El fármaco Ozempic nació como un tratamiento para la diabetes tipo 2, pero en los últimos años dio un giro inesperado: se convirtió en una de las herramientas más buscadas para adelgazar, especialmente en el mundo del espectáculo.

Su principio activo, la semaglutida, actúa regulando el azúcar en sangre y generando sensación de saciedad, lo que reduce el apetito. Aunque no fue diseñado específicamente para bajar de peso, ese efecto colateral lo puso en el centro de la escena. 

El salto a la popularidad masiva tuvo un punto clave en Hollywood. Figuras como Kim Kardashian quedaron en el centro de rumores por sus cambios físicos en poco tiempo, mientras que otras celebridades como Oprah Winfrey, Rebel Wilson o Serena Williams reconocieron el uso de este tipo de medicamentos o similares para perder peso. 

Por eso, el medicamento empezó a ser conocido como “la droga de Hollywood”, impulsado por influencers, actores y figuras públicas que lo adoptaron como parte de sus rutinas para adelgazar rápidamente. 

Sin embargo, el fenómeno también abrió una fuerte discusión. Especialistas advierten que su uso con fines estéticos, sin indicación médica, puede implicar riesgos, desde efectos secundarios digestivos hasta complicaciones más serias. Además, la alta demanda generó problemas de abastecimiento en algunos países, afectando a pacientes que realmente lo necesitan para tratar enfermedades. 

El caso de Ozempic refleja un cambio cultural más amplio: la búsqueda de soluciones rápidas para el peso en una sociedad atravesada por la presión estética. Mientras algunos lo ven como una herramienta eficaz, otros cuestionan su uso masivo y el mensaje que transmite.

Así, lo que comenzó como un avance médico hoy es también un fenómeno social que cruza salud, consumo y modelos de belleza.

El loop temporal, o bucle temporal (uso loop porque bucle se me hace un término más de peluquería) es uno de los elementos más utilizados en la ciencia ficción contemporánea, aunque ha echado raíces en diversos géneros que van de la comedia al terror o el policial. ¿A qué llamamos loop temporal? A esas películas en las que un personaje, por algún motivo mágico que puede o no ser explicado, vive una y otra vez el mismo día. Recurso que la ficción utiliza en ocasiones como método evangelizador para que el personaje aprenda algo, pero que en otros es apenas un vehículo lúdico para poner en movimiento la narración.

Seguramente cuando muchos piensen en la relación de loop temporal con el cine, arribarán a la misma conclusión: Hechizo del tiempo. La película de Harold Ramis de 1993 es un clásico moderno del cine, una comedia en la que un meteorólogo con el semblante de Bill Murray vive una y otra vez el mismo día, en este caso el más abrumador y tedioso. Claro, habrá un aprendizaje; claro, el protagonista descubrirá cómo sacarle provecho a la situación.

Hechizo del tiempo, también conocida como Día de la marmota, es estudiada hasta por filósofos y es considerada además como la que originó el recurso del loop temporal, aunque esto no sea estrictamente cierto. Hay toda una bibliografía sobre animé y producciones asiáticas que ya usaban el recurso, además de un film de 1987, Christmas every day, que ponía a su protagonista a repetir el día de Navidad hasta aprender el verdadero sentido de la vida. Como verán, la moralina es parte fundamental del subgénero.

Lo cierto es que hoy por hoy cuando una historia recurre al loop temporal, enseguida gritamos “¡Hechizo del tiempo!”. Por ejemplo esta semana se estrenó en los cines, y de alguna manera dio origen a este texto, Buena suerte, diviértete, no mueras, la película de Gore Verbinski que parte de un viajero en el tiempo que asegura estar viviendo por 117ª vez ese mismo día, con el objetivo de finalmente organizar el equipo que derrote a una IA por lanzarse y que llevó todo al apocalipsis. La curiosidad aquí es que si bien se sobreentiende que el protagonista vivió una y otra vez el mismo día, solo lo conocemos en una única jornada.

Al filo del mañana (2014) es una adaptación de una obra japonesa, que casualmente este año tuvo una adaptación al animé (Solo necesitas matar). Tom Cruise interpreta a un militar que despierta una y otra vez en el día donde fue asesinado en el campo de batalla por unos extraterrestres malos-malos. Pero todo comienza a cambiar cuando conoce a un superior interpretada por Emily Blunt, lo que lo vuelve obsesivo con las estrategias para tratar de derrotar a esos bicharracos. Es un gran relato de acción y ciencia ficción, pero es sobre todo una gran historia de amor. Disponible en HBO Max.

En Un día más para morir (2021) un oficial retirado de las fuerzas especiales es obligado a vivir una y otra vez el día de su muerte. Si algo tiene la película a su favor es su honesto espíritu de clase B, algo que le sienta perfecto al protagonista Frank Grillo y que sirve de vehículo para que Mel Gibson se divierta de lo lindo como el villano. El director es Joe Carnahan, alguien no muy habituado a este tipo de relatos más lúdicos. Sin embargo debe ser la películas más divertida que hizo hasta la fecha. Disponible en Netflix.

Otra película que usa el recursos del loop desde el thriller tecnológico es 8 minutos antes de morir (2011), en la que un militar participa en un experimento que le permite habitar el cuerpo de la víctima de un atentado ferroviario minutos antes de la explosión con el objetivo de descubrir al terrorista. Dirigida por Duncan Jones y protagonizada por Jake Gyllenhaal, además del magnetismo propio del policial ambientado en un tren, tiene como valor extra el hecho de que impensadamente se convierte en una defensa de la eutanasia y la posibilidad de las personas de decidir su destino. Disponible en Prime Video.

Palm Springs (2020) dirigida por Max Barbakow y protagonizada por Andy Samberg y Cristin Milioti, este film es como un regreso a Hechizo del tiempo, otra comedia romántica ambientada en un loop temporal. Aquí los protagonistas, Nyles y Sarah, quedan atrapados en un bucle dentro de una boda, por lo que deben vivir una y otra vez esa fiesta. Si bien hay material, y del bueno, para la comedia, lo cierto es que este film avanza hacia un costado más melancólico, sobre el amor y la soledad y el destino y quedarse aferrados a un no lugar. Una gran representante del subgénero. Disponible en Disney+.

Si usted estimado lector es más fanático de series que de películas, sepa que el recurso también se aplica a ese formato. Es posible que la más famosa sea Muñeca rusa (2019-2022), la serie creada y protagonizado por Natasha Lyonne, quien interpreta a una mujer que muere la noche en que celebra su cumpleaños número 36 para despertar una y otra vez frente a un espejo. Son dos temporadas, la primera es realmente ocurrente y graciosa, con ese nihilismo que maneja tan bien la Lyonne, una actriz que encontró aquí un personaje perfecto, y con la ciudad como gran protagonista. La segunda temporada luce más cara y sobreproducida, pero es tan aburrida que avala eso que dicen de las segundas partes. Disponible en Netflix.

Esta noche se entregan los premios Oscar, una ceremonia que décadas atrás generaba gran expectativa y que ahora sobrevive como un espacio para hacer bromas en redes sociales. Sin embargo, la noche de hoy puede ser un momento histórico para la estatuilla: en 98 años sería la primera vez que un director negro, Ryan Coogler, se lleve el premio a la Mejor Dirección -por su trabajo en Pecadores-. ¿Ocurrirá? No se sabe, pero lo cierto es que se siente más cerca que nunca.

Desde que se estrenó en abril del año pasado, la película protagonizada en duplicado por Michael B. Jordan generó ruido de premios en la prensa norteamericana. Solo hubo que esperar un año bastante flojo para confirmar que este film de gángsters mezclados con vampiros tendría su lugar confirmado y no solo eso, se convirtió en el principal favorito cuando en enero se anunciaron las nominaciones y batió el récord: disputa 16 rubros. Ninguna película había logrado semejante reconocimiento en 98 años.

Solo la presencia de Una batalla tras otras, del histórico perdedor Paul Thomas Anderson, puede darle pelea y, de hecho, fue la gran favorita durante mucho tiempo, hasta que las encuestas comenzaron a decir lo contrario. De hecho parecía que Leonardo DiCaprio se llevaba un nuevo Oscar, pero luego se comentó que lo perdería a manos de Timothée Chalamet… ahora cancelado por unas declaraciones pavotas y dejándoselo en bandeja a Jordan -dicen-.

Pero vamos a lo que importa. Si bien el candidato número uno en el rubro Dirección sigue siendo Anderon, la verdad es que con el paso de las semanas Pecadores ha ido ganando en consideración. Eso incluye la figura de Coogler, el séptimo director negro en conseguir la dicha de ser nominado. Coogler llamó la atención desde su primer largo, el indie Fruitvale Station, y rápidamente se posicionó en el mainstream dirigiendo Creed, aunque siempre con un toque autoral, dividiéndose entre su pretensión como artista y su búsqueda del gran público: lo demostró con las dos películas de Pantera Negra para Marvel, la primera -de hecho- nominada al Oscar a Mejor Film.

Como dijimos, de llevarse la estatuilla esta noche como Mejor Dirección, Coogler sería el primer director negro en ganar en ese rubro en 98 entregas del premio de la Academia. Antes de Coogler tuvieron el honor de las nominaciones John Singleton por Boyz n the Hood (1991), Lee Daniels por Preciosa (2009), Steve McQueen por 12 años de esclavitud (2013), Barry Jenkins por Luz de luna (2016) -la noche del recordado incidente de La La Land-, Jordan Peele por ¡Huye! (2017) y Spike Lee por El infiltrado del KKKlan (2018).

Como verán, hubo que esperar más de 60 años para que un negro fuera nominado a Mejor Dirección. De hecho, Singleton tuvo el particular placer de ser la persona más joven nominada en ese rubro, con solo 24 años.

Si fueron pocos directore negros los nominados, con las películas dirigidas por negros pasa más o menos lo mismo. Recién la primera en estar nominada a Mejor Film fue Preciosa, y luego le siguieron 12 años de esclavitud, Selma de Ava DuVernay, Fences de Denzel Washington, Luz de luna, ¡Huye!, Pantera negra de Ryan Coogler, El infiltrado del KKKlan, Judas y el mesías negro de Shaka King y Rey Richard de Reinaldo Marcus Green. Solo 12 años de esclavitud y Luz de luna se llevaron el gran premio.

Tal vez los votantes hayan decidido dividir los premios y Una batalla tras otra gane en Dirección y Pecadores en Película. Sin embargo, si se tiene en cuenta la reciente tendencia del Oscar a dar gestos en lugar de reconocimientos, es probable que la del 15 de marzo de 2026 sea recordada como la primera vez que un director negro ganó el Oscar. Y puede, también, que a las pocas horas ya nadie se acuerde.

La actriz Lindsay Lohan, que hoy tiene 39 años, vive en Dubái desde 2014, donde encontró un estilo de vida más tranquilo y menos expuesto que el que tenía en la industria del entretenimiento en Estados Unidos. La intérprete decidió dejar su residencia en Los Ángeles porque, según contó, ya no disfrutaba del ritmo de trabajo ni de la constante atención mediática que rodea a las celebridades.  

Antes de establecerse definitivamente en Emiratos Árabes Unidos, Lohan vivió un tiempo en Londres, lo que le permitió distanciarse gradualmente de la intensa vida hollywoodense.  

En declaraciones a la revista Vogue, la actriz explicó que la fama y las exigencias de la industria la alejaron de la vida que quería vivir: señaló que a menudo no encontraba papeles que le gustaran y que muchas veces sentía que su presencia pública la drenaba. Por eso optó por mudarse al otro lado del mundo y seguir su instinto.  

Un factor clave en su decisión fue la privacidad que encontró en Dubái. Allí, Lohan pudo escapar de la presión constante de los medios y del asedio de los paparazzi, algo que describió como “una bocanada de aire fresco”.  

La mudanza también coincidió con un cambio personal importante: en Dubái conoció a su esposo, Bader Shammas, con quien se casó y con quien tiene un hijo nacido en 2023. Para la actriz, la ciudad le permitió concentrarse en su familia y en vivir de manera más centrada en lo que considera “real”.  

Aunque estuvo alejada de la actuación por un tiempo, Lohan retomó su carrera con proyectos que selecciona cuidadosamente y que encajan con su vida familiar, según contó.  

Existió una época en que el amor no necesitaba de filtros ni de redes sociales para cautivar al mundo entero; bastaba con la química de dos leyendas bajo la luz de los estudios. En la Época Dorada, mientras las cámaras rodaban, nacieron historias que desafiaron guiones, superaron escándalos y sobrevivieron al paso del tiempo. Desde la complicidad silenciosa en los sets de blanco y negro hasta las pasiones volcánicas que incendiaron la prensa internacional, estas parejas no solo vendieron entradas de cine, sino que nos enseñaron el verdadero significado de la palabra “idilio”.

El magnetismo del "Tipo Duro" y la “Mirada”

Cuando Humphrey Bogart conoció a Lauren Bacall en el set de Tener y no tener (1944), el aire en el estudio cambió. Ella, con apenas 19 años y una voz de terciopelo, desafió la coraza del actor más rudo de la industria. No fue un romance de marketing; fue una colisión de autenticidad que duró hasta el último suspiro de Bogart. Juntos demostraron que la diferencia de edad se desvanece ante una complicidad que traspasa el celuloide.

Tras el divorcio de Bogart con su tercera esposa, Mayo Methot, se casó con Lauren en 1945 y formó una de las uniones más sólidas y respetadas de la industria, alejándose de los escándalos típicos de las estrellas de cine. Juntos protagonizaron cuatro clásicos del cine negro donde su complicidad era evidente, compartiendo una vida privada llena de navegación y criando a sus dos hijos. Sin embargo, este romance de película tuvo un final prematuro en 1957, cuando Bogart falleció de cáncer de esófago. Lauren Bacall, quien quedó viuda a los 32 años, mantuvo vivo el legado de su esposo por el resto de su vida, asegurando siempre que ningún guionista podría haber escrito una historia de amor tan perfecta como la que ellos vivieron en la realidad.

Un volcán en el set: Taylor y Burton

Si Bogart y Bacall eran la elegancia, Elizabeth Taylor y Richard Burton eran el exceso. Su historia comenzó entre las columnas de mármol de Cleopatra, desatando un escándalo que llegó hasta el Vaticano. Se amaron con la misma intensidad con la que se destruyeron: dos matrimonios, dos divorcios y una colección de joyas que hoy son leyenda. Eran el reflejo de una pasión indomable que Hollywood nunca ha vuelto a replicar con tal magnetismo.

A diferencia de otras parejas, Taylor y Burton no podían estar juntos pero tampoco separados, lo que los llevó a casarse y divorciarse en dos ocasiones distintas. Durante sus años de gloria, rodaron juntos 11 películas, destacando ¿Quién teme a Virginia Woolf?, donde proyectaron en pantalla una crudeza matrimonial que muchos sospechaban era un reflejo de su propia realidad. 

A pesar de los costosos regalos (como el diamante Taylor-Burton de 68 quilates) y la pasión desenfrenada, sus demonios personales y adicciones terminaron por desgastar el vínculo físico, aunque el emocional permaneció intacto. Incluso tras su segundo divorcio definitivo y el fallecimiento de Burton en 1984, Elizabeth confesó que él fue el gran amor de su vida y que, de haber vivido más tiempo, probablemente se habrían casado una tercera vez.

El pacto silencioso de Tracy y Hepburn

En el otro extremo del espectro se encontraban Katharine Hepburn y Spencer Tracy. Su relación fue el secreto mejor guardado (y más respetado) de la colina. Protagonistas de nueve películas, su amor se basaba en el respeto intelectual y una devoción silenciosa. Aunque las convenciones de la época les impidieron formalizar su unión, su lealtad de 26 años se convirtió en el estándar de oro de la madurez emocional en un mundo de apariencias.

Todo comenzó en 1942 en el set de La mujer del año; en su primer encuentro, Hepburn, con su característica altura y tacones, comentó que temía ser demasiado grande para él, a lo que el productor respondió: «No te preocupes, él ya se encargará de cortarte a tu medida». Esa chispa inicial dio paso a una conexión mental y emocional que los llevó a protagonizar muchas películas juntos, donde su química se basaba en el duelo de ingenio y la admiración mutua.  

Lo que hacía única a esta pareja era la complejidad de su situación personal: Tracy era un católico devoto que, debido a sus convicciones religiosas, nunca se divorció de su esposa, Louise Treadwell, a pesar de estar separado de ella. Hepburn, una mujer adelantada a su tiempo y profundamente independiente, aceptó esta realidad sin quejas, viviendo un amor en las sombras pero con una devoción inquebrantable. Ella se convirtió en el pilar que ayudó a Tracy a lidiar con sus problemas de salud y sus episodios de alcoholismo, sacrificando incluso su carrera en los últimos años para cuidarlo. Su romance terminó con la muerte de Tracy en 1967, apenas días después de terminar el rodaje de Adivina quién viene a cenar; por respeto a la familia de él, Hepburn ni siquiera asistió al funeral, demostrando que su amor no necesitaba de ceremonias ni papeles legales para ser el más genuino de la colina de Hollywood.

El manjar en Casa: El triunfo de la lealtad sobre el glamour

La historia de Paul Newman y Joanne Woodward es el testimonio más sólido de que el amor verdadero podía sobrevivir, e incluso florecer, en el terreno volátil de Hollywood. Se conocieron en 1953 mientras trabajaban en la obra de Broadway Picnic, pero no fue hasta el rodaje de El largo y cálido verano en 1957 que su conexión se volvió innegable. 

Tras el divorcio de Newman de su primera esposa, Paul y Joanne se casaron en Las Vegas en 1958, iniciando un matrimonio que duraría 50 años hasta la muerte del actor en 2008. Lo que los hacía únicos era su rechazo absoluto al glamour superficial de la industria; decidieron mudarse a una granja en Connecticut para criar a sus tres hijas lejos de los paparazzi, demostrando que su prioridad no era la fama, sino la familia y el respeto mutuo.

A diferencia de las parejas tormentosas de la época, ellos funcionaban como un equipo equilibrado: ambos eran actores ganadores del Oscar que se admiraban profundamente y que no competían por el ego. Rodaron juntos 10 películas y Newman la dirigió en varias ocasiones, encontrando en ella a su musa definitiva. 

Su relación se convirtió en leyenda gracias a la famosa respuesta de Paul cuando le preguntaban sobre la fidelidad en un entorno de tantas tentaciones: «¿Para qué salir a buscar una hamburguesa si tengo un manjar en casa?». 

Su legado no solo fue cinematográfico, sino también filantrópico, trabajando codo a codo en innumerables causas benéficas. Al final, los Newman demostraron que el secreto de un amor eterno en la gran ciudad no eran los diamantes ni los escándalos, sino la risa compartida y la lealtad incondicional de dos personas que nunca dejaron de ser mejores amigos.

Vivien Leigh y Laurence Olivier: La tormenta shakesperiana

La historia de Vivien Leigh y Laurence Olivier fue la representación más pura del drama shakesperiano trasladado a la vida real. Se conocieron en 1936 y, a pesar de que ambos estaban casados, iniciaron un romance clandestino y febril que escandalizó a la sociedad británica de la época. Para el mundo, eran la pareja perfecta: la mujer más bella del cine, inmortalizada como Scarlett O'Hara en Lo que el viento se llevó, y el actor más respetado del teatro clásico. 

Su boda en 1940 marcó el inicio de un reinado cultural donde el talento y la belleza parecían no tener límites, convirtiéndose en la realeza absoluta de los escenarios de Londres y los sets de Hollywood. Sin embargo, detrás de las ovaciones, su relación fue una batalla constante contra la tragedia y la fragilidad mental. Vivien padecía un trastorno bipolar no diagnosticado en aquel entonces y episodios graves de tuberculosis, lo que provocaba cambios de humor extremos y crisis que Olivier, a pesar de su profunda admiración, encontraba cada vez más difíciles de manejar. 

Su amor fue una hoguera que brilló con una intensidad cegadora pero que terminó por consumirlos; tras veinte años de un matrimonio marcado por el genio artístico y el sufrimiento privado, se divorciaron en 1960. A pesar del dolor de la separación y de que ambos intentaron rehacer sus vidas, nunca dejaron de amarse en la distancia: se dice que hasta el día de su muerte, Vivien mantuvo el retrato de Larry en su mesilla de noche, y él, ya anciano, fue encontrado llorando frente a una de sus películas, lamentando el destino de un amor que fue demasiado grande para la realidad. 

Clark Gable y Carole Lombard: La comedia y la tragedia

La historia de Clark Gable y Carole Lombard fue el romance más vibrante y genuino de los años treinta, una bocanada de aire fresco en un Hollywood obsesionado con las apariencias. Él era el "Rey de Hollywood", el galán rudo de Lo que el viento se llevó, y ella era la reina de la comedia, una mujer eléctrica, malhablada y divertidísima que no temía burlarse de la seriedad de su esposo. 

Se conocieron en 1932, pero el flechazo real ocurrió años después en un baile de disfraces; desde entonces, formaron una pareja que rompía todos los moldes. En lugar de asistir a fiestas glamurosas, preferían pasar el tiempo en su rancho de Encino, vistiendo ropa vieja, cazando, criando pollos y gastándose bromas pesadas que eran legendarias en toda la ciudad. 

Sin embargo, esta comedia romántica de la vida real se transformó en una tragedia nacional en 1942. Durante la Segunda Guerra Mundial, Lombard se entregó con fervor a la venta de bonos de guerra; tras una exitosa gira en su estado natal de Indiana, decidió tomar un avión de regreso a casa antes de lo planeado para reencontrarse con Gable. El avión se estrelló contra una montaña en Nevada, terminando con su vida a los 33 años. Gable, devastado, nunca volvió a ser el mismo; se alistó en la Fuerza Aérea para cumplir misiones de combate en un intento de buscar el mismo destino que ella. Aunque se casó dos veces más años después, al morir en 1960, su última voluntad fue ser enterrado al lado de Carole, demostrando que ella fue la única que realmente conquistó el corazón del Rey. 

El legado del blanco y negroEstas parejas no solo vendieron entradas de cine; construyeron el lenguaje del romance moderno. Nos enseñaron que el amor podía ser irónico como el de Cary Grant, sofisticado como el de Fred Astaire o inquebrantable como el de Paul Newman.Hoy, al ver sus películas, no solo vemos actuaciones; vemos los ecos de vidas que se vivieron con la misma intensidad con la que se iluminaban sus rostros en la oscuridad de una sala de cine.

El actor estadounidense James Van Der Beek murió hoy a los 48 años, según confirmó su familia a través de un comunicado publicado en su cuenta oficial de Instagram.

En el mensaje difundido se indicó: “Nuestro amado James David Van Der Beek falleció pacíficamente esta mañana. Enfrentó sus últimos días con valentía, fe y gracia. Hay mucho que compartir sobre sus deseos, amor por la humanidad y la sacralidad del tiempo. Por ahora pedimos privacidad y tranquilidad mientras lamentamos la pérdida de nuestro amado esposo, padre, hijo, hermano y amigo”.

El representante del actor, Stuart Manashil, confirmó la noticia a CNN mediante un correo electrónico y solicitó respeto por la privacidad de la familia en este momento de duelo.

Van Der Beek había alcanzado fama internacional por su interpretación de Dawson Leery en la serie Dawson’s Creek, uno de los dramas juveniles más populares de finales de la década de 1990. En noviembre de 2024, el propio actor había anunciado públicamente que atravesaba un cáncer colorrectal en etapa 3.

Fuente: con información de CNN

“La nostalgia paga” le dice Kate Hudson a Hugh Jackman en el reciente estreno Song Sung Blue: sueño inquebrantable. Y cuando pasan cosas como las que ocurrieron esta semana con el lanzamiento del tráiler de Amos del Universo uno no puede más que darle la razón: la nostalgia motoriza la industria audiovisual de una manera como nunca antes había ocurrido, con una encerrona generacional en la que la única posibilidad del cine mainstream es atraer por medio de reproducir viejos conceptos.

Amos del Universo está basada en los viejos personajes de la serie animada He-Man y los Amos del Universo, que se emitió entre 1983 y 1985 en Estados Unidos y fue un éxito global. Una serie que sobre la base de los relatos medievales en la senda de Conan el Bárbaro, sumaba una galería de personajes entre excéntricos y queribles, y un tono kitsch que seguramente los niños de esa época no entendíamos aunque nos quedábamos todas las tardes mirando la tele.

Lo curioso es que He-Man no despertó un virus del merchandising, sino que la serie en sí mismo era parte de ese merchandising ya que estaba inspirada en una línea de juguetes de Mattel. Por lo general salía la serie y luego venían los juguetes, pero aquí ocurrió al revés, lo que pone en evidencia el carácter comercial de la tira, realizada exclusivamente para vender figuras de acción. Y bien que lo hicieron. Un capítulo de la serie The Toys That Made Us, disponible en Netflix, da cuenta de este fenómeno.

Como suele ocurrir, y demostrando que no es un mal exclusivo de estos años de consumo enfermizo, a partir de los muñecos y la serie surgieron también spin-off como la serie She-Ra: la princesa del poder, emitida inmediatamente después. Y claro, como no podía ser de otra manera, también dio origen a una película, que es el motivo de este texto: He-Man y los amos del universo, film de 1987 dirigido por Gary Goddard y protagonizado por el ex Ivan Drago de la saga Rocky, Dolph Lundgren, junto a intérpretes de prestigio como Frank Langella y Meg Foster. La película, digámoslo de entrada, era un cachivache inmirable.

Disfrazado con una careta de goma imposible, Langella hizo una de sus actuaciones más ridículas aunque icónicas. Sin embargo en una entrevista Langella no duda en asegurar que disfrutó mucho ese personaje, y que incluso aceptó actuar en la película porque su pequeño hijo era fanático de la serie. Además, escribió algunas líneas para intentar darle un toque más complejo al personaje.

Diferente fue en un comienzo la experiencia para Lundgren, quien en su momento declaró que había sido “una pesadilla”, ya que el rodaje fue extensísimo y los problemas de producción fueron varios. Por lo tanto cuando le ofrecieron hacer una secuela lo rechazó inmediatamente. Pero el tiempo todo lo cura y hacia 2010, en una entrevista mientras promocionaba Los indestructibles, afirmó que le gustaría aparecer en una nueva película de He-Man, incluso como un cameo. Veremos si los productores de la nueva versión lo convocaron.

Con un presupuesto original de 16,8 millones de dólares, la película finalmente tuvo un costo de 22 millones, convirtiéndose en la más cara de Cannon Films, una compañía que merece un texto aparte. Si bien la serie de Filmation fue lo que hizo popular a los muñecos de He-Man en el globo, lo cierto es que la película está basada en la línea de juguetes ya que el productor Ed Pressman había comprado los derechos cinematográficos de los personajes de Mattel, no los de Filmation.

El rodaje, como lo hemos señalado más arriba, fue un poco caótico. Tanto es así que a tres días del final, fue suspendido debido a las dificultades económicas del estudio y no se pudieron rodar escenas como la batalla final entre He-Man y Skelletor, el gran villano. Tuvieron que pasar dos meses para que los productores finalmente le dieran el visto bueno a Gary Goddard para culminar su película.

Si bien He-Man y los Amos del Universo no fue un fracaso, apenas recaudó algo más de 34 millones de dólares. Pero eso no aminoró a la gente de Cannon, que comenzó a circular la versión de que Lundgren había firmado contrato para dos secuelas más, algo que era a todas luces una mentira. No obstante, eso no significa que no se intentó: el director Albert Pyun se hizo cargo de la dirección de la segunda parte, el surfista Laird Hamilton ya había sido contratado para interpretar a He-Man, Mattel había aprobado los personajes que aparecería, se construyeron los sets… pero Cannon Films quebró y la secuela nunca fue posible.

Pero más allá de lo bizarra que es por momentos la película, lo cierto es que el fracaso artístico quebró las posibilidades de seguir estirando el negocio y He-Man se convirtió en una suerte de paria, sólo recuperado por la cultura pop y los fanáticos de lo kitsch. Si bien Netflix produjo nuevas versiones de la serie animada, el proyecto de una nueva película de Amos del Universo recorrió los pasillos de Hollywood durante muchos años, fracasando una y otra vez. Hasta que se hizo la luz.

Finalmente este año conoceremos el reinicio de un universo que, como ocurre en el cine del presente, tiene la intención de convertirse en franquicia. Por lo pronto la presencia del director Travis Knight, el mismo de Kubo y la búsqueda samurái, nos genera algo de expectativa. Y a eso se suma un elenco de nombres interesantes como Nicholas Galitzine, Jared Leto, Idris Elba, Alison Brie, James Purefoy, Morena Baccarin y Kristen Wiig, lo que nos da la esperanza de tomar la espada y gritar con toda la fuerza ¡yo tengo el poder!

Victoria Jones, hija del reconocido actor Tommy Lee Jones, fue encontrada sin vida este 1° de enero en un hotel de la ciudad de San Francisco, Estados Unidos. La información fue confirmada por medios locales y generó un fuerte impacto en las primeras horas del nuevo año.

Según trascendió, el hallazgo se produjo durante la madrugada en un reconocido hotel del centro de la ciudad, luego de que el personal del lugar alertara a los servicios de emergencia por una situación médica. Al arribar al lugar, los profesionales constataron el fallecimiento y dieron intervención a la policía y al médico forense.

Por el momento, las autoridades no informaron oficialmente cuál fue la causa de la muerte y la investigación continúa en curso. Tampoco hubo declaraciones públicas por parte del actor ni de su entorno cercano, que atraviesa horas de profundo dolor.

Victoria llevaba una vida de bajo perfil, alejada del foco mediático, aunque había tenido algunas participaciones en el mundo del cine en el pasado. La noticia generó conmoción tanto en Hollywood como entre los seguidores del actor, uno de los nombres más reconocidos de la industria cinematográfica.

Se espera que en las próximas horas el informe forense aporte más precisiones sobre las circunstancias del fallecimiento.

Si usted es suscriptor de Netflix seguramente esta semana recibió un mail de la plataforma de streaming anunciando la adquisición de Warner Bros., incluidos sus estudios de cine y televisión, HBO Max y HBO. El anuncio, que suena bastante feliz en el mensaje oficial, celebra que a clásicas franquicias como Stranger Things, Merlina, El juego del calamar, Bridgerton en breve se reunirán en una misma pantalla a otras como Harry Potter, Friends, The Big Bang Theory, Game of Thrones, el Universo DC y títulos históricos como Casablanca. El mensaje no deja de ser llamativo porque si bien Netflix confirmó oficialmente la compra el pasado viernes 5, el acuerdo no está cerrado y hay disputas políticas y empresariales que parecen empantanarlo y se han convertido en la comidilla de Estados Unidos en los últimos días.

Pero caramba, después de confirmar la compra, en otro párrafo del mismo mensaje enviado por la plataforma se dice que si bien “por el momento, no habrá cambios de ningún tipo. Ambos servicios de streaming seguirán funcionando de forma independiente”, luego se aclara que “debemos seguir una serie de pasos antes de cerrar la transacción, incluidas aprobaciones por parte de autoridades reguladoras y de accionistas”. Así como lo vemos a primera vista, el mail de Netflix sonó más a una apurada para meter presión que a algo concreto.

Lo cierto es que más allá de las luchas de poder empresariales y los dilemas vinculados con leyes antimonopólicas que tendrán que ser tenidas en cuenta por quienes aprueben o no esta compra, la absorción de Warner por parte de Netflix plantea otros vericuetos que tienen que ver con las formas de consumo y producción audiovisual, que claramente se han visto modificadas de manera trepidante de la pandemia al presente. Si bien el de las plataformas era un proceso ineludible, aquellos meses de encierro hogareño potenciaron un mercado y modificaron métodos de consumo. Ir al cine es una actividad que está a la baja en todo el mundo y esta movida empresarial podría ser el tiro de suerte. Hace años la compra de FOX a manos de Disney generó su ruido, pero era una fusión entre empresas que tenían una visión similar. Aquí estamos hablando de un histórico del cine que desaparecería a favor de la empresa que vino a modificar y romper un sistema que parecía perfecto.

LA CAÍDA DEL HALCÓN WARNER

La primera pregunta que surge es cómo una empresa como Warner terminó en esta situación. Lo cierto es que la fusión Warner–Discovery realizada en 2022 no dio los resultados esperados y hoy la compañía tiene una deuda de 50.000 millones de dólares. Esta situación de debilidad financiera se acrecienta por situaciones de contexto como la baja de la publicidad en la televisión tradicional, la pérdida de abonados de la TV por cable y el escaso predicamento que tuvo el streaming HBO Max. Para los especialistas, la compañía no logró construir un modelo claro y competitivo que compensara los huecos generados por la caída del negocio lineal.

Los medios relacionados con el mundo bursátil señalan que desde la fusión, el valor de Warner-Discovery fue cayendo de manera sostenida. Si bien el catálogo de la compañía es uno de los más ricos de la industria cinematográfica norteamericana, la empresa no tenía el músculo para comercializarlos globalmente sin la presencia de un socio. Esta situación se sumó a decisiones polémicas, que llevaron a cancelaciones de producciones y a idas y vueltas que generaron inestabilidad, lo que hizo que la empresa exhibiera puertas afuera una debilidad mayúscula.

Ante ese escenario, el CEO David Zaslav impulsó un plan para separar los activos de la empresa y vender por un lado los estudios y el streaming, mientras que por el otro se pueden comercializar los canales de TV (CNN, Discovery, TNT, entre otros). Esto demuestra en cierta medida que la empresa cuenta con elementos de valor que seducen a cualquier comprador interesado, pero a la vez que es muy difícil de sostener de la manera en que se estaban llevando adelante los negocios. Warner parece haber caído presa de su propia ambición, esa que llevó a muchas empresas del rubro a tomar decisiones apresuradas durante la pandemia y ante el furor por las películas y series para ver en el hogar.

LA DISPUTA: NETFLIX-PARAMOUNT

Netflix pareció avanzar sobre terreno firme cuando confirmó el citado 5 de diciembre la compra de Warner-Discovery. Según se dijo en ese momento, el acuerdo definitivo era por 82.700 millones de dólares por la adquisición de los estudios de cine y televisión de Warner, incluyendo HBO y HBO Max. Netflix avanzó con la compra luego de la mencionada separación propuesta por Zaslav, por lo que la N no se haría cargo de canales como CNN, TNT, Discovery+, entre otros. De todos modos, ya se sabe que el acuerdo llevará -regulaciones por medio- un tiempo hasta efectivizarse, el cual la mayoría de los especialistas estiman que sería de entre 12 y 18 meses, por lo que la avanzada final recién se conocería -con suerte- en el último trimestre del año próximo.

Esto quiere decir que el acuerdo no está cerrado como lo plantea Netflix en su mail y que todavía restan las revisiones legales, que incluyen una mirada a la ley antimonopolio que en Estados Unidos es bastante poderosa. Incluso en la contienda se metió un jugador impensado, nada más y nada menos que el presidente Donald Trump. Según manifestó públicamente, no ve con buenos ojos la transacción ya que según su punto de vista podría haber problemas por el tamaña del mercado combinado. De hecho, dijo que seguirá atentamente el tema y que se involucrará en el asunto, algo que fue cuestionado desde algunos sectores de la política y el empresariado por cuanto este tipo de controles corresponden a agencias independientes y no a la política, mucho menos al presidente.

Y si lo de Trump no fue suficiente, el panorama se embarró bastante para Netflix con la aparición inesperada de un contendiente: Paramount Skydance. La compañía ofreció un acuerdo por 108.000 millones de dólares, superior al de la N, pero además en la compra incluiría el paquete de canales, por lo que sería mucho más seductora la propuesta. El interés repentino de Paramount Skydance llamó la atención, aunque los medios norteamericanos se han encargado de desentrañar el misterio y ahí apareció un nombre que ya mencionamos: Donald Trump. Es que entre los accionistas de Paramount Skydance se encuentran fondos soberanos del Golfo y firmas como Affinity Partners, que es nada más y nada menos propiedad del yerno de Trump, Jared Kushner.

Que el yerno del presidente participe en este acuerdo no es algo menor, sobre todo si se tiene en cuenta que el canal de noticias CNN, habitualmente incómodo a los intereses del republicano, entraría en la bolsa.

CAMBIA, TODO CAMBIA

Más allá de los vericuetos de la política y del mundo empresarial, en lo concreto para los usuarios de plataformas no se modificaría demasiado el panorama. Los contenidos de HBO Max pasarían a Netflix y hasta se ahorrarían la molesta separación de tener que ir cambiando de app para ver los contenidos favoritos. Esto es así, claro, si pensamos en el espectador de cine como un usuario, un consumidor hogareño. Sin embargo como ya han cuestionado productores, directores, exhibidores y algunas figuras como Jane Fonda, esto podría ser una estocada fatal para el cine como experiencia que se vive en las salas.

Algo que está en juego con esta compra es precisamente la defensa de esa experiencia, la de la sala a oscuras y la de participar del ritual con desconocidos. Netflix ha sido siempre contraria a este tipo de propuestas y ha lanzado a regañadientes algunos estrenos en pocas salas y en días contados. Su negocio está en el hogar. Si bien la promesa de mantener la exhibición en salas de las producciones de Warner está hecha, la experiencia real presenta algunas dudas. En el debate entran detalles como las ventanas de exhibición, ese trayecto que va desde la película en el cine a su llegada a la plataforma, que ya se han acortado bastante desde la pandemia en adelante.

Tal vez ir al cine sea un disfrute que pertenece a generaciones adultas y las nuevas generaciones no la tengan entre sus principales activos. Lo cierto es que ya sin el logo de FOX desde la compra de Disney, y con Warner en peligro de extinción, hay todo un mundo que amenaza con desaparecer.

Una revuelta de clones en un mundo intergaláctico, una invasión alienígena comandada por Steven Spielberg, un grupo de mafiosos históricos registrados por la cámara de Martin Scorsese, una reina y una bruja mala en las tierras de Oz. ¿Qué tienen en común el Episodio II de Star Wars, Guerra de los mundos, El irlandés y Wicked? Que todas fueron nominadas al Oscar por sus efectos especiales. Pero hay una coincidencia más: que sus efectos fueron coordinados por un especialista argentino, Pablo Helman, quien desde 1996 se encuentra trabajando en la principal industria cinematográfica del mundo. Ahora, con el estreno de Wicked: por siempre, repasó con El Marplatense cómo fue el trabajo que desarrolló junto al director Jon M. Chu: “La parte más difícil de hacer fueron las dos mil tomas que hubo de efectos visuales y tratar de trabajar con mil artistas de efectos visuales. Hay que tener la comunicación y dominar el trabajo, o si no, no lo terminás”.

Con un pasado musical como baterista de la icónica banda de rock argentino Los Moros, Helman se instaló en Estados Unidos y desembocó en el fascinante universo de las imágenes generadas por computadora. Con más de treinta películas en su haber, aseguró que lo suyo es por un lado “la innovación”, pero por otro el “contar un cuento”. Y en el musical basado en los personajes de El mago de Oz, con Cynthia Erivo como la bruja Elphaba y Ariana Grande como la reina Glinda, hay varios aspectos que comienzan por la tecnología pero que decantan en el noble arte de la narración. Por ejemplo, Helman calificó como “un personaje más” a la capa Elphaba: “Es heroica, es elegante, cuenta la historia de transiciones. A veces la transición de una escena a otra es la capa. En ese sentido, Jon M. Chu nos dio el lugar para hacer efectos visuales que cuentan una historia”.

Apasionado con su trabajo, Helman vuelve una y otra vez a la idea de que los efectos especiales no son sólo un adorno sino un elemento que sirve para narrar. En ese sentido puso como ejemplo la compleja escena de The girl in the bubble, un momento destacado de la película en el que Glinda se deconstruye a través de espejos y Ariana Grande brilla con su interpretación. “Es una secuencia de cuatro minutos con un montón de espejos y la cámara va de un lugar a otro. Todas las reflexiones fueron filmadas independientemente de las otras, porque la cámara no puede ir por el espejo. Entonces fue una cosa técnica muy, muy difícil, que se empezó a hacer hace mucho tiempo”, explicó.

-De cara a la segunda parte de Wicked, cuáles fueron los desafíos que se plantearon en relación con la película, teniendo en cuenta que la primera ya había sido destacada por su aspecto visual y por sus efectos digitales.El principio de la película fue importante en cuestión de efectos visuales, porque filmamos en un campo completamente abierto, donde no había mucho, nada más un campo, especialmente en Inglaterra, que la luz es bien difusa. Con todas las criaturas que estaban en el principio de la película. Después hay otra secuencia que se llama No place like home, que también fue una secuencia que tuvo un montón de criaturas que fueron todas en efectos visuales. Cuando la filmamos, hubo una compañía de gente que trabajaba como si fueran animales para interactuar con los actores, pero después empezamos con más o menos unos quince animales y terminamos con cientos de animales. Entonces fue una cosa bastante difícil de hacer. Después la secuencia de No good deeds, en la que Elphaba se convence de que ella es la bruja. Es un momento muy importante en el arco del personaje y fue una secuencia muy importante porque cuando filmamos nada más había tres o cuatro cosas de escenario, muy poquito, y era una secuencia de pantalla azul con todos los monos, con la luz, con el entorno de toda esa secuencia que directamente se ve en el background, que está alrededor de ella. En realidad todo el entorno de Oz: se ven las cataratas de Oz que fueron en la primera película, se ve el desierto que va a ser al final de la segunda película, es decir que un montón de cosas tuvieron que hacerse.

-Cuando tenés que intervenir imágenes que pertenecían a El mago de Oz, una película casi centenaria, ¿cómo se toma ese trabajo? ¿Cuánto intervenís sobre las imágenes ya creadas y cuánto te permitís innovar?Mi trabajo es innovación. Generalmente mi primera reunión con un director tiene que ver con que el director dice: ‘Quiero que me des algo que nadie haya visto antes’. Ese es mi trabajo. Por eso a veces me preguntan si vi tal o cual película y no la vi. No la quiero ver tampoco, hasta que no termine un trabajo, porque no quiero que eso influya en lo que yo hago. Aparte, está innatamente en el guion, en el sentido de que es un punto de vista completamente diferente de otros puntos de vista acerca de la historia. Y a pesar de ser la historia de El mago de Oz o de Dorothy, es: ‘¿Qué pasa detrás de esta historia? ¿Cuál es la pregunta detrás de la pregunta?’. Pero el director tiene que darte la premisa y el permiso de hacer ese tipo de cosas. Si no tenés el permiso y la confianza del director, entonces es un trabajo bastante difícil. Jon M. Chu fue una persona que tuvo mucha confianza en nosotros y en mí. Por empezar, es una muy buena persona. Y después de 30 años te puedo decir que para mí lo más importante es trabajar con gente con la que quieras trabajar.

-¿Creés que aún hay lugar para la innovación en materia de imágenes? Más allá de la tecnología, ¿todavía es posible impactar al espectador con algo nuevo?Sí, hay tiempo para innovar. Eso es parte de mi trabajo y por eso me contratan. A toda la gente, en realidad. Tu trabajo es ser innovador, ser creativo, traer diferentes perspectivas a una solución, ser inclusivo, tener una visión amplia. Yo escucho mucho, uso mis oídos mucho, porque me interesa ver qué es lo que la gente alrededor mío está pensando, qué es lo que me están ofreciendo. Pero es ser creativo, es encontrar soluciones a veces en la parte creativa. Por ejemplo, usar efectos visuales para contar el cuento. Un ejemplo perfecto es una escena en la que Glinda canta una canción que se llama I couldn't be happier. En realidad, cuando ella canta eso, lo que quiere decir es exactamente lo opuesto, que no está feliz. Al principio la cámara está fuera de ella, está detrás de ella mirando a cientos de personas. En ese momento, la cámara es un testigo de lo que está pasando. Cuando la cámara da vuelta y se encuentra con un close-up, en realidad vas adentro de ella y ella está diciendo que no está feliz. Entonces el confetti y todo eso que está alrededor de ella, que está en el aire, tiene otra velocidad. En ese momento, los efectos visuales están contando la historia de lo que está pasando dentro de ella. Eso es muy difícil de hacer, porque generalmente los efectos visuales son para explicar todo lo que pasa alrededor, una cosa geográfica. Pero en ese momento, los efectos visuales están contando ese cuento.

Tras el fallecimiento de Diane Keaton a los 79 años, se fue una de las actrices más características del cine norteamericano de las últimas cinco décadas. Con 74 créditos en la plataforma IMDB, Keaton revirtió varios mandatos a lo largo de su carrera: fue la primera gran musa de Woody Allen y brilló en muchas de sus comedias originales, en los 80’s y 90’s alternó entre films de prestigio y comedias, y en el nuevo siglo se convirtió en la madre y luego en la abuela de películas sin demasiada ambición, pero que la mostraron siempre presente.

Cuando muchas actrices se quejan del paso del tiempo y que no consiguen personajes para ellas, Keaton demostró todo lo contrario. Si repasamos su carrera, desde 1970 al presente, casi no hay un año en el que no tengamos una películas protagonizada por ella y, como pocos intérpretes, muchas tenían el favor de estrenarse en los cines argentinos, demostrando que era la reina de la comedia para la tercera edad y que el público quería verla. Si bien lo más logrado de su filmografía no está en plataformas, aquí repasamos un puñado de películas disponibles para mantener vivo su recuerdo.

El padrino de Francis Ford Coppola (1972)

Su primera gran actuación fue nada más y nada menos que en la obra maestra de Francis Ford Coppola, la película que lo resume todo y que sigue manteniendo una vigencia increíble. Allí interpretó a Kay Adams, la sufrida esposa de Michael Corleone (Al Pacino), un personaje femenino fuerte en medio de ese mundo de hombres violentos y con hambre de poder. Sin lugar a duda Kay fue la protagonista de uno de los finales más recordados de la historia del cine, aquel momento en que tras el ascenso de Michael como jefe de la familia, le cierran la puerta en la cara y la dejan sin poder ver lo que sucede dentro de esa habitación. Disponible en Netflix, Mercado Play, Paramount+.

Un despertar glorioso de Roger Michell (2010)

Las películas sobre noticieros televisivos son todo un subgénero de Hollywood, demostrando que en ese vértigo de la pantalla chica hay un universo divertido y a ser explotado por el cine. Es el caso de esta comedia centrada en las internas de uno de esos programas periodísticos de la mañana, donde la lucha es por la calidad de los temas que se abordan, que van entre la banalidad y lo realmente importante. La película tiene un elenco destacado, con Rachel McAdams, Harrison Ford, Patrick Wilson y Jeff Goldblum, con Diane Keaton interpretando a la conductora, y confirmando que el tipo de comedia ligera es una de sus especialidades. Disponible en Mercado Play.

La joya de la familia de Thomas Bezucha (2005)

Si hablamos de subgéneros de Hollywood, el de las reuniones familiares para alguna celebración es otro que no puede faltar, y Diane Keaton protagonizó varias de estas películas, muchas de ellas entre descartables y espantosas. Sin embargo la más lograda, por lejos, es La joya de la familia, en la que interpreta a la matriarca de los Stone, una mujer bohemia y de buen espíritu que funciona como el pegamento que une a todos sus integrantes. La película no se mueve un centímetro de lo esperable, incluso con su giro final lacrimógeno, pero sus enredos entre hermanos y parejas funcionan, y el elenco es muy bueno como para que cada uno tenga su momento de lucimiento, con un seleccionado de grandes actrices generacionales: Diane Keaton, Craig T. Nelson, Dermot Mulroney, Sarah Jessica Parker, Luke Wilson, Claire Danes, Rachel McAdams. Disponible en Disney+.

Buscando a Dory de Angus MacLane y Andrew Stanton (2016)

Diane Keaton también prestó su voz para películas animadas, destacándose obviamente su rol en Buscando a Dory, la secuela de Buscando a Nemo en la que la querible pececita Dory sale a buscar a sus padres, o viceversa. Todo es alocado, como en el espíritu del personaje, y la película cierra con un clímax maravilloso en el que la pandilla de peces toma un vehículo y sale a la ruta en tal vez una de las secuencias más graciosas e hilarantes del Pixar de la última década. La película tiene también su momento emotivo, y en parte tiene que ver con Keaton y su personaje, nada más y nada menos que Jenny, la madre de Dory. Disponible en Disney+.

Campamento de verano de Castille Landon (2024)

La última película de Diane Keaton fue una que sintetiza bien su carrera en las últimas décadas, centrada en comedias románticas para la tercera edad y en estas comedias geriátricas en las que personajes se reencuentran o viven aventuras como en la juventud. Básicamente, es Keaton demostrando que había allí una industria que explotar y que la veteranía no es sinónimo de abandono y soledad. En Campamento de verano es Nora, una de las tres amigas que vuelven al lugar del título tras varias décadas y con todos los recuerdos de la infancia. Las otras dos amigas son Kathy Bates y Alfre Woodard, y aparecen otros veteranos como Eugene Levy, Dennis Haysbert y Beverly D’Angelo. Disponible en HBO.

Robert Redford, una de las máximas estrellas de la historia del cine, falleció este martes a los 89 años en su residencia de Utah, Estados Unidos. 

Con una carrera de más de seis décadas, Redford brilló en clásicos como Butch Cassidy and the Sundance Kid, Descalzos en el parque, Todos los hombres del presidente y El gran Gatsby. Además de su prestigio como actor, fue reconocido como director por Gente como uno, película que obtuvo cuatro premios Oscar, incluido el de mejor película.

Su compromiso con el cine independiente lo llevó a fundar el Sundance Institute en 1979 y el Festival de Sundance, que se convirtió en una de las plataformas más influyentes para los nuevos realizadores. En 2002 recibió un Oscar honorífico y en 2016 la Medalla Presidencial de la Libertad.

En sus últimos años también participó en películas como The Old Man & The Gun y en el universo Marvel como Alexander Pierce en Capitán América: El Soldado del Invierno y Avengers: Endgame.

Más allá de la pantalla, Redford fue un firme activista por el medio ambiente y los derechos civiles, siendo distinguido con premios internacionales como el Príncipe de Asturias y la Legión de Honor francesa.

Su legado trasciende su filmografía: inspiró a generaciones de artistas y consolidó al cine independiente como un pilar de la industria mundial.

Fuente: Infobae

Con 85 años cumplidos en abril, Al Pacino es ya una leyenda de Hollywood. Uno de esos actores de carácter que en los 70’s ayudó a redefinir el estilo de actuación imperante y que desde entonces se convirtió en una referencia de lo que el gran público entiende como un actor talentoso. Y si bien durante dos o tres décadas se mantuvo en la cima, desde hace ya bastantes años su sombra se impone más que su presencia. Esta semana lo pudimos ver en los cines haciendo de cura en Exorcismo: el ritual, sin embargo algunas de sus películas pueden ser vistas en plataformas, obviamente empezando por la imperdible trilogía de El padrino, tal vez su mejor actuación en cine como Michael Corleone.

Pacino fue nominado al Oscar ocho veces, pero sólo lo ganó una vez, en su séptima nominación allá por 1993 y por tal vez una de sus peores actuaciones: Perfume de mujer (ese año también había sido nominado como actor de reparto por El precio de la ambición). No deja de ser curioso que siete de las ocho nominaciones para Al Pacino hayan sido por películas en sus primeras dos décadas de carrera, y desde que lo ganó hace 32 años sólo haya sido nominado por El irlandés. Curiosidades de los premios.

Pero si como decíamos, desde hace un tiempo su sombra es más importante que su presente, Pacino está en absoluta actividad y si uno ingresa a la base de datos del cine por excelencia en la web, IMDB, podrá descubrir que su nombre aparece relacionado a nueve proyectos que están en etapa de post o pre producción. Algunos de esos proyectos, incluso, pertenecientes a directores reconocidos como Barry Levinson, Gus Van Sant, Nic Pizzolatto o Julian Schnabel. Pacino todavía es Pacino.

Descartando, como decíamos, las películas de El padrino, esta búsqueda de Al Pacino por las plataformas comienza con Fuego contra fuego, el épico policial de Michael Mann que redefinió la manera de filmar tiroteos y secuencias de robos a bancos. La película se centra en la relación de gato y ratón que mantienen un reputado criminal y un policía, y se vendió en aquel momento como el primer encuentro en un mismo plano entre Al Pacino y Robert DeNiro, por entonces los dos actores más emblemáticos de Hollywood (anteriormente habían compartido El padrino 2, pero nunca tenían escenas conjuntas). Es una película excesiva y centrada en la figura de dos personajes obsesionados con su trabajo, un tópico habitual del cine de Mann. Disponible en Disney+.

Pacino protagonizó en El padrino un film de mafia clásica, pero también entre sus hits se encuentra este acercamiento al cine de mafiosos contemporáneo, hablamos de Caracortada de Brian De Palma con guión de un tal Oliver Stone. Remake a su manera de una vieja película de Howard Hawks, esta Caracortada es con toda su ambición formal, su parafernalia de puesta en escena y sus momentos de altísima violencia, una película que reflexiona sobre el estado de las cosas en aquella América de inmigrantes y consumo de drogas y ascenso y materialismo extremo. Pacino logra una de sus actuaciones más celebradas y algunas escenas tuvieron la capacidad de volverse meme. Disponible en Netflix y Prime Video.

Luego de ganar el Oscar, Pacino se relajó y empezó a trabajar en películas menos ambiciosas en un sentido del prestigio, donde aprovechaba su nombre para hacer lo que se le antojaba. Y como Pacino todavía significaba algo para el espectador de fines de los 90’s, El abogado del diablo de Taylor Hackford se convirtió en un éxito impensado. Este film sobre el poder y la ambición era demasiado evidente en sus intenciones, pero hay que reconocer que hacia el final, cuando el giro sorpresa se revela, Pacino ofrece una sobreactuación memorable, tal vez una de las mejores sobreactuaciones en la historia del cine. Eso acompaña el dislate y la locura de una película desenfadada. Disponible en Netflix.

En 2019 Al Pacino participó de dos obras maestras. Un fue Había una vez en Hollywood de Quentin Tarantino, con una breve actuación, y la otra fue El irlandés de Martin Scorsese, donde interpretaba a Jimmy Hoffa, ese sindicalista representante de los transportistas, cuyo cadáver sigue sin ser hallado. Pacino estaba perfecto en la película, especialmente hacia las últimas escenas, en las que su destino trágico ya se adivinaba. El irlandés es además una demostración del talento superior de Scorsese, que aquí demostraba la sabiduría de dialogar con todo su cine previo. Disponible en Netflix.

Cerramos estas recomendaciones con una película que es un verdadero espanto, Jack y Jill, con Adam Sandler (de lo peor del comediante), en la que el actor comete ese error de muchos intérpretes de comedia de creer que pueden interpretar dos personajes (o más) a la vez: aquí un tipo algo aburrido y su hermana gemela, que es insoportable. Sin embargo este texto es sobre Pacino y hay que reconocer que Pacino está increíble. No son muchas las escenas en las que aparece, pero su capacidad para burlarse de sí mismo y su estatus de estrella es saludable y divertido, y logra sacar verdaderas carcajadas. Disponible en Flow.

Una joven nada en el mar plácidamente. De repente, la música nos va alertando algo, el peligro la acecha. En pocos segundos, la imagen pasa de la serenidad al horror: un tiburón despedaza a la nadadora y el mar se tiñe con el rojo de la sangre. Será el comienzo de una historia de terror, la de los habitantes y visitantes de una ciudad turística amenazada por la presencia de una bestia marina. Y será, también, el comienzo de una forma de hacer y ver cine, que modificaría para siempre a la industria de Hollywood. A 50 años de su estreno (20 de junio de 1975), Tiburón sigue siendo una obra potente y conmovedora, además de ejemplar desde lo narrativo.

La novela de Peter Benchley que tenía como protagonista a un despiadado tiburón, era bastante codiciada por esos tiempos en Hollywood y algunos nombres importantes fueron señalados para dirigirla. Pero finalmente se hizo cargo un joven de 28 años llamado Steven Spielberg, quien había mostrado algo de su talento en capítulos de series como Columbo (dirigió un episodio, Murder by the book, que ya adelantaba su maestría como narrador), pero además con su primer film, Reto a muerte, que en verdad fue un telefilm que logró tal estatus que terminó llegando a los cines. Luego llegaría la interesante Loca evasión. Y así nomás Spielberg se convertiría en la joven promesa de un Hollywood que estaba en plena ebullición de ideas.

El proyecto Tiburón tenía sus particularidades, ya que necesitaba de alguien con pericia para manejar la complejidad de su rodaje, con muchas escenas marinas y la tensión puesta en la efectividad del monstruo: ese tiburón amenazante que era como un asesino en serie, o como el camión malvado que Spielberg había recreado en Reto a muerte. Bueno, paradójicamente para quien vio la película y sabe de la efectividad de su suspenso, el mayor problema que tuvieron fue precisamente ese tiburón mecánico, que no funcionaba, se veía falso y cuya puesta en funcionamiento se terminaría devorando tres de los cuatro millones de dólares iniciales que costó la película. El presupuesto final, entre dilaciones y un rodaje que se extendió por encima de lo pautado, fue de nueve millones.

Pero esa complicación terminó siendo la principal virtud de Tiburón. A Spielberg se le ocurrió que en vez de mostrar el monstruo, debía sugerirlo. Y para sugerirlo y que la cosa funcione, debía contar con una música que genere la expectativa, la tensión, el suspenso. Así es como trabajó con el autor de la banda sonora, un tal John Williams, un leitmotiv que tuviera el suficiente peso como para representar a la bestia. Y Williams lo logró, un poco sobre la base de algunos aprendizajes del Bernard Herrmann de Psicosis, con una melodía que era bastante monótona hasta que ascendía y generaba terror. Si quieren ver alguna anécdota divertida sobre la música de Tiburón, vean en Disney+ el documental La música de John Williams donde el músico y el director cuentan cómo fue la creación de esa partitura.

Lo de la música no será el único aprendizaje que Spielberg traería de Hitchcock, uno de sus directores favoritos. Hay un plano, que el director hace sobre el rostro de Roy Scheider cuando avista al tiburón, que es una réplica de aquel sobre el rostro de James Stewart en la fantástica Vértigo. La referencialidad, el guiño cinéfilo, el lenguaje cinematográfico abrevando sobre sí mismo es una de las principales enseñanzas de los directores que renovaron Hollywood en los 70’s. Aunque obviamente el director también tomaría elementos de la literatura, especialmente Moby Dick de Herman Melville (ya la novela de Peter Benchley tenía esas referencias) fundamentalmente en el personaje de Quint, un capitán Ahab moderno, obsesionado con darle caza a la bestia.

Entre problemas técnicos, un rodaje que se extendió más de lo debido y hasta instancias para improvisar el guión, Tiburón no tuvo problemas para convertirse en un suceso del cine de verano en Estados Unidos, abriendo ese concepto de blockbuster que conocemos en estos tiempos. En primera instancia logró el milagro de una película de género nominada al Oscar, y si bien no obtuvo el de Mejor Película sí se llevó los otros tres por los que peleaba: banda sonora original, montaje y sonido. Pero fundamentalmente su logro más imponente fue la recaudación de 470 millones de dólares, convirtiéndose en la más vista del año por escándalo (en la taquilla norteamericana le siguió The Rocky Horror Picture Show con 112 millones) y en la más vista en la historia del cine hasta ese momento y hasta que llegó una mezcla de western con samuráis en el espacio conocida como Star Wars.

Como decíamos, Tiburón inauguró la idea del blockbuster de verano, pero también modificó el cine comercial y los modos de consumo culturales. Incluso, y si bien no fue la primera en esto, innovó en la utilización de estrategias de marketing y la venta de merchandising que hasta ese momento estaba destinado casi exclusivamente al cine infantil. Pero Tiburón fue la que instaló la venta de productos alrededor de una película destinada a un público adulto.

Con todas sus cosas positivas, Tiburón también tuvo para sus autores, especialmente para el novelista Peter Benchley y para el director Steven Spielberg, un pesar. Y fue la manera en que el tiburón se convirtió en el animal más temido por los humanos, cuando en verdad está lejos de ser la especie más despiadada. Cuenta la anécdota que se generó pánico entre los bañistas, que se negaban a introducirse al mar, y aumentó la caza de escualos, lo que disminuyó su población. “Realmente lamento la demonización de los tiburones que resultó de Tiburón. Nunca fue mi intención convertirlos en monstruos, pero la película tuvo un impacto cultural enorme”, se lamentó Spielberg en una entrevista de 2013.

Todas estas anécdotas y muchas más, seguramente, aparecerán en el documental Tiburón: la historia de un clásico dirigido por Laurent Bouzereau, que se estrenará el próximo 10 de julio en Disney+. Es que a 50 años de su estreno, la película de Spielberg sigue siendo un ejemplo narrativo, que ha sido emulado incontable cantidad de veces, pero nunca igualado, y que ha sido citado en incontable cantidad de films, hasta en las películas menos imaginadas, como cuando ingresa la temible sobrina del odontólogo en Buscando a Nemo y la música de John Williams nos anticipa el horror.

El actor estadounidense Val Kilmer falleció el 1 de abril de 2025 en Los Ángeles a los 65 años debido a una neumonía, según informó su hija Mercedes. Kilmer, reconocido por su versatilidad y carisma, alcanzó la fama con su papel de Tom “Iceman” Kazansky en “Top Gun” (1986). También interpretó a Jim Morrison en “The Doors” (1991) y encarnó a Batman en “Batman Forever” (1995). En 2014, fue diagnosticado con cáncer de garganta, lo que afectó su voz y salud en general. A pesar de estos desafíos, retomó su papel de Iceman en “Top Gun: Maverick” (2022), donde su personaje también enfrentaba problemas de salud similares. Kilmer deja dos hijos, Mercedes y Jack, fruto de su matrimonio con la actriz Joanne Whalley.

Puede que para el cinéfilo más duro el nombre de Sean Baker sea totalmente conocido y su triunfo en la última entrega del Oscar con la excelente Anora haya sido la aceptación del mainstream de su talento. Pero para el público masivo, el que consume películas que están por fuera del radar que el director ha explorado hasta el momento, es sin dudas un gran extraño. ¿Quién es ese hombre simpático que subió al escenario con la tranquilidad de quien va a desayunar un martes y sin el glamour y la pomposidad habitual de los ganadores?

Primero un dato anecdótico, de esos que les gustan a los que adoran las estadísticas en las entregas de premios. Con el triunfo de Anora en los rubros de Mejor Película, Dirección, Guión Original y Montaje (además de Actriz, obvio), Baker ingresó a un club exclusivo que hasta el momento sólo integraban nombres tan disímiles como Walt Disney y Bong Joon-ho: el de las personas que ganaron cuatro Oscars en la misma ceremonia. Imaginen que Alfred Hitchcock ni siquiera ganó uno.

Disney lo hizo en 1954, cuando la división de rubros era diferente y se les daba un fuerte impulso a los cortometrajes: ganó por Mejor Cortometraje de Animación, Mejor Cortometraje Documental, Mejor Cortometraje de Dos Rollos y Mejor Largometraje Documental. Hubo que esperar 66 años hasta que el gran creador de cine animado tuviera un acompañante en ese club, cuando en 2020 Bong Joon-ho logró la osadía de ganarle a Martin Scorsese y Quentin Tarantino con Parásitos los Oscars a Mejor Película, Mejor Películas Internacional, Mejor Dirección y Mejor Guión Original.

El triunfo de Baker es casi como un cuento de hadas, esos con los que coquetea en sus ficciones agridulces sobre personajes marginales que como pueden persiguen su objetivo. Anora, lo dicen enfáticamente sus personajes, es una suerte de reverso de Cenicienta. O, más bien, la imposibilidad de su concreción. La historia de una prostituta que conoce al hijo de un magnate ruso y que vive la vida de lujo y hedonismo hasta que el sueño se termina. Y lo hace con pasajes turbulentos en los que la película va cambiando de género y descolocando al espectador. Es por un lado su película, si se quiere, más convencional (dentro de lo que puede ser convencional el mundo de Baker) y a la vez la más imprevisible.

Los cuentos de hadas ya estaban de alguna manera en otra de sus historias, Proyecto Florida, donde por primera vez alcanzó el interés del público masivo y hasta contó con una estrella del calibre de Willem Dafoe. El actor estuvo nominado al Oscar por su trabajo, en lo que significó la primera demostración de que el mainstream ya había visto el cine singular de Baker y comenzaba a prestarle atención. La estupenda Proyecto Florida seguía a una hija y una madre que vivían en un hotel, cerca de Disneyworld, pero del otro lado, del lado de los marginales y de los que nunca tendrán acceso a ese mundo de sueños.

Si los temas de las películas de Baker parecen lo suficientemente arduos como para impresionar a un espectador sensible -marginalidad, adicciones, prostitución- a no preocuparse, estamos ante uno de esos directores a contramano del cine actual, ganado por la misantropía y el desprecio por la humanidad, cómodamente ubicado en un lugar de distancia lo suficientemente canchero como para ganar el favor de un espectador cínico. Para Baker acercarse a esa marginalidad no es una herramienta para exhibir el horror y mostrarse por encima, sino para ponerse en el lugar de un igual, sin embellecimientos falsos ni romanticismos patéticos. Busca el verismo pero sin dejar de demostrar que está enmarcado en una ficción cinematográfica con sus resortes dramáticos y recursos de guión. Hay que decirlo, Baker es una rara avis: filma casi exclusivamente lo que conoce.

Y vaya si conoce ese mundo. En una entrevista reconoció que hacia fines de los 90’s fue adicto a la heroína: “Tuve problemas con las drogas, fui adicto a la heroína a finales de los noventa, cuando yo era un veinteañero. A veces me asusto cuando me doy cuenta de que me acerco demasiado de nuevo a esos mundos”, comentó antes de agradecer a Narcóticos Anónimos por ayudarlo a salir adelante. Y, claro, del cine, que posiblemente haya sido una herramienta para exorcizar esos demonios. Por eso se entiende también su forma comprensiva de acercarse a esos universos que para otros serían mundos ruines llenos de suciedad y para Baker son espacios hasta claros y diurnos. Pocos directores filman el cielo y la luz como él en el cine actual.

Incluso, para los fanáticos de la tecnología, Baker fue uno de los primeros en filmar películas con celulares, como Tangerine, que fue rodada con tres teléfonos móviles IPhone 5. Un detalle que surgió de los problemas de producción y presupuestarios que venía acarreando, pero que por otro lado fueron una gran elección estética para contar la historia de una prostituta transexual que busca al proxeneta que le rompió el corazón.

La carrera de Baker comenzó en 2000 y en 2004 llamó la atención del circuito independiente con Take out, la historia de un inmigrante ilegal chino que tiene una fecha límite para pagar una deuda. Pero le llevaría unos años más comenzar a escalar en el plano internacional. En Argentina su figura fue conocida gracias al Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, que en 2012 puso en Competencia Internacional a Starlet y en 2015 a Tangerine, que ganó precisamente el premio a la fotografía otorgado por la Asociación de Directores de Fotografía (ADF). Fue el comienzo del despegue de su carrera.

El triunfo en el Oscar fue sumamente importante para las aspiraciones del director, pero también presenta una incógnita: ¿se verá tentado por un mayor presupuesto a hacer otro tipo de cine? ¿Qué historias contará en el futuro? ¿Por dónde seguirá su cine? Si sirve como ejemplo, un éxito parecido en la última década lo tuvo Barry Jenkins con la independiente Moonlight y terminó dirigiendo Mufasa para Disney. Por la personalidad de Baker dudamos que vaya a suceder algo parecido, aunque en el mundo de los sueños -y las pesadillas- de Hollywood todo puede suceder. 

El espíritu de J. R. R. Tolkien está de vuelta en los cines con el estreno de El señor de los anillos: la guerra de los Rohirrim, animé producido por Peter Jackson que regresa a la Tierra Media como una precuela de los hechos narrados en El señor de los anillos. Si estos relatos están repletos de personas que viajan por amplios paisajes, entre criaturas fantásticas y heroicidad épica, es sin dudas también un viaje interesante el de esta obra en la cultura popular y, más precisamente, en la obsesión de Tolkien y, claro, en la del propio Jackson.

Hay que decir, no obstante, que aquella trilogía de Jackson y todo lo que vino después no son los primeros acercamientos a la obra del escritor sudafricano fallecido en 1973. Publicada en los años 50’s, El señor de los anillos convocó la atención del cine inmediatamente y hay varias adaptaciones, muchas de ellas animadas, incluso de otras obras como El hobbit en un cortometraje de 1966. Sin dudas, los más reconocidos son precisamente dos films animados de fines de los 70’s y comienzos de los 80’s: El señor de los anillos de Ralph Bakshi y el telefilm El retorno del rey de Jules Bass y Arthur Rankin Jr.

Nunca sabremos qué le parecieron a Tolkien esas películas, aunque sí es conocido el recelo con el que cuidaba las posibles adaptaciones. Por ejemplo, dejó asentado en una de sus populares cartas que por nada del mundo deseaba que sus textos fueran adaptados por Disney. “Reconozco el talento, pero siempre me ha parecido irremediablemente corrompido. Aunque en la mayoría de las ‘películas’ producidas desde sus estudios hay pasajes admirables o encantadores, el efecto de todos ellos para mí es repugnante”, dijo. Lo irónico de todo esto es que Tolkien, la biografía del autor protagonizada por Nicholas Hoult, se puede ver hoy en la plataforma Disney+.

Desde aquellas películas animadas, los personajes de Tolkien protagonizaron, créase o no, innumerable cantidad de videojuegos, y también alguna miniserie y relatos laterales. Hasta que llegó Peter Jackson con su trilogía y las cosas se precipitaron a otro nivel. Jackson era un director neozelandés conocido por algunas películas clase B que mezclaban el terror, lo escatológico y la comedia. Películas como Mal gusto, Meet the Feebles o Braindead sentaron las bases de una filmografía marginal y muy peculiar, que nada hacía prever lo que pasaría con El señor de los anillos: Jackson convertido en amo del mainstream y reconocido hasta en los Oscar.

La comunidad del anillo, Las dos torres y El retorno del rey fueron filmadas en continuado, todas fueron nominadas al Oscar, aunque la consagración llegó con El retorno del rey que le permitió ganar los premios a Mejor Film, Dirección y Guión. Un total de once estatuillas que igualó el récord de grandes relatos como Ben-Hur y Titanic. Pero además convirtió en estrellas a un veterano como Ian McKellen y a intérpretes con futuro como Viggo Mortensen, Cate Blanchett, Orlando Bloom o Elijah Wood, y hasta a desconocidos como Andy Serkis. Incluso Jackson se dio el gusto de trabajar con una leyenda como Christopher Lee.

El éxito fue descomunal y, paradójicamente, generó en Jackson una suerte de maldición similar a la que el anillo genera en Gollum: toda su carrera posterior fue una combinación de malas decisiones y empecinamientos varios. La ambiciosa King Kong no funcionó comercialmente (aunque es tal vez su mejor película), Desde el cielo fue un intento de seriedad absolutamente ridículo. Incluso su regreso a Tolkien con la adaptación de El hobbit hizo agua, más allá de que logró completar la trilogía de películas a costa de hacerse demasiado evidente que el texto original no daba para tanto. Son películas enormes, pero vacías, que funcionan salvo por momentos, cuando Jackson pone las cosas a andar y la aventura moviliza las acciones.

Pero obviamente que Jackson con su trilogía original renovó el interés por Tolkien, y la Tierra Media y sus criaturas no iban a desaparecer del ecosistema audiovisual, hoy potenciado sólo por secuelas, recuelas, precuelas y todo material basado en materiales preexistentes. Amazon se hizo de los derechos para televisión y produjo la serie El señor de los anillos: Los anillos de poder, bastante aburrida por cierto, casi una heredera de El hobbit en ese sentido, aunque aquí Jackson no tuvo nada que ver.

Donde sí tuvo mucho que ver fue en El señor de los anillos: La guerra de los Rohirrim, película animada con la estética del animé japonés de la que es productor ejecutivo, un film que devuelve la carga épica de los relatos originales, una precuela que imagina sobre lo creado por Tolkien y que resulta una digna integrante de ese universo. De hecho, ya hay comentarios en Hollywood respecto de continuar por esta senda, explorando otros rincones de la Tierra Media.

Volvamos a Jackson. El director desde hace unos años se obsesionó con el documental desde una perspectiva técnica: recuperar viejas imágenes, remasterizarlas, pensar la posibilidad que ofrece la tecnología de volver al pasado como nunca lo vimos. De ahí surge otra obsesión, los Beatles, con Get back, Get back: el último concierto y Now and then. Pero su aventura en la dirección de cine parece que le tiene deparadas nuevas escalas en la Tierra Media. Si bien el camino no está tan claro todavía, el objetivo sería centrarse en spin-off sobre algunos personajes: el que está más definido es uno sobre Gollum, con Andy Serkis en la dirección y Jackson en la producción. Por las dudas, parece que Ian MacKellen, Vigo Mortensen y hasta Orlando Bloom están con el bolso preparado, a la espera de que el director los convoque para una nueva aventura. 

Un día como hoy, pero de 1882, nacía Béla Ferenc Dezső Blaskó, más conocido como Bela Lugosi, el actor que quedó inmortalizado como el primer y más icónico conde Drácula del cine. Si bien aquella película de Tod Browning de 1931 es un film que sobrevive más por su mitología que por su calidad cinematográfica, se trata de un punto de partida para una carrera que, paradójicamente, moriría ahí mismo, entre ataúdes, crucifijos y vampiros. Pero Bela fue mucho más que el actor que le dio vida al personaje creado por Bran Stoker.

Nacido en Hungría, más precisamente en la ciudad de Lugoj, de la que tomaría prestado el nombre para su apellido artístico, el joven Bela tuvo una infancia difícil con un padre muy rígido. Sin embargo la experiencia más reveladora la tuvo más adelante, cuando el estallido de la Primera Guerra Mundial lo convocó al frente de batalla. Y fue una experiencia reveladora porque a partir de las diversas heridas que sufriría en combate, las cuales se volverían crónicas, nacería una adicción a los opiáceos, más precisamente a la morfina, que no lo abandonaría hasta el final de sus días. 

Por entonces ya despuntaba su vicio como actor y fue esa conciencia artística la que se terminó imponiendo en su modo de vida. Tras haber luchado contra los rusos, finalmente se volvió adherente al comunismo y sería clave en la formación del sindicato de actores de su país, desde donde militó fuertemente los reclamos salariales. Sin embargo al poco tiempo se impondría la derecha contrarrevolucionaria en su país y por ese motivo tuvo que terminar huyendo de Hungría.

En primera instancia se instaló en Austria y posteriormente en Alemania, donde trabajó como actor y conoció a algunos directores de cine emblemático, como Friedrich Wilhelm Murnau (que luego dirigiría Nosferatu) y Michael Curtiz (el de Casablanca), con tanta mala suerte que por entonces comenzaba a escalar el nazismo, al que Lugosi no le tenía nada de simpatía. Eso, más su obsesión por convertirse en una estrella de la actuación, lo llevó emigrar nuevamente, esta vez con rumbo hacia Estados Unidos, el país donde finalmente conocería lo que era ser una celebridad… pero donde también conoció lo que es el descenso a los infiernos. “Escúchalos. Niños de la noche. Qué música hacen”.

Si la guerra le dejó como saldo la adicción a las drogas, Estados Unidos le prestó la popularidad. Aunque a Lugosi le llevó unos años alcanzarla, finalmente lo consiguió en una década. Si bien hay varias versiones sobre sus primeros años en EE.UU., especialmente que su inglés era malo y le costaba no sólo hablar, sino entenderlo, lo cierto es que se convirtió en un actor de teatro con mucho oficio, y para 1930 ya se había convertido en el conde Drácula, en una puesta dramática de la obra de Stoker. No obstante, cuando el personaje hizo su pasaje al cine, no fue la primera opción de Browning, más bien todo lo contrario: cuenta la leyenda que fue el último de una larga lista de estrellas de Hollywood.

Pero Lugosi, con ese hablar mecánico, con esa pose de actor rústico y una mirada penetrante, finalmente construyó no sólo una gran representación del conde Drácula, sino además una que serviría de modelo para todas las que vendrían luego. Incluso hay representaciones paródicas del personaje y otras que intentan alejarse y construir algo nuevo, pero sin dudas que cuando pensamos en el rey de los vampiros pensamos en Lugosi. Si hasta la animada Hotel Transilvania tiene como ejemplo el porte del actor húngaro.

Los años treinta fueron pródigos en películas de monstruos, y hasta se generaron rivalidades con otros actores, como es el caso de Boris Karloff, quien interpretó al emblemático Frankenstein, personaje que Lugosi había rechazado porque no quería actuar bajo esa capa inmensa de maquillaje. Finalmente Lugosi interpretaría a Drácula en un par de películas más y ante la popularidad de la franquicia de Frankenstein, no le quedó otro remedio que aparecer en una de sus películas. El esplendor del género dio rápidamente paso a su decadencia, y con él a la del propio actor, que nunca pudo recuperarse con una larguísima presencia en películas Clase B y de cada vez peor calidad. Apenas una participación en Ninotchka de Ernst Lubitsch aparece en su filmografía como un punto más que interesante.

Lugosi no pudo nunca más recuperarse, ni volver a ser la estrella que fue por un momento. Ni tuvo la habilidad de Karloff para reinventarse, ni mucho menos su talento. Y al ritmo de su destartalada carrera, su vida personal era cada vez más caótica: en total tuvo cinco matrimonios y algunas de sus parejas lo denunciaron por la violencia que ejercía sobre ellas, sin dejar de lado su adicción a la morfina que se volvió cada vez más notoria. De hecho, fue una de las primeras estrellas de Hollywood en reconocer su problema con las drogas.

Ese personaje autoparódico en que terminó convirtiéndose hacia el final de sus días fue lo que lo llevó a una colaboración creativa con un director emblemático de aquellos tiempos como Ed Wood, el que es considerado (un poco exageradamente) el peor director de todos los tiempos. El director lo admiraba profundamente de su época de oro y le dio una oportunidad de hacer cine cuando nadie ya se la daba. Lugosi trabajó en tres películas suyas, Glen or Glenda, Bride of the Monster y Plan 9 del espacio exterior. Aunque en verdad esta última terminó de rodarse después de su muerte y Wood decidió, porque faltaban algunas escenas del intérprete de Drácula, usar al quiropráctico de su esposa para reemplazarlo en planos donde no hablaba o se tapaba su rostro con una capa. Pero aún así era claro que Lugosi no estaba ahí. Todo esto está perfectamente recreado en Ed Wood, la fascinante película de Tim Burton.

Lugosi murió de un ataque al corazón el 16 de agosto de 1956 a los 73 años. Sobre sus últimos días hay muchos mitos que acrecientan un poco su figura. Por ejemplo, se dice que en su vejez creía ser realmente el conde Drácula y hasta llegó a pedir un féretro para poder dormir con comodidad ante los dolores que lo aquejaban. También se ha dicho que otros dos íconos del terror, como Vincent Price y Peter Lorre, estuvieron en su entierro, pero es mentira. Sólo Karloff lo acompañó, con quien había entablado una relación de bastante amistad. Lo que sí es cierto es que a pedido de su hijo fue enterrado con la indumentaria de su icónico personaje.

Curiosidad absoluta, el personaje que le dio la fama, el hombre que emergía del ataúd sediento de sangre, fue el que finalmente le puso los clavos en su cajón, el que lo apresó y del que nunca logró liberarse. Una verdadera maldición del vampiro.      

Seguramente muchos conocen a la detective Olivia Benson, la intrépida agente que protagoniza La ley y el orden, la serie de Dick Wolf que es una de las de mayor vida en la historia de la televisión norteamericana. Lo que muchos no saben es que existe entre ese personaje y la seguridad vial un lazo impensado, y no porque Benson se dedique a hacer muchas multas de tránsito precisamente.

Todo comenzó el 29 de junio 1967, cuando la actriz, cantante y modelo Jayne Mansfield perdió la vida en un luctuoso accidente de tránsito. Mansfield se encontraba por entonces en una debacle de su carrera, y actuaba en clubes nocturnos. En una madrugada, cuando regresaba al hotel donde vivía, el auto en el que iba se estrelló contra la parte trasera de un camión. Como consecuencia, murieron tanto Mansfield, como el chofer y su prometido, Sam Brody, pero sobrevivieron sus tres hijos que iban en el asiento trasero.

Mansfield fue una actriz que tuvo su época de fama en los años 50’s y en buena parte de los 60’s, un tiempo en el que las rubias se imponían en las películas de Hollywood, verbigracia la icónica Marilyn Monroe con la que siempre la comparaban. Sin embargo había algo en su personalidad, mucho más cautivante y sexual a partir de su cuerpo voluptuoso, y también en su inteligencia para construirse un camino. Su trabajo fue reconocido incluso con premios, como el Globo de Oro por su actuación en The girl can’t help it, una comedia musical dirigida por el gran Frank Tashlin.

Pero además de su llamativa presencia en la pantalla grande, Mansfield tuvo una vida bastante liberal, que incluyó tres matrimonios (en los que tuvo cinco hijos), el primero de ellos a los 16 años, y también alguna actividad escandalosa para aquellos tiempos como su aparición desnuda en la revista Playboy. A todo esto hay que sumarle un comentado amorío con el presidente John F. Kennedy y adicciones varias. Más allá de que murió imprevistamente en un accidente de tránsito a los 34 años, Mansfield ya había tenido para entonces un ascenso y caída meteórico.

Volvamos entonces a esa fatídica madrugada del 29 de junio de 1967. El auto en el que viajaba la actriz impactó a toda velocidad contra la parte trasera de un camión, por lo cual el vehículo se terminó metiendo debajo de ese rodado. Durante muchos años circuló una leyenda urbana que decía que por motivo del accidente, Mansfield había sido decapitada. Pero eso fue descartado tiempo después por los empleados de la casa fúnebre donde fue llevado el cuerpo, quienes negaron esa especie en una entrevista. Supuestamente la confusión llegó porque en el momento del siniestro se encontró sobre el pavimento una de las pelucas que usaba la actriz, y algunos creyeron que se trataba de su cabeza.

El accidente vial tuvo su repercusión mediática evidente, con la suficiente explotación de lo macabro del asunto, pero además una imprevisible repercusión por el lado de lo legal. Y es que a partir de lo sucedido, la Administración Nacional de Tránsito y Seguridad en Autopistas de los Estados Unidos recomendó la colocación de una barra que sirva de parachoques en la parte trasera, la cual se convirtió en obligatoria finalmente sobre fines de 1998.

Esa barra que es conocida técnicamente como ICC Bar o Barra DOT, un implemento de acero pintado con rayas blancas y rojas, tiene como objetivo absorber el impacto de los autos que choquen por detrás, impidiendo el deslizamiento debajo de los camiones. Pero más allá de sus detalles técnicos, la gente identifica a ese parachoques como “barra Mansfield”, en homenaje a la actriz cuya muerte motivó un cambio que salvó la vida de muchísimos automovilistas.

Como decíamos, aquella noche de junio de 1967 además de los tres pasajeros que murieron instantáneamente, en el auto viajaban tres de los hijos de la actriz, que salvaron su vida milagrosamente. Uno de ellos era nada más y nada menos que Mariska Hargitay, quien siguió el camino de su madre y precisamente interpreta a la citada detective Benson en la popular serie dramática La ley y el orden.

Sobre el trágico accidente, la actriz reconoció en una entrevista no tener ningún recuerdo, aunque en su rostro quedó la marca de una cicatriz generada aquella noche. No obstante consideró que haber perdido a su madre a tan temprana edad le dejó “un vacío” en su vida, pero la convirtió “en la persona que soy ahora”.

“Nunca voy a superarlo. Siempre voy a ser una pequeña que perdió a su madre”, agregó Mariska sobre el accidente que se llevó la vida de Jayne Mansfield y que le dio al resto de la humanidad una herramienta de cuidado más que importante.

La Policía de Los Ángeles arrestó a varios sospechosos implicados en la muerte del reconocido actor Matthew Perry de Friends en octubre del año pasado, debido a una sobredosis letal de ketamina.

De acuerdo a lo que publicaron el sitio TMZ y la revista People, un médico y varios narcotraficantes que no están identificados públicamente fueron detenidos, en una causa que promete ser explosiva para Hollywood.

Aunque en un comienzo la investigación había hablado de “muerte accidental” por consumo de ketamina, la Justicia estaba detrás de los involucrados en facilitar la droga que el comediante consumió en sus últimas semanas de vida.

Fuentes de la causa le revelaron al medio TMZ que había mensajes de texto mandados entre varias personas que mencionaban a la estrella de Friends como uno de los compradores de ketamina. Los mensajes estarían relacionados con el precio que Perry habría pagado por la droga que consumió.

Además de la Policía de Los Ángeles y la fiscalía respectiva, en la investigación intervinieron la DEA y la Oficina Postal de los Estados Unidos. Tras la aparición de estas dependencias, allanaron computadoras, teléfonos y otros equipos electrónicos del actor. Esos elementos no se habían analizado en un primer momento debido al carácter accidental en el que había quedado inmersa la causa.

Matthew Perry murió el 28 de octubre de 2023a los 54 años. Fue encontrado ahogado en la bañera de su casa: la autopsia determinó que sufrió un colapso a partir de los efectos agudos del consumo de ketamina. Sus condiciones médicas, como una enfermedad en las arterias coronarias y los efectos de la buprenorfina que tomaba para paliar el consumo de opioides, se sumaron para que todo terminara en un combo letal.

El estudio oficial indicó que Perry estuvo “limpio” durante 19 meses, que estaba en una terapia especial de infusión de ketamina para tratar su depresión, algo que se concretó una semana y media antes de la muerte. La duración de la droga en el organismo es de corto alcance, unas 4 horas, por lo cual este tratamiento no habría sido el origen de su consumo el día de su muerte.

Además, también había tomado tamoxifeno para perder peso, medicamentos antidiabéticos y altas dosis de nicotina debido a los parches que estaba usando para intentar de dejar de fumar.

Un par de meses después de la muerte de Perry, Page Six y TMZ publicaron parte del informe forense del actor que arrojó más precisión sobre las drogas y los elementos para su consumo que se encontraron el día de la tragedia.

“En el dormitorio del asistente había múltiples frascos de medicamentos abiertos, vacíos y medio llenos recetados al difunto, así como medicamentos de venta libre, vitaminas, ayudas digestivas y platos llenos de varias píldoras, tabletas, cápsulas sueltas, dulces y pastillas de menta”, aseguró el reporte.

El detalle expone lo que padecía Perry: dependía constantemente de la medicación para poder tener una buena calidad de vida. “En el baño había ungüentos, ayudas digestivas y enjuagues bucales recetados”, agregó el texto oficial.

Matthew Perry era uno de los mejores comediantes que tuvo alguna vez una sitcom. Tenía 54 años y fue una de las máximas estrellas de la historia de la televisión gracias a su rol como Chandler Bing, en Friends.