Cuatro Elementos cumple 13 años y lo celebra con una programación especial que reúne una serie de propuestas destinadas a artistas, estudiantes, docentes y al público general. Del 29 de noviembre al 21 de diciembre, el espacio ofrecerá funciones con desmontaje, presentaciones audiovisuales, seminarios, laboratorios, jornadas teórico-prácticas y ciclos poéticos en sus distintas salas.

El festejo comienza el sábado 29 de noviembre con dos funciones: a las 16, Todo tiene su día, dirigida por Nora Colares, y a las 21, Al borde del silencio, bajo la dirección de José Luis Britos, ambas con desmontaje posterior. 

El sábado 6 de diciembre a las 11 se presentará el cortometraje Temblando en la orilla, de Marina Martín. Ese mismo día, entre las 10:30 y las 15:30, y el domingo 7 entre las 10:30 y las 14:30, tendrá lugar el seminario Arquetipos Payasos, coordinado por Julia Muzio. Además, el sábado a las 21 se presentará la obra Tiapatria, dirigida por Jorge Costa y Gabriel Páez.

El domingo 7 de diciembre, entre las 18 y las 21, se realizará la jornada teórico-práctica Abordajes de la formación actoral. El martes 9 de diciembre a las 21 se presentará la muestra Formación para la creación escénica, coordinada por Pablo Marchini y Freddy Virgolini. El viernes 12 de diciembre habrá doble función de Escena Abierta, a las 20 y 21:30, con procesos de creación de Mariposas después de la lluvia (dir. Marchini) y Lacrima (Rapsodia para un infante) (dir. Virgolini), una actividad dirigida especialmente a docentes y estudiantes.

El sábado 13 de diciembre se desarrollará de 10 a 14 el laboratorio Dirección de actores y actrices para cine, a cargo de Leonel Armeri. Ese mismo día, de 17 a 20, y el domingo 14 de 10 a 15, se dictará el seminario Vamos a grabar, coordinado por Armeri y Juani Locateli. También el sábado 13, a las 21, se realizará la presentación oficial de la programación 2026.

El domingo 14 de diciembre, a las 19, el Ciclo Estaciones Poéticas ofrecerá la propuesta Primavera Cuba, con dirección de Marina Martín, Rocío Ibarlucía y Guadalupe Sobrón Tauber. El jueves 18 de diciembre a las 18 se celebrará el sexto aniversario de Oso Blanco Café. Finalmente, el sábado 20 y domingo 21 de diciembre a las 20:30 se presentará Vanya, dirigida por Oscar Barney Finn, como cierre del aniversario.

Las entradas y la información detallada de cada propuesta están disponibles en www.espaciocuatroelementos.com, en redes sociales (@cuatroelementosteatro) y en la boletería del teatro, ubicado en Alberti 2746.

A los 86 años, Oscar Barney Finn es ya una verdadera leyenda del arte nacional, con experiencia en teatro, cine y televisión. Actualmente presenta en la ciudad la obra La lluvia seguirá cayendo, pero nunca se detiene: piensa en otros proyectos, escribe sus memorias y analiza sobre todo qué es lo que tiene para dar en esta etapa de su vida. “Tenemos un tiempo limitado, y en ese tiempo que se nos otorga tenemos que saber aprovecharlo”, dice el hombre que lo ha sabido aprovechar como pocos.

Sin embargo, siempre hay tiempo para el asombro. En una recorrida por el Teatro Tronador, se encontró con “una sala maravillosa, pero no solamente la sala maravillosa, sino que me encuentro que tiene un acuerdo con el Teatro Colón y de pronto las salas de atrás se transforman en salas para cursos de cosas que uno no imagina que de pronto se pueden llevar adelante. Uno a veces está con los grandes eventos, las cosas muy promocionadas. Pero esto me parece una tarea realmente muy útil, muy ambiciosa”.

A pesar de ser alguien con mucha experiencia, Barney Finn luce igualmente emocionado por las posibilidades que brinda un espacio como este. “Me importa por todo, pero por dos cosas: veo que hay un escenario de una dimensión increíble, veo que hay una técnica en función de escenario y veo que hay una platea enorme. Si bien a veces crea el interrogante, de cómo llenar una sala, también a veces eso se puede lograr”, comenta en diálogo con El Marplatense.

Protagonizada por Paulo Brunetti y Osvaldo Santoro, La lluvia seguirá cayendo sigue los sábados y domingos de febrero en Cuatro Elementos (Alberti 2746); los sábados con dos funciones, lo que demuestra el buen funcionamiento de la obra: “Nos va muy bien. Y pasa también en el teatro comercial. Se está viendo que todos de alguna manera tienen su público”.

Para Barney Finn esto le resulta “muy alentador” que suceda “en un momento crítico económico como el que nosotros vivimos”. Y señala que “debemos saber valorizar más las cosas que nos definen como personas. Valorizar y defender, porque es una época muy perturbadora, más que de encuentros de desencuentros. Entonces a veces hay algunas cosas que son convocantes y eso yo creo que es lo que también alienta a cualquier persona que haga algún emprendimiento de este tipo”.

Pero más allá del éxito, al director le interesa la posibilidad de seguir creando. “Tengo 86 años, he tratado de hacer todo lo que pude y voy a seguir haciendo. Hoy me siento bien, tengo proyectos. El día que yo sienta que no estoy provocando nada nuevo o que estoy revoloteando en torno a las mismas cosas, será el día que tenga que decir ‘bueno a otra cosa’”.

-¿El teatro sigue siendo ese espacio para innovar?Sí, lo importante es lo que se dice y cómo se dice, todo lo demás es aleatorio, tiene que ver con la puesta. Tiene que ver con cosas que me interesan, porque si estoy hablando de espacios, siempre estoy diciendo “bueno, el espacio tiene que servir para algo”. Pero yo no sé si no será la frecuentación de la ópera que me agotó en algunos aspectos, me agotó el aspecto del decorado, de la dimensión del decorado.

-En determinado momento dejó de hacer cine. ¿Por qué?Mi vida primero avanzó con montones de actividades, hasta que de pronto rescaté el cine. Empezó el cine y me llevó por el camino largo, pero cuando hice De la misteriosa Buenos Aires en la televisión, me abrió la puerta y estuve largos años con la televisión, en cosas que creo han sido muy formativas. Y luego cuando estoy en eso, llegó Ana Dana de Juventus Lírica y me propuso hacer ópera, y la ópera me llevó el camino largo, muy largo.

-¿Y no le picó el bichito del cine?Hace poco escribí un libro sobre Beatriz Guido que se llama Las moradas. Hice ese libro y cuando hice el libro apareció la idea de hacer un documental ficcional, incluso hablé con Graciela Borges porque como ella era la más cercana a Beatriz, quería que de alguna manera lo hiciera. Después como no podía, hablé con Rita Terranova que es muy parecida a Beatriz físicamente. Bueno, eso quedó en el camino, pero eso fue algo que me gustó. Es como que tengo alguna idea de algo para el cine que me gustaría hacer, pero una cosa muy pequeña, muy hecha a mi medida, muy con las cosas que me gustan. Que no tienen nada que ver con lo que hoy se hace, ni con lo que hoy es fácil de lograr.

-¿Cambiaron mucho los métodos de producción?Hoy las plataformas si bien han sido una posibilidad, terminan siendo muy condicionantes. Porque terminan teniendo injerencia en guiones, en estilos, en temáticas. Y creo que hoy ir por el camino que a mí me gusta, o que yo intuitivamente elegí, no es el camino más habitual. Hoy no es un camino en donde la poesía, la literatura, la música, la reflexión, el pensamiento profundo estén en una primera línea. Entonces para uno no ser arrastrado por todo eso, tiene que tener claro qué quiere y por dónde lo va a llevar.

-¿Y cómo encuentra hoy la posibilidad de hacer cine en el país?Creo que hay cosas que se pueden hacer en cine, pero bueno, ha cambiado mucho generacionalmente más allá de todo. Las generaciones aparecieron, las generaciones se desarrollaron, el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales como pudo fue dando. Siempre ha ocurrido así y creo que va a seguir siendo un campo de expresión de nueva gente. Hay muchísimos nuevos directores.

-Más allá de todo hay una evolución…Eso es lo que siempre a uno le alienta, que las cosas van a seguir, van a evolucionar. No es que yo me haga el bueno, sino que creo que hay que ser amplio y hay que tener una mirada con horizontes no muy cercanos. De alguna manera lo que estoy diciendo es que lo que uno quiere es alejar ese horizonte final, que no le estén hablando de esas cosas. Ahí es donde cada uno tiene sus mambos especiales. Si bien uno piensa mucho en la finitud, no es un tema que yo lo quiera, o lo sienta. Esto tiene que ver con el momento de mi vida en el cual estoy y cómo me percibo y cómo me siento.

La chinagueña. O el rancho de las mutaciones es un unipersonal donde dialogan tres personajes, tres mujeres, a las que Mariela Acosta les da su cuerpo y su voz. Una obra que habla del cruce de culturas a partir de la llegada de un grupo de migrantes chinos a un pueblo de Santiago del Estero. Si la pieza habla de lo extraño y de lo no conocido, para la protagonista es acercarse a sus propias raíces, ya que su padre era de aquella provincia, y a sus intereses en la cultura del país asiático.

La obra, que se presentará hoy a las 22:00 en Cuatro Elementos (Alberti 2746), le da también la posibilidad de regresar a Mar del Plata, la ciudad en la que nació. “Me encanta. En este caso vine por un periodo cortito de dos funciones. Pero en otras oportunidades solía venir a hacer toda la temporada. Es una ciudad que amo porque es mi ciudad y amo encontrarme con muchos amigos y tengo parte de la familia. Es mi casa”, cuenta en diálogo con El Marplatense.

Acosta se formó en la Escuela Municipal de Arte Dramático (EMAD) y posteriormente se instaló en Ciudad de Buenos Aires, donde vive hace veinte años y donde además profundizó en su formación y desarrolló una importante carrera como actriz, especialmente en el circuito off. Precisamente con el espíritu del café concert nacieron los personajes que hoy le dan vida a La chinagueña.

En tiempos donde la corrección política determina modos de decir y mostrar, Acosta se enfrenta a un desafío interesante en esta obra que habla del extranjero y del choque de culturas. “Tengo la suerte que está detrás la escritura de Julio Cardoso, que escribía precioso y con una poética con mucha metáfora. Pero creo que en el teatro tenemos esa posibilidad de decir, y que si bien es como dicen en las películas, ‘cualquier parecido con la realidad es pura coincidencia’, hay algo en la ficción que uno se permite, de poder hablar, de decir. Si no tenemos esa libertad, estamos perdidos”, señala.

-¿Cómo se dio este cruce entre santiagueños y chinos?Es una obra que surge primero porque tenía varios monólogos sueltos donde estos personajes tenían cierta similitud. Y sentí que estos personajes se relacionaban, eran como de un ámbito rural. Pero había más para profundizar en las historias que tenían. Tuve la necesidad de armar una obra, un unipersonal, convoqué a Julio, que me trajo un gran aporte. Era una persona que además escribía y también muy afín a la propuesta que traía. Tenía ganas de hablar de esto que estaba pasando con esto que viene de afuera, y cómo asimilamos esa apropiación cultural y también las cosas que muchas veces no tenemos ni tiempo de entender y se instalan de una manera, y cuando nos damos cuenta puede ser tarde. Julio escribió la obra, le mostré los monólogos, pero decidimos ir un poco más allá. Y si bien la obra tiene mucho humor, también tiene bastante dramatismo porque hay personajes que tocan sus historias desde un lugar más hondo.

-¿Cómo fue descubrir que en tus monólogos había un hilo conductor?Tal vez por una impronta familiar. Mi padre era santiagueño y yo vengo del campo. Y ese mundo cada vez que me pongo a improvisar, aparece. Es un terreno donde me gusta investigar y estos personajes tienen también mucho para decir. Pero además surgió de una manera espontánea, este choque con el tema de los chinos, y ahí se volvió interesante con el cruce de estas dos culturas, culturas con raíces, y estos mundos parecían como muy ricos.

-¿Hubo algún trabajo de investigación para abordar el mundo chino?Hubo una época de mi vida en la que estuve indagando en danzas chinas, y aprendí una que se llama mulan chuan, que es una danza con abanicos. Y desde ahí comencé a interiorizarme sobre este mundo y estudié sobre la medicina china. Y también me pasó que cuando estaba haciendo eso, le recomendé a mi papá sobre medicina china. El estaba con unos problemas corporales y le dije que pruebe. Entonces visitó un médico chino que le hizo acupuntura, y también le sugirió que practicara chi kung que es una secuencia de movimientos donde van tocando diferentes puntos con el objetivo de la sanación. Y le hizo muy bien. Me llamó la atención, no pensé que me iba a hacer caso. A partir de ahí hay algo de todo eso que yo llevé al teatro.

-¿Para crear es siempre importante conocer?Sí, creo que hay que informarse. Está bueno, está buena la lectura de las cosas que te interesan y de las que no. Para mí el momento creativo, cuando después de eso surge un texto, siempre en la medida en que uno tiene lecturas, lo mismo con la observación, empieza a aparecer en el terreno de la improvisación todo el bagaje que uno tene. Porque de lo desconocido uno no puede asociar ideas. En mi caso lo viví porque hasta conozco el pueblo donde sucede la obra, pero en otros casos sirve valerse de la lectura. Ahora que todo es tan inmediato y puesto en lo visual, todo este mundo de la observación y la lectura es muy importante y no se debería perder. Sobre todo para quien elige contar historias.

-¿Te interesa lo autoral además de lo actoral?Me relacioné en un momento con la escritura. Primero surgía a través de la improvisación de poner el cuerpo. Luego por esa necesidad de registrar lo llevé a la escritura. Y ahí sí, escribiendo estas improvisaciones que fueron creadas desde el cuerpo y desde la asociación de ideas en el espacio. Pero si tuviese que sentarme a escribir algo sin poner el cuerpo todavía no logro hacerlo.

-Como actriz ¿cuánto te metés en el proceso creativo de otro autor?Con el tiempo aprendí que, tanto si elijo yo a la persona o si me convocan, tengo que soltar eso de estar por fuera queriendo proponer. Claro que propongo desde lo corporal, desde la palabra, pero la parte de querer intervenir en la dirección, en un momento suelto y confío en quien está mirando. Si bien es un ida y vuelta y puedo sugerir, la última palabra se la cedo a quien está mirando. Porque si no a veces es delicado avanzar en el producto.