El éxito de Merlina en Netflix, como la serie del momento, lanzada con bombos y platillos, permite ver la vigencia de Los locos Addams y de estos personajes, que muchos recordarán por la serie de la década del 60, otros por las películas de los años 90’s y los más chicos, por un par de películas animadas de la última década. Sin embargo, todo se remonta a los años 30’s, cuando un tal Charles Addams, caricaturista del The New Yorker, los creó para las tiras cómicas y se convirtieron en un hit.

Addams nació en 1912 en Westfield (Nueva Jersey, EE.UU.). Pariente lejano de dos ex presidentes estadounidenses, John Adams y John Quincy Adams, como verán por el humor que desarrollaba, no siguió un camino tan noble. Fue su padre, que trabajaba como ejecutivo para un empresa, aunque se había recibido de arquitecto, quien lo alentó a experimentar con el dibujo dado el talento del joven: a los 8 años se metió en una cada victoriana del barrio y dibujó esqueletos en las paredes. Así fue como estudió arte en varias instituciones, la Westfield High School en Nueva Jersey, la Universidad Colgate en Nueva York y la Grand Central School of Art en Nueva York. Y, otra vez, lo académico no sería lo suyo, pero sin dudas le dio las herramientas para saber expresarse.

La vida de Charles Addams cambiaría para siempre en 1932, cuando finalmente logró publicar su primera viñeta cómica en The New Yorker. Sin embargo hubo que esperar hasta 1938 para que The Addams Family (así se llaman en el original) tuvieran forma. Antes, durante esos seis años, Charles trabajó freelance y fue desarrollando su estilo, que destacaba por su humor negro, su estilo gótico y su fascinación por lo macabro. Sus trabajos se centraban en una sola viñeta, con un estilo artístico detallado y un tono irónico que buceaba en aspectos de la vida real para encontrar su lado más siniestro.

Si bien los personajes que luego se ensamblarían en The Addams Family habían ido apareciendo progresivamente en las tiras de Addams, no fue hasta 1938, como dijimos, que el concepto tomó forma definitiva. Aquel año, se publicó la primera de sus viñetas, que mostraban a los personajes de Morticia y Largo frente a una mansión decrépita interactuando con una vendedora de aspiradoras. Sin embargo no eran Morticia ni Largo, ni los personajes tenían vínculos definidos, algo que recién se constituiría con la serie de televisión de 1964.

La tira era una sátira de la familia tradicional norteamericana, un clan ilustrado pero que disfrutaba lo macabro de una manera inusitada. Sin embargo, su particularidad más distintiva era que habitaban un mundo decididamente absurdo, sin notar la anormalidad que representaba para los demás. En ese contrapunto, Charles Addams daba lugar su humor más retorcido y salvaje, el que lo llevó también a convertirse en un personaje rodeado de mitos y leyendas, las cuales no tenían que ver con la realidad, pero que lejos de sufrir, disfrutaba y alimentaba.

De Charles Addams se ha dicho que dormía en un féretro, que usaba armaduras medievales, que guardaba los ojos en copas de martini y que hasta solía salir a la calle vistiendo un pijama rojo. Sin embargo, estos y muchos otros mitos, fueron desarticulados por Linda H. Davis en la biografía Charles Addams: A Cartoonist's Life, en la que la autora detalla cuánto de ficción había detrás de lo que se contaba sobre el caricaturista, aunque muchos detalles eran ciertos, pero de un modo retorcido que hablaba de su humor. Por ejemplo, coleccionaba objetivos medievales, tenía un murciélago de metal como llamador en la puerta de su casa y sí tenía un pijama rojo, pero lo usaba para dormir.

Claro que ponerles su apellido a estos personajes creó una relación algo extraña con su propia persona, y mucho más cuando se podía cotejar el parecido de sus esposas, sobre todo la primera, Barbara Jean, con Morticia. Addams se casó tres veces, se lo vinculó sentimentalmente con figuras como Greta Garbo, Joan Fontaine o Jackie Kennedy, y quienes lo conocieron destacan no sólo que era una persona afable y encantadora, sino sumamente social y divertida, que participaba asiduamente de las fiestas de la sociedad neoyorquina. “Nadie que lo haya conocido habla mal de él, ni siquiera sus ex mujeres”, contó Davis en una entrevista.

De los tres matrimonios de Addams, el más significativo (por lo negativo) fue el de Barbara Barb, una abogada que se terminó quedando con un porcentaje de los derechos de la obra de su marido, por lo que Charles no pudo gozar de los beneficios completos de su propio trabajo. Entre esos beneficios están los réditos dejados por la famosa serie televisiva, emitida entre 1964 y 1966, con John Astin y Carolyn Jones como Homero y Morticia, que fue la que volvió mundialmente famosos a los personajes y fundamental a la hora de definir el legado hacia el futuro: películas, series animadas, musicales de Broadway y la mencionada Merlina.

Sin embargo, el verdadero mundo interior de Addams se expresaba en las viñetas del The New Yorker, allí estaba lo salvaje y retorcido, que siguieron saliendo hasta 1988, año en que el autor murió. Pero su obra no se resume a eso, sino a otras series de caricaturas muy populares como Drawn and quartered o Monster rally. Antes, en 1985, se había casado con Marilyn Matthews Miller, con quien celebró la boda en un cementerio de mascotas, que luego integrarían a su propiedad a la que llamaron muy divertidamente El Pantano. Precisamente, sus cenizas fueron enterradas, según sus instrucciones, en el cementerio de mascotas. En una entrevista a su madre, dijo que Charles aprendió a reír a los dos meses y nunca más dejó de hacerlo.

Si bien desde hace años tenemos a Los pitufos -de los que esta semana se estrenó un nuevo film- como uno de los fenómenos de la televisión (especialmente por su serie animada de los 80’s) y por las recientes películas que llegaron desde Hollywood, hay que recordar que su origen se dio en las historietas (o cómics como se los conoce popularmente). Creados en 1958 por el dibujante belga Pierre Culliford -conocido popularmente como Peyo-, ha recaído sobre ellos una serie de sobrelecturas y maldiciones. Aunque tal vez ninguna de sus historias presentó más problemas, y hasta algún subtexto divertido, que la maldita Los pitufos negros.

Sobre esos entrañables personajes celestes vestidos con pantalón y gorro frigio blanco (con excepción de Papá Pitufo, que vestía pantalones y gorro rojo) se ha escrito mucho, empezando por las lecturas sociales y políticas que se han hecho respecto de vinculación con el comunismo, por esa idea de comunidad que trabaja para un bien común, como así también sus implicancias sexuales a partir de la construcción de una aldea donde sólo hay un personaje femenino.

Y ya que nos metemos con las habladurías, recordemos todas las leyendas urbanas que corrían en los 80’s, cuando la serie animada explotaba en los televisores de todo el mundo. Se decía que los pitufos estaban malditos y que pasaban cosas truculentas con ellos, especialmente -y llamativamente- con el merchandising. La historia que más recuerdo, sobre todo por su nivel de ingenio para la especulación morbosa, era la de un niño que tenía sus sábanas con dibujos de los pitufos, que habían tomado vida y lo habían asesinado. No negarán que eran tiempos creativos; y todavía no habíamos llegado a los mensajes satánicos de Xuxa.

Pero lo de Los pitufos negros no es especulación ni leyenda urbana. Pasó en la realidad. Ni bien comenzaron a ser publicadas, las historietas de Los pitufos eran un suceso enorme. La historia de un pueblo imaginario de pequeñas criaturas azules que viven en un pueblo de hongos en medio de un vasto bosque despertó inmediatamente el cariño de los lectores. Los pitufos son un suceso en todas sus formas: los libros coleccionables, los álbumes de figuritas, los discos, las series y las películas. Todo se vende por millones. Desde la muerte de Peyo, en 1992, su familia ha seguido con el negocio.

Pero en 1959 en la revista Spirou, donde aparecían los personajes, se editó Los pitufos negros, la primera aventura en solitario de los personajes, una historia que generó múltiples controversias. En lo concreto, la historia sigue a un pitufo que es enviado por Papá Pitufo a cortar madera y en ese plan es picado por una mosca. El asunto, es que la picadura de este insecto hace que el personaje cambie el color de su piel, pasando de celeste a negra, y tome un comportamiento extraño: su vocabulario se reduce a la onomatopeya “¡ñap!” y en vez de caminar se mueve dando saltos.

Pero esto no es todo, porque los pitufos que son infectados por este virus muerden a los otros, propagando la enfermedad y amenazando a la aldea. Obviamente que todo termina saliendo bien, porque Papá Pitufo encuentra la cura para la infección y termina deteniendo, de manera accidental es cierto, la epidemia. Hasta ahí todo bien, una aventura más de los gnomos creados por Peyo.

Sin embargo, cuando este episodio de Los pitufos llegó a los Estados Unidos, sus editores decidieron cambiar el color de los personajes una vez que eran infectados. De esta manera, nacieron los pitufos púrpuras. Según explicaron los autores de esta modificación, el asunto respondía a lecturas raciales que comenzaban a hacerse sobre la historia. Si bien nunca terminaron de ser claras las intenciones de Peyo, la idea de que los pitufos se volvían violentos al ponerse negros era un poco chocante para una Norteamérica que se debatía internamente en sus dilemas raciales. Como verán, la intervención de la corrección política en el arte no es exclusiva del presente.

Pero Los pitufos negros despertó otras teorías a posteriori que son más divertidas. ¿Imaginan una relación entre el cine de zombies moderno y estos simpáticos duendecillos? Pues bien, sin dudas que por la forma en que la epidemia de propaga en el comic, con una horda de personajes atacando a mordiscos a los otros, la relación con películas como La noche de los muertos vivos de George Romero salió sin demasiado esfuerzo. Para muchos, el gran director de cine de terror leyó el cómic y tomó algunas ideas para la que es la película que redefinió el subgénero.

De todos modos, para decepción de los fanáticos de las teorías -conspirativas o no- Romero nunca reconoció la influencia de esta obra en la creación de su emblemático films. Para el director la referencia es The omega man, la novela de Richard Matheson que tuvo sus versiones al cine, como por ejemplo Soy leyenda con Will Smith.

Como sea, a casi 70 años de su creación, Los pitufos siguen siendo un fenómeno cultural que hasta ha inventado terminología y un universo que se explica por sí mismo. Icónicos, hasta dieron lugar a uno de los momentos más recordados de la historia de la televisión argentina. ¡Qué pitufo ese!

La serie El Eternauta, recientemente estrenada en Netflix, es el tema principal del espectáculo en las últimas semanas, siendo una de las más vistas en distintos países del mundo.

En el programa Sólo un momento, que conduce Rrica Fontana todos los sábados de 10:00 a 13:00 por Mitre Mar del Plata y Mitre Rosario, habló Sebastián Gago, investigador del Conicet, experto en historietas argentinas y doctor en comunicación por la Universidad Nacional de Córdoba.

“El Eternauta fue una historieta pionera en la ciencia ficción, con elementos propios del género, como la invasión alienígena, el futuro, la incertidumbre, el desarrollo tecnológico”, expresó.

Por ello, Gago sostuvo que “todas estas cosas son puestas en esta historieta con ingredientes muy propios que la convierten en una narración fuera de serie, porque está situada en la Argentina y en Buenos Aires, con personajes que tienen características bien locales en su modo de ser y en su cultura”.

El especialista en la historieta valoró que “los protagonistas no son héroes antes de iniciar esta aventura, sino que son personas comunes con circunstancias que los empujan a esta historia”, hecho que se suma a que El Eternauta “es muy cercana por la resonancia que le da al lector y Netflix lo respeta en su producción”.

En tanto, durante la misma entrevista, participó también de la conversación Ramiro San Honorio, el mayor coleccionista de El Eternauta, guionista y quien estuvo en algunas locaciones del rodaje.

“Es una obra única, precursora de un estilo narrativo muy diferente a otros guionistas y con una identidad argentina única también”, afirmó San Honorio, que además señaló que “una invasión extraterrestre que no se ve en Estados Unidos era un hallazgo”.

En la misma línea, continuó: “Hay que decirlo, fue escrita en 1957, década que era el auge de la ciencia ficción. Me parece que hacerlo en esa época y haber plasmado una marca desde Argentina con tanta creatividad es muy importante”.

Al referirse sobre la serie recientemente lanzada en Netflix, destacó la labor de Ricardo Darín, a quien reconoció por su trabajo e indicó que “se cargó al hombro el personaje de Juan Salvo”, por lo que resaltó su “cercanía y preparación”.

La lupa sobre la producción de Netflix

Continuando su análisis sobre la serie, San Honorio reconoció que le parece “una adaptación que toma riesgos desde lo dramático, desde las tramas” y añadió: “Hay una adaptación de lenguaje, de la literatura a lo audiovisual, y de época. Había una necesidad de traer la historia al presente. Hay muchos más aciertos que errores, pero hay que reconocer el gran desafío de esta obra maestra”.

La producción fue esperada con ansias y miles de fanáticos aguardaban por ver los resultados de la obra plasmados en la pantalla. Por ello, reconoció que en “el círculo de fanáticos fue muy bien recibida”, a la cual le otorgaron “sus observaciones válidas, pero siempre con críticas constructivas”.

Al concluir su mirada sobre la serie, en la que estuvo presente durante los rodajes y colaboró con la producción, finalizó: “Yo vi una gran adaptación y transformación que para mí es parte del universo expandido de la historieta”.

Fuente: Rosario Nuestro

Jesús, Sherlock Holmes, Hitler, Drácula, Papá Noel, Tarzán, Hamlet. Estos son algunos de los personajes más representados en la historia del cine, algunos reales y otros propios de la ficción (no vamos a entrar en discusiones acerca de a qué universo pertenece Jesús porque no es la intención de esta columna generar debates teológicos). Sin embargo, pocos personajes como el Joker, el máximo villano de Batman, que si bien ha tenido apenas cinco recreaciones de carne y hueso (aunque es verdad, muchas más en formato animado) tiene la virtud de haberle dado dos Oscar a dos de los actores que lo interpretaron. La locura, evidentemente, garpa en los premios.

Joker es la representación misma del mal, un villano sin moral que sólo busca generar el caos por el caos mismo: su risa estruendosa e incómoda, un plus. Si bien es cierto que estos personajes tuvieron reinvenciones a lo largo de la historia del cómic, reinvenciones que habilitaron también el hecho de salir de cierta superficialidad y ahondar en profundidades psicológicas, las series y el cine fueron adaptando diversas versiones del mismo personaje. Con el Joker ha pasado, sin dudas, aunque siempre su presencia se acerca al relato criminal, al noir que fue la base del propio Batman en las historietas.

Sin embargo la primera aparición del Joker estuvo bastante alejada de la oscuridad y más cercana a la del payaso desaforado. César Romero, un actor de raíces hispanas que era una figura del jetset hollywoodense, fue el primero en darle vida de carne y hueso: lo hizo en 22 episodios de la histórica serie de los 60’s y en una película. Si bien su actuación es icónica (también el hecho de que por contrato pidió no afeitarse el bigote, el cual tuvo que ser disimulado bajo el maquillaje), estaba en consonancia con una serie que tenía la estética psicodélica de esa década y que era, además, una gran comedia con reminiscencias al cartoon animado. Cómo olvidar esas bombas gigantes con mecha y todo.

El vuelco lo dio decididamente Tim Burton cuando en 1989 reimaginó el concepto de Batman: atrás quedó el kitsch colorido de la serie y se abrazó a un gótico más cercano a su universo personal, de criaturas taciturnas y marginadas. El encargado de interpretar al Joker fue Jack Nicholson en una actuación consagratoria, que además le dio prestigio a un rol que podía pensarse puramente payasesco. Nicholson se llevó gran parte del presupuesto de aquella película, más un porcentaje de las regalías, pero a cambio ofreció un Joker inolvidable: una mezcla de aquel de los 60’s con una personalidad más siniestra.

Con el peso de la invención de Nicholson sobre su espalda, no fue sencilla la tarea de Heath Ledger, quien interpretó al villano en la segunda entrega de la trilogía de Christopher Nolan. Cuando se conoció su nombre hubo muchas dudas, pero el actor refutó las críticas con una interpretación tan mimética que por momentos asusta. Con un universo más cercano a la realidad que las películas de Burton, la aparición de Ledger era fascinante, un imán en la pantalla que hacía explotar la película por dentro cada vez que aparecía. Su actuación fue reconocida con un Oscar como mejor actor de reparto, una rareza para la Academia que mayormente reconoce la mímesis biográfica, aunque no lo pudo recibir porque Ledger se suicidó antes que la película llegara a los cines. Y ahí su actuación gana más espesor. Por cierto, El caballero de la noche es una obra maestra del género.

Si bien el Joker es un personaje que cualquier actor quiere interpretar, lo que nos permite ver siempre actuaciones destacas, hay una mancha negra en este recorrido con el Joker de Jared Leto. Convengamos que Leto ya es un sobreactor de antemano, pero encima le tocó aparecer en una de las peores películas del universo DC: Escuadrón Suicida. Leto hace todo lo que no tiene que hacer un actor con un personaje como este, aunque es una invitación: desbordarse. Nunca encuentra el tono ni se acerca demasiado al interior de su criatura rota. Es apenas un payasito sin gracia al que no le ayuda su aspecto de presidiario pasado de rosca. Hubo polémica porque el actor dijo que en el montaje quedaron sus mejores escenas, versión de la cual nos permitimos dudar un poco.

Así llegamos a la última recreación de carne y hueso del Joker, que este fin de semana tenemos nuevamente la oportunidad de ver en la pantalla grande. El Joker de Joaquin Phoenix es toda una experiencia tortuosa, bien en el plan de los personajes que le gusta interpretar al actor. La película de Todd Phillips se mete como ninguna otra con el tema de la insania y resulta un viaje al interior de la psicología desbordada del personaje. Phoenix, actor de método, refuerza todo con un trabajo corporal impactante, en un par de películas que recrean libremente los comics para avanzar sobre superficies cinematográficas. Películas que son un vehículo para el lucimiento del actor, quien fue reconocida con otro Oscar, el segundo para el personaje.

Como mención especial, no se puede dejar de nombrar a Mark Hamill, quien le dio la voz al Joker en aquella maravillosa versión animada de la serie de los 90’s, una construcción vocal alucinante para darle espesor y carácter siniestro al personaje. Ni tampoco podemos dejar de mencionar a Zach Galifianakis, quien construyó en Lego Batman: la película una versión muy divertida, que reflexionaba sobre la figura del villano y la relación con el héroe.

El Joker es un personaje importantísimo de la cultura popular y sus representaciones, mayormente, habilitan actuaciones destacadas. Su influencia trasciende al universo de los cómics y tiene la capacidad de sostener un relato por sí solo, como lo vimos en las dos películas con Joaquin Phoenix. ¿Cuál es tu Joker favorito?  

Creado en 1939, cuando DC Comics buscaba igualar el éxito obtenido con Superman, el hombre murciélago se convirtió en uno de los grandes personajes de la ficción: un héroe sin súper poderes, más oscuro y más humano que cualquier otro.

Bob Kane, un famoso caricaturista que había trabajado con ellos para otros títulos. Y él empezó a desarrollar un superhéroe que al inicio estaba basado en un pájaro (una especie de Birdman), pero decidió cambiar el animal luego de ver The Bat Whisper, una película de un detective que persigue a un hombre que se hace llamar ‘El murciélago‘ y usa una capucha.

Así nació Batman. Al inicio, lo había pensado con traje rojo, alas negras y antifaz, pero cuando Bill Finger, un aspirante a escritor y vendedor de zapatos que se acababa de unir a su estudio, le echó un vistazo, le sugirió varias modificaciones: cambiar el antifaz por una capucha con orejas de murciélago, ponerle una capa con terminaciones triangulares en vez de alas, pintar de gris oscuro el traje rojo y agregarle guantes negros y botas.

Santiago, el personaje que interesa en esta nota, era un playboy millonario que disfrutaba de los coches rápidos y la compañía de mujeres. Sin embargo, sumamente interesado, Santiago decidió buscar información sobre Batman de Ciudad Gótica. Al tratar de averiguar su verdadero propósito en el mundo, Santiago se convirtió en El Gaucho.

Desde su primera aparición, su verdadera identidad y su origen eran desconocidos para los lectores del cómics. Sin embargo, la mayoría de los lectores saben que él estaba inspirado en Batman para convertirse en héroe en Argentina. Influenciado por el héroe de Ciudad Gótica, El Gaucho empezó combatiendo la delincuencia en su ciudad natal, Buenos Aires, Argentina, y fue tras los mas poderosos traficantes de drogas. Fue incluido por Batman en uno de sus equipos internacionales de vigilantes y los dos se convirtieron en buenos amigos.

Durante Batman R.I.P él y los otros miembros de los "Batman De Todas Las Naciones" se unieron y viajaron hasta Ciudad Gótica para ayudar al caballero de la noche a detener al Guante Negro. El Argentino es considerado como el más valiente del grupo. Un vez fue herido, pero eso no le impidió atrapar al Wingman traidor y así salvar la vida de Batman. Recientemente se ha convertido en un miembro de Batman Incorporated; casualmente él ya era un agente secreto antes de convertirse en un luchador contra el crimen.