Volvió La llama que llama y la alegría no puede ser mayor. Primero, porque la calidad de la serie que estrenó Flow el viernes es muy alta, manteniendo la coherencia del humor que hizo famosa a esta campaña publicitaria emitida entre 1998 y 2001, pero segundo porque nos lleva de vuelta a un tiempo en el que la creatividad y el humor se daban la mano para generar momentos felices. Claro que vuelven después de 25 años y hay que explicarles a las nuevas generaciones de qué estamos hablando cuando hablamos de frases icónicas como “Llamá a Chamot”, “El hipopótamo que hipotálamo”, “Quiero ser lo más, lo más de Zamora” o el hit Que me pincha el cardo del grupo Llamaradas.

Como decíamos, y esto es increíble, La llama que llama era una campaña publicitaria (publicidad, eso que estaba en los cortes televisivos, entre bloque y bloque, o eso molesto que aparece cuando abren una página web o quieren ver un video en YouTube y no pueden remover si no tienen el servicio pago) y sin dudas era un motivo suficiente como para no hacer zapping (no, no me voy a poner a explicarles qué es el zapping) cuando los programas iban al corte. De hecho, a veces era mucho más divertido ver las publicidades de La llama que llama que los programas en sí. Era escuchar el clásico charango y esperar una nueva publicidad para sumergirse en un universo lunático y hermoso, de chistes pavos, juegos de palabras y muñecos de felpa.

La campaña de La llama que llama fue una creación de la agencia Agulla & Baccetti para la firma Telecom, con el objetivo de promocionar su servicio telefónico de larga distancia. Agulla & Baccetti, agencia detrás de las principales publicidades de los 90’s, y también, ¡ejem!, de la campaña presidencial de la Alianza que llevó a Fernando de la Rúa al poder. En el caso de las publicidades de las llamas, tenían además la particularidad del uso de marionetas, lo que les daba un look decididamente artesanal y hacían recordar también al espíritu anárquico de Los Muppets. Sepan disculpar Carozo y Narizota, La llama que llama fue el mejor uso de marionetas en la Argentina.

Con la excusa de llamar larga distancia a bajo costo, las publicidades de La llama que llama imaginaron entonces a una familia de los animales del título que habitaban una casa de la puna jujeña y que desde ahí se dedicaban a hacer bromas telefónicas. Las bromas telefónicas, esas que el Dr. Tangalanga y Bart Simpson convirtieron en arte, y que fueron el gran entretenimiento de todo niño que habitó entre los 80’s y los 90’s, en épocas donde no existía el identificador de llamada. Digamos que junto al “ring raje”, las bromas (estoy tentado de decirles jodas, pero este es un texto serio) telefónicas eran de las actividades más molestas que existían, pero uno era un niño y se divertía barato. Pensar que de las bromas telefónicas pasamos a las estafas telefónicas es un poco ver cómo la sociedad se fue degradando. Pero será para otro debate…

Si bien Agulla & Baccetti se llevaron el crédito por esta creación, en verdad detrás estaban Maximiliano Anselmo y Sebastián Wilhelm, quienes fueron los verdaderos cerebros de este fenómeno. Y estaba el concepto, estaban los títeres, estaba la idea, pero sobre todo lo que terminó por convertir en un suceso a La llama que llama fue su súper equipo de voces, una síntesis perfecta de lo mejor del humor argentino que se podía encontrar por esos tiempos y que tiene ecos con algo que creció allá en los 90’s por la televisión, con programas icónicos como De la cabeza o Cha-Cha-Cha. De hecho, es imposible pensar estas publicidades sin esos antecedentes.

La Llama Papá era Damián Dreizik, integrante del dúo cómico Los Melli junto a Carlos Belloso, uno de los más destacados egresados del Parakultural, esa movida teatral porteña que brilló en los 80’s. También allí se hizo popular Vanesa Weinberg, quien hacía la voz de la Llama Mamá, integrante de otro dúo cómico, Las hermanas nervio, junto a Valeria Bertuccelli, también protagonista de la emblemática comedia nacional Silvia Prieto. Y como la Llama Hijo estaba nada más y nada menos que el gran Daniel Casablanca, capo absoluto del inoxidable grupo teatral Los Macocos. Es decir, todo era perfecto y cuidado hasta el último detalle.

Fueron en total 26 publicidades, que terminaron convirtiendo a estas llamas en íconos de la cultura popular argentina, trascendiendo su origen publicitario y volviéndose un fenómeno que incluyó muñecos y merchandising de todo tipo, incluso con la edición de la canción Que me pincha el cardo en una gran versión. Que estén de vuelta puede ser entendido como un efecto nostálgico o retro, pero lo cierto es que en este presente de plataformas y reformulación del consumo audiovisual, la serie de La llama que llama les da a los personajes la oportunidad de mostrar su talento por fuera de la necesidad de vender un producto y explorar el universo que se construyó en aquellas publicidades.

Los involucrados (desde los creativos a las voces) son los mismos y el buen humor se mantiene, sumando una autoconciencia y un tono mordaz sobre el paso del tiempo y las taras culturales del presente, que aleja rápidamente el llanto por el pasado y las vuelve inesperadamente necesarias en un tiempo donde la comicidad argentina se ve atrapada en un exceso de literalidad. Y todo se resume a escuchar el clásico charango y a saber que estamos por entrar en un universo que no se parece a nada y que nos da absoluta felicidad.

El comediante marplatense presentará “Watafak!” el miércoles 4 de febrero a las 22 en la sala Gregorio Nachman del Teatro Auditorium. Repetirá el 11, 18 y 25 de febrero. Localidades en venta por Plateanet o en la boletería del teatro (Boulevard Marítimo 2280).

El doble ganador del premio Estrella de Mar a Mejor Espectáculo de Stand Up, Pablo Vasco, estrenará el 4 de febrero a las 22 un nuevo show, que podrá verse los miércoles de febrero en la sala Gregorio Nachman del Complejo Auditórium (Boulevard Marítimo 2280).

Chistecitos, observaciones poco comunes, algunas canciones y una apuesta fuerte al poder liberador de la carcajada. Serán cuatro únicas funciones, con entradas a precios accesibles.

En el año en que cumplirá trece años con la comedia (donde no solo recorrió escenarios de todo el país, sino que también actuó en Estados Unidos) Pablo Vasco combina en “WATAFAK!” diferentes elementos del género, como el stand up clásico, oneliners, anécdotas, música en vivo y algunos esbozos poéticos. Todo apuntado a la risa, que es lo único que importa.

“El objetivo de este show es reírse. Parece una obviedad, porque es un espectáculo cómico, pero es algo un poco más profundo y para nada fácil. Y el hecho de trabajar en una sala teatral aporta nuevos elementos para lograr ese objetivo”, puntualiza Vasco a la hora de darle contexto a esta nueva propuesta. “Este show habla un poco de una de mis obsesiones, que es tratar de encontrarle el chiste a casi todo y a la necesidad de no tomarse en serio algunas cosas, aún a riesgo de quedar como un estúpido.”

El público podrá disfrutar la experiencia de ver sobre el escenario a un comediante hacer un repaso por las últimas cosas que escribió y que se da cuenta que actúa muchas veces en la vida por fuera de lo que la sociedad entiende que tiene que ser el comportamiento de un cincuentón.

“Watafak!” repetirá funciones el 11, 18 y 25 de febrero. Localidades en venta en la boletería del teatro (Boulevard Marítimo 2280) o por Plateanet en este link.

César “Banana” Pueyrredón y Flor Jazmín Peña se mostraron felices de estar en Mar del Plata con La llamada, la obra que realizaron en Ciudad de Buenos Aires durante todo 2025 y que ahora se integró con gran éxito a la cartelera de verano local. Junto a Juli Castro, Leti Siciliani y Mariano Saborido se presentarán todos los todos los lunes y martes de enero a las 21:00 en el Teatro Tronador BNA (Santiago del Estero 1746).

“Banana” definió a La llamada como “muy desafiante” y “muy divertida”, y remarcó que, para él, lo mejor de todo es el elenco. Incluso confesó que tiene un “metejón” con la obra, un metejón “divino”, y destacó que todo el grupo está muy comprometido, no sólo desde lo profesional, sino también porque les encanta la obra, se divierten mucho haciéndola y tienen ganas de compartirla con la gente.

En ese sentido, consideró que valía la pena venir a Mar del Plata y apostar por un teatro “tan lindo y tan nuevo” como el Tronador BNA.

Por su parte, Flor Jazmín Peña aseguró que están “súper felices” con La llamada y al referirse a la adaptación para la temporada marplatense, explicó que realizaron modificaciones en la escenografía y que ahora se ve “aún mejor” que la que hacían en Buenos Aires, donde estuvieron durante todo el año pasado.

Sobre la trayectoria internacional de la obra, indicó que se trata de una propuesta que fue “muy, muy, muy exitosa” durante diez años en España. Y la definió como una obra “muy linda”, “inspiradora”, con “un mensaje muy lindo, para todas las generaciones”.

Flor Jazmín Peña coincidió con César Pueyrredón y afirmó que “se van a c… de la risa”, que “la van a pasar bien” y que se trata de “una obra alegre”. Y describió que tiene un humor “muy particular, muy bizarro”.

ANACONDA (película) dirigida por Tom Gormican, con Jack Black, Paul Rudd, Steve Zahn. En cines.

-Cuatro amigos cuyas vidas no tomaron el camino que esperaban se reencontrarán para filmar en plena selva brasileña una secuela espiritual del clásico de la Clase B noventoso Anaconda. Con Jack Black y Paul Rudd como principal elemento de interés, esta comedia de aventuras y ligeros toques de horror consigue varias de las cosas que se propone: en primera instancia ellos dos están muy simpáticos y graciosos, lo que hace que la comedia funcione. Pero además, desde la ligereza que la constituye, hay una mirada divertida a esa línea entre la ficción y la realidad, al cine dentro del cine y, finalmente, a la apuesta por tomar decisiones de vida cuando todo parece apagarse y volverse aburrido. Anaconda no se propone ser una gran reflexión, sino apenas un entretenimiento alocado y -por momentos- desprejuiciado, pero con corazón. Una comedia como las que se hacían hace más de veinte años, cuando Black y Rudd eran intérpretes jóvenes y con esperanzas. A ellos se acoplan perfectamente Steve Zahn (ese gran actor de reparto de siempre) y Thandiwe Newton, sin olvidarnos de la gran y breve participación del brasileño Selton Mello. ¿Podría ser más alocada? Podría. Pero si miramos la comedia del presente, Anaconda tiene algo de eso que extrañamos.

VALOR SENTIMENTAL (película) dirigida por Joachim Trier, con Renate Reinsve, Stellan Skarsgård, Inga Ibsdotter Lilleaas. En cines.

-Este es uno de los dramas más celebrados del año y estará en las entregas de premios que están por venir. Valor sentimental es el regreso a esos dramas familiares nórdicos con los que Ingmar Bergman se hizo famoso y construyó una marca de fábrica, aunque podríamos decir que el director Joachim Trier tiene la habilidad para no dejarse llevar por el camino más fácil. Tenemos un director de cine consagrado, aunque con un impase de 15 años desde su última película, y dos hijas, una historiadora y la otra actriz con evidentes traumas. La muerta de la madre de las chicas y ex esposa del hombre los reunirá, en torno a una casa que será ese espacio físico en disputa. Valor sentimental es ese ida y vuelta entre reproches y pases de factura, con personajes que realizarán un viaje emocional alrededor de su propios demonios. Si la película de Trier tiene un valor, es precisamente el de nunca escalar -como es tradición del cine nórdico- hacia el lado de la sordidez y la miseria. Y, claro, las actuaciones de su trío protagónico, enormes, sensibles, implacables. Puede que Valor sentimental no sea la gran película que la temporada de premios querrá instalar, pero es sin dudas un buen ejemplo de un melodrama profesional y hecho con las mejores intenciones.

MAD MEN (serie) creada por Matthew Weiner, con Jon Hamm, Elisabeth Moss, Vincent Kartheiser. En Disney+.

-Aprovechemos que Disney+ subió todas las temporadas, para recomendarla. Cuando una serie alcanza un nivel de calidad visual, de escritura y actuaciones sin igual, sumado a una narrativa que tiene un eje pero no teme en tomar desvíos y evadirse, digo que alcanzó un estado Mad Men. La serie de Matthew Weiner es una de las más grandes creaciones televisivas del Siglo XXI (para mi gusto la mejor), y especialmente reinó en una época en la que las series eran mucho más complejas e interesantes que en esta era de las plataformas para masticar. Mad Men se mete con un grupo de creativos publicitarios en la década de los 60’s del siglo pasado y avanza por los años y por las vidas de esos personajes. Tiene un aire a Raymond Carver en su exploración existencialista de la familia norteamericana de la postguerra, sumado a una elegancia formal y un grupo personajes sólidos, y actuaciones soberbias, que convertirían en estrellas a intérpretes como Jon Hamm y Elisabeth Moss. Cada capítulo es una delicia y el arco de los personajes es notable, especialmente ese Donald Draper, resumen de cierto imaginario masculino del Siglo XX. Mad Men es perfecta hasta el final, hasta su mismísimo último plano, en el que termina de redondear el cinismo de una época que encontró en el marketing su religión.

ALTA FIDELIDAD (película) dirigida por Stephen Frears, con John Cusack, Jack Black, Todd Louiso. En Disney+.

-Ya que hablamos de Jack Black, recordemos una de las películas con la que comenzamos a quererlo. Nada más y nada menos que el clásico Alta fidelidad, basado en la novela de Nick Hornby. Alta fidelidad es una suerte de comedia romántica retorcida, que reflexiona tanto sobre el género en el cine y en la música, pero además explora aspectos de los vínculos sentimentales que trascienden la pantalla. Sigue a un tipo que recorre sus relaciones amorosas con un nivel de patetismo notable, mientras regentea empecinadamente una tienda de venta de discos bastante snob en sus modos. Entre sus empleados sobresale Black, un fanático capaz de perder una venta porque el cliente no tiene el conocimiento adecuado del artista en suerte. Black interpreta hacia el final una gran versión de Let’s get it on de Marvin Gaye, que es uno de mis momentos musicales favoritos del cine y uno de los motivos por los que hay que ver esta película.

WET HOT AMERICAN SUMMER: FIRST DAY OF CAMP (serie) creada por Michael Showalter y David Wain, con Marguerite Moreau, Zak Orth, Paul Rudd. En Netflix.

-Ya que estamos, también recomendemos una con Paul Rudd. Allá por 2001 se estrenó Wet hot american summer, una comedia absurda que nos revelaba el talento de su director, David Wain, y de un grupo de intérpretes jóvenes: una película que recuperaba además el humor de la comedia norteamericana de los 70’s y 80’s, pero con una vuelta de tuerca de modernidad. En 2015, una época en la que Netflix todavía tenía el valor de arriesgar e irse por el lado de los tomates, les dio a Wain y su socio creativo Michael Showalter la libertad para reimaginar una serie que sea como una secuela de la película, con el mismo elenco y con algunas nuevas estrellas. La serie es todo lo buena que podíamos esperar y, tal vez, mucho más. Porque el timing cómico está mucho más ajustado y porque el oficio de todos los involucrados llevó las cosas a una estadio feliz. La cantidad de disparates que se acumulan y la avalancha de chistes de todo calibre convocan a la risa constante. Tal vez no para todos los estómagos, pero sí para quienes buscan una experiencia definitivamente absurda. 

En el cuerpo de Danny DeVito se confirma una teoría que la gente tiene con los perros: cuánto más chiquito, más peligroso. Danny DeVito mide 1,47 y tal vez sea uno de los famosos más petisos de la historia, pero además es dueño de un sentido del humor, como actor y -sobre todo- como director, que no esquiva la incomodidad. Y esta semana que se estrenó Los Roses, nueva y desabrida versión de La guerra de los Roses, que DeVito estrenó allá por 1989, nada mejor que recordar a una de las leyendas más subvaloradas de Hollywood.

Su carrera como actor despegó en la década de 1970, en la que participó en algún clásico de esos tiempos como la oscarizada Atrapado sin salida, pero no fue hasta el éxito con la sitcom Taxi que su nombre no se convirtió en alguien mundialmente conocido. También, porque su personaje Louie De Palma serviría de modelo para construir una criatura prototípica que es más o menos con la que identificamos a DeVito: un tipo que puede ser encantador, pero también un poco ladino. Un carácter reptil que lo vuelva tan encantador como traidor. Seguramente por eso, otro amante del humor negro como Tim Burton, lo convocó para hacer de esa repugnante versión de El Pingüino en Batman vuelve. Ya casi no hay personajes como estos, y -aún peor- casi no hay actores como estos.

Si bien su carrera más notoria como director es posterior, DeVito ya venía experimentando desde los 70’s con cortometrajes y hasta dirigiría capítulos de Taxi. Y si el telefilm The rating game de 1983 llamó la atención, no sería hasta 1987 con el arribo de Tira a mamá del tren que comenzaría a mostrar dejos de gran autor cinematográfico. La película está inspirada en Pacto siniestro (también conocida como Extraños en un tren) de Alfred Hitchcock y junta a un tipo que quiere eliminar a su madre con otro (Billy Crystal) que quiere eliminar a su ex pareja. “Quise hacer una comedia negra que jugara con la idea de intercambiar asesinatos, pero con mi propio giro”, contó DeVito. Y es una comedia negra perfecta.

A partir de ahí, ese sería el registro que DeVito elegiría para sus películas como director, mientras como actor explotaba su poca estatura y su carácter virulento en comedias como Gemelos, junto a Arnold Schwarzenegger. Pero si hablamos de comedias negras, seguramente La guerra de los Roses de 1989 sea su gran obra maestra. “Fue sobre capturar la absurdidad de un matrimonio que se desmorona”, contaba el director y vaya que se lucía. Sobre la novela de Warren Adler, Michael Douglas y Kathleen Turner estaban perfectos en esta comedia que era realmente salvaje y destructiva, con el propio DeVito guardándose un personaje despreciable. Ver la nueva versión es descubrir cómo DeVito sabe contar la maldad desde un lugar que no precisa ningún contexto.

En 1992 daría un paso extraño en su carrera con el estreno de Hoffa, un film histórico y político, su único film basado en hechos reales, centrado en la figura del sindicalista trágicamente desaparecido, Jimmy Hoffa. Seguramente lo que se recuerde de aquella película es la actuación de Jack Nicholson y la extraña nariz que le hicieron en la sala de maquillaje. Sin embargo, es una película que mostraba el eclecticismo de DeVito, su interés en otros géneros y temas que no fueran comedias, algo que terminó relegando a su rol de productor: Pulp Fiction de Quentin Tarantino, Gattaca de Andrew Niccol, Un romance peligroso y Erin Brockovich, ambas de Steven Soderbergh, muestran su ojo atento en temas diversos y, también, en autores con potencia.

Su regreso a la dirección será en 1996 con Matilda, seguramente su película más reconocida, porque con el paso del tiempo ha ido ganándose un lugar como film de culto, pero también como una de las más libres reflexiones sobre la infancia. Sobre el texto de Roald Dahl, DeVito construye un film infantil alejado del paternalismo y la bobería. Y se divertía como un chico, principalmente interpretando al despreciable padre de la protagonista, pero además bromeando sobre cosas que ocurrieron en el rodaje: “Lo más difícil de Matilda fue evitar que los niños se metieran los dedos en la nariz en las tomas panorámicas”, contó en una entrevista.

El mundo infantil estaría otra vez en la mirada de DeVito director, aunque de manera marginal. Ya que Maten a Smoochy, su siguiente film de 2002, es una sátira salvaje sobre los programas de televisión para chicos. Con personajes patéticos, arribistas insoportables y un universo realmente tóxico que se distancia de esos mundos de algodones que aparentan ser los programas infantiles. Y para más detalle, los protagonistas eran Robin Williams (en tal vez su mejor actuación en cine) y Edward Norton, dos actores que habitualmente son insufribles, pero que aquí estaban en estado de gracia, seguramente por esa libertad para explorar sin culpas lo más oscuro que el gran DeVito habilita.

Al año siguiente DeVito estrenó la que sería su última película para cines hasta el momento, Dúplex. Si bien fue un fracaso comercial, desde lo artístico fue otro triunfo del director. Se valía de dos comediantes excepcionales como Ben Stiller y Drew Barrymore para contar la historia de una pareja que encontraba su lugar en el mundo. “Intenté mezclar humor negro con la frustración de ser propietario”, comentó DeVito y su película es una tortura para los dos jóvenes inquilinos que padecen a la noble anciana que vive en el piso de arriba (Eileen Essell, excelente). Otra vez el humor tiene esa carga de virulencia propia del mejor slapstick y las cosas se vuelven jodidamente divertidas. DeVito en su mejor forma.

Desde entonces, DeVito ha dirigido un telefilm (Queen B), varios cortometrajes y tiene inconcluso un film de título St. Sebastian, que es presentado como un drama sobre un grupo de sobrevivientes en la Rusia postapocalíptica después de una guerra nuclear. Sin dudas en este presente cine adocenado e incomodidad de marketing, se extraña una mirada voraz y salvaje como la de DeVito, que sin embargo nunca se abrazaba al cinismo o la misantropía. DeVito conoce la maldad, pero en vez de ponerse sentencioso sobre el mundo le saca toda la gracia.  

Seguramente la presencia de Guillermo Francella interpretando 16 personajes haya sido un buen elemento de venta para el éxito de Homo Argentum (que a la hora de publicación de este texto había superado los 816.000 espectadores), aunque se trata en verdad de una apuesta casi deportiva que increíblemente casi todos los comediantes más populares han intentado, con mayor o menor éxito, en algún momento de su trayectoria. Tal vez tenga que ver con una búsqueda de prestigio o reconocimiento que los comediantes no alcanzan de otra manera, pero hay algunos ejemplos emblemáticos que recorreremos en este texto.

Hay infinidad de ejemplos en el que los actores interpretan dos personajes, y podemos mencionar a un emblema como Adam Sandler, quien en la espantosa Jack and Jill (2011) actuaba a dos hermanos gemelos y opuestos de carácter, y que casi le cuesta la carrera. Hay ejemplos de dos personajes diferentes, hay ejemplos del mismo personaje replicado en dos y hay también un solo personaje que lleva una doble vida como el mismísimo Francella en la tira Naranja y media (1997). Y Francella exageraría el recurso dos años después con Trillizos, dijo la partera (1999) en que la, como dice el título, encarnaría a tres hermanos.

Seguramente, por los ejemplos citados, usted crea que todas las películas o tiras televisivas en las que un mismo actor interpreta a dos o más personajes son comedias poco gratificantes. Pero claro que hay ejemplos más sofisticados de cine prestigioso, como la mismísima Dr. Strangelove (1964) de Stanley Kubrick, donde Peter Sellers encarnaba al presidente Merkin Muffley, al Dr. Strangelove y al capitán Lionel Mandrake. Aunque más atrás en la tradición de la comedia británica, Los 8 sentenciados (1949) presentaba a Alec Guinness en el rol de ocho miembros de la familia D’Ascoyne,

Un comediante prolífico en materia de creación de personajes, al que le gustan estos desafíos narcisistas de multiplicarse, es sin dudas Mike Myers, quien en Goldmember (2002) -la tercera entrega de su saga Austin Powers-, no sólo volvió a interpretar al famoso espía, su némesis Dr. Evil y el villano Fat Bastard, sino que sumó otros villano en el genial Goldmember. Myers llevaría luego esa capacidad para la metamorfosis a la serie El pentavirato (2022), una comedia disponible en Netflix en la que se burla de los conspiranoicos y donde se carga ocho personajes.

Posiblemente Volver al futuro pueda ser vista como algo más que una comedia, pero en su base hay mucho humor y, de hecho, Michael J. Fox era un gran comediante. Y lo demostraba muy especialmente en Volver al futuro: Parte II (1989), que ofrece diversas variantes de un actor interpretando varios roles. Por ejemplo es el intrépido Marty McFly, pero también el Marty McFly del futuro, su hija y su hijo. Y además es el Marty McFlay de la primera película cuando vuelve a 1955, y donde siempre están a punto de cruzarse. ¿Suena complejo? No importa, la película es divertidísima y la mejor de la trilogía.

En los 90’s, con la mejora de la técnica digital y la posibilidad de la creación de cualquier imagen, una comedia como Mis otros yo (1996) permitía que la réplica de un actor pudiera eludir algunos trucos de pantalla dividida que se utilizaban hasta entonces para poner en un mismo plano a un mismo actor interactuando consigo mismo. En Mis otros yo, de Harold Ramis, Michael Keaton interpreta a un hombre agobiado por su falta de tiempo para equilibrar trabajo y vida personal, que termina clonándose a sí mismo, logrando varias copias aunque con distintas personalidades. Sí, por esa época también se debatían los peligros de la clonación y esta comedia no daba la respuesta más satisfactoria, aunque técnicamente era un avance.

Otro gran comediante que supo explotar la versatilidad para interpretar varios personajes es Eddie Murphy, quien llevó la idea al paroxismo en la paupérrima versión de El profesor chiflado (1996). Allí el actor interpretaba a siete personajes, todos integrantes de la grotesca y escatológica familia Klump. Claro que Murphy era un especialista en la materia, y ya en pleno furor de su carrera, en Un príncipe en Nueva York (1988), había interpretado al príncipe Akeem, pero además a Clarence, Saul y Randy Watson. Y no hay que olvidar su doble interpretación en la gran Bowfinger (1999), donde brillaba junto a Steve Martin.

Y si nos acordamos de El profesor chiflado cómo olvidar esa burla exquisita que le hicieron Ben Stiller y Jack Black en The Fatties: Fart 2, un falso tráiler que se proyectaba antes de la obra maestra llamada Tropic Thunder (2008). Allí Jack Black, como el comediante popular Jeff Portnoy, se reía de Eddie Murphy y su multiplicidad de roles haciendo de los seis integrantes de una familia de gente muy obesa y muy flatulenta. El nombre del actor emergía de los gases que se echaban los personajes y la tipografía tenía formas redondeadas, mientras de fondo se escuchaba U can’t touch this de MC Hammer y uno de los personajes tiraba el inolvidable “En algunos países, se considera un cumplido”. Así, Stiller y Black demostraban que la escatología podía ser una reflexión muy inteligente para definir un poco el extremo narcisista que significan empresas personales como estas.

¿Y DÓNDE ESTÁ EL POLICÍA? (película) dirigida por Akiva Schaffer, con Liam Neeson, Pamela Anderson, Paul Walter Hauser. En cines.

-No era fácil recrear el espíritu de La pistola desnuda, una comedia icónica que significó la popularización y la cima de la comedia paródica, un estilo que desde hace años está perdido dentro de los subgéneros del humor cinematográfico. Sin embargo gracias al talento del director Akiva Schaffer, con antecedentes geniales dentro del género como Hot Rod, el milagro se hizo posible. Hubo algunas elecciones curiosas, como Liam Neeson y Pamela Anderson, pero hay que aceptar que todo funciona a la perfección. La trama, que es lo de menos, vuelve a ser un remedo de los resortes del policial clásico. Sobre eso, se imponen una serie de chistes visuales y verbales que, en ocasiones, alcanzan un grado de perfección inusitado para el presente. Es, también, un regreso a la comedia sin vuelta atrás, a la idea de ir al cine a reírnos, algo que pasa cada vez menos. Si bien se extrañan los gags en segundo plano de las viejas películas, esta reinvención resulta sumamente feliz y acertada. Encuentra el tono y el estilo, y allí donde innova no molesta. Gran comedia.

AMORES MATERIALISTAS (película) dirigida por Celine Song, con Dakota Johnson, Chris Evans, Pedro Pascal. En cines.

-Si la venta nos hablaba de una suerte de regreso a la comedia romántica de los 90’s y 00’s, con un trío que prometía prender fuego la pantalla, en verdad esta película de Celine Song (de la gran Vidas pasadas) pretende reproducir el género, mientras intenta reflexionar sobre el género. Intenta también ejercer una mirada de clase, que es demasiado envarada y previsible, sin agregar que está rodeada de bastantes prejuicios. Ahí tenemos la chica, una casamentera de high society, que atraviesa las clases bajas, medias y altas, que se relaciona con un hombre de alta posición mientras se debate acerca de qué hacer con su pobretón ex novio. La idea del amor con producto y de las personas como envases que significan algo está dando vueltas todo el tiempo, como entorpeciendo lo que la película debería ser y no es. O no quiere ser. Si la película no es mala, es porque Song sabe filmar diálogos, y también tiene buena mano para la dirección de actores. Pero en lo concreto, Amores materialistas no nos da lo que buscamos y lo que nos da a cambio no sé si es tan sustancial.

LEANNE (serie) creada por Chuck Lorre, con Leanne Morgan, Kristen Johnston, Blake Clark. En Netflix.

-La sitcom clásica se resiste a desaparecer. Aunque su época de gloria haya pasado y lo que quede sean gestos y pequeños grandes momentos de comedia. Es un poco lo que sucede con esta Leanne, creada por uno de los más exitosos creadores de sitcoms, Chuck Lorre, el de Two and a Half Men, The Big Bang theory o Dharma & Greg, por nombrar sólo algunas. Aquí recurre a Leanne Morgan, una comediante bastante popular, que tiene un humor cáustico respecto de los vínculos y la actualidad de las mujeres de más de 50. Y precisamente de eso va esta serie, de una mujer a la que luego de 33 años de casada su esposo la abandona. Claramente ahí, y en la elección de un elenco con mucha experiencia, se hace clara la apuesta de la sitcom: hacer humor para adultos, que son posiblemente los que eran jóvenes cuando brillaban Blanco y negro, Alf, Seinfeld o Friends, potenciales espectadores de este tipo de comedia televisiva. Si algunos ejemplos recientes de sitcom propuestos por Netflix fallaron, hay que reconocer que Leanne tiene su encanto, algunos buenos personajes y un timing aceptable. Lejos está de las mejores expresiones del género, pero es una comedia a la que, si le disimulamos su olor un poco rancio, le podemos sacar algo de jugo.

LO MEJOR DEL DOMINGO: LA HISTORIA JAMÁS CONTADA DE ED SULLIVAN (película) dirigida por Sacha Jenkins, con la participación Harry Belafonte, Berry Gordy, Jackie Jackson. En Netflix.

-Ed Sullivan es una de las grandes figuras históricas de la televisión norteamericana, seguramente el primer gran presentador. Este documental aborda un poco su vida, sus inicios como periodista deportivo y su relación azarosa con el mundo del espectáculo, y hace hincapié en un tema: la forma en que el conductor supo esquivar la censura de la época y poner en pantalla a los más destacados artistas de la comunidad negra, prohibidos en tiempos de Caza de Brujas. Esa actitud, la forma en que Sullivan -descendiente de irlandeses- se sentía representado también por la idea del underdog, lo convierte en una figura indispensable en la lucha por los derechos civiles. Tal vez la película se doble demasiado sobre ese tema y Sullivan merezca una película más completa sobre su vida y su carrera, pero aún así es un documental interesante, con material de archivo invalorable y algunas glorias dando testimonio de un tiempo que, visto hoy, parece absolutamente ridículo.

PROYECTO X (película) dirigida por Nima Nourizadeh, con Thomas Mann, Oliver Cooper, Jonathan Daniel Brown. En Netflix.

-Aprovechemos que Netflix acaba de subir esta comedia a su catálogo para no sólo recomendarla, sino además recordar un recurso del cine que tuvo más o menos por la época de esta película su muerte definitiva. Hubo un tiempo en que el formato de cámara en mano y subjetiva atravesó todos los géneros. A partir del found fotage de El proyecto Blair Witch, se reprodujeron las películas basadas en filmaciones hechas por los propios personajes, muchas veces forzando el recurso a límites inverosímiles. Las hubo de terror, hubo dramas, hubo acción, hubo de superhéroes y hubo comedias. Proyecto X fue una de ellas y, seguramente, una de las mejores. Producida por Todd Phillips, el de la saga ¿Qué pasó ayer?, tenemos la clásica comedia adolescente, en la que una fiesta en una casa se le termina yendo de las manos a los protagonistas, aquí con el aditamento de una cámara en mano puesta un poco de manera antojadiza, pero que logra darle un estilo y una estética a una comedia que se va volviendo cada vez más salvaje. Esa idea falsamente documental funciona y logra renovar ese subgénero de comedias con una serie de chistes decididamente pasados de rosca. De paso, algunos intérpretes -por entonces juveniles- como Thomas Mann o Miles Teller ya mostraban su talento.

El próximo 15 de agosto a las 20:30 en El Galpón de las Artes (Jujuy 2755) el Festival Internacional de Cine de Comedia – FUNCINEMA realizará una función especial con algunos de los mejores cortos de su 10ª edición. Esta proyección servirá como anticipo de la 11ª edición que se realizará en septiembre.

En la ocasión se verán los cortos Angel y Perla (Argentina) de Jenni Merla y Denise Anzarut, Boussa (Argelia-Francia) de Azedine Kasri, Cantata (Irlanda) de Dave Fox, Chauncey (Estados Unidos) de Reilly Anspaugh y Daniel Rashid, Hamelin, el flautista (Argentina) de Julián Marcipar, Les effaceurs (Francia) de Frédérick Vin y Periquitos (España) de Alex Rey.

Estos cortometrajes participaron de la Competencia Internacional del FUNCINEMA 2024 y recibieron las mejores calificaciones en el Voto del Público.

Desde 2024 el Festival Internacional de Cine de Comedia – FUNCINEMA se realiza anualmente en Mar del Plata y es el único certamen cinematográfico en el país dedicado a este género. La organización corre por la cuenta del staff de la web marplatense www.funcinema.com.ar.

FUNCINEMA cuenta con el aval del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA), el apoyo del Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires y ha sido declarado de interés turístico y cultural por el Ente Municipal de Turismo y Cultura (EMTURyC).

DIVISIÓN PALERMO (serie) creada por Santiago Korovsky, con Santiago Korovsky, Daniel Hendler, Pilar Gamboa. En Netflix.

-La serie creada por Santiago Korovsky fue una de las producciones nacionales más exitosas de Netflix y en esta segunda temporada vuelve para cerrar su historia. Si recuerdan, una guardia urbana que apelaba a la contratación de personas que representaban minorías con el objetivo de dar un mensaje de buena conciencia. Burla de la corrección política, la primera temporada estaba un poco atada a una idea de provocación que era un poco anticuada. Ahora las cosas mejoran, un poco porque se olvidan de esa provocación y ya es parte del cuerpo de la serie, y también porque hay una apuesta a jugar con los resortes del género policial que la vuelven mucho más sustanciosa narrativamente. División Palermo sigue siendo graciosa, Korovsky confirma que es un muy buen autor de comedia y Daniel Hendler está en estado de gracia.

PITUFOS (película) dirigida por Chris Miller, con las voces originales de Rihanna, James Corden, Nick Offerman. En cines.

-Estos personajes fueron creados por un belga apodado Peyo hace casi 70 años. Si bien han sostenido su estatus de popularidad durante todo este tiempo, en diversas formas, de cómics a series televisivas animadas y películas, desde hace un tiempo que la calidad de los productos distan de ser la ideal. No podemos decir que a esta película no le han puesto todo su esfuerzo, empezando por un director con conocimiento de la animación y un elenco de voces lustroso. Pero sigue sin funcionar. Un pitufo que no tiene una identidad es el centro del relato, con el secuestro de Papá Pitufo y un grupo de valerosos gnomos celestes que salen a su rescate. La película toca todos los resortes esperables y sólo desde la animación ofrece algunas novedades. Ideas un poco oxidadas y un mensaje subrayadísimo que hacen su última media hora un loop constante. Sólo la simpatía de los personajes sostiene el asunto.

JEFES DE ESTADO (película) dirigida por Ilya Naishuller, con Idris Elba, John Cena, Priyanka Chopra Jonas. En Prime Video.

-Pensar a Elba como el primer ministro británico y a Cena como el presidente norteamericano es una gran idea de casting. Luego hay que hacer andar lo demás, y ahí es donde a la mayoría de las películas se les complica. Todo lo contrario de Jefes de estado, una buddy movie en la vieja regla, una comedia de acción disparatada que arranca a medio hacer y se va volviendo cada vez más espectacular y delirante. Ambos mandatarios mantienen un vínculo tenso, y un viaje juntos en el Air Force One parece ser un buen gesto para ir resolviendo las diferencias. Pero atentado terrorista por medio, los personajes quedan perdidos en medio de Europa, los dan por muertos y tienen que salvar sus vidas y revelar todo el asunto. El director, Ilya Naishuller, ya había demostrado en Nadie que tenía las herramientas para construir un gran entretenimiento a fuerza de tiros, patadas y algunas carcajadas. Aquí apuntala más la risa, en una película que nos hace sentir que no todo ha quedado sepultado bajo el peso de la solemnidad.

EL FRENTE COSTERO (serie) creada por Kevin Williamson, con Holt McCallany, Melissa Benoist, Jake Weary. En Netflix.

-Por estas horas, Kevin Williamson está de nuevo en la primera línea por el estreno de la nueva Sé lo que hicieron el verano pasado. El guionista, siempre relacionado con el terror, se corre del género y crea esta serie que es la típica saga familiar en la que padre, madre, hermanos y todos los que los rodean están metidos en alguna matufia. En este caso los Buckley, una familia dedicada a la pesca, pero que están un poco en la mala y además de peces en sus barcos aceptan llevar otras cosas. El frente costero es como una Yellowstone sobre el mar o como una reversión de Ozark, en la que todos los personajes tienen algún grado de trauma mientras hacen sus negocios nos sanctos y siempre encuentran la manera de salirse con la suya. Hay sí un elenco muy sólido, empezando por el imperturbable McCallany, y además un guión que hace piel la presencia de Williamson a partir de la violencia de algunos crímenes. Entretiene.

INDOMABLE (miniserie) creada por Elle Smith y Mark L. Smith, con Eric Bana, Sam Neill, Rosemarie DeWitt. En Netflix.

-El asesinato de una mujer en un parque nacional abre las alertas, debido a que no se sabe muy bien qué pasó: la mató alguien o la mató un animal. Lo segundo, como en Tiburón, podría hacer escandalizar a los turistas. En la investigación está el equipo de guardaparques pero también un investigador al que todos le teman, un tipo que arrastra sus traumas pero que luce implacable. La secuencia que abre la historia, la del descubrimiento del cadáver, es espectacular. Una vez que se ponen en juego la cartas, Indomable deja esa calidad narrativa para meterse con la psicología de sus personajes. Es un thriller, sí, hay un misterio, pero aquí lo que importa más son las relaciones entre los personajes. Y un elenco de sólidos intérpretes, con Eric Bana como ese investigador seco y difícil de llevar pero, en apariencia, muy bueno en lo suyo. Un personaje que encaja perfectamente con cierto clasicismo del western. De hecho, cuando llega a caballo para comenzar a investigar alguien en burla dice “llegó Gary Cooper”.

En la reciente Thelma: una abuela en acción, que se puede ver en la plataforma HBO Max, June Squibb interpreta a la Thelma del título, una mujer de 93 años que sale a la calle para recuperar el dinero que le robaron en una estafa telefónica. No es un detalle menor decir que la actriz tiene la misma edad que el personaje, algo que no suele ocurrir en las películas. Pero sí, June Squibb es un actriz nonagenaria que demuestra un gran carácter y una gran vitalidad, como sus personajes en las películas.

Otro detalle notable de la carrera de Squibb es que su debut en el cine se dio recién en 1990 con la película Alice, de Woody Allen, es decir a los 61 años. Pero no se trató del caso de una actriz amateur que probó suerte recién a esa edad, sino que previamente tuvo una gran trayectoria en el teatro, pasando por el musical en la década de 1950 y luego en 1958 llegando al Off-Broadway donde tuvo su gran oportunidad en una obra reconocida como The boy friend. Fue en la década siguiente donde logró consolidarse sobre las tablas y donde también se convirtió en cara de comerciales.

June Louise Squibb nació el 6 de noviembre de 1929 en Vandalia, Illinois. Su padre era un agente de seguros y su madre, Joy Belle Force, una reconocida pianista que acompañaba películas mudas. En un entorno donde se fomentaba el interés por el arte, desde pequeña acompañaba a su madre a las proyecciones, lo que despertó su pasión por la actuación.

“Siempre he creído que las reglas están hechas para romperse”, dijo en una entrevista a la página de los Globos de Oro, en oportunidad de su nominación como actriz de reparto por su consagratoria actuación en Nebraska. Tal vez por ese deseo de romper reglas es que decidió lanzarse primero a la televisión y luego al cine, cuando ya superaba largamente los 50 años, algo poco usual sobre todo en Hollywood, donde la juventud lo es todo. Tras una participación en la serie de CBS Schoolbreak special em 1985 logró su credencial del Sindicato de Actores, lo que dio inicio a un camino de mayor consideración.

Tras su debut en Alice, Squibb comenzó a transitar las pantallas del cine y la televisión con asiduidad, convocada para personajes de reparto, especialmente por su versatilidad y por su carisma. Trabajó en La edad de la inocencia de Martin Scorsese, en ¿Conoces a Joe Black? junto a Brad Pitt, en Lejos del paraíso de Todd Haynes, hizo voces en Toy Story 4 e Intensa-Mente 2 y hasta interpretó a la reina Elizabeth en la delirante 7 Days in Hell. En series tuvo participaciones en La ley y el orden, ER, Dr House, Glee, The big bang theory, Modern family. Según el sitio especializado IMDB tiene créditos en 102 producciones desde aquel debut en Schoolbreak special y dos producciones en el futuro como Back of book y en It happened one night, cortometraje dirigido por su hijo Harry Kakatsakis.

Si bien para 2002 era una cara conocida, no fue hasta ese año que le prestamos real atención por su breve participación en Las confesiones del Sr. Schmidt de Alexander Payne. Allí interpretó a la esposa de Jack Nicholson, que moría a los pocos minutos dejándolo viudo. Era una actuación tan fugaz como formidable, algo que por suerte podría profundizar junto al mismo director una década después en Nebraska, en la que interpretaba también a la esposa del protagonista, en este caso Bruce Dern. Squibb brillaba en cada aparición, alcanzando el momento máximo de estelaridad en una escena donde con absoluto desparpajo terminaba orinando una tumba. 

Esa energía vuelve a estar presente en Thelma: una abuela en acción, donde es la absoluta protagonista de una película que mezcla la comedia con el policial, presentando una imagen cruda de la tercera edad pero a la vez divertida, dejando de lado cualquier paternalismo o mirada indulgente. “Una persona de 70 años me dice: ‘¡Quiero ser como tú cuando crezca!’”, comentaba con gracia la actriz en una entrevista para The Hollywood Reporter, y esa parece ser la forma con que Squibb se toma el paso del tiempo, algo que sobresale en Thelma… y que es una suerte de carta de presentación de la vitalidad y el humor de Squibb, una leyenda en plena actividad. O mejor no le digamos eso porque mucho no le gusta: “Si me llaman ‘ícono’ una vez más, voy a gritar”.

A horas de subir al escenario del Teatro Neptuno para presentarse nuevamente en Mar del Palta con Sean de termos y mabeles, Ariel Tarico y David Rotemberg muestran en la charla esa misma química que se observa en el espectáculo. Vienen trabajando desde hace más de veinte años juntos, tanto en radio como en teatro, y la confianza sobre el trabajo del otro es total: “Lo que encontramos en trabajar juntos es el disfrute”, cuenta Tarico.

Luego de una temporada muy exitosa, en la que incluso ganaron el Premio Estrella de Mar (“un premio que deseábamos mucho”, confiesa Tarico), regresan a una ciudad que les trae recuerdos propios pero también vinculados con el humor que admiran y que han cultivado: “Pasaron Olmedo, Nito... todos los grosos. Como que vienen esos fantasmitas a inspirarnos”, cuenta el imitador a El Marplatense, lo que Rotemberg remata: “Mirábamos las temporadas y pensábamos: ‘Wow, esta gente hace teatro en Mar del Plata, algún día…’. Y ahora estamos acá, así que felices”.

Sobre el regreso de Sean de termos y mabeles, un espectáculo que tiene una estructura fija, pero que también se nutre de la realidad y por eso va modificándose en cada presentación, Tarico comenta que “vamos cambiando, agregando cosas. Nunca sacamos, siempre sumamos. Alguna canción de actualidad, algún personaje que surge...”. De todos modos, Rotemberg señala que en la estructura del show los ayudó mucho la presencia de Juan José Camapanella, “que siempre nos da una mirada desde afuera, sin meterse en los guiones ni en la estructura, pero aporta una visión valiosa desde el cine”.

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-¿Cómo fue el acercamiento con Campanella?(Ariel Tarico) Fue durante la pandemia, por Twitter. Nos seguíamos y él retuiteaba algunas cosas que yo subía. En un momento me mandó un mensaje y me dice: “Mirá, estoy con un nuevo teatro ahí en Buenos Aires, el viejo Politeama, que lo queremos reinaugurar. Me gustaría que armes algo con Rotemberg, porque me gustan las canciones que hacen para Rivadavia”. Yo tenía mucho miedo de hacer algo de vuelta en el teatro, estaba bastante fóbico con el tema de la cuarentena. Al principio nos dijo: “Pongamos una fecha, porque si no, no la hacemos más”.

(David Rotemberg) Nos juntamos como tres veces. Yo también estaba medio ermitaño, viviendo afuera de la Capital, barbudo. Llegábamos, comíamos, charlábamos del país y nos íbamos a casa. No arreglábamos nada. Hasta que un día, en una videollamada, pusimos fechas y dijimos: “Dentro de un mes empezamos a ensayar”.

-¿Por qué en el humor y en la comedia hay tantas duplas?(DR) A mí por lo menos me encanta laburar de esa forma. Trabajás en algo y decís “hasta acá, tomá, seguilo vos”. O tomás lo que dice el otro, o te sentás a ver lo que hace el otro, o el otro se sienta y te escucha. Siempre con mucho cuidado y mucho respeto nos decimos las cosas. “¿Esto lo podrías decir así?”. No somos de decir “esto es una cagada”. Pero me parece que es la mejor forma de que haya momentos donde vos te juntás, momentos donde está uno solo, está el solo del otro. Y está bueno, aparte dividís la plata entre dos (risas).

-¿Y qué encuentran en el complemento con el otro?(AT) Mirá, encontramos, por ejemplo, el disfrute. A mí me pasa que yo lo veo a él tocar ahora en vivo, porque tantas veces hemos hecho parodia de canciones, pero esta es la primera vez que lo veo en el escenario con el piano. Es el disfrute de ver al otro haciendo lo que le gusta. Entonces, es eso lo que me pasa a mí. Y muchas cosas que tiene David de guión que a mí me sirven, porque yo soy más vago para escribir. Entonces él siempre por ahí me dice, “bueno, sobre tal tema, te tiro dos o tres páginas”.

-¿El laburo cómo es? ¿Vos escribís? ¿Hay un ida y vuelta?(DR) Hay un ida y vuelta. Por ahí tiene una idea él, yo empiezo a laburar. Otra vez en el tema de las canciones voy más yo. Y de golpe él me dice, “che, se me ocurrió un título”. Y vamos con esa. Yo soy más de tener red siempre. Si yo voy a salir en la radio, me llevo todo escrito, todo preparado. Hasta las pausas y las risas. Y él es más de editar en vivo. Porque no es que no guiona. Guiona, pero en vivo. Y entonces de golpe me dice, “ya está, andá. No, pará, falta. O andá, toca en vivo”. Y me parece que está bueno. Encima parecemos de la misma edad porque se pone a hablar de cosas que son de cuando era chico.

-En Twiter sos de compartir mucho de humor del pasado…(AT) Lo maravilloso que tienen las redes ahora es que está todo al alcance de la mano. Que hay archivos que están ahí. Hay cosas que muchas veces me dicen, “pero eso por ahí no lo conocen los jóvenes”. ¿Cómo que no? ¡Si está en Google! ¡Si está en YouTube! Está todo ahí. Pasó con la muerte de Gasalla que de golpe empezaron a proliferar un montón de videos de cosas que hizo. Y ahora, por ejemplo, hay una cuenta en Twitter que recopila pedazos de Juana y sus hermanas, el programa de Juana Molina. Me pasó, por ejemplo, con Casero, invitándolo a mi programa en TN que empezamos a charlar de cosas, de Cha-Cha-Cha, que ahora veo cosas que antes no entendía y ahora me parecen espectaculares.

-¿Y cómo se llevan con esto tan de moda del “esto no se puede hacer ahora”?(AR) Porque vos decís “¿quién lo dice?”. No está impuesto de que esto ya no se puede decir. Pero en el espectáculo desafiamos todo el tiempo eso. ¿Qué se puede decir? ¿Y qué no? ¿Con qué joder o con qué no? Esas cosas es como que tienen que ver más que nada con cada humorista o cada límite personal que se ponga cada uno.

(DR) También está un poco buscar la complicidad con la gente, tirar un chiste por ahí con alguna de esas cosas que son tabúes y ver que se vayan riendo. Y los mirás y decís “ah, vamos por acá”. Y está bueno. Por algo en las redes los chistes que más se ven ahora son los que se contaban en el show de Tinelli y los chicos están con todo eso. Siempre te reíste de las desgracias. Por supuesto que no es lo mismo reírte de la circuncisión de un judío que reírte del Holocausto. Me parece que el límite va por ahí. No me voy a reír de la muerte ni de la tragedia pero sí me puedo reír de un par de chistes. El que se cae en la calle te reís, el que renguea un poco te reís. Y es así, la vida fue siempre así.

Cuesta creer que el debut de Alan Rickman en el largometraje haya sido su villano del clásico de acción Duro de matar. De la misma manera, es difícil pensar hoy que el debut de Val Kilmer, que murió esta semana a los 65 años, haya sido en la icónica comedia de los 80’s ¡Súper secreto! Pero así fue. La diferencia es que Rickman tenía antecedentes en miniseries y telefilms británicos, mientras que Kilmer era un completo desconocido para los espectadores de cine. Sin embargo, para el actor, sería el puntapié inicial de una carrera que sobre todo en los ochentas y noventas, lo tendría como un intérprete destacado, uno de los más prometedores de su generación.

Es verdad que su carrera fue por caminos diferentes, incluso, a los que él mismo había imaginado, con participaciones en películas que juró odiar, como Top Gun de Tony Scott, y aspiraciones a premios como su caracterización mimética de Jim Morrison en The Doors, que finalmente no llegaron. Pero sobre todo en esas primeras dos décadas, trabajó en films populares y con directores importantes como Willow de Ron Howard, Corazón de trueno de Michael Apted, Fuego contra fuego de Michael Mann. Tan popular fue que hasta lo convocaron para interpretar a Bruce Wayne/Batman en la fallidísima Batman eternamente. Y de odiar Top Gun terminó trabajando otras dos veces con su director en Escape salvaje (guión de Quentin Tarantino) y Deja Vu.

Kilmer fue un actor talentoso y carismático, pero a la vez muy difícil de llevar por su carácter díscolo que volvió imposibles algunos rodajes. Con el tiempo, una enfermedad mermó su participación en el cine y todo ese proceso de su salud quedó reflejado en el documental Val de Ting Poo y Leo Scott. Sin embargo quién diría, luego de haber odiado durante años a Top Gun, que su despedida del cine sería precisamente en la notable secuela Top Gun: Maverick, donde el director Joseph Kosinski y la estrella Tom Cruise le dedican un momento cinematográfico inolvidable y sumamente emotivo.

Pero dejemos de hablar del final de la vida de Kilmer para hablar del comienzo, con su primera película, la comedia icónica de 1984 ¡Súper secreto! Aquella es una de las obras más celebradas del trío de directores Jim Abrahams, David Zucker y Jerry Zucker (conocidos como ZAZ), que fueron los reyes de la comedia cinematográfica de aquella década. Venían de un éxito gigantesco con ¿Y… dónde está el piloto?, que en 1980 había costado alrededor de 3,5 millones de dólares y había recaudado sólo en Estados Unidos y Canadá 83 millones. Para ¡Súper secreto! contaron con un presupuesto de 9 millones y en esos mismos territorios apenas recaudó algo más de 20.

No se podría decir que ¡Súper secreto! fue un fracaso, pero sí que tal vez la ausencia de figuras, más allá de las breves apariciones de intérpretes con enorme trayectoria como Omar Sharif, Jeremy Kemp, Michael Gough o Peter Cushing, le impidió llegar a un público mayoritario. O tal vez las películas de guerra con elementos de films musicales a lo Elvis Presley que satirizaban ya no estaban tan de moda como los films catástrofe de los que se mofaban en ¿Y… dónde está el piloto? Como sea, eso no impidió que ¡Súper secreto! se convirtiera en una de las comedias de culto más importantes de la historia.

La presencia de Kilmer en aquella película fue un elemento clave para su funcionamiento. El actor, que tenía tan sólo 24 años en aquel momento, y era una figura reconocida del teatro, llegó precisamente al casting gracias a que los directores lo vieron sobre las tablas junto a Sean Penn y Kevin Bacon. Sin embargo la prueba no fue todo lo satisfactoria que se esperaba, sobre todo porque Kilmer confesaría que su personaje no lo ayudó al ser “vacío”, pero los ZAZ quedaron impresionados porque el actor llegó vestido como Elvis Presley.

Es que precisamente ¡Súper secreto! puede ser vista también como una comedia musical, en la que las referencias van desde los Beach Boys en el delirante número de apertura, pasando por la histeria Beatle, hasta fundamentalmente Elvis Presley en la creación de Nick Rivers, ese cantante norteamericano que cae en Alemania Oriental para participar de un festival de rock con el que los nazis buscan entretener a las masas y que se termina involucrando en la Resistencia. La película tiene uno de los elementos indispensables de las comedias del trío ZAZ, y que Val Kilmer recreó impecablemente: si bien todo es un disparate, la actuación tiene que ser seria, en otro registro. Así los chistes pasaban por debajo, arriba, a los costados o en el fondo, mientras los actores seguían actuando en una película bélica.

Lo de los chistes que pasan alrededor de los personajes hace que la película deba ser vista incontable cantidad de veces para descubrir todos los chistes que la integran. Algunos (les juro porque me pasó) se hacen evidentes después de ver la película decenas de veces. Y otros chistes eran guiños más cómplices, como por ejemplo el póster de Cher que aparece en la pared de la celda donde Nick Rivers cae preso. Por ese entonces, la cantante y actriz mantenía una relación con Kilmer.

Otro detalle que ennoblece la actuación de Kilmer en esta comedia, su debut cinematográfico, es que el actor cantó todas las canciones de la película, desde el rockito Tutti Frutti hasta esa balada pegajosa que hace estallar la histeria de la platea, Spend this night with me. De hecho, cuando se editó la banda sonora de la película, los temas aparecían interpretados por el personaje, Nick Rivers.

Y no podemos olvidar Straighten the rug aquel número en la pizzería nazi, donde todos se ponen a bailar al ritmo de Nick Rivers luego de que fuera reconocido por unos fanáticos. Un baile que incluye pisos agujereados, alfombras que se enrollan solas, relojes con la imagen de Hitler, mujeres que son revoleadas durante el baile, camareros con peluquines y una de las frases icónicas, que es remera: cuando finalmente se descubre la identidad de Rivers luego del número musical, y el miembro de la Resistencia Albert Potato dice a cámara: “¡Este no es Mel Torme!”. ¡Súper secreto!, un clásico inoxidable y el mejor recuerdo de Val Kilmer.

CÓDIGO NEGRO (película) dirigida por Steven Soderbergh, con Michael Fassbender, Cate Blanchett, Tom Burke. En cines.

-Soderbergh, el director que en 2013 anunció su retiro del cine, pero que no sólo no se retiró, sino que continuó filmando a un ritmo cada vez más endiablado. Tanto, que hace dos semanas se estrenó en los cines argentinos el film de terror Presencia y ahora nos llega la de espías Código negro. Estas dos películas, de hecho, son un ejemplo del cine Soderbergh: una variedad de géneros y registros, con un sesgo de pretendida inteligencia, que por algún motivo nunca termina de redondear un producto que no sea algo más que profesional y aceptable. Como si el director se hubiera propuesto la tarea de convertirse en un artesano que puede filmar todo, un poco a reglamento, con el objetivo de ofrecer un ejercicio genérico aplicado. En Código negro cuenta con un elenco estelar, encabezado por Fassbender y Blanchett, como un matrimonio de espías que ingresa en una espiral de desconfianza y paranoia cuando le comunican a él que su esposa es una traidora. Obviamente Soderbergh sabe filmar, construye su relato desde la elegancia clásica de los relatos de espionaje y también desde cierta frialdad propia de su estilo, algo que, en este caso, no le sienta de todo mal. El problema de Código negro es que termina resolviéndose un poco en lo privado, en lo psicológico, en lo verbal, sin nunca arriesgarse a ir a otros lugares. Un film aceptable, entretenido, pero lejos de lo que se puede esperar de semejante producción.

LAS VIDAS DE SING SING (película) dirigida por Greg Kwedar, con Colman Domingo, Clarence Maclin, Sean San Jose. En cines.

-Una de las grandes olvidadas en la última edición del Oscar, apenas una nominación para la actuación de Domingo, esta película cuenta el día a día de varios presos que participan de un programa artístico en el que aprenden actuación y nociones de puesta en escena teatral. El film de Kwedar podría haber caído en varios lugares comunes y abusar de resortes dramáticos que construyan un relato subrayado de redención o apenas un elemento didáctico y aleccionador. Pero lejos de eso, atraviesa de manera sutil la experiencia de sus personajes, los mira de cerca, los observa en los pequeños detalles que van haciendo sus módicos gestos. Domingo como ese John Divine G Whitfield con destellos de autor teatral, construye un personaje con dimensiones, y con emociones sumamente humanas entre su espíritu bonachón y sus egos artísticos que en ocasiones lo muestran como alguien incapaz de tolerar aquello que no puede manejar. Que es, de fondo, el sistema y sus reglas, especialmente desde su lugar de presidiario. En él y en otros personajes, Las vidas de Sing Sing habla de la libertad, de su anhelo, pero también de su imposibilidad cuando las rejas son físicas pero también autoimpuestas. Gran película.

PARTHENOPE. LOS AMORES DE NÁPOLES (película) dirigida por Paolo Sorrentino, con Celeste Dalla Porta, Gary Oldman, Peppe Lanzetta. En cines.

-Vuelve el director de La gran belleza, Fue la mano de Dios y La juventud, uno de los autores del cine italiano actual más reconocidos y premiados. Y vuelve con una película en la que retoma sus temas habituales, a esta altura ya obsesiones: la juventud, la belleza, la belleza femenina, el deseo, la vejez y la sexualidad. Todo mezclado, arrebatado, como si se le estuviera yendo la vida en eso que cuenta. Parthenope es la historia de una mujer, también la de una familia y la de un lugar. Pero es fundamentalmente ella el centro del relato, que como suele ser en el caso de Sorrentino, está construido a partir de imágenes, estampas, ideas visuales que en ocasiones no se corresponden con un orden narrativo. Ese caos que cada vez se nota más controlado y artificial, es un poco una imposición algo arbitraria que el director le pone a sus películas, como obligando a que cada relato sea el mismo relato, que su firma se note en el orillo. Sus ganas de ser Fellini siguen intactas y sus películas, otra vez aquí, dejan un sabor agridulce, como si ciertos excesos impidieran registrar el valor real que tiene el cine de Sorrentino.

LA INCREÍBLE HISTORIA DE LA ISLA DE LAS ROSAS(película) dirigida por Sydney Sibilia, con Elio Germano, Leonardo Lidi, Matilda De Angelis. En Netflix.

-Ya que hablamos de cine italiano, es bueno volver a esta película que estrenó Netflix hace unos años, una que como el cine de Sorrentino apuesta a ese desborde gritón y bien identificatorio de lo tano, pero también a otros elementos tradicionales del cine de ese país como la comedia sobre el absurdo del sistema y lo burocrático. Basada en una historia real, cuenta la creación de un pequeño estado montado en un islote artificial en el océano, junto a la costa de Rímini, un lugar que resulta un hueco burocrático, un espacio de absoluta libertad donde todo parece posible, especialmente las fiestas que se montan. La película de Sibilia toca la cuerda de la comedia dramática, en un orden que tiene que ver con la propia experiencia del protagonista: todo es diversión y hedonismo, hasta que la realidad se convierte en una pared insalvable. La lucha del pequeño ser contra el sistema nunca es de igual a igual. Los temas de siempre, pero con un aire de originalidad que la historia de base impone.

LUJURIA EN EL CONVENTO (película) dirigida por Jeff Baena, con Alison Brie, Kate Micucci, Aubrey Plaza. En Netflix.

-Este año murió prematuramente Jeff Baena, un director con un recorrido interesante en el indie norteamericano, quien en una época donde Netflix despuntaba el vicio del cine independiente norteamericano realizó para el streaming esta comedia alocadísima que hoy, si se fijan, aparece entre lo más visto de la plataforma (sí, el efecto del morbo). Basada en El Decamerón de Giovanni Boccaccio, la película cuenta sobre un joven criado que huye de su amo y se refugia en un convento lleno de monjas un poco inestables y al borda de la tentación. Sí, está el elemento almodovariano, pero también un acercamiento a un texto reputado desde un lugar absolutamente desprejuiciado, en una comedia sexual e irreverente que resulta sumamente graciosa, incluso con un humor que a veces no se precia de tal, entre lo hierático y el absurdo más extremo. Y además del trío de monjas protagonistas, hay un seleccionado de grandes comediantes como Fred Armisen, Paul Reiser, Molly Shannon y John C. Reilly. Imperdible, aún con su grado de exigencia hacia un espectador abierto a las posibilidades más irracionales de la mejor comedia.

El humorista Pablo Molinari llegará a la ciudad con su cuarto espectáculo, Racional, que presentará el 1 de marzo a las 21:15 en el Centro de Arte Mar del Plata (San Luis 1750).

Desde algo simple como bajar una escalera a algo profundo como cómo nos afecta el paso del tiempo, Molinari hace reír de nosotros mismos en un show explosivo y profundamente racional.

Molinari, uno de los comediantes de mayor crecimiento en los últimos años, formó parte de diversos elencos y participó como comediante en Bendita TV, Hora de reír, en los festivales Ciudad Emergente y Gesell Comedy Fest. Además, en 2014 y 2015 representó al país en el Festival Internacional de Stand Up Comedy en Costa Rica.

Dueño de un humor inteligente y súper racional, en el último año sumó más de 600 mil seguidores entre sus redes sociales, con gráficos matemáticos y videos sobre la vida cotidiana con un alto grado de identificación.

El Festival Internacional de Cine de Comedia – Funcinema tiene confirmada su 11ª edición y desde hoy ya se pueden enviar películas para integrar la programación del encuentro que se realizará en septiembre próximo: la convocatoria permanecerá abierta hasta el 30 de mayo en el siguiente enlace. 

Desde la organización se anunció que una de las novedades de esta edición es que todos los cortos argentinos en exhibición (que integren o no la Competencia Internacional de Cortos) participarán por un premio no oficial que distinguirá al ganador con un servicio de rodaje gratuito en Mar del Plata.

El Festival es organizado desde la web www.funcinema.com.ar: la convocatoria es para cortometrajes, mediometrajes y largometrajes que hayan sido producidos desde enero de 2024 al presente. Deben tener a la comedia como género principal, pero puede relacionarse con el drama, el policial, la acción, el romance, la ciencia ficción o cualquier otro género.

Los materiales inscriptos pueden ser seleccionados para participar de la Competencia Internacional de Cortometrajes -que contará con un jurado de especialistas-, como de las diversas muestras paralelas que integrarán la programación.

Las proyecciones, como es habitual, se realizarán con entrada gratuita. Una vez que cierre el período de convocatoria, se procederá a la selección del material y en agosto se empezará a conocer la programación final de la undécima edición.

Para mayor información o consultar las bases para el 11° Funcinema, por favor contactarse a funcinemacine@gmail.com.

Con mucha complicidad y mucha risa, Claribel Medina y Gabriel Sari recuerdan escenas de Tom, Dick y Harry, la comedia en la que Mariano Martínez, Bicho Gómez y Yayo Guridi interpretan a tres hermanos y donde cada noche, aseguran, “el público pasa de la risa a la carcajada”. Un vodevil que sobresale, como destaca Medina, “por la química entre sus protagonistas”.

La obra se presenta, hasta el 4 de marzo, de martes a domingos a las 22:00 en el Teatro América (Luro y Corrientes) y cuenta con la dirección de Nicolás Cabré: “Es un gran director, es conocedor de lo que le pasa al actor, y es muy calmo para expresar lo que quiere y da mucha tranquilidad. Viene con un camino tremendo como director”, asegura Medina en diálogo con El Marplatense.

Las actrices pasaron unos minutos por el renovado Teatro Tronador y quedaron impactadas. “Lo amamos. Yo lo conocía de antes, y la verdad que es alucinante lo que han hecho. Es un orgullo tremendo. Para Mar del Plata y para el país. Se concentraron en que sea un teatro como el Colón, el San Martín, como para que sea un teatro nacional”, destaca la actriz puertorriqueña.

Las intérpretes se mostraron satisfechas con la recepción que tuvo la obra y especialmente con las nominaciones al Estrella de Mar. “Estamos felices, con todas las nominaciones. Fue la obra más nominada, la más premiada. Y tuvimos el lujo de las dos estar nominadas y la verdad que ya que gane la obra como Mejor Comedia es como total. Esperamos que nos vaya bien, que sea una gran temporada, pero superó nuestras expectativas”, asegura Sari.

Algo que para Medina no es menor, claro: “Uno cuando hace una obra no está pensando en una nominación. Sabemos del Estrellas de Mar y que son importantes. Pero eso no está en la cabeza porque no es el fin. Pero cuando llega esa caricia es maravilloso porque le pone la corona al producto que hiciste”.

-Vos reemplazaste a María Valenzuela, ¿qué le sumaste al personaje?(Claribel Medina). No sabía lo que le podía aportar a mi personaje, porque cuando agarrás un toro (como decimos los actores), tenés que darle la tranquilidad a los que están en escena, darle ese ritmo, darle el tiempo que el personaje necesita. Tenía que darle una estructura de mucha seriedad y de ahí imponer un poco de miedo de alguna manera. Esas eran las características del personaje, con un grado de locura que cuando lo interiorizo le doy otras improntas, y lo llevo a un personaje que es estricto con ese grado de locura un poco mayor.

(Gabriela Sari). Yo trabajé con ella en Con amor a vos, así que sabía que venía Claribel a hacer unas grandiosas locuras. Le dio como un refresh y eso es diferente que cada uno le pone.

-¿Y vos cómo te llevaste con el cambio de personaje dentro de la obra?(GS). Uno está muy nervioso porque estás dos años escuchando un tono, y que después venga otra actriz con otro tono, otras maneras, hay mucha presión. En el primer ensayo que hicimos en Mar del Plata, Nico Cabré dijo “estás bárbara, te voy a marcar algunas cositas porque quiero que te ganes un premio”. Y cuando me nominaron pensé que tenía la bola mágica. La verdad que me tomó por sorpresa que me hayan nominado.

(CM). Ella no lo va a decir, pero es un personaje muy difícil, porque tiene cierta tranquilidad al principio que ella le da a su marido y los nervios del propio personaje se los va comiendo de a poquito. Esos nervios se convierten en el principal enemigo en el trayecto de la obra. Y lo que logró es que ella va con esa tranquilidad y que esos nervios, que al final de la obra tiene un crescendo y es desopilante.

En medio de la entrevista, Gabriel Sari recuerda una escena entre Yayo y Claribel Medina, donde el actor se tienta y no puede seguir hablando. “Son permisos que me tomé para improvisar unos bailes”, cuenta la actriz puertorriqueña sobre esos momentos en los que sorprende a su compañero sobre las tablas del Teatro América.

-¿Hay lugar para la improvisación o todo está ajustado desde el texto?(CM). Cuando hacés una obra mucho tiempo, también te pasa que conocés el personaje y te da ese lugar a improvisar un poquito dentro del contexto de la obra. Lo que uno improvisa está como manejado por lo que ya el actor conoce del personaje. Esa improvisación que se permite es una reacción nueva del personaje.

-¿Cómo es el trabajo con los tres protagonistas, que además tienen como estilos cómicos diferentes?(GS). Ellos se adaptan a nosotras. A veces llegamos y les pateamos la puerta del camarín. Somos molestas (risas). La verdad que son divinos, son súper tranquis, tienen una complicidad entre ellos y en el grupo. Eso hace que la obra tenga esa mística, esa cofradía. Al principio decía “estos tres hermanos no me los puedo imaginar” y cuando los escuchás interactuar y los ves, wow, sí te los creés.

(CM). Vienen de palos distintos, pero hay magia entre los tres.

-¿Qué piensan que distingue a Tom, Dick y Harry de otros vodeviles?(CM). El vodevil tiene elementos que se repiten en todos los vodeviles: la confusión de las puertas, de las mentiras, los equívocos y el timing exacto en el que entran los otros personajes. No hay nada distinto. El tema es qué le propone un autor o un actor. En este caso lo que tiene de inherente es la hermandad que lograron Yayo, Bicho y Mariano Martínez. Que vos comprás que son tres hermanos y que la mentira y el equívoco que nace entre ellos tres, se juega entre ellos tres. Los demás nos sumamos. Pero la magia de este espectáculo está entre esos tres hermanos. 

QUEER (película) de Luca Guadagnino, con Daniel Craig, Daan de Wit, Jason Schwartzman. En cines.

-Basado en la novela de William S. Burroughs, Guadagnino encuentra en esa escritura farragosa un vehículo para continuar exponiendo sus habituales chiches audiovisuales, compuestos de ralentis, una banda sonora anacrónica, encuadres preciosistas y una poética sobre la sexualidad, aunque las cosas terminen dirigiéndose hacia el romance trágico. Craig interpreta a Lee, un escritor norteamericano que vive en la México de los años 50’s en un entorno plagado de artistas en busca de experiencias sensoriales que involucren la diversidad sexual o el estímulo por intermedio de sustancias. En ese plan está el protagonista, cuando conoce a un joven ex soldado que se convierte en un campo de batalla de sus propias obsesiones. La película es todo lo recargada que puede ser el cine de Guadagnino, especialmente en una segunda mitad donde los personajes viajan a Sudamérica para encontrar una sustancia alucinógena que abra las puertas de la percepción. Lo bueno del director es que aún detrás de toda la recarga sensorial que propone se respira la esencia de lo trágico. De todos modos, un último acto excesivamente simbólico termina por generar un distancia entre el espectador y lo que se ve. Siempre interesante, aunque por momentos pueda irritar. En todo caso Daniel Craig está impecable.

PALOMAS NEGRAS (serie) creada por Joe Barton, con Keira Knightley, Ben Whishaw, Sarah Lancashire. En Netflix.

-Esta serie de espionaje mezcla tonos y géneros, a veces de maneras no del todo convincentes, pero está potenciada por una intriga que es, ¡ja!, intrigante. En el comienzo se cometen tres crímenes que levantan las alertas de las agencias de seguridad británicas y comienza el juego de enredos alrededor de una agente, amante de uno de los muertos y a su vez esposa de un alto funcionario inglés: ¿le contó algo a su amante que lo llevó a la muerte? ¿Hay relación? ¿Se vinculan estos crímenes con la misteriosa muerte del embajador chino? Como decíamos, hay algo de espionaje duro, con nombres y datos que confunden, pero también de una mirada algo sardónica, que se relaciona con el tono humorístico canchero de las películas de Guy Ritchie. En esa mezcla lo que sobresale son Keira Knightley y Ben Whishaw, que están impecables como la agente en cuestión y un killer con dilemas existenciales, respectivamente. Una serie más que entretenida, que tiene encima un clima navideño de fondo que le da un tono particular.

CASCANUECES (película) de David Gordon Green, con Ben Stiller, Homer Janson, Ulysses Janson. En Disney+.

-Hacía rato que no veíamos a Ben Stiller en la pantalla y se podría decir que no fue el regreso esperado, aunque Cascanueces tiene algunos puntos de interés. La película tiene todos los elementos esperables de una comedia con aire navideño sobre la paternidad: un hombre de negocios de la gran ciudad que viaja al pueblo para hacerse cargo momentáneamente de los hijos de su hermana muerta, hasta que alguien los adopte. El tipo es irritante y los chicos son un desastre; nada nuevo bajo el sol. Lo que marca la diferencia en esta película es la presencia de David Gordon Green detrás de cámaras, un director con personalidad y una mirada propia, que incluso lo ha llevado a trabajar diversos géneros, que sabe que tiene entre manos un relato que es un puro lugar común y lo que hace es estirar los planos, contemplar a sus personajes, para encontrar ahí algo más que las emociones básicas a las que apunta. Un relato que a partir de la propuesta del director crece por encima de sus propias posibilidades. Y, sí, Stiller es un nervio hecho persona, y alguien a quien precisamos de este lado de la pantalla.

NADA POR PERDER (película) de Delphine Deloget, con Virginie Efira, Félix Lefebvre, Arieh Worthalter. En cines.

-Esta drama francés le da una interesante vuelta de tuerca a un tema trillado y que el cine mainstream suele llevar hacia el lado del melodrama lacrimógeno: la lucha de una madre para recuperar la tenencia de un hijo, que fue apoderado por la asistencia social luego de un accidente doméstico. El viaje de la protagonista, notablemente interpretada por Efira, abarca tanto pasillos judiciales como otros que tienen que ver con la psicología de los personajes: familiares, ex parejas, amigos que aconsejan, que señalan, que enjuician. La cámara nunca suelta a esta mujer, que va ingresando progresivamente en un terreno de degradación personal. Una madre entre la obligación y cierta libertad, que no termina de encajar en lo que el entorno e, incluso, ella misma espera de sí. Un relato que elude la manipulación sentimental y que toma algunas decisiones curiosas y disruptivas hacia el final. 

AU BORD DU MONDE (película) de Sophie Muselle y Guérin van de Vorst, con Mara Taquin, Sasha Deprez, Nathalie Richard.

-Pasó el Festival de Mar del Plata y no hablamos de Au bord du monde, la ganadora del Astor de Oro. Este relato que sigue a una joven enfermera, recién ingresada en una clínica psiquiátrica, tiene todos los lugares comunes de ciertas producciones europeas que abordan temas relacionados con la enfermedad mental y la burocracia institucional. Hay una mirada crítica, también algún regodeo con las miserias de los personajes, pero a partir de su puesta en escena, cercana al cine de los hermanos Dardenne (también belgas), logra un nivel de cercanía con su protagonista que borra cualquier especulación y se vuelve sincera. Mara Taquin, también premiada, logra un interpretación notable como esta joven que desde su inexperiencia desprecia los métodos institucionales y pretende generar un vínculo cercano con los pacientes, por más que en eso se vaya, de a poco, su vida. Sólido relato. 

El corto español “Nivel Dios” de César Tormo García fue el gran ganador de la Competencia Internacional de Cortos de la 10ª edición del Festival Internacional de Cine de Comedia - FUNCINEMA, que culminó ayer en el Museo MAR. Además, esta producción obtuvo la estatuilla a la Mejor Actuación para la actriz Ana Tormo.

El jurado integrado por los realizadores Miguel Monforte, Roberto Porta y Carolina Risé además reconoció en Dirección a Alexandre Isabelle, por el cortometraje canadiense “A toi les oreilles”. Por su parte, como Mejor Gag fue elegido el corto animado ruso “Dear Passengers”, de Max Kulikov.

El público del Festival FUNCINEMA también participa con su voto y la producción canadiense “Death to the Bikini!” de Justine Gauthier se impuso con un promedio de calificación de 8,56.

El jurado del 10° Festival FUNCINEMA entregó también dos menciones: una fue para la actuación de Jenni Merla en el corto argentino “Angel y Perla” y otra para el corto animado español “Periquitos” de Alex Rey.

El 10° Festival FUNCINEMA culminó este domingo luego de seis jornadas, que comenzaron el pasado martes en el Teatro Colón con la proyección, en función solidaria, del documental argentino “Después de Un buen día” de Néstor Frenkel.

Más de 1000 espectadores disfrutaron de las 19 funciones con las que contó el Festival FUNCINEMA, entre el Teatro Colón, la Sala Nachman del Teatro Auditorium y el Museo MAR, todas con entrada gratuita. En total se vieron 100 producciones de más de 20 países, entre nacionales y extranjeras.

El 10° FUNCINEMA contó con la presencia de Tomás Garri de “5000 hojas”, Jenni Merla y Denise Anzarut de “Angel y Perla”, Lucas Giacomone de “El miedo más grande”, Julián Marcipar, Lionel Marcipar y Esteban Raúl Galetti de “Hamelin, el flautista”, Denisse Laub y Francisco Castro Pizzo de “Midna”, Joaquín Romero de “Misión peluche”, Aylén Márquez de “Parque Necrópolis”, Roberto Porta de “Procedimiento experimental de resultado incierto” y Lucila Lopatin de “Una despedida en cinco pasos”.

El 24 de septiembre a las 17 en el Teatro Colón, ubicado en Yrigoyen al 1665, se realizará la función de apertura del 10° Festival Internacional de Cine de Comedia – FUNCINEMA con la proyección del documental “Después de Un buen día” de Néstor Frenkel. Si bien la entrada será gratuita, se invita a colaborar con un alimento no perecedero que será destinado al comedor “Los Martillitos de Pie” de Mar del Plata.

El documental “Después de Un buen día” intenta explicar cómo “Un buen día” se ha convertido en una película de culto. A partir de testimonios de autores, actores y fanáticos se recorre la historia de este inclasificable drama romántico, desde su gestación hasta la resignificación a fuerza de consumo irónico y amor.

Esta proyección será el comienzo de la 10ª edición, que se extenderá hasta el domingo 29 con funciones en el Museo MAR (López de Gomara y la costa) y la Sala Nachman del Teatro Auditorium (Boulevard Marítimo 2280), todas con acceso gratuito.

A lo largo de seis días se verán 100 producciones, 15 nacionales y 85 extranjeras, y la programación incluirá una Competencia Internacional de Cortos integrada por 21 películas. Los realizadores Miguel Monforte, Roberto Porta y Carolina Risé integrarán el jurado que elegirá los ganadores. También el público tendrá la oportunidad de elegir su corto favorito.

FUNCINEMA es organizado por el equipo de la web www.funcinema.com.ar y cuenta con el aval del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA), el apoyo del Instituto Cultural de la provincia de Buenos Aires y la declaración de interés del Ente Municipal de Turismo y Cultura del Partido de General Pueyrredon.

La organización del 10° Festival Internacional de Cine de Comedia – FUNCINEMA anunció la programación extranjera que se verá en esta edición, integrada por 88 producciones de 26 países, las cuales se suman a las 15 producciones argentinas informadas la semana pasada. El encuentro cinematográfico se desarrollará en Mar del Plata del 24 al 29 de septiembre, con entrada gratuita en todas sus proyecciones.

La programación extranjera está integrada por cuatro largometrajes: las españolas Amor platónico de Vicente Bonet y Tierra de nuestras madres de Liz Lobato, la colombiana La Suprema de Felipe Holguín Caro y la suiza Papaya 69 de Riccardo Bernasconi y Francesca Reverdito.

En materia de cortometrajes, se verán 19 producciones españolas: Austrelia de Alejandro Miñarro, Ciao peskao de Guillermo González Fidalgo y Andrea García García, Corto de bajo presupuesto en un restaurant de Martin De Benedetti, Cuarentena de Celia De Molina, De(s)amor de Alba Pino, Homework de Nacho Arjona, La pesadilla de un moco de Daniel  Blanco, La piscina vacía de Pablo Conde, Mi padre de Yago Casariego, Mosquito de David R. Losada, Nivel Dios de César Tormo García, Pan y vino de Ignacio Rodó, Pequeño de Meka Ribera y Alvaro G. Company, Periquitos de Alex Rey, Regreso al armario de Gerald B. Fillmore, (R)ojo por (R)ojo de Lucía Aparici Azanza, Se acabó el verano de Pedro Nicanor, The fruter and the husband de Nacho Bárcena Martín y Tumbas vecinas de José Antonio Gutiérrez Bustos.

Otro país con buena participación será Francia, con 10: #DoudouChallenge de Julie Majcher, Alexandra Delaunay-Fernandez, Sixtine Emerat, Marine Benabdallah-Crolais, Scott Pardailhé-Galabrun y Noémie Segalowicz, In the meantime de Melanie Climent, Kabri i manz salad de Nicolas Séry, La cour des grands de Claire Barrault, Les effaceurs de Frédérick Vin, My little girl de Chloé Jouannet, Ovo de Stiv Spasojevic, Paumo d’amour de Ian Halley, The day of the sea de Jeanne Zion y Raphaëlle Pluskwa y Venus down to the wire de Vincent Hazard.

También con 10 cortometrajes participará Rusia: Compromise de Anna Isakova, Crosswalk de Daria Volchok, Dear passengers de Max Kulikov, Egor! de Maria Afonina, Give a way de Maria Melenevskaya, Millions of scarlet roses de Galina Golubeva, Momotara de Arina Kartasheva y Fatima Uzhakhova, Radio interference de Aleksey Pochivalov, The christmas tree school de Anastasia Makhlina y We are quarantined de Anna-Maria Chernigovskaya.

También se verán los norteamericanos [subtext] de Erin Brown Thomas, Chauncey de Reilly Anspaugh y Daniel Rashid, Fire fucking fire de Julia Eringer y Rachel Paulson, See saw de Matt Porter, The nectar instead y Welcome to 8th Street de Yoo Lee y Xtremesylvania de Charlie Hankin.

Por su parte, Canadá estará presente con A toi les oreilles de Alexandre Isabelle, Chicken de Lucy McNulty y Emma Pollard, Death to the Bikini! de Justine Gauthier, Eitr de Fateema Al-Hamaydeh Miller y Mon cœur de tomate de Benoît Le Rouzès Ménard; mientras que por Inglaterra se proyectarán Critic de Richard Perryman, Good boy de Tom Stuart, The creators de Madeleine Homan, The last cowboy in Salford de Jakob Lancaster y The perfect knight de Stephané Alexandre.

Alemania por su parte estará representado por Animanimusical de Julia Ocker, Corruption on Earth de Omid Mirnour, Mondo Italiano y Satanic cults for dummies de Scott Calonico; además de las producciones Bélgica Pupuce de Chloé Larrère y Un día en la vida de Pierres de Alice Khol.

También estarán presentes Ecuador con Carrera presidencial y Un mundo sin música de Julio Pañi; Irlanda con Cantata de Dave Fox y Soulmate wanted de Zoe Brennan Witmore; Italia con Pollo all’Ananas´98 de Silvia Di Gregorio y Rasti de Paolo Bonfadini y Davide Morando; y Suecia con Cookies de Alessandro Stigliano y Looped de Thomas Costa Freté.

Finalmente con una producción estarán Chipre con Taxi de Constantinos Nikiforou; Eslovenia con Octopus Banana Hotchpotch de Milanka Fabjancic; Noruega con Tits de Eivind Landsvik; Nueva Zelanda con Ministry of jingle de Maddie Dai; Países Bajos con Inhumaan de Nils Vleugels; y Suiza con Dream burger de Sami Kali.

También habrá coproducciones como A study of empathy (Dinamarca-Alemania) de Hilke Rönnfeldt, Back home (Francia-Argelia) de Nasser Bessalah, Bear (Escocia-Inglaterra) de Kate Hammer, Boussa (Argelia-Francia) de Azedine Kasri, Dis moi oui (Francia-Canadá) de Sophie Clavaizolle, Free the chickens (República Checa-Eslovaquia) de Matúš Vizár, Gonzo (Alemania-Austria) de Jannis Lenz e If the sun drowned into an ocean of clouds (Francia-El Líbano) de Wissam Charaf.

Las sedes del 10° Festival Internacional de Cine de Comedia – FUNCINEMA serán el Auditorio del Museo MAR (López de Gomara y la costa), la Sala Nachman (Boulevard Marítimo 2280) y el Teatro Colón (Yrigoyen 1665).

FUNCINEMA es organizado por el equipo de la web www.funcinema.com.ar y cuenta con el aval del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA), además de la declaración de interés del Ente Municipales de Turismo y Cultura del Partido de General Pueyrredon.