Esta semana se estrenó en Mar del Plata El beso de la mujer araña, nueva versión de la novela del argentino Manuel Puig que adapta en este caso la versión musical de Broadway. Con Jennifer López y Diego Luna en los protagónicos, la película intenta ser un musical como los de la era clásica de Hollywood, con planos amplios que dejen apreciar los movimientos de los cuerpos en comunión con la danza. El director Bill Condon estuvo en Mar del Plata para presentar el film durante el último Festival Internacional de Cine, donde fue la apertura de la 40ª edición del certamen cinematográfico, y en diálogo con El Marplatense contó que sentía una “enorme gratitud por la invitación, pero también mucha ansiedad” al mostrar el film en la misma tierra donde Puig escribió la novela original.

“Honestamente, esta es una película que cuenta una historia desde una perspectiva estadounidense, aunque se trata de una historia profundamente argentina. Eso genera nerviosismo, porque esta es la patria donde nació la novela de Puig, y estamos presentando una versión norteamericana. Es algo que asumimos con respeto y con mucha humildad”, comentó Condon durante la entrevista, que compartimos con los colegas de Funcinema.

-Uno de los primeros diálogos entre Molina y Valentín gira en torno a dos concepciones opuestas del cine: la emoción y la política. ¿Cómo trabajó esa tensión, tan central en la novela, en esta versión cinematográfica?Ese fue el gran desafío de la película. Muchas veces se dice que la cárcel representa el mundo de Valentín, porque está preso por razones políticas muy concretas, y también el de Molina, como hombre gay. En cambio, el mundo de Hollywood encarna la fábrica de sueños, el universo emocional de Molina. Es cierto que parecen dos películas muy distintas. Pero yo no lo pienso como una pelea entre Hollywood y la realidad. El drama carcelario es un género en sí mismo, con reglas muy claras, especialmente en los años 80: podría pensarse como una película de Sidney Lumet. Lo que me interesaba era que, a medida que estos dos personajes empiezan a cruzar sus mundos, esos mundos también comiencen a contaminarse entre sí. Así, la mujer araña empieza a salir de la pantalla y a ingresar en la cárcel, mientras Valentín comienza a traer a su amante a ese espacio. Al mismo tiempo, la prisión, a medida que estos dos hombres se enamoran, empieza a adquirir una cualidad más romántica. No es Hollywood, pero sí aparecen elementos oníricos que se filtran en ese mundo cerrado. El objetivo era que ambas realidades terminaran unificándose y que, incluso en las secuencias de fantasía, el espectador comprendiera más profundamente a los personajes.

-En la película aparece reiteradamente la palabra “monstruo”, y es inevitable pensar en su anterior film Dioses y monstruos. ¿Encuentra un vínculo entre ambas obras?Sí, lo veo claramente ahora que lo mencionás. En Dioses y monstruos, James Whale es alguien que cae en una familia que nunca logra comprenderlo y encuentra su voz a través del cine. Molina es una versión más simple de esa idea, tal como lo describe Puig: no crea cine, lo vive como espectador. Yo me siento muy identificado con Molina. Empecé como cinéfilo, como un fan de las películas, y encontré mucho sentido a mi vida a través de lo que el cine me ofreció. Hace mucho que no revisito Dioses y monstruos, pero esta pregunta me dan ganas de volver a verla. El tema de los monstruos, sinceramente, no fue algo consciente mientras hacía esta película, pero creo que todo eso estaba percolando.

-La película retoma el musical clásico. ¿Cómo fue volver a ese lenguaje y trabajar con Jennifer Lopez en ese registro?Cuando escribí la película entendí rápidamente que no tendríamos el presupuesto de La bella y la bestia. Un musical es muy difícil de hacer sin dinero, así que concebí la parte de la cárcel como una película casi independiente, y luego una sección musical de unos 40 minutos donde pudiéramos desplegar ese universo con mayor amplitud. Estar en el set donde Diego Luna y Jennifer López bailan, con decorados pintados y escenarios clásicos, fue como ser transportado a la tierra de Vincente Minnelli. Uno de mis momentos favoritos es el set rojo donde Jennifer baila con el vestido verde, muy cercano a los decorados de George Cukor. Quería mostrar cómo en el Hollywood clásico esos mundos terminaban literalmente en el borde del escenario. Con Jennifer trabajamos en el estilo que Fred Astaire introdujo en Hollywood: planos largos, de cuerpo entero, para que se vea realmente lo que el bailarín puede hacer. Ella es extraordinaria. Ensaya incansablemente, filmábamos dos o tres números por semana, y verla trabajar era como estar frente a una heredera de Cyd Charisse o Rita Hayworth.

-A diferencia de otras versiones, usted decidió situar la historia en un contexto político más concreto. ¿Por qué?La novela de Puig no está ambientada explícitamente en la Argentina ni en ningún lugar específico, y eso es maravilloso. Pero en cine sentí que, si no le dábamos un contexto, el espectador iba a preguntarse constantemente dónde y cuándo transcurre la historia. Por eso decidí situarla aquí y luego avanzar en el tiempo. Además, al tratarse de un musical, pensé que debía existir cierta noción de cierre, incluso bajo una lógica trágica. El desafío fue que la película estuviera claramente anclada en una realidad reconocible, sin perder su dimensión simbólica.

-¿Cuál cree que es el elemento diferencial de esta versión de El beso de la mujer araña?La historia de amor. Es el corazón de lo que escribió Puig. Quise contarla desde el punto de vista de Valentín, no como una cuestión de sexualidad, sino como una idea profundamente humana. Dos personas obligadas a convivir bajo amenaza constante de muerte, despojadas de todo, se ven forzadas a conectarse con la esencia del otro. Ese amor se construye con tiempo, con delicadeza. Por eso la primera escena íntima está filmada con discreción, en la oscuridad, como en el libro. No me interesaba lo explícito, sino recuperar esa sensibilidad oscura, queer, sin género, que Puig plasmó en su obra y que yo quise respetar en la película. Para mí, Molina es Puig. Y creo que en esta versión logramos capturar esa pasión por el cine y por contar historias que lo definía.

-Usted ama el género musical. ¿Tiene planes de volver a él?Es un género muy difícil hoy. Esta película no funcionó comercialmente en Estados Unidos. Wicked o La bella y la bestia tienen éxito. Tengo un musical que escribí con Stephen Schwartz que estuvo muy cerca de hacerse. Actualmente estoy trabajando en dos proyectos muy ligados a la música: una película sobre George Clinton, con Eddie Murphy, y otra sobre Graceland, el álbum de Paul Simon. No son musicales tradicionales, pero están profundamente atravesados por la música. Amo el género y espero que algo cambie.

EL BESO DE LA MUJER ARAÑA (película) dirigida por Bill Condon, con Jennifer López, Diego Luna, Tonatiuh Elizarraraz.

-Condon, con experiencia en el musical (Soñadoras, La bella y la bestia), se mete con uno de los clásicos del género Made in Broadway, que a la vez tiene varios pliegues: porque todos recuerdan la adaptación de Héctor Babenco en los 80’s, pero especialmente la novela original de Manuel Puig. Condon trata de agrupar en una sola película todas las referencias, además de sumarle su gusto por el musical clásico. Se podría decir que en esta última decisión residen los mejores momentos de un film que cuando estalla en colores, danza y música, logra capturar mejor la idea que alberga (el cine como evasión, la evasión como algo más complejo que una pura frivolidad) que cuando se centra en la historia de Molina y Valentín en la cárcel. Con una recreación de la dictadura argentina algo dudosa, Condon se vale de las presencias de Luna y Tonatiuh (una revelación) para sostener aquello que no logra con Jennifer López al querer convertirla en una diva clásica, algo para lo que le falta mucho carisma. Fracasó en la taquilla, pero lejos está de ser un desastre.

SEXO A LOS 70 (cortometraje) dirigido por Vanesa Romero, con Mamen García, Fernando Colomo, Carlos Sobera.

-Una viuda atrapada en una vida monótona acepta la invitación de su nieta a recuperar el sentido de la existencia: es decir, salir, conocer gente, tener planes. En ese camino, es que la protagonista termina involucrada en una cita pautada a través de una de estas aplicaciones modernas. Sexo a los 70 podría caer en la mera exposición ridícula de una persona de la tercera edad metida en asuntos que la superan, pero logra ser una celebración de la vida por otras vías. Una comedia muy divertida, que en pocos minutos captura la esencia de sus muy simpáticos personajes, y que construye un vínculo abuela-nieta muy natural y ameno.

MÁS ALLÁ DEL OLVIDO (película) dirigida por Hugo del Carril, con Laura Hidalgo, Hugo del Carril, Pedro Laxalt.

-Una de las posibilidades de un festival de cine es recuperar películas que uno nunca vio en una pantalla grande. Pueden ser grandes clásicos o films desconocidos. La posibilidad de ver Más allá del olvido va en sendos sentidos: es una película muy querida por la cinefilia, pero a la vez -por ese escaso vínculo de los argentinos con su cine- una película tal vez oculta. Y vale acercarse a esta película de amor trágico, este melodrama fantasmagórico sobre un hombre viudo que cree ver en otra mujer a su amada muerta. Si el argumento les parece conocido, es porque se parece bastante a la Vértigo de Alfred Hitchcock, sin embargo ambas películas están basadas en novelas diferentes, aunque la de Del Carril se estrenó antes. Más allá de este detalle curioso, Más allá del olvido es un melodrama gigantesco, que fusiona los relatos fantásticos con una identidad bien propia de los relatos de compadritos.

LAS PANTERITAS (cortometraje) dirigido por Alejandro Gallo Bermúdez, con Paola Laxi y Hernán Miranda.

-No se pierdan por nada este cortometraje sobre una pareja que por paisajes salteños charla, conversa, discute, debate cuestiones bien personales pero también contextuales, ya que la pandemia y sus taras andan dando vueltas. No sólo está perfectamente escrito y actuado, sino que además la manos del director Alejo Gallo Bermúdez tienen la sensibilidad para contar eso con los tiempos necesarios, tanto los de la comedia como los del drama y el relato romántico, pero además para saber que un paisaje, un entorno, hacen a los personajes. Un corto que nos deja con la expectativa de conocer más de esos personajes y que termina con una gran canción.

NUEVE AURAS (película) dirigida por Mariano Frigerio, con Ricardo Darín, Gastón Pauls, Leticia Bredice.

-Si bien no se trata de películas olvidadas, volver a ver Nueve reinas y El aura es la posibilidad de reencontrarnos con una oportunidad gigantesca que tuvo el cine nacional de congregar el cine autoral con el gran espectáculo y el público masivo. Eso lo logró casi en exclusiva Fabián Bielinsky, con estas dos películas que se podrán ver nuevamente en el Festival (además de un cortometraje de su autoría). Pero como si esto fuera poco, Nueve auras es un documental de Mariano Frigerio sobre el legado de Bielinsky, con testimonios de varios de los que participaron de sus películas. De paso, sirve para conocer a Frigerio, director que luego de Carroceros (sobre Esperando la carroza) y Leyenda feroz (sobre Tango feroz) se convirtió en un biógrafo del cine nacional.

EL VENDEDOR DE ILUSIONES: EL CASO GENERACIÓN ZOE (película) dirigida por Matías Gueilburt. En Netflix.

-El esquema Ponzi es más viejo que la escarapela. Bueno, no tan viejo, pero viene desde 1920, con aquel simpático italiano que durante aquel año estafó a varios incautos en Boston (EE.UU.). Por lo tanto, no hubo nada novedoso en la estafa que llevó adelante Leonardo Cositorto como máximo referente de Generación Zoe, pero sí es un caso testigo para sintetizar a una generación ganada por el espíritu de hacer dinero fácil y sin la capacidad de notar que está cayendo en un engaño (porque el problema no es lo primero, sino lo segundo). El documental de Gueilburt (director del emocionante documental sobre Guillermo Vilas) hace algo importante: le da la palabra al propio Cositorto y a algunos de sus socios, para luego narrar el caso al detalle, paso por paso, mientras algunos damnificados explican cómo fueron seducidos y, finalmente, engañados. No hay más virtud formal que la de saber organizar la bola de información que se tiene entre manos, aunque tiene la inteligencia de encontrar los detalles que hacen significativo a este caso. Radiografía también de la pandemia, una época en la que al ritmo del avance de una tecnología que allanó el camino a los estafadores, fue propicia en este tipo de engaños. El materialismo, las ansias de ascenso social, la seducción del oropel. Todo está ahí y el documental no hace mayor esfuerzo que el de darle un lugar para que se revele solo.

ATLAS (película) dirigida por Brad Peyton, con Jennifer Lopez, Simu Liu, Sterling K. Brown. En Netflix.

-No hay nada que no haya dicho Terminator sobre los peligros de la tecnología y la inteligencia artificial. La diferencia es que la obra maestra (las obras maestras si sumamos la segunda parte) de James Cameron lo hizo hace 40 años. Con ese poder anticipatorio, no sólo instaló un tema sino -fundamentalmente- una manera de mostrarlo. Atlas sigue un poco esa tendencia, de pensar a dónde nos lleva este impulso significativo por lo virtual: resumen, al desastre absoluto. Lopez interpreta a una especialista en terrorismo que va, metida dentro de una suerte de robot-armadura con vida propia, tras la caza de la IA más rebelde del mundo, refugiada en otro planeta y desde donde intenta un contraataque hacia la Tierra. Hay efectos visuales de nivel y una simulación de gran espectáculo, pero en el fondo Atlas no es más que un cuentito sobre cómo este personaje termina aceptando integrarse con la tecnología a pesar de sus reparos iniciales (la armadura-robot es muy simpática). Si bien no sale de la perogrullada, lo que uno espera es que la acción nos sorprenda. Y pocas veces sucede eso, raro en un director como Brad Peyton (Terremoto: la falla de San Andrés, Rampage) que sabe mezclar efectos visuales con emociones. Atlas es una película anodina, otro intento fallido de Jennifer Lopez por ser heroína de acción. 

ERIC (miniserie) creada por Abi Morgan, con Benedict Cumberbatch, Gaby Hoffmann, McKinley Belcher III. En Netflix.

-Un padre desesperado ante la desaparición de su hijo es siempre un buen tema de venta para el cine o las series. Sobre esa base, esta miniserie le suma y suma elementos como para edificar un thriller intenso que no esquiva, incluso, lo fantástico. Cumberbatch interpreta a un marionetista con serios problemas matrimoniales, una relación tensa con su hijo y problemas con el alcohol, que lidera un exitoso programa televisivo. Y cuya endeble estructura mental comienza a resquebrajarse cuando su hijo desaparece camino a la escuela. Todo, en el marco de la Nueva York de los 80’s, alejada del brillo artificial que conocimos en Sex and the city. Entonces, Eric suma el thriller, el drama de pareja, las tensiones políticas de la ciudad, prejuicios raciales y sexuales, corrupción policial, marginalidad, la noche neoyorquina, el SIDA y varios etcéteras… aunque no mencionamos el principal gancho: al protagonista, totalmente apesadumbrado y entregado al alcohol, se le aparece Eric, una marioneta gigante y azul que había creado su hijo. Ese detalle, que funciona casi como un llamador de comedia absurda, se integra al relato central para ir revelando un concepto que maneja la miniserie: el monstruo que llevamos dentro. Si bien el relato es apasionante, la sumatoria de temas puede volverse por momentos un problema narrativo. Pero claro, Cumberbatch es muy bueno y la recreación de los 80’s es impecable.

JIM HENSON: EL HOMBRE Y LAS IDEAS (película) dirigida por Ron Howard. En Disney+.

-Jim Henson, inventor de esa genialidad conocida como los Muppets, fue una de las grandes mentes del entretenimiento y la cultura popular, tanto es así que casi inventó formas de la comedia. Se podría llegar a decir que este documental de Ron Howard es demasiado formal como para hacerle justicia a un creador tan dado a la experimentación de los formatos audiovisuales, pero lo cierto es que la riqueza está en mostrar ese recorrido, trágicamente truncado a los 53 años. El material de archivo es fabuloso y las entrevistas no hacen más que enaltecer la figura de Henson, aunque esta vez ese tono celebratorio no parece para nada injusto: a partir de su figura hay un antes y un después de la cultura popular, en su capacidad para intertextualizar y desarrollar ideas, pero además en la bondad que evidenciaba a través de su obra. Henson era además un artista-autor, pero que no esquivaba al sentido más capitalista del espectáculo: había que ganar dinero para seguir creando. Si uno fue parte de esa generación que se entretuvo con Plaza Sésamo o El show de los muppets es imposible no ver esta película con una mezcla de melancolía y alegría. Y si no conoce la obra de Henson, es bueno acercarse para descubrir a un artista fundamental, uno de los más importantes del Siglo XX, alguien que tomó una artesanía antigua y la volvió lo más moderno y fascinante del mundo.

UNA JUNGLA DE LOCURA 2 (película) dirigida por Laurent Bru, Yannick Moulin y Benoît Somville, con las voces de Philippe Bozo, Laurent Morteau, Pascal Casanova. En cines.

-Desde la aparición de la animación digital, el caudal de películas que surgieron ha sido imponente, convirtiendo al género en uno de los grandes engranajes de la industria audiovisual. Eso tiene un plus en la multiplicidad de historias y de ideas que han aparecido, pero un límite en su conversión veloz en fábrica de chorizos. Y esto no es propio del cine norteamericano, sino que hay además toda una industria de cine animado europeo que carece del mínimo vuelo pero que está ahí, para alimentar las carteleras del mundo. Una jungla de locura 2 es francesa y se parece a un montón de películas, discurso medioambientalista incluido: tenemos a un grupo de animales que son protectores de la selva y que reaccionan ante la amenaza de alguien que ha esparcido un polvo rosa por todo el territorio. En definitiva, un clásico relato que cruza la aventura, la acción y la comedia con ritmo desenfrenado, evidenciando una serie de herencias: el cartoon clásico, el relato a lo Disney y la intertextualidad del humor a lo Pixar o Dreamworks. Lo mejor que tenemos para decir es que no está mal y es un entretenimiento más que digno; lo peor es que carece de cualquier distinción. Aunque en definitiva esto último no parece ser un problema para la audiencia del presente. Productos de consumo, de eso se trata.  

Ante el coronavirus, cientos de proyectos cinematográficos quedaron congelados o directamente se cancelaron. No es el caso del filme que tendrá a una pareja caliente en escena, Jennifer López y Maluma.

La dupla reanudó el rodaje que la tendrá como protagonista. Los veremos actuar en escenas subidas de tono, pero también cantar. Y veremos también en un rol central a Owen Wilson.

El filme se llama Marry Me. En la historia, el colombiano de 26 años interpreta a Bastian, un rockero que está comprometido con la estrella del pop Kat Valdés (Lopez, 51 años), a la que abandona poco antes de su boda en el coliseo Madison Square Garden.

En ese contexto, un profesor de matemáticas de secundaria, divorciado, Charlie Gilbert (Wilson) es "arrastrado" por su hija Lou (Chloe Coleman) y su mejor amiga (Sarah Silverman) a un concierto de la diva.

Cuando Kat se entera, segundos antes de la ceremonia, que Bastian engañó con su asistente, su vida gira, tiene un colapso en el escenario y se replantea su vida.

Marry Me está dirigida por Kat Coiro -a partir de un guión de John Rogers, Tami Sagher y Harper Dill basado en la novela de Bobby Crosby-.

La estadounidense dio a conocer un video -en su cuenta oficial de Instagram- con un pequeño avance de la película.

SAVE THE DATE ?!!!! @marrymemovie is coming to theaters this Valentine’s Day. RSVP by dropping a ? in the comments! ✨#OwenWilson @maluma @egt239 #MarryMeMovie #MarryMeAlbum #NuyoricanProductions

A post shared by Jennifer Lopez (@jlo) on Sep 14, 2020 at 9:01am PDT

Está previsto que el filme sea lanzado para el Día de San Valentín, el 14 de febrero de 2021.

Más allá de los videoclips que protagoniza, Maluma nunca actúo y este será un debut de peso para él, rodeado de primeras figuras.

La comedia romántica será rodada íntegramente en Nueva York.

Mientras, Wilson, de 51 años, espera por el estreno de The French Dispatch, película dramática anunciada para 2021, escrita, dirigida y producida por Wes Anderson. El elenco: Frances McDormand, Bill Murray, Tilda Swinton, Timothée Chalamet, Kate Winslet, Saoirse Ronan y Benicio del Toro.

Hace unas semanas JLO fue noticia porque se decidió a invertir en el negocio del Viagra. Se puso al frente de la compañía Hims, especializada en productos para el cuidado del pelo, la piel, el estado anímico y la salud sexual. El emprendimiento lo lleva adelante junto a su esposo, Álex Rodríguez.

Por otra parte, días atrás Jennifer usó su poderoso medio de comunicación para visibilizar el trabajo de su sobrino trans y concientizar a miles. En Instagram la siguen más de 130 millones. Por eso aprovechó la fuerza de su cuenta para apoyar a Brendon, hijo de su hermana Leslie.

Brendon lanzó el documental Draw With Me, en el que cuenta su historia y cómo fue el proceso de contarle su verdad a su familia.

Luis Londoño Arias (Maluma) se vio envuelto semanas atrás en un escándalo amoroso. Según los medios de espectáculos de Colombia, la letra de su tema Hawái (que habla de desamor) estaría dedicada a su ex pareja, la modelo Natalia Barulich, quien mantendría una relación con Neymar, viejo amigo del cantante.

Fuente: Clarín