Guillermo Francella será reconocido con el Premio Platino de Honor 2026 por su “sobresaliente” trayectoria artística, en el marco de la próxima edición de los galardones que celebran lo mejor del audiovisual iberoamericano.

El reconocimiento destaca su contribución a la construcción de un patrimonio cultural en la región, con una carrera que abarca más de cuatro décadas y lo posiciona como una de las figuras más populares y reconocidas de Argentina.

A lo largo de su recorrido, Francella participó en producciones emblemáticas tanto en cine como en televisión. Entre sus trabajos más destacados figuran películas como El secreto de sus ojos y El clan, así como series como Casados con hijos y El encargado.

El actor ya había sido distinguido anteriormente con dos Premios Platino: uno como mejor actor de cine por El clan y otro como mejor actor de televisión por El encargado. Además, cuenta con múltiples reconocimientos a nivel nacional, entre ellos nueve premios Martín Fierro.

La distinción será entregada el próximo 9 de mayo en la Riviera Maya, México, durante la gala de la XIII edición de los Premios Platino, que reúne a las principales figuras de la industria audiovisual iberoamericana.

En ediciones anteriores, el galardón fue otorgado a figuras como Ricardo Darín, Antonio Banderas y Cecilia Roth, entre otros referentes internacionales.

Con la sala colmada, el público celebró la llegada de la comedia y ovacionó la presencia de Guillermo Francella, quien llegó al teatro acompañado por Marcos Carnevale, director de la obra, para acompañar el debut del espectáculo en la ciudad.

La comedia, escrita por Francis Veber y dirigida por Carnevale, desembarcó en Mar del Plata luego de una exitosa temporada en el Teatro El Nacional, donde superó los 140 mil espectadores y se consolidó como uno de los grandes fenómenos teatrales del año. En escena, el elenco está encabezado por Martín Bossi, Gustavo Bermúdez y Laurita Fernández, en una propuesta que combina humor, ritmo y grandes actuaciones.

La producción general está a cargo de Guillermo Francella junto a Adrián Suar, Pablo Kompel, Federico Hoppe, Ezequiel Corbo y Diego Djeredjian. Completan el elenco Guillermo Arengo, Esteban Prol y Franco Battista.

La cena de los tontos, que tuvo su primera versión argentina en el año 2000 con Francella y Suar como protagonistas y una recordada reposición en Mar del Plata en 2009, vuelve a confirmar su vigencia con una puesta renovada que mantiene intacto su humor universal. Las funciones se realizan de jueves a domingo, con entradas disponibles en Plateanet y en la boletería del teatro.

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Guillermo Francella estuvo en @elhormiguero y reveló detalles del fuerte incidente vial que vivió en Fuerteventura, España, apenas un día antes de comenzar el rodaje de Playa de Lobos, su nueva película. El actor contó que el episodio ocurrió después de cenar junto a una productora, la hija de ella y su hermano. Aunque el choque generó un gran susto en el grupo, afortunadamente no tuvo consecuencias importantes y todos resultaron ilesos.Francella explicó que la situación lo tomó por sorpresa en pleno traslado nocturno y que la preocupación inicial fue inmediata por la magnitud del impacto. Pese al susto, el equipo pudo continuar con los planes y el rodaje se inició con normalidad al día siguiente.

El próximo 26 de diciembre, el actor y productor Guillermo Francella estará presente en el debut marplatense de La cena de los tontos, el exitoso espectáculo protagonizado por Martín Bossi, Laurita Fernández y Gustavo Bermúdez. La obra se presentará en el Teatro Neptuno, propiedad de Carlos Rottenberg, con el ambicioso objetivo de realizar tres funciones diarias durante la temporada.

La noticia fue confirmada por el propio Francella durante la noche del domingo, cuando asistió al teatro El Nacional de la avenida Corrientes para presenciar la función del espectáculo que produce junto a Adrián Suar. Acompañado por Pablo Codevila, el actor se mostró emocionado y aplaudió de pie al elenco al finalizar la función.

“Fue una función impecable. Estoy feliz de ver cómo creció este proyecto que ya superó los 130.000 espectadores en apenas ocho meses”, expresó Francella, quien no veía la obra desde su estreno. Tras el cierre del telón, subió al escenario para felicitar personalmente a los protagonistas y compartir con ellos la confirmación del desembarco en Mar del Plata.

Uno de los momentos más comentados de la noche fue el elogio especial que Francella dedicó a Martín Bossi, a quien abrazó efusivamente por haber respetado el tiempo de función estipulado por el director Marcos Carnevale: “Una hora y treinta y cinco minutos, sin agregados. ¡Impecable!”, celebró.

Con localidades agotadas en cada presentación y una recepción entusiasta por parte del público porteño, La cena de los tontos se perfila como uno de los primeros estrenos de la temporada teatral marplatense. El equipo artístico y de producción ya trabaja en la logística para replicar el éxito en la costa atlántica.

Gerardo Romano volvió a generar polémica con sus declaraciones. En diálogo con Fernando Borroni en Radio 10, el actor fue tajante al ser consultado por Homo Argentum, la nueva película de Guillermo Francella que lidera la taquilla en los cines argentinos. 

“No vi Homo Argentum, no me interesa nada de lo que haga Francella”, disparó Romano, dejando en claro su desinterés por el trabajo del reconocido actor. La película, que se convirtió en uno de los estrenos más exitosos del año, recibió elogios del público y abrió debate en torno al cine nacional. Sin embargo, las palabras de Romano marcan un contrapunto fuerte y reavivan viejas tensiones dentro del ambiente artístico.VIDEO: https://www.instagram.com/p/DNx2WGL3D2J/

Seguramente la presencia de Guillermo Francella interpretando 16 personajes haya sido un buen elemento de venta para el éxito de Homo Argentum (que a la hora de publicación de este texto había superado los 816.000 espectadores), aunque se trata en verdad de una apuesta casi deportiva que increíblemente casi todos los comediantes más populares han intentado, con mayor o menor éxito, en algún momento de su trayectoria. Tal vez tenga que ver con una búsqueda de prestigio o reconocimiento que los comediantes no alcanzan de otra manera, pero hay algunos ejemplos emblemáticos que recorreremos en este texto.

Hay infinidad de ejemplos en el que los actores interpretan dos personajes, y podemos mencionar a un emblema como Adam Sandler, quien en la espantosa Jack and Jill (2011) actuaba a dos hermanos gemelos y opuestos de carácter, y que casi le cuesta la carrera. Hay ejemplos de dos personajes diferentes, hay ejemplos del mismo personaje replicado en dos y hay también un solo personaje que lleva una doble vida como el mismísimo Francella en la tira Naranja y media (1997). Y Francella exageraría el recurso dos años después con Trillizos, dijo la partera (1999) en que la, como dice el título, encarnaría a tres hermanos.

Seguramente, por los ejemplos citados, usted crea que todas las películas o tiras televisivas en las que un mismo actor interpreta a dos o más personajes son comedias poco gratificantes. Pero claro que hay ejemplos más sofisticados de cine prestigioso, como la mismísima Dr. Strangelove (1964) de Stanley Kubrick, donde Peter Sellers encarnaba al presidente Merkin Muffley, al Dr. Strangelove y al capitán Lionel Mandrake. Aunque más atrás en la tradición de la comedia británica, Los 8 sentenciados (1949) presentaba a Alec Guinness en el rol de ocho miembros de la familia D’Ascoyne,

Un comediante prolífico en materia de creación de personajes, al que le gustan estos desafíos narcisistas de multiplicarse, es sin dudas Mike Myers, quien en Goldmember (2002) -la tercera entrega de su saga Austin Powers-, no sólo volvió a interpretar al famoso espía, su némesis Dr. Evil y el villano Fat Bastard, sino que sumó otros villano en el genial Goldmember. Myers llevaría luego esa capacidad para la metamorfosis a la serie El pentavirato (2022), una comedia disponible en Netflix en la que se burla de los conspiranoicos y donde se carga ocho personajes.

Posiblemente Volver al futuro pueda ser vista como algo más que una comedia, pero en su base hay mucho humor y, de hecho, Michael J. Fox era un gran comediante. Y lo demostraba muy especialmente en Volver al futuro: Parte II (1989), que ofrece diversas variantes de un actor interpretando varios roles. Por ejemplo es el intrépido Marty McFly, pero también el Marty McFly del futuro, su hija y su hijo. Y además es el Marty McFlay de la primera película cuando vuelve a 1955, y donde siempre están a punto de cruzarse. ¿Suena complejo? No importa, la película es divertidísima y la mejor de la trilogía.

En los 90’s, con la mejora de la técnica digital y la posibilidad de la creación de cualquier imagen, una comedia como Mis otros yo (1996) permitía que la réplica de un actor pudiera eludir algunos trucos de pantalla dividida que se utilizaban hasta entonces para poner en un mismo plano a un mismo actor interactuando consigo mismo. En Mis otros yo, de Harold Ramis, Michael Keaton interpreta a un hombre agobiado por su falta de tiempo para equilibrar trabajo y vida personal, que termina clonándose a sí mismo, logrando varias copias aunque con distintas personalidades. Sí, por esa época también se debatían los peligros de la clonación y esta comedia no daba la respuesta más satisfactoria, aunque técnicamente era un avance.

Otro gran comediante que supo explotar la versatilidad para interpretar varios personajes es Eddie Murphy, quien llevó la idea al paroxismo en la paupérrima versión de El profesor chiflado (1996). Allí el actor interpretaba a siete personajes, todos integrantes de la grotesca y escatológica familia Klump. Claro que Murphy era un especialista en la materia, y ya en pleno furor de su carrera, en Un príncipe en Nueva York (1988), había interpretado al príncipe Akeem, pero además a Clarence, Saul y Randy Watson. Y no hay que olvidar su doble interpretación en la gran Bowfinger (1999), donde brillaba junto a Steve Martin.

Y si nos acordamos de El profesor chiflado cómo olvidar esa burla exquisita que le hicieron Ben Stiller y Jack Black en The Fatties: Fart 2, un falso tráiler que se proyectaba antes de la obra maestra llamada Tropic Thunder (2008). Allí Jack Black, como el comediante popular Jeff Portnoy, se reía de Eddie Murphy y su multiplicidad de roles haciendo de los seis integrantes de una familia de gente muy obesa y muy flatulenta. El nombre del actor emergía de los gases que se echaban los personajes y la tipografía tenía formas redondeadas, mientras de fondo se escuchaba U can’t touch this de MC Hammer y uno de los personajes tiraba el inolvidable “En algunos países, se considera un cumplido”. Así, Stiller y Black demostraban que la escatología podía ser una reflexión muy inteligente para definir un poco el extremo narcisista que significan empresas personales como estas.

HOMO ARGENTUM (película) dirigida por Mariano Cohn y Gastón Duprat, con Guillermo Arengo, Giulia Brancato, Eva De Dominici. En cines.

-La película del momento es también la polémica del momento. Con su provocación constante, Cohn y Duprat (a la que se sumó Francella) se metieron en la grieta y hoy su cine es discutido por motivos que exceden a lo cinematográfico. Tal vez sea mejor para ellos, porque en verdad Homo Argentum tiene poco para ofrecer cinematográficamente hablando. La apuesta es tan ambiciosa como torpe, dividir la película en 16 cortos protagonizados todos por Francella. Si bien se habla de un intento por representar al argentino medio, en verdad eso sólo corresponde a algunos de los cortos. Otros son apuestas por distintos tipos de humor, que va del absurdo al costumbrismo, a lo negro, lo cínico o lo estrambótico. El principal problema de la película es que nunca causa gracia, o sólo en contadas ocasiones. La mayoría de los cortos son intrascendentes, un puñado son directamente una falta de respeto que no debería haber pasado la sala de montaje y sólo, en alguna ocasión, Cohn y Duprat dan en el blanco. Homo Argentum es realmente mala y la polémica (desmedida) excede la trascendencia que pueda tener este intento de película a futuro.

OTRO VIERNES DE LOCOS (película) dirigida por Nisha Ganatra, con Jamie Lee Curtis, Lindsay Lohan, Julia Butters. En cines.

-En 2003, esta remake de una comedia de Disney de 1976 protagonizada por Jodie Foster fue un sorpresivo éxito. Por una vez, una remake superaba claramente a la original. Pasaron dos décadas y todo vuelve, por lo cual a Disney se le ocurrió retomar esta historia de madre e hija que cambian sus cuerpos para entender los problemas de la otra (y mal no le fue: resultó otro impensado éxito de taquilla). Ahora, como una secuela tiene que apostar por más de lo mismo, en vez de dos personas son cuatro las que mezclan sus cuerpos. Pero esa acumulación no redunda en una sumatoria de elementos cómicos y sí en mucha confusión. Sólo de manera esporádica, Otro viernes de locos aporta algún apunte interesante sobre las diferencias generaciones. Pero la comedia es mayormente discreta, sin una escritura demasiado sofisticada. Apenas la química entre Curtis y Lohan la hacen funcionar, y se extraña demasiado cuando ellas dos desaparecen de la pantalla.

PHARRELL WILLIAMS: PIEZA POR PIEZA (película) dirigida por Morgan Neville, con Pharrell Williams, Morgan Neville, Kendrick Lamar. En HBO Max.

-Las biografías cinematográficas son un género un poco agotado, pero este documental de Morgan Neville sobre el cantante y productor musical Pharrell Williams encuentra una forma de ser creativo y a la vez funcional a la historia que quiere contar. En primera instancia sí, es un documental que recorre la historia del personaje, luego sí tiene todos los elementos biográficos característicos, aplicándose al típico relato de ascenso y caída, pero -y ahí la primera sorpresa- es un film animado. Lo otro, lo que le da un sentido, es que es una película animada al estilo de las películas animadas de los Lego. Es decir, Neville y Williams entienden eso de las piezas que encastran como sentido de una vida. Y la película es desbordante desde lo visual, está narrada con mucha creatividad y se vale de la calidad musical de su protagonista para sobresalir. Gran película que no pasó por los cines y merece su visionado.

DESPELOTE (película) dirigida por Genndy Tartakovsky, con las voces de Adam Devine, Idris Elba, Kathryn Hahn. En Netflix.

-Conocido por Samurai Jack, El laboratorio de Dexter o Las chicas superpoderosas, Genndy Tartakovsky es uno de los grandes creadores de la animación contemporánea norteamericana. Aquí aplica su talento a una película animada para adultos, que es todo lo que dice su título aunque en otro sentido. La historia no se separa demasiado de una tradición de la comedia norteamericana, de personajes masculinos enmarcados en una travesía nocturna, pero aquí con sus peculiaridades: porque el protagonista es un perro con una libido un poco pasada de rosca, al que sus dueños finalmente llevarán a castrar para bajarle la intensidad. Por eso, nuestro héroe, deseará vivir una última noche de locura antes de que lo esterilicen para siempre. El tema podría dar para una comedia con Seth Rogen, pero Tartakovsky aprovecha los límites que sí puede traspasar la animación para construir una comedia alocada, pasada de rosca, sumamente sexual, con algunas ideas muy provocadoras y un sentido del humor alucinante. Tal vez no sea para cualquier estómago, pero Despelote es una de las grandes películas de plataformas en lo que va del año.

BALLARD (serie) creada por Michael Alaimo y Kendall Sherwood, con Maggie Q, Michael Mosley, John Carroll Lynch. En Prime Video.

-Un grupo especial de la policía ubicado en el sótano de la dependencia se encargará de resolver crímenes que han quedado sin resolución. Usted dirá Dept. Q, pero no, es parecido pero no es lo mismo. En verdad Ballard se inscribe en el universo literario de Michael Connelly, autor también de las novelas de los personajes Harry Bosch (que tiene su serie, Bosch) y de Mickey Haller (que tiene su serie, El abogado del Lincoln). Las novelas de Renée Ballard nacieron en 2017 y llegan a la pantalla ahora, en un formato de serie televisiva que le sienta bien y permite indagar en todos los aspectos del personaje. En lo concreto, una detective un poco traumada por algún asunto del pasado, que se hace cargo de un equipo medio descastado y poco respetado. Maggie Q aporta su solvencia para funcionar tanto en el drama como en la acción, y a su lado John Carroll Lynch, uno de esos actores de reparto que siempre es un lujo. Tal vez le falte un poco de sofisticación narrativa y se parezca más a esas series policiales que podemos ver por TNT. Sin embargo, no tiene problemas para instalarse en el amplio catálogo de policiales que tienen las plataformas.

El presidente Javier Milei proyectó la película Homo Argentum, protagonizada y producida por Guillermo Francella, para diputados en Olivos y para su Gabinete en Casa Rosada. En un mensaje publicado en su cuenta de la red social X, bajo el título “Homo Argentum: disonancia cognitiva en el corazón woke”, Milei destacó que el film, dirigido por Mariano Cohn y Gastón Duprat, “evidencia muchos de los aspectos de la oscura e hipócrita agenda de los progres caviar (woke)”.

La película, estructurada en 16 historias independientes de entre uno y doce minutos, presenta a Francella interpretando diversos personajes, desde un director de cine hasta un vendedor callejero, un cura villero o un presidente. Acompañado por actores como Dalma Maradona, Eva De Dominici y Miguel Granados, el film retrata lo que algunos interpretan como una radiografía de la “argentinidad”, mostrando personajes que encarnan rasgos como la envidia, el resentimiento y la hipocresía.

Milei afirmó que “la película de Guillermo Francella deja en evidencia muchos de los aspectos de la oscura e hipócrita agenda de los progres caviar (woke)”, y agregó que “cuanto mayor la cantidad de parásitos mentales dentro de la cabeza del progre, mucho mayor es el odio y los alaridos quejosos de éste (SIC) ejército de zombies (termos cabezas de pulpos)”.

El film ha generado controversia en redes sociales, donde usuarios y críticos de cine han señalado que los personajes reflejan un estereotipo de argentino “garca, estafador, ventajero, chorro, chanta”. En este contexto, Milei expresó: “Les duele mucho la película porque les presenta un espejo en el cual sale a la luz todo lo que son... casi está de más decir lo que les duele el éxito en una película sin financiamiento del Estado, ya que muestra a muchos del rubro (y aledaños) como fracasados totales y absolutos”.

Durante la reunión con su Gabinete en Casa Rosada, que se extendió por cuatro horas, Milei no solo abordó temas económicos, sino que también utilizó la proyección de Homo Argentum para discutir la “batalla cultural” que busca impulsar. Esta estrategia ya había sido implementada días antes con diputados en la Quinta de Olivos, reafirmando el uso del film como herramienta para su discurso político y social.

Fuente: con información de Infobae

DEADPOOL & WOLVERINE (película) dirigida por Shawn Levy, con Ryan Reynolds, Hugh Jackman, Emma Corrin. En cines.

-Deadpool & Wolverine es un milagro, no porque sea una maravilla ni una joya del séptimo arte, sino porque básicamente es una suerte de Frankenstein construido por una serie de intenciones que tienen el objetivo de parecerse a una película. Y si lo logra es porque Shawn Levy, con el tiempo y tras varias películas decididamente espantosas, se convirtió en un realizador bastante competente; porque el carisma de Ryan Reynolds es el espíritu del proyecto; y porque Hugh Jackman encontró en Wolverine el personaje de su vida. De paso, Reynolds y Jackman tienen una química envidiable. ¿Por qué un Frankenstein? Porque la película tiene la obligación de revivir la taquilla del cine de superhéroes; porque tiene que respetar un espíritu violento y procaz, ahora bajo el techo demasiado puritano de Disney; porque es una película evento que tira cameos para el fandome; porque recupera a un intérprete icónico como Jackman; porque la gente va a ver a Wolverine y a Deadpool pero a la vez Marvel necesita estirar su multiverso; y porque mientras integra todo esto tiene que construir un relato que funcione por sí mismo. Si por un lado la película por momentos no fluye, por el otro paga todo con la gracia de sus dos protagonistas. Pero sí hay algo interesante, aquí la autoconsciencia de Deadpool funciona como una mirada interna a las historias de superhéroes, como si el personaje fuera un fan que disfruta como un chico mientras la película se va ensamblando a su alrededor. Es divertida, a veces se pasa demasiado de lista, pero no deja de ser la experiencia más cercana que tienen las películas de Marvel a la idea de jugar con los muñequitos articulados.

EL ENCARGADO (serie) creada por Mariano Cohn y Gastón Duprat, con Guillermo Francella, Manuel Vicente, Gastón Cocchiarale. En Disney+.

-En esta tercera temporada, la serie protagonizada por Guillermo Francella parece querer buscar puertas afuera su conflicto, pero además acercar su relato más a un espíritu de cómic, donde lo real está atravesado por un tono algo fantástico. Ya conocen la historia: Eliseo, el encargado de un edificio, un personaje siniestro que manipula a todo el mundo y que siempre termina bien parado, como un Ripley atravesado por el humor costumbrista. Pero agotado el recurso de la pelea con los habitantes del edificio donde trabaja, la serie lleva a Eliseo por el universo del emprendedor cuando monta una empresa que ofrece servicios a otros consorcios. Si lo cuestionable de la serie ha sido siempre que nunca terminó de encontrar el tono adecuado, y que busca convertir en antihéroe un personaje que es simplemente un canalla, en esta tercera temporada -al menos en los tres episodios que se estrenaron- parece haber una ambición (de la serie y del personaje) que no está a la altura. ¿Por qué fantástico si esta no es una serie de ciencia ficción? Porque los planes del protagonista trascienden deliberadamente lo verosímil. La falta de rigor habitual de la obra de Cohn y Duprat queda más al desnudo cuando Eliseo monta ese emprendimiento y la situación se vuelve poco rigurosa. Es algo típico de los autores, y algo que lastra siempre el resultado final de sus producciones: la intención por decir algo sin importar el cómico. Cohn y Duprat buscan provocar… ¿pero a qué precio? Démosle el beneficio a la dudas, recién comienza.

EL OSO (serie) creada por Christopher Storer, con Jeremy Allen White, Ebon Moss-Bachrach, Ayo Edebiri. En Disney+.

-Regresaron los Berzatto y The Bear, el restaurante emplazado en la temporada anterior, ya es una realidad. La fabulosa serie creada por Christopher Storer mantiene su altísimo nivel en esta tercera temporada donde parece experimentar en aspectos formales, volviéndose más abstracta. Si bien tenemos una trama principal (la persecución de “Carmy” Berzatto de la ansiada Estrella Michelin), los capítulos parecen menos atados a una necesidad narrativa de comienzo, nudo y desenlace, como lo muestra notablemente el fabuloso primer episodio, una obra maestra del montaje. De lo que habla fundamentalmente esta tercera temporada es de los objetivos que nos movilizan en la vida y de su real pertinencia, del sentido y de si tiene sentido. Lo hace con un menú de notables actuaciones, que saben ir de la crispación a los momentos de amabilidad, como lo hace la puesta en escena representando la tensión con planos detalle, zoom y montaje acelerado, para pasar en otros pasajes a planos generales, contemplación y melancolía. El Oso es una de las mejores series del presente y cada temporada parece encontrar momentos únicos para atesorar en la memoria. Imperdible.

AL BORDE DEL ABISMO (película) dirigida por Stelana Kliris, con Harry Connick Jr., Agni Scott, Ali Fumiko Whitney. En Netflix.

-Una estrella norteamericana de la canción parece ocultarse en un pueblo de Chipre, mientras analiza su carrera y su presente. Lo que no tiene en cuenta es que la casa en la que decidió vivir está junto a un acantilado que la gente del pueblo elige para suicidarse. Es punto de inicio es sorprendente y divertido, y -por imprevisible- lo mejor de la película. Lo que sucede luego es que esa idea un poco alocada se resolverá como apenas una excusa argumental que permite poner al personaje en el lugar que la película quería: el de las segundas oportunidades, cuando se cruce con un viejo amor. Luego también esa idea del acantilado se volverá una metáfora un poco gruesa. Sin embargo Al borde del abismo parece tener todo en contra, pero más temprano que tarde encuentra su tono: el de comedia romántica de gente adulta, atravesado por lugares comunes que son jugados con gracia y sin apuros. Dos detalles inevitables que restan: las canciones de la supuesta estrella de la música son unas baladas melosas de medio pelo que nos hacen dudar del verdadero talento del personaje; Harry Connick Jr. no tiene la presencia como actor para hacer que su personaje sostenga el relato. Una película simpática, pero sin mayores ambiciones que esa medianía.  

VOLEY (película) dirigida por Martín Piroyansky, con Martín Piroyansky, Violeta Urtizberea, Inés Efrón.

-En 2014 Martín Piroyansky estrenó esta comedia con elementos de comedia romántica que mostró las posibilidades de una generación de actores para acercarse a un género que al cine argentino le resulta bastante complicado en el presente. Recuerden: un grupo de amigos deciden pasar juntos la fiesta de Año Nuevo en una casa del Tigre y en ese contexto surgen algunas rencillas del pasado, además de amores y desamores incontrolables. Piroyansky es uno de los mejores comediantes del país y demuestra, como director y creador, tener ideas cinematográficas y una herencia que sabe mezclar el estilo de la comedia adolescente norteamericana con el costumbrismo argentino y el absurdo. Vóley es una maravilla y, vista a la distancia, es también la amarga comprobación de que todo esto no tuvo la necesaria continuidad; o si lo tuvo no se encuentra en el centro del mainstream que intentó representar sino en los márgenes del cine más independiente. Tal vez haya que buscar en el cine de Ariel Winograd, pero sus películas le hablan a un público más adulto. Vóley fue la gran comedia juvenil del cine argentino, casi un canto de cisne para el género.