Seguramente la presencia de Guillermo Francella interpretando 16 personajes haya sido un buen elemento de venta para el éxito de Homo Argentum (que a la hora de publicación de este texto había superado los 816.000 espectadores), aunque se trata en verdad de una apuesta casi deportiva que increíblemente casi todos los comediantes más populares han intentado, con mayor o menor éxito, en algún momento de su trayectoria. Tal vez tenga que ver con una búsqueda de prestigio o reconocimiento que los comediantes no alcanzan de otra manera, pero hay algunos ejemplos emblemáticos que recorreremos en este texto.

Hay infinidad de ejemplos en el que los actores interpretan dos personajes, y podemos mencionar a un emblema como Adam Sandler, quien en la espantosa Jack and Jill (2011) actuaba a dos hermanos gemelos y opuestos de carácter, y que casi le cuesta la carrera. Hay ejemplos de dos personajes diferentes, hay ejemplos del mismo personaje replicado en dos y hay también un solo personaje que lleva una doble vida como el mismísimo Francella en la tira Naranja y media (1997). Y Francella exageraría el recurso dos años después con Trillizos, dijo la partera (1999) en que la, como dice el título, encarnaría a tres hermanos.

Seguramente, por los ejemplos citados, usted crea que todas las películas o tiras televisivas en las que un mismo actor interpreta a dos o más personajes son comedias poco gratificantes. Pero claro que hay ejemplos más sofisticados de cine prestigioso, como la mismísima Dr. Strangelove (1964) de Stanley Kubrick, donde Peter Sellers encarnaba al presidente Merkin Muffley, al Dr. Strangelove y al capitán Lionel Mandrake. Aunque más atrás en la tradición de la comedia británica, Los 8 sentenciados (1949) presentaba a Alec Guinness en el rol de ocho miembros de la familia D’Ascoyne,

Un comediante prolífico en materia de creación de personajes, al que le gustan estos desafíos narcisistas de multiplicarse, es sin dudas Mike Myers, quien en Goldmember (2002) -la tercera entrega de su saga Austin Powers-, no sólo volvió a interpretar al famoso espía, su némesis Dr. Evil y el villano Fat Bastard, sino que sumó otros villano en el genial Goldmember. Myers llevaría luego esa capacidad para la metamorfosis a la serie El pentavirato (2022), una comedia disponible en Netflix en la que se burla de los conspiranoicos y donde se carga ocho personajes.

Posiblemente Volver al futuro pueda ser vista como algo más que una comedia, pero en su base hay mucho humor y, de hecho, Michael J. Fox era un gran comediante. Y lo demostraba muy especialmente en Volver al futuro: Parte II (1989), que ofrece diversas variantes de un actor interpretando varios roles. Por ejemplo es el intrépido Marty McFly, pero también el Marty McFly del futuro, su hija y su hijo. Y además es el Marty McFlay de la primera película cuando vuelve a 1955, y donde siempre están a punto de cruzarse. ¿Suena complejo? No importa, la película es divertidísima y la mejor de la trilogía.

En los 90’s, con la mejora de la técnica digital y la posibilidad de la creación de cualquier imagen, una comedia como Mis otros yo (1996) permitía que la réplica de un actor pudiera eludir algunos trucos de pantalla dividida que se utilizaban hasta entonces para poner en un mismo plano a un mismo actor interactuando consigo mismo. En Mis otros yo, de Harold Ramis, Michael Keaton interpreta a un hombre agobiado por su falta de tiempo para equilibrar trabajo y vida personal, que termina clonándose a sí mismo, logrando varias copias aunque con distintas personalidades. Sí, por esa época también se debatían los peligros de la clonación y esta comedia no daba la respuesta más satisfactoria, aunque técnicamente era un avance.

Otro gran comediante que supo explotar la versatilidad para interpretar varios personajes es Eddie Murphy, quien llevó la idea al paroxismo en la paupérrima versión de El profesor chiflado (1996). Allí el actor interpretaba a siete personajes, todos integrantes de la grotesca y escatológica familia Klump. Claro que Murphy era un especialista en la materia, y ya en pleno furor de su carrera, en Un príncipe en Nueva York (1988), había interpretado al príncipe Akeem, pero además a Clarence, Saul y Randy Watson. Y no hay que olvidar su doble interpretación en la gran Bowfinger (1999), donde brillaba junto a Steve Martin.

Y si nos acordamos de El profesor chiflado cómo olvidar esa burla exquisita que le hicieron Ben Stiller y Jack Black en The Fatties: Fart 2, un falso tráiler que se proyectaba antes de la obra maestra llamada Tropic Thunder (2008). Allí Jack Black, como el comediante popular Jeff Portnoy, se reía de Eddie Murphy y su multiplicidad de roles haciendo de los seis integrantes de una familia de gente muy obesa y muy flatulenta. El nombre del actor emergía de los gases que se echaban los personajes y la tipografía tenía formas redondeadas, mientras de fondo se escuchaba U can’t touch this de MC Hammer y uno de los personajes tiraba el inolvidable “En algunos países, se considera un cumplido”. Así, Stiller y Black demostraban que la escatología podía ser una reflexión muy inteligente para definir un poco el extremo narcisista que significan empresas personales como estas.

El presidente Javier Milei proyectó la película Homo Argentum, protagonizada y producida por Guillermo Francella, para diputados en Olivos y para su Gabinete en Casa Rosada. En un mensaje publicado en su cuenta de la red social X, bajo el título “Homo Argentum: disonancia cognitiva en el corazón woke”, Milei destacó que el film, dirigido por Mariano Cohn y Gastón Duprat, “evidencia muchos de los aspectos de la oscura e hipócrita agenda de los progres caviar (woke)”.

La película, estructurada en 16 historias independientes de entre uno y doce minutos, presenta a Francella interpretando diversos personajes, desde un director de cine hasta un vendedor callejero, un cura villero o un presidente. Acompañado por actores como Dalma Maradona, Eva De Dominici y Miguel Granados, el film retrata lo que algunos interpretan como una radiografía de la “argentinidad”, mostrando personajes que encarnan rasgos como la envidia, el resentimiento y la hipocresía.

Milei afirmó que “la película de Guillermo Francella deja en evidencia muchos de los aspectos de la oscura e hipócrita agenda de los progres caviar (woke)”, y agregó que “cuanto mayor la cantidad de parásitos mentales dentro de la cabeza del progre, mucho mayor es el odio y los alaridos quejosos de éste (SIC) ejército de zombies (termos cabezas de pulpos)”.

El film ha generado controversia en redes sociales, donde usuarios y críticos de cine han señalado que los personajes reflejan un estereotipo de argentino “garca, estafador, ventajero, chorro, chanta”. En este contexto, Milei expresó: “Les duele mucho la película porque les presenta un espejo en el cual sale a la luz todo lo que son... casi está de más decir lo que les duele el éxito en una película sin financiamiento del Estado, ya que muestra a muchos del rubro (y aledaños) como fracasados totales y absolutos”.

Durante la reunión con su Gabinete en Casa Rosada, que se extendió por cuatro horas, Milei no solo abordó temas económicos, sino que también utilizó la proyección de Homo Argentum para discutir la “batalla cultural” que busca impulsar. Esta estrategia ya había sido implementada días antes con diputados en la Quinta de Olivos, reafirmando el uso del film como herramienta para su discurso político y social.

Fuente: con información de Infobae

La relación del público masivo con el cine argentino es siempre complicada, empezando por ese prejuicio fácilmente refutable de que el cine argentino es todo malo. Claro que hay películas horribles, pero también otras muy buenas. Usted dirá que esto es una perogrullada, pero lo cierto es que a un argumento tan pobre sólo se lo puede refutar con sorna o indiferencia. O también con algo mucho más práctico: recomendar películas argentinas que permitirán abrir la percepción hacia posibilidades no del todo extendidas. Y lo mejor, que las siguientes recomendaciones están en Netflix, por lo que están a la mano de casi todos.

Comencemos con El aura de Fabián Bielinsky, muy probablemente la mejor película argentina del Siglo XXI. Bienlinsky venía de una obra maestra como Nueve reinas, una película popular y muy querida y la apuesta no era sencilla. Y lejos de simplificar el camino para darle al espectador una Nueve reinas 2, el director retorció todo lo posible su universo para una de las películas más genuinamente cinematográficas del cine nacional contemporáneo. La historia es la de un taxidermista que planifica un robo, y si bien Bielinsky construye su película como un policial, lo cierto es que El aura se superpone diversas capas de sentido, la más potente aquella que juega con el surrealismo y piensa con la lógica de los sueños. Por si hiciera falta algo, El aura es la película que termina de confirmar a Ricardo Darín como una verdadera estrella de cine.

Tras películas como Historias mínimas, El perro o El camino de San Diego, el director Carlos Sorín se forjó un lugar como director de la realidad, de lo social, atravesado por el prisma siempre artificial del cine. Por eso, El gato desaparece resultó una gran rareza en ese momento: la historia de un hombre que es internado por un brote psicótico y que cuando vuelve a su hogar genera confusión en su esposa acerca de si es la misma persona que era antes. Sorín aprovecha esta historia para balancearse entre el drama de cámara y el thriller a lo Hitchcock, y se vale de las sólidas interpretaciones de Beatriz Spelzini y Luis Luque para construir un juego de tensión donde el espectador también llega a confundirse. Un ejercicio de estilo infrecuente en la carrera del director.

Martín Piroyansky se consagró hace un par de años con la serie Porno y helado, tras una extensísima carrera que comenzó cuando niño en televisión con el Magazine For Fai y continuó en el cine como actor de reparto en muchas comedias, aunque tiene participaciones en dramas como La araña vampiro o XXY. Sin embargo su lugar parece estar en la comedia, donde brilla como actor y singularmente como director. Voley fue su primer largometraje, donde resumió su mirada e influencias que van por la Nueva Comedia Americana y el humor costumbrista argentino. Aquí un grupo de amigos se van a pasar la fiesta de Año Nuevo al Tigre, entre amores cruzados, engaños, consumo de sustancias y mucha histeria. Lo que surge es una comedia única dentro del cine nacional, apuntada al público joven, y con una efectividad cómica que no huye a un revés dramático hacia el final, donde el típico personaje goma de la comedia picaresca argentina recibe una suerte de aprendizaje.

Diego Lerman tiene (hasta ahora) un trío de películas en las que reflexiona sobre aspectos de la realidad social por medio de los géneros. Trío de películas integrado por Una especie de familia, El suplente y Refugiado, de las cuales esta última (y la primera cronológicamente hablando) es la mejor. Con el gran protagónico de Julieta Díaz, Refugiado habló mucho antes que otras películas de la violencia machista y del pavor que sufre una mujer que vaga con su hijo, mientras escapa de su marido. El film es preciso y tenso, y toca la cuerda del thriller sin nunca banalizar su conflicto principal. Y en el camino construye un gran vínculo madre-hijo.

Hace algunos años Pablo Trapero era uno de los directores más importantes del cine argentino. Antes de alcanzar la cima de su carrera con la notable Carancho y convertirse en un director del mundo, estrenó este drama protagonizado por su esposa, Martina Gusmán, en su mejor actuación en cine. Leonera tiene como personaje principal a una presidiaria acusada del crimen de su novio, quien ingresa embarazada a la cárcel. Un film áspero con elementos de ese cine social tan afecto al director, que retrata la vida en la prisión y bordea siempre la sordidez pero escapa con lucidez, especialmente en el uso de algunos recursos expresivos como la música, por ejemplo, y una muy recordada secuencia con un tema de la gran banda Intoxicados.

MAZEL TOV (película) dirigida por Adrián Suar, con Suar, Fernán Mirás, Natalie Pérez. En cines. 

-Con sus errores (demasiados), el cine de Adrián Suar tuvo casi siempre la habilidad de conectar con el gran público. Eso no habla necesariamente de la calidad, pero sí de alguien que conoce más o menos el imaginario que posee su público potencial. Las veces que decidió correrse, con el drama El día que me quieras o con la de acción Jaque mate, le fue decididamente mal (artística y comercialmente). Lo suyo, parece, es la comedia romántica de clase media conservadora. Por eso no deja de ser curioso el éxito de Mazel Tov, su nueva película, además su segundo film como director, que arrancó bien en los cines. Porque Mazel Tov no es una comedia romántica y porque se inscribe más en el tono de comedia dramática que el cine norteamericano ha sabido construir como marca de origen. Aquí una familia judía que pensaba reunirse en una boda, pero finalmente lo hace para el velorio del padre. Y allí sus cuatro hijos, con sus diferencias y estereotipos a cuestas. Suar interpreta al que se fue, el que vende la imagen del exitoso, y que vuelve para recomponer los vínculos. Algo bueno, la película está bien escrita y hasta algunos diálogos está filmados por Suar con gracia y sentido del ritmo. Algo mejor, Suar se corre un poco de su mirada y hasta se anima a que muchos personajes digan sobre su Darío lo que hemos pensado sobre mucho de los personajes anteriores de Suar. Lo malo: la película sólo confía en el texto y, muchas veces, la imagen termina siendo subsidiaria, una dramedia que se resuelve en el plano y contraplano. Pero más allá de esto, un film correcto y efectivo. No es poco para el universo Suar.

EL ESTUDIO (serie) creada por Alex Gregory, Evan Goldberg y Peter Huyck, con Seth Rogen, Catherine O’Hara, Ike Barinholtz. En AppleTV.

-A esta ya la vinos: el mundo del cine desde adentro, con todas sus miserias y sus luchas de egos y sus traiciones Rogen -autor, director, protagonista- “hereda” el puesto de director de un estudio de Hollywood luego de que su antecesora, y también su maestra, fuera despedida. Su lucha será conciliar sus propios deseos con los deseos del dueño del estudio, un tipo que conecta con el imaginario del cine actual: hacer películas de franquicias, no importa cuál, pero hacer guita. Y Rogen quiere hacer cine, como en los setentas, cuando los directores tenían poder. En El estudio la comedia vira a la sátira desaforada, narrada con una energía increíble. Decíamos, a esta ya la vimos. ¿Qué tiene de diferente entonces? Que El estudio es realmente lujosa, imaginativa, y cuenta con presencias notables: piense en cualquier estrella, algunos haciendo personajes y otros haciendo de ellos mismos en versiones desaforadas, como el inolvidable Martin Scorsese del primer episodio. Una comedia que requiere un espectador preocupado en estos temas un poco frívolos, pero la recompensa lo vale.

AMIGOS Y VECINOS (serie) creada por Jonathan Tropper, con Jon Hamm, Amanda Peet, Olivia Munn. En AppleTV.

-A Jon Hamm lo queremos desde Donald Draper y Mad Men. Es un actor que funciona en el drama y en la comedia, que tiene el brillo de las viejas estrellas de cine y, de hecho, en la nueva serie Amigos y vecinos hay mucho guiño al cine clásico dando vueltas, desde un comienzo que hace recordar a su manera a Sunset Boulevard. Aquí interpreta a Andrew Cooper, un tipo que trabaja en el mundo de las finanzas, que se da la gran vida y que lleva una existencia lujosa junto a su familia. Pero un día lo pierde todo, primero su familia y luego su trabajo, y comienza una cuesta abajo de la que comenzará a salir de una manera poco convencional: robando en las casas de sus amigos y vecinos de buena posición, una serie de ricachones un poco tontolones. El texto es brillante y Hamm juega este personaje un poco torpe, un poco cínico y un grado existencialista con su carisma habitual como para hacer que el cinismo no tape el bosque. Divertida y narrada con mucho ritmo, se adivina que el universo no se cerrará sólo en Cooper, sino que hay un abanico de personajes ricos para ver y descubrir.

CASTA DE MALDITOS (película) dirigida por Stanley Kubrick, con Sterling Hayden, Coleen Gray, Vince Edwards. En Lumiton.ar.

-Si no conocen la plataforma Lumiton.ar, deberían. Allí se sube mucho cine clásico o se hacen retrospectivas de realizadores contemporáneos, algunas veces películas que son imposibles de ver de otro modo. Y en Lumiton.ar hasta el 28 de abril, por ejemplo, se puede ver gran parte de la filmografía de Stanley Kubrick, un director problema que cuenta con un fandom un poco denso que lo ha convertido en una vaca sagrada. Particularmente no me interesan demasiado sus películas más consagradas, como 2001: odisea del espacio o La naranja mecánica, a las que les reconozco su valor técnico, pero que me dejan absolutamente indiferente entre su autoindulgencia y su pretensión sociológica subrayada. Pero este viaje sirve para ver algunas de esas películas de cuando Kubrick todavía no era KUBRICK, y que muestran a un director más atento a lo narrativo que al gesto formal. Casta de malditos es una gran película y es, además, un ejemplo de cine noir actualizado, con la mirada de un director que ofrecería como mayor rasgo una renovación de viejos géneros. Este policial centrado en un robo es un gran relato que se construye desde el montaje, que contiene la autoconsciencia de la mirada sobre lo que se está contando y cómo, y que ha servido de molde para incontables clásicos modernos, entre ellos Perros de la calle o Los sospechosos de siempre.

LOONEY TUNES (cortos) de realizadores varios. En MAX.

-Esta semana se estrenó en cines El día que la Tierra explotó: Una película de Looney Tunes, un regreso de los clásicos personajes de la Warner. Y si usted quiere ver un poco el origen de todo esto puede meterse en la plataforma MAX, donde encontrará mucho de ese material fundamental. Los personajes de la Warner fueron una suerte de respuesta a los más modositos héroes de Disney, con criaturas donde la neurosis y la tensión de lo humano se corporizaba a manera de caricatura. Entre todo el material, donde hay cosas notables y otras descartables (como todo, con el tiempo los reinicios no siempre han sido felices), se pueden encontrar aquellos cortos originales de los años 30’s. Para ver el preciso momento en el que la locura se hizo algo concreta y originó un movimiento no sólo en la animación sino también en la comedia. 

Con la proyección del documental Norita, regresará este jueves 27 a la Sala Piazzolla (Boulevard Marítimo 2280) el ciclo + Cine Nacional, propuesta que tiene un fin solidario, con una entrada que puede ser canjeada a cambio de un alimento no perecedero destinado a instituciones y comedores barriales de Mar del Plata.

Norita, dirigido por Jayson McNamara y Andrea Tortonese con la producción de Jane Fonda, es un documental con la participación de Nora Cortiñas, Juanita Morales, Nora Strejilevich, Ana María Careaga, Antonia Canizo, Elia Espen, Haydée Gastelú y Marta Vásquez.

Antes de ser la líder que se conoce, Cortiñas era un ama de casa tradicional. Fue catapultada a la vida política del país cuando la dictadura militar de 1976 a 1982 secuestró a su hijo Gustavo y a miles de otros jóvenes activistas. Rechazada por el gobierno, la iglesia y los medios de comunicación, Nora salió a la calle en 1977 con otras madres de “desaparecidos”.

Juntas, estas mujeres crearon el movimiento de resistencia Madres de Plaza de Mayo y libraron una lucha por justicia contra el violento régimen autoritario. A pesar del encarcelamiento y las ejecuciones, Nora y las Madres sobreviven a la dictadura y emergen como un símbolo triunfante de los derechos humanos, la rebelión y la protesta.

En cuanto al ciclo + Cine Nacional, se adelantó la programación de las próximas jornadas: el 4 de abril se verá Las corredoras, el 10 de abril Planta permanente y el 24 de abril Esa semana juntos.

El 39° Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, que irá del 21 de noviembre al 1 de diciembre, anunció que otorgará el Astor de Plata a la Trayectoria a dos grandes personalidades del cine argentino como son el director Héctor Olivera y la actriz Ana María Picchio, además de confirmar que la película española Puntos suspensivos con Diego Peretti será la proyección de cierre.

Como parte de su homenaje a los 50 años del estreno de La Patagonia rebelde, la película será proyectará en una copia restaurada. En ese marco, se le otorgará el máximo galardón del evento a su director, Héctor Olivera, quien asistió a la primera edición en 1954, cuando ya había comenzado su vasta carrera detrás de las cámaras trabajando como asistente de dirección en Pasó en mi barrio de Mario Soffici.

Olivera es director de grandes clásicos del cine nacional como Las venganzas de Beto Sánchez, La nona y No habrá más penas ni olvido, además de ser productor de El jefe de Fernando Ayala, que también será proyectada durante el Festival.

Por su parte, el homenaje a Ana María Picchio estará vinculado con la proyección de La tregua de Sergio Renán, que cumple 50 años. La actriz participó de films como Breve cielo de David José Kohon, Sentimental de Sergio Renán, Martin (Hache) de Adolfo Aristarain y Tangos: el exilio de Gardel de Fernando Solanas.

Sobre la película de clausura, se indicó que se trata de un thriller dirigido por David Marqués, nominado al Goya por el guion de Campeones. Allí, Peretti interpreta a un famoso escritor que se ha encerrado en un lugar secreto para escribir su nueva novela. Su paz es interrumpida cuando llega hasta allí un supuesto periodista a cargo de José Coronado, que puede o no tener secretas intenciones. Cecilia Suárez y Georgina Amorós completan el elenco.

Este martes, en el programa “Ángel Responde” conducido por Ángel De Brito en Bondi Live, se anunció la próxima edición de los Premios Martín Fierro, esta vez dedicados exclusivamente a premiar la ficción nacional. De acuerdo con la información brindada, la ceremonia se llevará a cabo el 21 de octubre y será transmitida por América TV.Los premios estarán enfocados en destacar lo mejor de la ficción argentina en televisión abierta y en plataformas digitales, además de incluir un segmento especial para reconocer al cine nacional. Según De Brito, aún no se conocen las ternas, pero se confirmó que un equipo de especialistas en cine y televisión se encargará de definirlas, mientras que los miembros de APTRA serán los encargados de votar para seleccionar a los nominados.En cuanto a la conducción, se informó que Natalia Oreiro está en conversaciones avanzadas para ser la anfitriona del evento, aunque existe una complicación debido a que la actriz se encuentra en pleno proceso de grabación, lo que podría impedir su participación. Sin embargo, las negociaciones continúan y no se descarta su presencia en la gala. 

BEETLEJUICE, BEETLEJUICE (película) dirigida por Tim Burton, con Michael Keaton, Winona Ryder, Catherine O’Hara. En cines.

-Treinta y seis años después de la película original llega esta secuela. Y uno hace bien en preguntarse cuál es la necesidad, aunque la respuesta, tal vez impensadamente, termina siendo satisfactoria. En primera instancia la película es necesaria para Tim Burton, un director que tuvo una filmografía increíble entre su debut y un par de décadas, inventando un estilo que abrevó en múltiples registros pero que se consolidó al nivel de volverse adjetivo (lo “burtoniano”), hasta convertirse en una parodia de sí mismo, perdido en un cine que la demandaba estilo pero lo iba despojando cada vez más de su espíritu. Y precisamente esta película que habla de espíritus y demonios jocosos lo devuelve al lugar del que nunca se debería haber ido, el que es estilo sí, pero también profundidad en una serie de registros e inspiraciones que se cruzan, entre el terror fantástico, el humor negro y la maldad del cartoon clásico. El espíritu reptil de ese personaje inasible que es Beetlejuice se apodera de la secuela y si bien puede parecer un poco desarticulada como narración, es divertida, imprevisible, disparatada, llena de ideas, algunas muy retorcidas. Y en segunda instancia la película es necesaria para el espectador, sobre todo para el entrado en años, que entre tanto wokismo insípido precisa una comedia trastornada como esta, maleducada, despeinada, poco afecta a la corrección. Michael Keaton se nota divertidísimo en el personaje, también Winona Ryder y Catherine O’Hara, y Jenna Ortega, ya educada en lo burtoniano con la serie Merlina, es la carta de presentación al público más joven.

UNA JIRAFA EN EL BALCÓN (película) dirigida por Diego Yaker, con Andrea Frigerio, Diana Gómez, Artur Busquets. En cines.

-Andrea Frigerio interpreta a Lidia, una argentina que vive en Barcelona, con una hija y un yerno que esperan un hijo. Su actividad como jubilada es venderles empanadas caseras a los comercios del barrio. Un día le llega una citación de la Justicia argentina para que vaya a declarar en el juicio que se realiza contra militares, ya que su ex es uno de tantos desaparecidos y ella, una integrante de grupos guerrilleros que pudo exiliarse en 1978. Una jirafa en el balcón comienza como un drama sobre la crisis del exiliado, del que no quiere tener nada que ver con su historia, y termina convirtiéndose en un thriller de venganza, cuando determinados episodios la lleven a revisar ese pasado y sacar conclusiones. La película de Yaker tiene tantos momentos acertados, como otros en los que no encuentra el tono, especialmente los flashbacks de ese pasado setentoso que quieren parecer ásperos, pero por acción de la imagen y actuaciones no muy sólidas parecen más publicitarios. Tampoco ayudan algunos diálogos sobre los grupos guerrilleros (nunca se menciona, pero suponemos que es Montoneros) que surgen más de un imaginario trillado, onda “la única lucha que se pierde es la que se abandona”, que puestos en la boca de los personajes lucen artificiales. Lo que mejor sabe hacer la película es montar su cámara sobre los hombros de Frigerio y dejarse llevar por su actuación convencida. 

LA PAREJA PERFECTA (miniserie) creada por Jenna Lamia, con Nicole Kidman, Liev Schreiber, Eve Hewson. En Netflix.

-El éxito de The white lotus disparó una suerte de regreso al whodunit (el subgénero ese donde hay un crimen y varios sospechosos), aunque la serie de HBO tuvo el acierto de construir un concepto que funciona sobre sí mismo. La pareja perfecta es una miniserie que parece querer aprovechar ese éxito, montando también un gran misterio en un marco paradisíaco (una boda en una casona de lujo en la playa) y con personajes también misantrópicos como aquellos. Un matrimonio de muchos años (Nicole Kidman y Liev Schreiber), ella una escritora de mucho éxito, son los anfitriones en la fiesta de boda de uno de los hijos. En ese marco, aparece muerta una de las invitadas y comienza el juego de descubrir quién es el asesino, entre personajes que van sumando y sumando motivaciones. La directora es la danesa Susanne Bier, especialista (como buena escandinava) en estos dramas familiares retorcidos, que si bien sabe jugar el juego de conectar personajes no parece encontrar el tono adecuado cuando la miniserie quiere desviarse hacia lo satírico o sardónico. En todo caso hay un reparto sólido que tapa los baches.

INEXPERTOS (película) dirigida por Dave Chernin y John Chernin, con Mason Thames, Ramon Reed, Raphael Alejandro. En Netflix.

-Las viejas y queridas comedias de amigos que viven aventuras en un lapso de tiempo resumido, y que terminan siendo procesos de aprendizaje y fortalecimiento de vínculos. Ejemplos hay muchos, pero especialmente recordamos con cariño la maravillosa Supercool, aunque hay ejemplos efectivos como la más reciente Buenos chicos. Nada se sale de la regla en Inexpertos, que tiene un grupo de protagonistas con la crisis de atravesar el primer año del secundario. Hay sexualidad, chistes guarros, escatología y todo lo que entra en este tipo de propuestas, que manejadas con el timing adecuado logran ser muy divertidas. Y está Bobby Cannavale como garantía de calidad por el lado de los adultos. Los directores tienen el pulso suficiente y entienden a sus personajes, y sus cuatro protagonistas tienen la gracia para llevar adelante esos personajes entre temerosos y atrevidos. Lo que le falta a Inexpertos es ese giro de calidad que la convierta en icónica. Sus directores vienen de las series y si bien eso les da cierto entrenamiento en lo cómico, también los vuelve un poco subsidiarios cuando de la imagen y la forma cinematográfica se trata. No obstante Inexpertos es una buena comedia.

ROBOTIA (película) dirigida por Diego Cagide y Diego Lucero, con las voces de Annabel Gallardo, Ariel Cister, Lucía Baya Casal.

-Robotia es la adaptación a formato cinematográfico de una serie de Paka-Paka. Su historia es el viejo cuento de Romeo y Julieta, los diferentes que se terminan atrayendo. Aquí, dos robots que nacen en la misma fábrica pero que en el proceso de ensamblaje son separados y viven vidas opuestas: él cayó en una familia de clase media y ella en una de buena posición; él, a pesar de una suerte de discapacidad (tiene un pie roto), encontró en el fútbol el lugar donde brillar, y ella es obligada a practicar danza aunque su sueño es jugar a la pelota. Obviamente, el fútbol los terminará reencontrando. Si bien es coproducida con España, Robotia es bien argentina en muchos aspectos y mantiene una de las grandes deficiencias de la animación producida en estas tierras: el trabajo con las voces está lejos del ideal. Eso, que de alguna manera aletarga la acción, se cruza además con una narración que luce algo morosa. Y, también, con un subrayado excesivo en cada mensaje que la película quiere dar. Demasiado didáctica y dadora de enseñanzas de vida, tal vez funcione en un público muy muy chico. 

ONLY MURDERS IN THE BUILDING (serie) creada por John Hoffman y Steve Martin, con Steve Martin, Martin Short, Selena Gomez. En Disney+.

-La cuarta temporada de la popular comedia de misterio (¿o misterio con comedia?) arrancó con todo, con un nuevo asesinato por resolver que debíamos de la temporada anterior y la presencia de nuevas figuras invitadas, aunque todavía falta presentar algunas más del notable elenco reunido. El caso de Only murders in the building es como los vinos, una serie que mejora con el paso del tiempo y de las temporadas, y que en absoluto estado de gracia entiende el juego de la comedia y del misterio rizando el rizo constantemente, pero haciendo consciente desde la narración esa idea de repetición constante, de loop interminable. Tanto es así, que ahora los personajes interpretados por Steve Martin, Martin Short y Selena Gomez son convocados a Los Angeles porque la Paramount les quiere comprar los derechos sobre sus vidas para hacer una película, ocasión ideal para que aparezcan estrellas como Zach Galifianakis, Eugene Levy y Eva Longoria haciendo de ellos mismos en versiones satíricas, por supuesto. La serie sigue girando alrededor de la idea de lo vetusto, de lo anticuado, de aquello que está fuera de tiempo y espacio, y construye gran comedia con eso, estilizada por momentos, sutil por otros, siempre divertida y hasta un poco pava. También de la soledad y la necesidad de vínculos. Una serie que mantiene su calidad contra todo pronóstico, y dos veteranos, Martin y Short, que mantienen su vigencia.

LAS HERMANAS FANTÁSTICAS (película) dirigida por Fabiana Tiscornia, con Sofía Morandi, Leticia Siciliani, Andrea Garrote. En Netflix.

-Dos hermanas que no se conocen son reunidas tras la muerte de un padre al que tampoco conocieron demasiado. El hombre, definido por su asistente como “un facilitador”, ha tenido aparentes lazos no demasiado santos con la política y el poder. Por eso cuando en el departamento que deja en herencia aparezcan varios fajos de euros, las chicas enfrentarán un dilema ético: ¿qué hacer con esa plata? La premisa es interesante y lo que sigue está jugado hacia el lado de la comedia, pero con un dejo de melancolía: más allá de los chistes, la aventura y una Argentina que se debate entre la corrupción y el discurso reaccionario, lo que termina importando es la construcción del vínculo entre esas dos hermanas, que pertenecen a un mundo absolutamente diferente al de su padre, tanto desde lo monetario como desde lo moral. Sofía Morandi, con el personaje más extrovertido, demuestra que es una muy buena comediante, y Leticia Siciliani acompaña bien en el rol de la hermana más cautelosa y lastrada por un imaginario del que quiere huir. Fabiana Tiscornia, con experiencia en la asistencia de dirección, y que había codirigido con Valeria Bertuccelli La reina del miedo, sabe construir un mundo que albergue a los personajes y entiende la comedia, cómo se construye un chiste. Lo suficiente como para que Las hermanas fantásticas funcione.

EL SINDICATO (película) dirigida por Julian Farino, con Mark Wahlberg, Halle Berry, J.K. Simmons. En Netflix.

-En la larga lista de entretenimientos de gran presupuesto producidos por Netflix, con elencos importantes y mezclando la comedia con la acción, El sindicato gana la carrera por muy poquito. ¿Es una gran película? No, pero tiene algo que la vuelve un poco querible: no se toma nada en serio, ni siquiera a sí misma. Y eso está a la vista desde una de sus primeras escenas, en la que el personaje interpretado por Mark Wahlberg se despierta en la cama de su ex profesora del secundario. Un chiste, pavote, pero jugado con gracia y con sentido de construcción del personaje: con ese solo gesto entendemos que es un tipo que no ha salido de su ciudad nunca, ni siquiera de su vida pasada, ya que sus amigos son los mismos de siempre. Un laburante, un bonachón, al que lo espera una aventura. Lo que sigue, cuando a Wahlberg lo convoque una ex (Halle Berry) para integrar una agencia de espías, sí es un intento de cine de gran presupuesto, una suerte de sub Misión: Imposible, al que le falta la inventiva suficiente como para que sus escenas de acción nos pesen en la memoria. Pero ahí aparece otra vez la caricatura, la acción un poco cartoonesca y la gracia de Wahlberg jugando al torpe cuya misión lo supera. Película en el fondo pequeña y simpática, una buddy movie sin demasiada ambición que funciona levemente.

INESTABLE (serie) creada por Victor Fresco, John Owen Lowe y Rob Lowe, con Rob Lowe, John Owen Lowe y Sian Clifford. En Netflix.

-La primera temporada fue una leve sorpresita, aunque no tuvo demasiada popularidad. Sin embargo, algo funcionó como para que Netflix habilite una segunda temporada. Como su título lo indica, Inestable trata sobre personajes que no están muy en sus cabales, especialmente el magnate de la ciencia y tecnología Ellis Dragon, al que interpreta con una gracia mayúscula Rob Lowe: es a través de su presencia que gira todo lo demás, un personaje con una energía arrolladora que satiriza el mundo de los Elon Musk con algo de malicia pero también mucho cariño. Ellis puede ser brillante, pero también arrogante, soberbio, irritante en la mostración constante de su poder, tanto de su mundo interior como económico. El gran tema de la serie es la paternidad, especialmente en la relación de Ellis con su hijo Jackson (interpretado por el mismísimo hijo de Rob Lowe), en un vínculo tirante que va del amor al odio, especialmente porque el pibe es mucho más normal que su padre y lo mira no sin cierto horror. En esta segunda temporada el motor está dado en el intento de independencia, saboteado constantemente por un padre omnipresente. Esto que parecería un drama terrible, está jugado con las cartas de la sitcom un poco neurótica a lo Tina Fey, donde Lowe (galancito del pasado) demuestra tener oficio y, fundamental como creador y productor, saber rodearse: Sian Clifford, Fred Armisen, Iris Apatow son de los buenos y lo demuestran en sus apariciones.

TIME BANDITS (serie) creada por Jemaine Clement, Iain Morris y Taika Waititi, con Kal-El Tuck, Lisa Kudrow, Tadhg Murphy. En AppleTV.  

-Basada en una película de Terry Gilliam de 1981, con la participación de varios Monty Python en diversos roles, esta serie depura lo que hoy sería difícil de venderle a una productora importante y se impone a partir del estilo desprejuiciado de su gran mente detrás: Taika Waititi. Director de películas personales como Hunt for the wilderpeople o Jojo Rabbit y de films de gran presupuesto que incorporan su sello como Thor: Ragnarok, lo que cuenta Time Bandits parece haber sido pensado para el neozelandés: la habitación de un chico fanático de la historia, un nerd, es una suerte de punto que conecta diversas rutas en el camino de bandidos temporales, un grupo de marginados que van de aquí para allá en busca de tesoros. Por lo tanto la serie ofrece elementos de fantasía, aventura infantil y un humor cáustico que brilla especialmente en el choque entre este chico inteligentísimo y sus padres, gente embrutecida un poco como los padres de Matilda. Una serie divertida y aventurera, que como ha demostrado Waititi en su trayectoria, sabe involucrar una mirada juvenil y hasta infantil, sin subestimar a su público potencial.