociales al conocerse la noticia.

Aristarain dejó una marca imborrable en la historia del cine argentino con películas como Martín (Hache), Un lugar en el mundo, Lugares comunes y Roma. Su muerte generó una ola de homenajes y mensajes de despedida tanto en Argentina como en España, donde también era ampliamente reconocido.

El cine argentino despide a Adolfo Aristarain, quien falleció a los 82 años y deja detrás una filmografía clave que marcó a generaciones de espectadores y realizadores.

Nacido en Buenos Aires en 1943, Aristarain construyó una carrera sólida tanto en Argentina como en España, donde también desarrolló parte fundamental de su trayectoria. Su estilo, caracterizado por relatos intensos y personajes complejos, lo posicionó como una de las voces más personales del cine en español.  

Entre sus obras más recordadas se encuentran Tiempo de revancha, Un lugar en el mundo y Martín (Hache), películas que combinaron mirada social, profundidad emocional y un fuerte contenido político.  

A lo largo de su carrera trabajó junto a figuras destacadas como Federico Luppi, Cecilia Roth y José Sacristán, consolidando una identidad autoral reconocida a ambos lados del Atlántico.  

En 2024 había recibido la Medalla de Oro de la Academia de Cine de España, en lo que fue su última aparición pública y un reconocimiento a su aporte decisivo al cine iberoamericano.  

Antes de convertirse en director, recorrió distintos roles dentro de la industria, desde sonidista hasta asistente de dirección, formándose de manera autodidacta hasta alcanzar un estilo propio que lo distinguió dentro del panorama cinematográfico.  

Su legado queda ligado a una forma de hacer cine comprometida y reflexiva, con historias que abordaron el exilio, la identidad y los conflictos sociales desde una mirada profundamente humana.  

Con su partida, el cine pierde a un autor fundamental, cuya obra seguirá vigente como referencia dentro de la historia cultural argentina y del mundo hispano.

Cinco novedades y un reestreno llegarán este jueves a los cines de Mar del Plata. El más destacado es Parque Lezama, la nueva película de Juan José Campanella basada en la misma obra de teatro que dirigió, también con Luis Brandoni y Eduardo Blanco en los protagónicos. Además, el nuevo film de terror de Osgood Perkins, Líbralos del mal, la comedia dramática ¿Está funcionando esto? dirigida por Bradley Cooper, el drama La historia del sonido con Paul Mescal y La profecía: lector omnisciente, más el reestreno de Luna nueva, segunda parte de la saga Crepúsculo.

Parque Lezama dirigida por Juan José Campanella, con Eduardo Blanco, Luis Brandoni, Verónica Pelaccini.

-Inspirada en la aclamada pieza teatral de Herb Gardner, esta historia presenta a un antiguo militante comunista y a un hombre cuya filosofía se resume en la libertad absoluta. Sentados en el banco de un parque, ambos forjan un vínculo inquebrantable a través de relatos que mezclan la nostalgia, el humor y una profunda calidez humana.

Líbralos del mal dirigida por Osgood Perkins, con Tatiana Maslany, Rossif Sutherland, Kett Turton.

-Lo que debía ser una idílica escapada de aniversario en una cabaña remota se transforma en una pesadilla. Tras la repentina partida de Malcolm, Liz queda completamente sola, solo para descubrir que no está realmente desamparada: una presencia maligna acecha en las sombras, obligándola a enfrentar los aterradores secretos que esconden las paredes del refugio.

¿Está funcionando esto? dirigida por Bradley Cooper, con Will Arnett, Laura Dern, Andra Day.

-En medio del silencioso colapso de su relación, Alex intenta navegar la crisis de los cuarenta y un divorcio inevitable refugiándose en la escena de la comedia en Nueva York. Al mismo tiempo, Tess reflexiona sobre las renuncias personales que hizo por su hogar. Juntos, deberán aprender a gestionar la paternidad y sus propias identidades, cuestionándose si el afecto puede sobrevivir al transformarse en algo nuevo.

La historia del sonido dirigida por Oliver Hermanus, con Paul Mescal, Josh O'Connor, Molly Price.

-Lionel, un joven prodigio de la Kentucky rural cuya voz fue moldeada por las melodías familiares, decide dejar su hogar en 1917 para estudiar en el Conservatorio de Boston. Su vida se entrelaza con la de David, un carismático compositor destinado al frente de batalla. Años después, en 1920, ambos se embarcan en una travesía por los paisajes de Maine, dedicándose a recolectar y proteger el legado de la música folclórica antes de que el tiempo la borre.

La profecía: lector omnisciente dirigida por Kim Byeong-woo, con Ahn Hyo-seop, Lee Min-ho, Jisoo.

-Cuando el mundo de su novela favorita cobra vida de forma aterradora, un simple oficinista llamado Dokja se convierte en el único capaz de predecir el futuro. Armado con el conocimiento detallado de la trama apocalíptica que está por ocurrir, se propone reescribir el destino y cambiar el curso de la historia.

Crepúsculo: Luna nueva dirigida por Chris Weitz, con Kristen Stewart, Robert Pattinson, Taylor Lautner.

-Tras la dolorosa decisión de Edward de marcharse para protegerla de su propia naturaleza, Bella se sumerge en una profunda depresión. Su único consuelo llega de la mano de Jacob Black, su leal amigo de la infancia y miembro de los Quileutes. Sin embargo, la calma es solo una ilusión: Bella se verá arrastrada al corazón de una guerra ancestral entre licántropos y vampiros, enfrentando nuevas amenazas sobrenaturales mientras su corazón se debate entre la lealtad y el deseo.

La cineasta Lucía Puenzo anunció el inicio del rodaje de La Pistolera (La leyenda de Pepita), la película basada en la vida de Margarita Di Tullio, conocida popularmente como Pepita la Pistolera. El film comenzará a grabarse la esta semana en Mar del Plata y estará protagonizado por Luisana Lopilato, quien además cumple el rol de productora.

Hace unos días  Puenzo compartió en sus redes sociales algunas fotos adelantando el tono del film, también  agradeció el apoyo de la productora Buena Vista y del impulsor original del proyecto, Lucas Jinkis. 

El elenco incluye a Charo López, Camila Peralta, Claudio Tolcachir, Alberto Ajaka, Esteban Bigliardi, Gustavo Bassani, María Riot, Marcelo Subioto, Katrina Punk, Eliana Quilla y Lautaro Bettoni.

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La historia que llegará a la pantalla grande retrata la vida de una mujer que marcó una época en el mundo del hampa argentino. 

Pepita se convirtió en figura mediática en 1985 tras matar a tres delincuentes que irrumpieron en su casa, hecho por el que fue juzgada pero resultó absuelta bajo la figura de legítima defensa. 

Di Tullio ya era reconocida en el ambiente del delito como una ladrona profesional y, más tarde, como una de las madamas más poderosas y glamorosas de Mar del Plata, al frente de dos whiskerías en la zona del puerto.

El guion, escrito por Puenzo junto a Andrés Gelós y Tatiana Mereñuk, se centra en ese momento crucial de 1985 pero también aborda el complejo recorrido de Pepita, quien supo empoderar a mujeres víctimas de trata y construyó una figura tan polémica como legendaria.

Luisana Lopilato, entusiasmada por el desafío actoral y su rol como productora, afirmó: “Me encantan los proyectos que involucran historias reales y tenía ganas de contar la historia de una mujer fuerte. No era normal ver una mujer en los ochenta rodeada de hombres y siendo la jefa. Pepita se la bancaba, y eso me atrajo”.

La actriz venía persiguiendo este proyecto hace años y logró sumarse tras acercarse a Jinkis, que ya poseía los derechos. “Era un sueño para mí. Me gusta producir y quiero seguir por ese camino. Estoy aprendiendo muchísimo”, agregó.

Di Tullio murió en 2009, a los 61 años, tras sufrir un ACV mientras estaba de vacaciones en San Juan. Su figura quedó grabada en la memoria popular, entre el mito y la crónica policial.

Con un elenco destacado, dirección de una de las cineastas más respetadas del país y rodaje en la ciudad donde todo sucedió, La Pistolera promete ser una de las películas argentinas más esperadas del año.

La relación del público masivo con el cine argentino es siempre complicada, empezando por ese prejuicio fácilmente refutable de que el cine argentino es todo malo. Claro que hay películas horribles, pero también otras muy buenas. Usted dirá que esto es una perogrullada, pero lo cierto es que a un argumento tan pobre sólo se lo puede refutar con sorna o indiferencia. O también con algo mucho más práctico: recomendar películas argentinas que permitirán abrir la percepción hacia posibilidades no del todo extendidas. Y lo mejor, que las siguientes recomendaciones están en Netflix, por lo que están a la mano de casi todos.

Comencemos con El aura de Fabián Bielinsky, muy probablemente la mejor película argentina del Siglo XXI. Bienlinsky venía de una obra maestra como Nueve reinas, una película popular y muy querida y la apuesta no era sencilla. Y lejos de simplificar el camino para darle al espectador una Nueve reinas 2, el director retorció todo lo posible su universo para una de las películas más genuinamente cinematográficas del cine nacional contemporáneo. La historia es la de un taxidermista que planifica un robo, y si bien Bielinsky construye su película como un policial, lo cierto es que El aura se superpone diversas capas de sentido, la más potente aquella que juega con el surrealismo y piensa con la lógica de los sueños. Por si hiciera falta algo, El aura es la película que termina de confirmar a Ricardo Darín como una verdadera estrella de cine.

Tras películas como Historias mínimas, El perro o El camino de San Diego, el director Carlos Sorín se forjó un lugar como director de la realidad, de lo social, atravesado por el prisma siempre artificial del cine. Por eso, El gato desaparece resultó una gran rareza en ese momento: la historia de un hombre que es internado por un brote psicótico y que cuando vuelve a su hogar genera confusión en su esposa acerca de si es la misma persona que era antes. Sorín aprovecha esta historia para balancearse entre el drama de cámara y el thriller a lo Hitchcock, y se vale de las sólidas interpretaciones de Beatriz Spelzini y Luis Luque para construir un juego de tensión donde el espectador también llega a confundirse. Un ejercicio de estilo infrecuente en la carrera del director.

Martín Piroyansky se consagró hace un par de años con la serie Porno y helado, tras una extensísima carrera que comenzó cuando niño en televisión con el Magazine For Fai y continuó en el cine como actor de reparto en muchas comedias, aunque tiene participaciones en dramas como La araña vampiro o XXY. Sin embargo su lugar parece estar en la comedia, donde brilla como actor y singularmente como director. Voley fue su primer largometraje, donde resumió su mirada e influencias que van por la Nueva Comedia Americana y el humor costumbrista argentino. Aquí un grupo de amigos se van a pasar la fiesta de Año Nuevo al Tigre, entre amores cruzados, engaños, consumo de sustancias y mucha histeria. Lo que surge es una comedia única dentro del cine nacional, apuntada al público joven, y con una efectividad cómica que no huye a un revés dramático hacia el final, donde el típico personaje goma de la comedia picaresca argentina recibe una suerte de aprendizaje.

Diego Lerman tiene (hasta ahora) un trío de películas en las que reflexiona sobre aspectos de la realidad social por medio de los géneros. Trío de películas integrado por Una especie de familia, El suplente y Refugiado, de las cuales esta última (y la primera cronológicamente hablando) es la mejor. Con el gran protagónico de Julieta Díaz, Refugiado habló mucho antes que otras películas de la violencia machista y del pavor que sufre una mujer que vaga con su hijo, mientras escapa de su marido. El film es preciso y tenso, y toca la cuerda del thriller sin nunca banalizar su conflicto principal. Y en el camino construye un gran vínculo madre-hijo.

Hace algunos años Pablo Trapero era uno de los directores más importantes del cine argentino. Antes de alcanzar la cima de su carrera con la notable Carancho y convertirse en un director del mundo, estrenó este drama protagonizado por su esposa, Martina Gusmán, en su mejor actuación en cine. Leonera tiene como personaje principal a una presidiaria acusada del crimen de su novio, quien ingresa embarazada a la cárcel. Un film áspero con elementos de ese cine social tan afecto al director, que retrata la vida en la prisión y bordea siempre la sordidez pero escapa con lucidez, especialmente en el uso de algunos recursos expresivos como la música, por ejemplo, y una muy recordada secuencia con un tema de la gran banda Intoxicados.

MAZEL TOV (película) dirigida por Adrián Suar, con Suar, Fernán Mirás, Natalie Pérez. En cines. 

-Con sus errores (demasiados), el cine de Adrián Suar tuvo casi siempre la habilidad de conectar con el gran público. Eso no habla necesariamente de la calidad, pero sí de alguien que conoce más o menos el imaginario que posee su público potencial. Las veces que decidió correrse, con el drama El día que me quieras o con la de acción Jaque mate, le fue decididamente mal (artística y comercialmente). Lo suyo, parece, es la comedia romántica de clase media conservadora. Por eso no deja de ser curioso el éxito de Mazel Tov, su nueva película, además su segundo film como director, que arrancó bien en los cines. Porque Mazel Tov no es una comedia romántica y porque se inscribe más en el tono de comedia dramática que el cine norteamericano ha sabido construir como marca de origen. Aquí una familia judía que pensaba reunirse en una boda, pero finalmente lo hace para el velorio del padre. Y allí sus cuatro hijos, con sus diferencias y estereotipos a cuestas. Suar interpreta al que se fue, el que vende la imagen del exitoso, y que vuelve para recomponer los vínculos. Algo bueno, la película está bien escrita y hasta algunos diálogos está filmados por Suar con gracia y sentido del ritmo. Algo mejor, Suar se corre un poco de su mirada y hasta se anima a que muchos personajes digan sobre su Darío lo que hemos pensado sobre mucho de los personajes anteriores de Suar. Lo malo: la película sólo confía en el texto y, muchas veces, la imagen termina siendo subsidiaria, una dramedia que se resuelve en el plano y contraplano. Pero más allá de esto, un film correcto y efectivo. No es poco para el universo Suar.

EL ESTUDIO (serie) creada por Alex Gregory, Evan Goldberg y Peter Huyck, con Seth Rogen, Catherine O’Hara, Ike Barinholtz. En AppleTV.

-A esta ya la vinos: el mundo del cine desde adentro, con todas sus miserias y sus luchas de egos y sus traiciones Rogen -autor, director, protagonista- “hereda” el puesto de director de un estudio de Hollywood luego de que su antecesora, y también su maestra, fuera despedida. Su lucha será conciliar sus propios deseos con los deseos del dueño del estudio, un tipo que conecta con el imaginario del cine actual: hacer películas de franquicias, no importa cuál, pero hacer guita. Y Rogen quiere hacer cine, como en los setentas, cuando los directores tenían poder. En El estudio la comedia vira a la sátira desaforada, narrada con una energía increíble. Decíamos, a esta ya la vimos. ¿Qué tiene de diferente entonces? Que El estudio es realmente lujosa, imaginativa, y cuenta con presencias notables: piense en cualquier estrella, algunos haciendo personajes y otros haciendo de ellos mismos en versiones desaforadas, como el inolvidable Martin Scorsese del primer episodio. Una comedia que requiere un espectador preocupado en estos temas un poco frívolos, pero la recompensa lo vale.

AMIGOS Y VECINOS (serie) creada por Jonathan Tropper, con Jon Hamm, Amanda Peet, Olivia Munn. En AppleTV.

-A Jon Hamm lo queremos desde Donald Draper y Mad Men. Es un actor que funciona en el drama y en la comedia, que tiene el brillo de las viejas estrellas de cine y, de hecho, en la nueva serie Amigos y vecinos hay mucho guiño al cine clásico dando vueltas, desde un comienzo que hace recordar a su manera a Sunset Boulevard. Aquí interpreta a Andrew Cooper, un tipo que trabaja en el mundo de las finanzas, que se da la gran vida y que lleva una existencia lujosa junto a su familia. Pero un día lo pierde todo, primero su familia y luego su trabajo, y comienza una cuesta abajo de la que comenzará a salir de una manera poco convencional: robando en las casas de sus amigos y vecinos de buena posición, una serie de ricachones un poco tontolones. El texto es brillante y Hamm juega este personaje un poco torpe, un poco cínico y un grado existencialista con su carisma habitual como para hacer que el cinismo no tape el bosque. Divertida y narrada con mucho ritmo, se adivina que el universo no se cerrará sólo en Cooper, sino que hay un abanico de personajes ricos para ver y descubrir.

CASTA DE MALDITOS (película) dirigida por Stanley Kubrick, con Sterling Hayden, Coleen Gray, Vince Edwards. En Lumiton.ar.

-Si no conocen la plataforma Lumiton.ar, deberían. Allí se sube mucho cine clásico o se hacen retrospectivas de realizadores contemporáneos, algunas veces películas que son imposibles de ver de otro modo. Y en Lumiton.ar hasta el 28 de abril, por ejemplo, se puede ver gran parte de la filmografía de Stanley Kubrick, un director problema que cuenta con un fandom un poco denso que lo ha convertido en una vaca sagrada. Particularmente no me interesan demasiado sus películas más consagradas, como 2001: odisea del espacio o La naranja mecánica, a las que les reconozco su valor técnico, pero que me dejan absolutamente indiferente entre su autoindulgencia y su pretensión sociológica subrayada. Pero este viaje sirve para ver algunas de esas películas de cuando Kubrick todavía no era KUBRICK, y que muestran a un director más atento a lo narrativo que al gesto formal. Casta de malditos es una gran película y es, además, un ejemplo de cine noir actualizado, con la mirada de un director que ofrecería como mayor rasgo una renovación de viejos géneros. Este policial centrado en un robo es un gran relato que se construye desde el montaje, que contiene la autoconsciencia de la mirada sobre lo que se está contando y cómo, y que ha servido de molde para incontables clásicos modernos, entre ellos Perros de la calle o Los sospechosos de siempre.

LOONEY TUNES (cortos) de realizadores varios. En MAX.

-Esta semana se estrenó en cines El día que la Tierra explotó: Una película de Looney Tunes, un regreso de los clásicos personajes de la Warner. Y si usted quiere ver un poco el origen de todo esto puede meterse en la plataforma MAX, donde encontrará mucho de ese material fundamental. Los personajes de la Warner fueron una suerte de respuesta a los más modositos héroes de Disney, con criaturas donde la neurosis y la tensión de lo humano se corporizaba a manera de caricatura. Entre todo el material, donde hay cosas notables y otras descartables (como todo, con el tiempo los reinicios no siempre han sido felices), se pueden encontrar aquellos cortos originales de los años 30’s. Para ver el preciso momento en el que la locura se hizo algo concreta y originó un movimiento no sólo en la animación sino también en la comedia. 

Como una forma de protesta sobre lo que entienden como políticas restrictivas de las actuales autoridades del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA), comenzó hoy en el Teatro Enrique Carreras la muestra de cine nacional Contracampo, creada por un autogestionado y autoconvocado de directores, productores, técnicos, críticos y programadores de cine. La actividad se desarrollará hasta el próximo martes 26, con funciones desde el mediodía y hasta la medianoche.

“Es una acción, una acción que parte de un grupo autogestionado y autoconvocado de directores, productores, técnicos, críticos y programadores de cine que nos dimos cuenta de que el Festival este año tiene una serie de normas y reglas que no nos representan, y nos pareció un buen momento para proponer una acción que dialogue y discuta de qué manera se ve y se percibe el cine argentino hoy en las salas”, comentó Martín Farina, uno de los organizadores de la muestra.

En diálogo con El Marplatense, el realizador sentenció que “el Festival este año, de fiesta, no tiene nada, creemos que la gente que maneja el INCAA directamente tiene un desprecio hacia nosotros. Y eso nos parece que no nos representa y queríamos aprovechar el evento para poder hacer algo en paralelo, que celebre lo que nosotros creemos que es una fiesta, que es el cine argentino”.

Sobre las propuestas que se verán hasta el martes, Farina señaló que “es un cine muy diverso, hay más de nueve provincias representados de realizadores de todo el país. Hay películas también con un recorrido internacional muy importante. Queríamos registrar también la tradición del Festival de Mar del Plata, que es de un cine diverso, de diversos tipos de producción”.

Para los organizadores de Contracampo es importante la representatividad. “Hay películas de distintos lugares del país donde tienen poéticas muy diversas, que es lo que nosotros creemos que es el cine y que son los festivales de cine. Y creemos que hoy el INCAA no quiere ni producir, ni le interesa mostrar. Por eso, esa diversidad de pequeñas películas y muy pequeñas a películas muy grandes es lo que van a poder ver en todos estos días”.

Si bien Contracampo contará con la presencia de realizadores destacados como Hernán Roselli y Celina Murga, entre otros, para Farina el grupo no piensa el cine “como las figuras que pueden llegar a representar una imagen que sí tienen otros espacios para representarse. Fundamentalmente lo que nos interesa es que el sector se haga presente y se visibilice. Entonces, tanto los directores como los técnicos, como montajistas y muchas de las personas que participan en las películas son los que van a poder dialogar y participar con el público”.

MI AMIGO EL PINGÜINO (película) dirigida por David Schurmann, con Jean Reno, Adriana Barraza, Alexia Moyano. En cines.

-Esta película coproducida entre Estados Unidos y Brasil es una rareza. O, al menos, una película que parece salida de otro tiempo, no sólo por la nobleza que la compone sino porque tenemos un elenco de varias nacionalidades (franceses, argentinos, brasileños, mexicanos) para contar una historia ambientada en Brasil, pero con personajes que hablan inglés. Hoy ya casi no se hacen películas así y bienvenida sea, porque pone por delante el cuento que tiene entre manos a la búsqueda de una representatividad étnica que ha vuelto al cine algo hipócrita. Sí, Jean Reno no es brasileño, pero no importa: es dueño, como intérprete, de una sensibilidad que muy pocos actores podrían darle a un personaje como el que le toca en suerte. Basada en una historia real, la película cuenta la relación que mantienen cada temporada un pescador y un pingüino que en su migración de Argentina hacia el norte del globo terráqueo, se extravía en Brasil y se aquerencia en esa playa, en la misma casa, cada año. Claro que esto esconde algo, que es la evidencia de un duelo del pasado que atraviesa el protagonista junto a su esposa, y que la presencia del animal les invitará a sanar. Una película que no busca ser más de lo que es, y que lo que es lo es con sensibilidad y sin caer en exageraciones melodramáticas.

LEGO STAR WARS: LA RECONSTRUCCIÓN DE LA GALAXIA (miniserie) Chris Buckley, con las voces de Tony Revolori, Marsai Martin, Bobby Moynihan. En Disney+.

-Dos mundos que colisionan. Por un lado el de Star Wars con toda su mitología a cuestas y por el otro el de las películas y series de los LEGO, que ponen en práctica la imaginación de su propia lógica de ensamblado de piezas para construir universos imprevisibles. Y de eso se trata esta miniserie en la que unos personajes muy creativos para reescribir la historia por medio de relatos orales terminan involucrados en un juego donde, ahora sí, la historia real termina modificándose, por lo que veremos a los personajes de siempre de Star Wars interpretando otros roles a los que estamos acostumbrados. Lo que funciona aquí, en primera instancia, es la animación, muy atractiva y colorida. Pero, sobre todo, la gracia para jugar con la propia mitología creada por George Lucas. Es en definitiva de los más libres productos salidos de esa maquinaria y, a esta altura entre tanta repetición y agotamiento, se agradece.

TORTUGAS NINJA: HISTORIAS MUTANTES (serie) creada por Alan Wan, con las voces de Micah Abbey, Nicolas Cantu, Brady Noon. En Paramount+.

-La Tortugas Ninja han tenido tantas reinvenciones a lo largo del tiempo, que uno ya se pierde, pero para orientarnos espaciotemporalmente, esta serie animada es una continuidad de la película estrenada el año pasado, Tortugas Ninja: caos mutante. Película que, si no vieron, miren ya mismo porque es buenísima y es además la mejor adaptación que tuvieron a la pantalla. Nacidas en el cómic, con vida en series y películas, siempre con éxito, las Tortugas Ninja cuentan a su favor con la juventud como un elemento que genera atracción. Son héroes, grandes guerreros, pero también son un poco inmaduras, y eso pone en fricción el mundo de la acción con el de la comedia. En esta serie las encontramos ya como héroes reconocidos de la ciudad, cuando una nueva amenaza atenta contra el espíritu de unidad del grupo. La serie, antes que nada, es muy bella visualmente, con un trabajo de animación que deja algunos trazos al descubierto como para hacer evidente el recurso, pero además construye alrededor de los protagonistas un entorno urbano que le da personalidad al cuento. Un gran y muy divertido entretenimiento.

DON SEGUNDO SOMBRA (película) dirigida por Manuel Antin, con Adolfo Güiraldes, Juan Carvalledo, Luis Manuel de la Cuesta. En CineAr.

-Hace unos días murió Manuel Antín, un nombre importante para el cine argentino que tal vez el gran público podría redescubrir. Fue director de cine, integró la denominada Generación del 60 que actualizó el cine argentino con códigos autorales un poco a la europea, fue presidente del Instituto de Cine en los 80’s y como docente y director de la Universidad del Cine, logró influenciar a generaciones de cineastas con su mirada. Don Segundo Sombra, su adaptación del clásico texto de Ricardo Güiraldes, fue una rareza para un director que había trabajado sobre entornos urbanos (colaborando con Julio Cortázar) y que aquí se introduce en el mundo de lo gauchesco. Si bien la película no termina de asimilar el tono mítico que el libro buscar darle a la figura del gaucho, hay a partir de la mirada de Antín un acercamiento a cierta sensibilidad que termina encajando perfectamente sobre el personaje de Fabio, el aprendiz y hombre de confianza del protagonista. Película que fue un éxito en su momento, aunque no es tan considerada dentro de la obra de Antín, permite ver en todo caso a un autor intentando repensar las tradiciones a través de una mirada personal y moderna.

EL EFECTO POLILLA (serie) creada por Nicholas Boshier y Jazz Twemlow, con Nicholas Boshier, Jazz Twemlow, Elena Foreman. En Prime Video.

-La hermosa tradición del sketch humorístico televisivo parece haber sido revalidada por la comicidad que se observa hoy en Internet, y es algo que podemos poner en la lista del haber de las redes sociales (ya sabemos que la lista del debe es demasiado extensa). Estos australianos no sólo la revalidan, sino que recuperan algo de la esencia de lo que hicieron hace bastante tiempo los Monty Python, tal vez los que supieron darle una vuelta de tuerca mayúscula por la vía del absurdo y la inteligencia para la puesta en escena. El efecto polilla son capítulos de algo más de 15 minutos, donde a la manera de un zapping vamos intercalando entre dos o tres segmentos por episodio. No hay entre cada uno de estos sketches mayor conexión, salvo la mirada burlona sobre muchas de las taras de la sociedad actual. La mayoría de las veces son divertidos y casi siempre dan en el blanco, riéndose sobre la masculinidad, la corrección política, las vacas sagradas de la cultura, la política, los discursos fascistas y un gran etcétera. Estos australianos son muy ocurrentes, están un poco locos y siguen la tradición del formato con inteligencia y la participación de algunos invitados especiales como Bryan Brown, Vincent D'Onofrio, Bobby Cannavale o Miranda Otto.

RELATOS SALVAJES (película) dirigida por Damián Szifrón, con Ricardo Darín, Leonardo Sbaraglia, Érica Rivas. En cines.

-Más allá de que no me gustó demasiado, le reconozco a Szifrón su habilidad para leer un tiempo y conectar con un espectador masivo: Relatos salvajes es la película más exitosa del cine argentino, al menos desde los 90’s que es cuando comenzó a haber datos confiables de taquilla. Por lo demás, un film episódico que, como todo film episódico, es desparejo, que demuestra el conocimiento cinéfilo del director y su habilidad de buen narrador, pero hay algo siempre molesto en cada uno de los capítulos: por encima de lo que se cuenta, Szifrón quiere decir algo siempre, alguna acotación sobre lo malo que es todo, que vuelve a los eventos de cada corto algo funcionales. Y, otra cosa profundamente molesta, es que para una película que se autodefine como “salvaje”, en verdad hay muy poco salvajismo y demasiado daño controlado. Szifrón es como “Bombita”, el personaje de Darín, que pone una bomba pero con la pertinencia de ponerla pero para que no muera nadie. Relatos salvajes es un poco eso, una serie de comentarios en apariencia punzantes, que terminan siendo demasiado tranquilizadores en un festival de la misantropía sólo celebrable en un tiempo donde el cinismo se ha impuesto sin aparente vuelta atrás.

ROMPER EL CÍRCULO (película) dirigida por Justin Baldoni, con Blake Lively, Justin Baldoni, Jenny Slate. En cines.

-La película de Baldoni está basada en una novela muy exitosa de Colleen Hoover, que es una suerte de texto romántico juvenil pero con contenido: y ese contenido tiene que ver con la violencia de género y el empoderamiento femenino. La protagonista es una mujer que vivió en el hogar de un padre violento y parece repetir la relación de sus padres en el nuevo vínculo que construye con un destacado neurocirujano. No está mal la idea de subvertir las reglas del relato romántico con detalles realmente oscuros y ríspidos; el problema es cuando el material no está a la altura, cuando la película quiere volverse un poco juguetona mientras nos pide que nos pongamos serios en un último acto en el que se acumulan todos los giros posibles de una novela de las cinco de la tarde. Romper el círculo parece estar creída de que dice cosas muy relevantes, pero no puede dejar de manifestarse a través de lugares comunes y clichés lacrimógenos. Baldoni tiene experiencia en este registro medio adolescente con la terrible A dos metros de ti, por lo que al lado de esa Romper el círculo -vehículo para el lucimiento limitado de Blake Lively- termina siendo no sé si El padrino, pero al menos algo un poco menos indigno.

INSTIGADORES (película) dirigida por Doug Liman, con Matt Damon, Casey Affleck, Hong Chau. En AppleTV.

-Un tipo en la mala que precisa plata y acepta participar de un robo (Damon) y un delincuente de poca monta (Affleck) se involucran en un atraco que parece superarlos: nada más y nada menos que la caja fuerte del corrupto alcalde de Boston, interpretado al borde de la inimputabilidad por Ron Perlman. Liman es un buen director de escenas de acción, Damon es un buen actor pero también un excelente partenaire, Affleck es un intérprete al que le salen de taquito estos personajes de perdedores irredentos e Instigadores es una película hiperkinética, que prefiere estar siempre en movimiento porque sabe que tiene poco para decir si se queda quieta. Y un poco a la película le funciona eso, no parar, convertirse en una buddy movie donde los protagonistas se la pasan escapando, escapando y escapando. El problema de Instigadores es que es un poco menos de lo que prometen cada una de sus partes, un film a reglamento, simpático, pero sin demasiado vuelo. Claro que sí, una película hecha para plataformas. 

INSEPARABLES (película) dirigida por Jérémie Degruson, con Eric Judor, Jean-Pascal Zadi, Ana Girardo. En cines.

-Un grupo de marionetas cobra vida cuando ningún humano las ve. Si esto de los muñecos que viven aventuras a espaldas de los humanos se les hace conocido, es porque Joel Cohen y Alec Sokolow, los guionistas de esta Inseparables, son los mismos de Toy Story. Un concepto similar, aunque no necesariamente las mismas ideas: aquí las marionetas forman parte de una troupe teatral en la que algunos personajes están cansados de interpretar siempre el mismo rol, gobernados por un arrogante galancete que les dice qué tiene que hacer cada uno. Quien se cansa es el bufón, quien con dejos de Quijote (otra vez Quijote, como en la reciente Gigantes) corta los hilos y se aventura hacia el Central Park neoyorquino para demostrar que puede ser un héroe. Inseparables tiene un buen diseño visual, una apuesta por el movimiento constante, personajes carismáticos y algunas resoluciones que hablan a las claras que hay talento aquí. De todos modos ese aroma a ya visto le quita algo de espontaneidad al asunto. Una película digna, sí, pero bastante limitada también.

SIEMPRE JUNTOS (película) dirigida por Tony Goldwyn, con Bobby Cannavale, William Fitzgerald, Robert De Niro. En cines.

-Esta es una de esas películas edificantes para reír y llorar en partes iguales. El éxito o no de la propuesta está dado en el nivel de autenticidad que logran las situaciones que se cuentan. Y se podría decir que Siempre juntos lo logra de a ratos. Una pareja divorciada comparte la crianza de un chico con autismo, pero las cosas se complican cuando las autoridades exigen medicación y que el niño tenga que recibir educación especial. Ante esto, el padre, un intento de comediante, toma una decisión cuestionable y parte en viaje con el chico hacia Los Angeles, donde participará de un casting en el programa de Jimmy Kimmel. Si bien la condición del chico es uno de los temas, el centro está puesto en ese padre (y raro en estos tiempos de Hollywood donde la figura masculina fue desplazada por una obligada reinvención de la mirada sobre lo femenino), que intenta construir un vínculo con ese hijo mientras repiensa el que tiene con su padre, un hombre algo adusto interpretado con igual adustez por De Niro. Con los riesgos del exceso de melodrama a cuestas, la película de Goldwyn (actor que se reserva un personaje algo desagradable) avanza con aciertos y errores, pero siempre con una sana intención de inspeccionar esos vínculos y encontrar resoluciones más complejas de lo habitual. Un film pequeño, centrado en las actuaciones y, en ese sentido, se podría decir que el elenco cumple. 

El Gobierno de Javier Milei anunció en las últimas horas que “no subsidiará más películas sin espectadores”, en el marco del fuerte ajuste que lleva a cabo en la cultura y la reestructuración del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA).

Según fuentes oficiales, las cifras de 2023 reflejan que el Instituto subsidió más de 100 films que reunieron menos de 1000 espectadores. En particular, se brindó respaldo a 12 películas que captaron a menos de 100 espectadores; hubo una que logró vender solo cuatro entradas y otra apenas cinco. Estas 100 obras representaron casi el 50% de los 236 proyectos financiados en 2023.

Por este motivo, se decidió modificar el proceso de asignación de subsidios buscando maximizar el beneficio para contribuyentes y espectadores. A través del decreto 662/24, se dispusieron una serie de modificaciones en la distribución de subsidios para promover el cine argentino y, a la vez, cuidar y fiscalizar los gastos del Estado en esta industria.

Esta medida es el resultado de un trabajo conjunto entre la Secretaría de Cultura conducida por Leandro Cifelli, el INCAA liderado por Carlos Pirovano, y el Ministerio de Desregulación y Transformación del Estado, a cargo de Federico Sturzenegger.

A partir del decreto, las producciones que aspiren a un subsidio deberán conseguir financiamiento propio por, al menos, el 50% de su proyecto. A su vez, para que los proyectos lleguen de manera amplia a los participantes del sector -“y no a unos pocos que logran obtener apoyo estatal cada año”- se determinó un tope máximo al financiamiento de cada producción.

Fuente: Noticias Argentinas 

El documental Italpark: Un regreso a la fábrica de sueños cuenta la historia de ese parque de diversiones mítico, que estuvo abierto durante treinta años y que tuvo que cerrar en 1990 luego de una tragedia. Precisamente sobre la necesidad de cambiar ese recuerdo triste por el de la alegría que generó en varias generaciones el Italpark, trabajó el director Juan Carlos Domínguez, quien presentará la película este viernes 19 a las 20:30 en El Galpón de las Artes (Jujuy 2755).

“Los que conocieron el Italpark escuchan el nombre y enseguida sale una sonrisa, algún comentario, algún jingle que se acuerdan” con el realizador. Si bien su película está centrada en el Italpark de Capital Federal, el documental también hace mención al que estuvo ubicado en Mar del Plata, ahí sobre la Ruta 2, que funcionó hasta unos pocos meses después del cierre del capitalino. Precisamente el último gerente que tuvo el parque estará presente en la función para recorrer algunas anécdotas.

“Cuando empecé la investigación había algo que me llamó la atención porque lamentablemente la palabra Italpark estaba asociada a la tragedia, que lamentablemente ocurrió en Buenos Aires, pero también a alguna maldición, a cosas negativas. Todo lo que había en la web era negativo, poco se hablaba de lo mágico que era, de generaciones que pasaron por ahí que tienen los mejores recuerdos”, contó el director.

En diálogo con Primera Tarde por Radio Mitre Mar del Plata, Domínguez indicó que la investigación para el documental la inició en plena pandemia, donde ante la falta de instituciones para obtener información, logró comunicarse con coleccionistas que le aportaron mucho material, además de gente que trabajó en el lugar: “Así fui dando con diferentes personas que de un lado u otro estaban relacionadas al parque”.

El realizador comentó que pensó la película en tres ejes: el de los coleccionistas, el de la gente habitué del Italpark y el de los que lo vivieron del otro lado, los empleados. Y así aparecieron personajes emblemáticos que tienen presencia en el documental: “El que manejaba el Samba, que era como un dj de la época, una discoteca al aire libre, también con la animadora de fiestas, porque el Italpark fue uno de los primeros lugares donde se empezaron a hacer las fiestas de cumpleaños, con un monstruo del Laberinto del Terror”.

Domínguez comentó que Italpark: Un regreso a la fábrica de sueños es “muy variada y se puede ver el parque desde diversos ángulos”. Pero además prometió emoción: “La gente que la ve termina llorando, no se puede contener”.

FURIOSA: DE LA SAGA MAD MAX (película) dirigida por George Miller, con Anya Taylor-Joy, Chris Hemsworth, Tom Burke. En cines.

-De manera impensada, en 2015, la saga Mad Max tuvo con Furia en el camino un revival en el que se fusionaron lo mejor de dos mundos: la locura demencial del cine australiano de los 70’s -aquellos vehículos, el polvo del desierto, la anarquía de un mundo sin referentes- con la tecnología del cine contemporáneo. Esas posibilidades del futuro sin perder la fiereza propia de la franquicia construyó un éxito impensado, que fue acompañado hasta con una nominación al Oscar a la Mejor Película. Obviamente, en este presente de constante repetición, se abrió la puerta para una nueva saga: que aquí continúa con Furiosa, una precuela de Furia en el camino. Que George Miller vuelva a estar detrás de cámaras le da una unidad estética que se agradece: Furiosa impacta a fuerza de secuencias de acción imponentes y excelentemente coreografiadas, imágenes alucinadas y un relato que aquí encuentra un cauce más rico que en la película de 2015, cuando todo era devorado por lo estético ante una historia que se descubría bastante hueca. Aquí la excusa de contar el origen de Furiosa le permite a la película encontrar un norte, sin la necesidad de sacudirnos constantemente con esa virulencia audiovisual tan propia de la saga. El recorrido del personaje, de una infancia atravesada por la violencia, conduce invariablemente al relato de venganza. Y eso es Furiosa, con un relato inteligentemente dividido en dos partes, con Anya Taylor-Joy bancándose un rol de acción y Chris Hemsworth jugando al villano desagradable. Posiblemente los últimos veinte minutos sean de una discursividad innecesaria y anticlimática, y ahí están los principales motivos que impiden la perfección de una película excitante como pocas.

NAHIR (película) dirigida por Hernán Guerschuny, con Valentina Zenere, César Bordón, Monica Antonopulos. En Prime Video.

-Tal vez como una forma de protegerse por sus inexactitudes, Nahir comienza sobreexplicando que, si bien está basada en hechos reales, algunos nombres y situaciones fueron modificados por el bien de la ficción (y las posibles demandas). Este drama judicial de Hernán Guerschuny intenta desentrañar la psicología de Nahir Galarza, quien el 29 de diciembre de 2017 asesinó a su novio Fernando Pastorizzo en Gualeguaychú y se terminó convirtiendo en la mujer más joven en ser condenada a perpetua por la Justicia argentina. Galarza es un personaje fascinante, de eso no hay dudas, pero no fascinante en el sentido que piensa la película: claramente armada para sostener la teoría de la victimaria, la película hace movimientos demasiado maniqueos para convertirla en víctima de un sistema machista, que puede haber agitado el interés mediático en la causa, pero no tiene nada que ver con la concreción del crimen (donde la violencia en el vínculo estaba alimentada por ambos, según se expuso durante el juicio). Pero más allá del cómodo lugar que busca la película (usar como coartada un aire de época), lo peor de Nahir es que resulta aburridísima, sin matices, exponiendo con pereza las diversas teorías que Galarza ha brindado desde que comenzó la investigación. La última es la que Nahir manifestó, la que muestra a su padre como el autor del asesinato. Y es la que elige la película para terminar convirtiendo, un poco desvergonzadamente, a una asesina en una víctima.

MONSTERS AT WORK (serie) creada por Roberts Gannaway, con las voces de Ben Feldman, Mindy Kaling, Henry Winkler. En Disney+.

-Esta serie ambientada en el universo Monsters INC no llega al nivel de las dos películas de Pixar (la otra, Monsters University, es una joya no reconocida), ni tiene su calidad en la animación, pero mantiene la amabilidad en el tono y su apuesta por un espíritu lúdico reglado por las leyes de la comedia. Porque si la película original desarticuló el discurso del miedo a partir de descubrir el poder de la alegría y la diversión, Monsters at work se pregunta ¿cuál es el sentido de la risa? Incluso, lo hace en el marco del mundo del trabajo, que es su espacio: el protagonista, Tylor, es un prometedor asustador que debe esforzarse por ser comediante ahora que la empresa busca risas en vez de sustos. Si bien los históricos Mike y Sully son aquí meros personajes de reparto, complicados por las obligaciones de comandar la fábrica, sus presencias son un gancho promocional para una serie que no termina de ser lo cómica que debería, ni de tener presencia a partir de sus nuevos personajes. La segunda temporada, recién estrenada en Disney+, exhibe un poco los mismos problemas que la primera, aunque la simpatía de sus criaturas y un conflicto más definido -ahora que no tiene que presentar personajes- le permite ser un poco más sólida.

BOONIE BEARS: CÓDIGO GUARDIÁN (película) dirigida por Yongchang Lin y Heqi Shao, con las voces de Bingjun Zhang, Wei Zhang, Xiao Tan. En cines.

-No estamos ante una gran película, pero sí ante una que genera el suficiente ruido como para llamar la atención. Por su animación digital pasteurizada y su aplicación al cuentito emotivo parece una de Disney, pero atravesada a partir de mínimos gestos por la hipérbole de la animación asiática. Entonces Boonie Bears: Código Guardián -continuadora de una saga que desconocemos- se convierte en una experiencia que nos sacude entre lo imprevisible y la caída en clichés un poco molestos. Primero tenemos la desaparición de una osa y la búsqueda que llevan adelante sus dos hijos. La aparición de unos científicos malos termina por complicar los planes, no sólo de los protagonistas sino también de la película: la aparente linealidad del relato se retuerce y la historia comienza a girar y girar y girar, entre sorpresas, revelaciones, datos impactantes y un espíritu aventurero que sólo se empantana por momentos cuando la discursividad se vuelve un poco empalagosa sobre el deber de madre y el amor eterno. En una película con osos hay varios momentos osados (¡cuack!) y muchos de los otros, pero nunca podemos decir que se trata de una película a reglamento. Tal vez esa sea su principal virtud.

PLAN FAMILIAR (película) dirigida por Simon Cellan Jones, con Mark Wahlberg, Michelle Monaghan, Maggie Q. AppleTV.

-La premisa es conocida: un padre de familia tiene un secreto que ha ocultado a su esposa y sus hijos. Estamos en plan comedia de acción familiar, así que no esperen ningún secreto oscuro: el tipo era un sicario (bueno…), logró escapar de ese pasado y llevar una vida mundana, hasta que ese pasado vuelve para eliminarlo. Y ahí arranca lo divertido, o al menos debería. Mark Wahlberg es un actor probado en este tipo de relatos y Michelle Monaghan ya jugó a esto mismo en Misión: Imposible, por lo tanto hay cierta solidez interpretativa que hace que la película funcione por un rato, sobre todo cuando es más comedia que acción: en esos pasajes en los que el padre tiene que ocultar la verdad y suceden algunas secuencias tan imposibles como divertidas. Pero cuando el deber llama y Plan familiar debe convertirse en película de acción hecha y derecha se termina pareciendo a esas producciones discretas de los 90’s que iban directo al VHS. No está mal, pero al director Simon Cellan Jones (el mismo de Arthur: una amistad sin límites, también con Wahlberg) le faltan algunos galones para ser un director que tenga algo para decir en el género. Apenas amable.

Tras la gran noticia sobre la confirmación de la fecha del 39° Festival de Cine Internacional de Mar del Plata, el presidente del Ente Municipal de Turismo y Cultura (EMTuryC), Bernardo Martín, lo comparó con el anterior, al que caracterizó de “acto político”, y manifestó que el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA) “puso muchísimo para que sucediera”.

En primer lugar, reconoció en diálogo con Primera Tarde (FM 103.7) la tarea del jefe comunal: “Después de muchas charlas e idas y vueltas, estamos muy contentos de haber llegado a esta conclusión. El intendente Guillermo Montenegro se puso a la cabeza de las negociaciones y junto con el titular del INCAA, Alejandro Cacetta, que también puso todo para que saliera, llegaron a este resultado”.

En tanto, sobre su realización, indicó que Mar del Plata tiene una “mirada integral” y que a partir de este tipo de eventos, con “una mirada cultural, turística y del trabajo que genera”, la industria audiovisual marplatense es uno de los mayores ejemplos de cómo todo es “trasversal”. Entonces, Martín sostuvo: “El anuncio viene a complementar eso porque vienen muchísimas personas y Mar del Plata vuelve a estar en el candelero, y para nosotros es invaluable”. 

Por otra parte, contó que “se trató de una política pública y privada con el INCAA, la Municipalidad y los privados”, a pesar de que reveló que “hubo negociaciones, pero de coordinación, donde el objetivo era que el Festival de Cine se llevara a cabo, incluyendo al INCAA”. Entonces, dijo que el órgano del Ministerio de Capital Humano de la Nación “puso muchísimo para que sucediera” y que desde esa decisión, se encolumnaron y trabajaron “codo a codo”, con el objetivo de demostrar que “Nación puede trabajar con el Municipio”.

“Es un Festival de Cine distinto al último que vivimos en Mar del Plata, que fue más un acto político que un festival. Va a ser un festival real, donde dejamos la política partidaria de lado y trabajamos todos los marplatenses en conjunto para que este evento salga adelante”, arremetió contra la pasada edición, donde el candidato a presidente, Sergio Massa, dio un discurso en defensa del cine nacional y sobre todo, contra Javier Milei.

Sorprendentemente, tras las polémicas declaraciones de Guillermo Montenegro, en las que se refirió a un “Festival Netflix, Star Plus o HBO” y el acercamiento de los privados, y el desfinanciamiento del Gobierno nacional, el titular del organismo destacó que “lo primero para festejar es que el festival continúa y sigue en pie”. 

“Quienes trabajan en el festival, las salas, los alojamientos y la industria turística son marplatenses. Nos da continuidad en un momento del año en que necesitamos que la gente venga a la ciudad. Se desarrollará a fin de mes, que es la etapa que más nos cuesta transitar turisticamente, y no coincide con ningún fin de semana larga, por lo que hay un montón de aspectos positivos que hacen a la generación de trabajo”, expresó por su fecha, la cual está programada del 20 de noviembre al 1 de diciembre.

En otro punto, también resaltó “el disfrute de los marplatenses al ir al cine” y que la imagen mental que trae el Festival de Cine “no es la apertura o la ceremonia de cierre, sino las largas filas frente a las salas cinematográficas de la ciudad”.  

Tras haber anunciado el gobierno Nacional que descontinuará el financiamiento al Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, el sector posee muchísima incertidumbre sobre su futuro y peligra la continuidad de este evento.

Así se confirmó en las últimas horas desde el Instituto Nacional de Cine, siendo este certamen, el único de clase A en Sudamérica que generaba gran convocatoria de turistas para la ciudad. Un gran impacto al sector cultural, en un contexto de recortes por la grave crisis económica. 

En ese sentido, el director de cine, Miguel Monforte dialogó con El Marplatense y expresó: “Este efecto motosierra llega al Instituto Nacional de Cinematografía, un lugar que nación en 1957, histórico y  que sostiene al cine nacional. En este momento ya fueron muchos los despidos que se produjeron en aquellos monotributistas que trabajaban allí y se planifican aún más, en este plan de saneamiento económico. Esto afecta a muchas otras cosas que funcionaban bien como la Escuela Nacional de Realización Cinematográfica que se intenta privatizar y tiene siete sedes en el interior y una queda en nuestra ciudad”. 

"También hablamos de que se cierre o privatice la plataforma de Cine Argentino CINE.AR PLAY, que favorece al ámbito gratuito de mucho material argentino. No se lucra con el cine sino que se trata de que la gente pueda acceder, sobre todo las nacionales. Esto afecta a muchas cosas y principalmente a lo laboral, porque se va a dejar a la gente en la calle y no contempla que, si bien hay un déficit, no se está cumpliendo con cobrarle lo que corresponde a las plataformas, dispuesto por Ley", sumó. 

Y adhirió que se encuentran ante "un panorama bastante complejo. Continuar con el Festival pero sin el financiamiento del Instituto, realmente es muy difícil. Es un acontecimiento que necesita mucha plata. No es una cuestión solamente nacional, sino que los que son clase A, que en este momento ya son 15 a nivel mundial".

"Para mi va a ser muy complicado conseguir sponsors. Estamos en una situación de alarma, no solo con el Instituto sino en particular con el Festival. Implica la pérdida de muchas cosas, es un acontecimiento cultural irremplazable que existe hace 70 años. Es un atractivo turístico, que pone el nombre de Mar del Plata y del país, en publicaciones internacionales que tienen que ver con el cine. Es un golpe moral", sentenció el referente del cine.

El recorte de fondos que está llevando adelante el Gobierno nacional, a cargo de Javier Milei, llegó al emblemático Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, que se celebra todos los años durante noviembre, y es el único de Clase A en Sudamérica.

Así lo confirmó hoy el nuevo presidente del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA), el economista Carlos Luis Pirovano, quien se reunió con los trabajadores del sector, nucleados en la Asociación Trabajadores del Estado (ATE), y confirmó que descontinuará el financiamiento el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, entre otros eventos.

No obstante, este miércoles los trabajadores afectados nucleados fueron notificados que la nueva gestión no sólo desfinanciará el Festival Internacional de Cine, sino que además no reincorporará a los trabajadores despedidos, cerrará el histórico y recuperado Cine Gaumont, así como también las plataformas Cine.Ar y Cine.Ar Play.

A su vez, Pirovano anticipó la intención del Ejecutivo nacional de avanzar en la privatización de la Escuela Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica (ENERC), una institución clave en la formación de nuevos talentos del cine argentino.

“Estas decisiones representan un golpe para la industria cinematográfica argentina, ya que estos festivales son vitales para la promoción y difusión de las producciones locales a nivel nacional e internacional”, indicaron los trabajadores tras el encuentro que mantuvieron con el nuevo titular del INCAA.

De acuerdo al documento difundido por los trabajadores, durante el encuentro Pirovano “negó rotundamente la posibilidad de dar marcha atrás con las medidas, argumentando que el INCAA gasta más del 60% de su presupuesto en salarios y funcionamiento”.

“Llamamos a la comunidad audiovisual a declararse en estado de alerta y movilización y coordinar con la mayor unidad de todos los sectores las medidas necesarias para enfrentar este ataque brutal”, indicaron los trabajadores, al tiempo que lanzaron una campaña de firmas para rechazar la “política de desguace” del INCAA.

El Festival Internacional de Cine de Mar del Plata es uno de los 15 eventos del séptimo arte de clase “A” que existen en el mundo y el único de Latinoamérica. Fue inaugurado el 8 de marzo de 1954.

Fuente: Diputadosbsas.com.ar