“Treinta y pico años de carrera. Tenía pelo por entonces”. Con humor, el compositor Emilio Kauderer recibió el pasado lunes en el Palacio Libertad la distinción de reconocimiento a su trayectoria que le otorgó el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, quien lo contará este año como una de sus visitas distinguidas: estará en la ciudad para acompañar las proyecciones de Un lugar en el mundo y Parque Lezama, dos de las películas a las que el músico les aportó su talento.

Acompañado por la Orquesta Nacional de Música Argentina Juan de Dios Filiberto, Kauderer se presentó en el espacio principal del centro cultural para ofrecer un impecable concierto con composiciones para cine de su propia autoría, evento que sirvió como broche de oro a la presentación de la programación de la 41ª edición del certamen cinematográfico marplatense, que se desarrollará del 5 al 15 de noviembre próximos. “Vivo hace muchísimo afuera, extraño mucho mi patria, y cada reunión que voy de manera internacional, en cualquier lado del planeta, destaco el orgullo y el respeto con el que me reciben por nuestro legado musical”, resaltó el compositor antes de tomar la batuta y llevar a la audiencia por un viaje de imágenes y sonido de más de una hora.

En diálogo con El Marplatense, antes de salir al escenario del Palacio Libertad, Kauderer aseguró sentirse “en la gloria” ante el reconocimiento que le otorga el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA) y el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata. “Es un regalo extra del Festival de Mar del Plata no solo darme el premio a la trayectoria, que encima lleva el nombre de Astor Piazzolla, a quien admiro profundamente y tuve el privilegio de conocer”, destacó.

Kauderer se encuentra trabajando actualmente en la banda sonora de la serie con la que Juan José Campanella se meterá en el universo de Mafalda, aunque como señaló “no puedo revelar demasiado”. Sin vueltas, reconoce su gusto por trabajar en la música de cine, un arte que además sigue con pasión: “Siempre hay buen cine. A veces me preguntan qué música me gusta y respondo lo mismo: la buena música. En cada género hay buena música y hay buen cine”.

La relación del compositor con el cine arrancó allá por 1980 de la mano de Adolfo Aristarain y La discoteca del amor, un vínculo que luego se extendió a films como Tiempo de revancha o Un lugar en el mundo. Precisamente, el nombre del director muerto este año surgió durante el concierto, donde Kauderer además recordó a otras figuras del cine argentino que fallecieron recientemente, como Luis Brandoni y Eugenio Zanetti, con los que también colaboró. Componente sensible y humano, que el artista vincula con su actividad: “Música compuesta por humanos para humanos, antes de que se imponga la inteligencia artificial”.

-Hablando con otros músicos se percibe que el cine fue perdiendo el sentido del leitmotiv o tema principal en las bandas sonoras. ¿Coincide con esa mirada?Sí, creo que sí. Hollywood armó un esquema basado en ruidos, efectos y cosas especiales donde muchos se olvidaron de los temas. Lo digo con orgullo: no sé cuántos compositores pueden hacer hoy un concierto completo basado en temas melódicos.

-¿Responde a una imposición de la industria o a un cambio en el oído del público? Creo que es una cuestión puramente industrial. El oído del público no cambia. No creo que la gente prefiera escuchar un clásico como Lo que el viento se llevó transformado por máquinas que hacen ruidos en lugar de melodías.

-¿Qué tan difícil es para un compositor proponer algo distinto a lo que exige la industria?Hoy en día es casi una misión imposible (risas).

La cantante, compositora y directora artística Sol Feige se presentará mañana a las 21:00 en Bajo Tierra, el club de jazz ubicado en el subsuelo de Torres de Manantiales. El concierto estará dedicado a grandes canciones de la década de 1980, reinterpretadas con influencias del soul y el R&B, en una propuesta impulsada junto a Bebop Club.

Con más de una década de trayectoria vinculada al soul, el funk y el R&B, Feige ofrecerá versiones de temas emblemáticos de artistas y agrupaciones como Simply Red, Sade, Toto, Hall & Oates y Lisa Stansfield. El repertorio propone recuperar clásicos de esa época a través de nuevos arreglos y una interpretación personal.

La artista cuenta con experiencia en colaboraciones internacionales, entre ellas trabajos junto a Robin Banerjee, guitarrista que integró la banda de Amy Winehouse, y participaciones en producciones vinculadas con figuras de la música argentina como María Becerra y Juliana Gattas.

Para el concierto en Bajo Tierra, Feige estará acompañada por Facu Vidal, Osito Lagos, Pablo Bianchetto y Joaquín Cascardo, músicos de la escena porteña.

La presencia de Anette en el escenario tuvo un peso histórico evidente. Fue la vocalista que redefinió el sonido de Nightwish tras la salida de Tarja Turunen, llevando a la banda hacia una estética más moderna, más pop-sinfónica, más narrativa. Esa impronta se sintió en Vorterix: no como una sombra del pasado, sino como una identidad que hoy se muestra más madura y más segura. Anette cantó con precisión, con brillo y con una entrega que sorprendió incluso a quienes la siguen desde su etapa más mediática. No imitó su pasado: lo resignificó.

The Poet and the Pendulum fue un punto de inflexión emocional, y los momentos de cercanía —agradecimientos, anécdotas, miradas cómplices con el público— terminaron de construir una atmósfera cálida, poco habitual para un show de metal sinfónico. La banda que la acompaña sostuvo el clima con profesionalismo, sin sobreactuar protagonismo, dejando que la narrativa de los discos fuera el eje.

El cierre fue perfecto. “Last Ride of the Day” estalló como un himno compartido: saltos, coros, luces y esa sensación de estar viviendo algo irrepetible. Anette lo cantó con potencia y gratitud, sellando una noche que no solo celebró dos discos fundamentales, sino que confirmó que su vínculo con la región recién empieza a escribirse.

Mar del Plata respondió con intensidad. Y Vorterix, por una noche, se convirtió en el escenario donde un capítulo decisivo del metal sinfónico encontró su versión más cercana y más humana.

La Fiesta PLOP celebrará su vigésimo aniversario este sábado 19 a las 23:59 en Club TRI (20 de Septiembre 2650), con una edición especial de su formato Dancetería para recibir la primavera.

Con dos décadas de trayectoria en la escena nocturna local, la propuesta estará centrada en la pista de baile sin pausas, combinando remixes, disco y electropop bajo la musicalización del DJ Lean Pzvn.

La selección incluirá hits intergeneracionales de artistas como Madonna, Kylie Minogue, Michael Jackson, Prince, David Bowie, Pet Shop Boys, Depeche Mode, Beyoncé, Britney Spears, Dua Lipa, Purple Disco Machine y Lady Gaga, con el objetivo de unir clásicos y sonidos actuales.

El concepto del evento apunta a una experiencia bailable continua, con temas que “todos conocemos de memoria” y una estética que evoca “flores, mariposas y noches que empiezan a oler a verano”, en línea con la llegada de la nueva estación.

El contrabajista y compositor marplatense Martín de Lassaletta lanzó su nuevo disco Kakan en todas las plataformas digitales y lo presentará en vivo mañana a las 21:00 en el Espacio Colectivo de Enseñanza Musical (Luro 3174, Mar del Plata), primera fecha de una breve gira que continuará el jueves en Club de Jazz (Anchorena 1347, CABA)..

El proyecto, producido por el sello Discos ICM, propone un recorrido musical inspirado en la historia del pueblo Kilmes, perteneciente a la nación Diaguita, cuya resistencia durante las guerras Calchaquíes y posterior destierro constituyen el eje conceptual de la obra. A través de composiciones originales, el álbum articula elementos del jazz contemporáneo, la improvisación y la música argentina con paisajes sonoros abstractos.

Para este trabajo, De Lassaletta convocó a un cuarteto integrado por Valentín Garvie en trompeta, Nataniel Edelman en piano y Javier Puyol en batería. La propuesta en vivo replica esta formación, con un enfoque interpretativo que combina estructura y exploración sonora en tiempo real.

Kakan despliega un corpus compositivo que evoca el recorrido histórico de los Kilmes, desde su asentamiento en los Valles Calchaquíes hasta su traslado forzoso hacia el Río de la Plata, en una propuesta estética que tensiona memoria, territorio y lenguaje musical contemporáneo.

El músico y cantautor uruguayo Rubén Rada, una de las figuras más influyentes de la música popular de su país y creador del candombe beat, murió hoy a los 83 años, tras permanecer internado por una neumonía bilateral y complicaciones asociadas. La noticia fue confirmada por su entorno familiar.

Rada había atravesado distintos problemas de salud en los últimos años, entre ellos episodios cardíacos que requirieron internaciones y procedimientos médicos. A pesar de ello, se mantenía activo en la escena artística y recientemente había impulsado proyectos musicales y encuentros con distintos artistas.

En paralelo, tenía previstos compromisos vinculados al reencuentro de Tótem, la emblemática banda uruguaya surgida en la década del setenta y considerada una referencia del candombe beat y la fusión latinoamericana.

Su fallecimiento marca el cierre de una trayectoria fundamental para la música del Río de la Plata. Su obra, caracterizada por la fusión de candombe, rock, jazz y pop, dejó una huella decisiva en varias generaciones de músicos y oyentes.

Dolly Parton, una de las figuras más influyentes de la música country y de la cultura popular estadounidense, murió hoy a los 80 años en la ciudad de Nashville, según confirmó su familia a través de un comunicado difundido en redes sociales.

Si bien no se informaron oficialmente las causas del fallecimiento, la artista atravesaba en los últimos meses un deterioro progresivo de su estado de salud, que la había obligado a cancelar presentaciones y compromisos públicos, incluida su residencia en Las Vegas y diversas apariciones programadas en eventos vinculados a su complejo cultural Dollywood.

Nacida en 1946 en Pittman Center, Tennessee, Parton inició su carrera discográfica en 1967 con el álbum Hello, I’m Dolly y construyó una trayectoria que abarcó más de cinco décadas. Vendió más de 160 millones de discos en todo el mundo y dejó un repertorio de alcance global con canciones como Jolene, I will always love you y 9 to 5, además de recibir 55 nominaciones a los premios Grammy.

Más allá de su impacto musical, Parton mantuvo una fuerte actividad filantrópica, especialmente a través de la Imagination Library, su organización dedicada a la alfabetización infantil. Tras conocerse la noticia, su familia pidió que los homenajes se canalicen mediante donaciones a dicha fundación en lugar de ofrendas florales.

La inteligencia artificial gana cada vez más terreno en la industria musical. Un relevamiento reveló que el 38,5 por ciento de las canciones nuevas publicadas durante julio de 2026 utilizó IA en alguna etapa de su creación.

El estudio fue realizado por la plataforma SubmitHub, que examinó más de un millón de temas mediante su propio sistema de detección, denominado SH Labs. Según los resultados, el 23,2 por ciento de las canciones había sido generado completamente de manera artificial.

A ese porcentaje se suma otro 15,3 por ciento de composiciones en las que se detectaron audios creados con inteligencia artificial, pero posteriormente modificados o procesados por personas. En conjunto, casi cuatro de cada diez canciones analizadas tuvieron algún tipo de intervención de IA.

El avance de estas herramientas volvió a instalar el debate dentro de la industria musical, especialmente en torno a los derechos de autor y al material utilizado para entrenar los modelos. Artistas de reconocimiento internacional ya expresaron su preocupación ante el crecimiento de estas tecnologías.

Durante 2025, más de 400 músicos y bandas, entre ellos Paul McCartney, Elton John, Coldplay, Dua Lipa y Annie Lennox, firmaron una petición dirigida al Gobierno británico. Los artistas reclamaron que las empresas tecnológicas no puedan utilizar obras protegidas por derechos de autor para entrenar modelos de inteligencia artificial sin autorización.

En aquella carta abierta, los firmantes advirtieron que ceder ese material podría perjudicar los ingresos futuros de los creadores. La discusión enfrenta así el rápido desarrollo de la inteligencia artificial con uno de los principales desafíos actuales de la música: cómo proteger la autoría y el trabajo artístico.

Fuente: TN

El exponente de la música urbana FRO! (también conocido como Frozouda) se presentará por primera vez en Mar del Plata este domingo 16 a las 21:30 en Club TRI (20 de Septiembre 2650), con un espectáculo que combina trap, rage y música electrónica.

El artista, surgido de las batallas de freestyle, inició su recorrido discográfico en 2021 con el lanzamiento de Drip, producido por Zecca, seguido por el EP Otra visión, considerado uno de los primeros trabajos en introducir el sonido rage en la escena local.

Su consolidación llegó con sus producciones FRO! y FRO! 2, donde desarrolla un estilo caracterizado por métricas veloces, graves intensos y una impronta sonora contemporánea.

A lo largo de su carrera, participó en eventos de gran convocatoria como el Buenos Aires Trap y compartió escenario con referentes del género como Duki y Eladio Carrión.

La banda argentina Los Tabaleros se presentará el 12 de septiembre a las 20:00 en Club Tri (20 de septiembre 2650), en el marco de su gira nacional con el espectáculo Todo es folklore.

El grupo, integrado por Roberto Luis Martínez “Beto” (guitarra y voz), José María Martínez (guitarra y voz) y Félix Mateos (bombo y voz), propone un show que combina música, celebración y una fuerte impronta escénica, con una puesta que busca involucrar activamente al público.

La presentación llega en un momento destacado para la banda, luego de una serie de reconocimientos en la industria musical y de agotar localidades en el Art Media de la Ciudad de Buenos Aires. En ese contexto, el grupo continúa consolidando su lugar dentro de la escena nacional con una propuesta que fusiona folklore con distintos géneros.

Durante 2025, Los Tabaleros recorrieron el país presentando su último trabajo discográfico, Todo es folklore, un álbum compuesto por nueve canciones en colaboración con artistas y bandas de diversos estilos. Entre los invitados se destacan Los Nocheros, Las Pastillas del Abuelo, Los Caligaris, Los Tekis, Ráfaga y El Kuelgue.

En los últimos años, la banda participó en festivales de gran convocatoria como el Festival de Peñas de Jesús María, Cosquín Rock, Baradero Rock y Quilmes Rock, compartiendo escenario con artistas como Babasónicos, Divididos, Ciro y Los Persas y Duki.

El crecimiento del grupo también quedó reflejado en sus recientes nominaciones a los Premios Gardel, donde fueron reconocidos en las categorías Mejor Videoclip Largo por Todo es folklore, Mejor Canción de Cuarteto por Hielo, vino y coca junto a Los Caligaris y Mejor Colaboración por Campera de cuero junto a Las Pastillas del Abuelo.

La discografía de la banda incluye los álbumes Carmesí (2009), Lolita (2013), ¡Tuy! (2015), Chuy (2019), Una noche en el paraíso escondido (2020) y Caramelos de felicidad (2023).

En esta nueva etapa también se destaca el lanzamiento de Montaña, su reciente colaboración con Ráfaga, que reafirma la búsqueda artística del grupo por integrar distintos universos de la música popular argentina.

Las artistas An Espil y Secches se presentarán mañana a las 21:00 en Chauvin Soundroom (San Luis 2849) con el espectáculo Charly García a Piano y Voz, una propuesta íntima dedicada a la obra de uno de los padres del rock argentino.

El show, que ya agotó localidades en la Ciudad de Buenos Aires y el conurbano bonaerense, y que también tuvo una destacada recepción en Santa Fe y Córdoba, propone un recorrido sensible y contemporáneo por el repertorio de uno de los referentes más influyentes del rock nacional.

El formato de piano y voz permite redescubrir canciones emblemáticas desde una perspectiva más cercana, donde la interpretación y la emoción ocupan el centro de la escena, generando una experiencia distinta para el público.

An Espil, cantante y compositora, es reconocida por su participación en diversos proyectos de la escena musical porteña, con temas como Las minas tristes, Amor de instagramer y Esto que me pasa, además de sus discos Jesica Alegría y Laura Polines.

Por su parte, Secches es una pianista destacada por su versatilidad artística. Ganadora de la Bienal como pianista, compositora y cantante, lanzó en 2015 su álbum debut Carte postale y se caracteriza por sus reinterpretaciones de repertorios clásicos con una impronta personal.

Concejales de la oposición solicitaron al Ejecutivo municipal que decrete tres días de duelo en Mar del Plata y disponga que la Bandera Nacional permanezca a media asta por el fallecimiento de Carlos “Indio” Solari.

El pedido plantea la necesidad de rendir homenaje a una figura central de la cultura popular argentina, destacando su influencia artística y su vínculo con amplios sectores de la sociedad.

Desde Acción Marplatense, la concejal Eva Ayala remarcó que “corresponde honrar a los ídolos populares que ganaron su lugar a puro arte y que forman parte de la identidad cultural y afectiva de millones de argentinos, argentinas y marplatenses”.

Asimismo, expresó cuestionamientos hacia el Gobierno nacional por no haber impulsado una despedida institucional. “Lamentamos que haya negado la posibilidad de una despedida institucional en el Congreso de la Nación o en la Casa Rosada”, señaló.

Por último, la concejal relacionó la muerte de Solari con la situación que atraviesa el país y remarcó: “Frente al odio, proponemos el abrazo y el respeto”.

La pianista japonesa Tomoko Ohno se presentará este hoy y mañana a las 21:00 en Bajo Tierra (Pellegrini 2575) con dos conciertos diferenciados que recorrerán el jazz y la obra de Astor Piazzolla desde una mirada contemporánea.

La primera presentación será hoy, bajo el título New York Jazz Connection, una propuesta que recorre la tradición del jazz neoyorquino a partir de compositores que marcaron la formación artística de la intérprete durante su estadía en Estados Unidos. En esta oportunidad estará acompañada por Ricardo Lew en guitarra, Arturo Puertas en contrabajo y Tomás Babjaczuk en batería.

El repertorio incluirá obras de referentes como George Gershwin, Cole Porter y Keith Jarrett, junto a composiciones vinculadas a la escena jazzística de Nueva York que influyeron en su desarrollo musical.

La actividad continuará mañana con el espectáculo Piazzolla y el jazz, en formato dúo junto a Ricardo Lew. La propuesta ofrece una relectura de la obra de Astor Piazzolla a través de la improvisación y el lenguaje del jazz, en un diálogo entre ambos géneros que busca resignificar el legado del compositor argentino.

Nacida en Tokio, Ohno inició su formación musical desde muy temprana edad. Posteriormente estudió en la Universidad Rikkyo y continuó su especialización en Jazz Studies en la Universidad William Paterson, donde trabajó con figuras destacadas como Harold Mabern y Rufus Reid.

A lo largo de su trayectoria internacional, se presentó en escenarios emblemáticos como Lincoln Center, Carnegie Hall, Blue Note y Birdland, además de compartir proyectos con artistas como Slide Hampton, Houston Person, Rufus Reid y la Dizzy Gillespie Alumni Big Band.

El dúo Baglietto Vitale presentará su nuevo álbum Bodas de coral el 7 de noviembre en el Teatro Radio City (San Luis 1750), en el marco de una gira que celebra 35 años de trayectoria conjunta.

El disco conmemora más de tres décadas de música, amistad y escenarios compartidos, con un repertorio que recorre canciones de amor, anécdotas y momentos que forman parte de la memoria colectiva de varias generaciones.

El nombre del trabajo hace referencia a las denominadas “bodas de coral”, término que identifica los 35 años de un vínculo sostenido en el tiempo. En este caso, el concepto fue adoptado por Juan Carlos Baglietto y Lito Vitale para dar forma a un álbum que explora nuevas interpretaciones dentro del universo de la música romántica.

La propuesta incluye versiones de clásicos como Penumbras, popularizada por Sandro, y Cartas amarillas, asociada a Nino Bravo, con arreglos que combinan sensibilidad y madurez artística.

El trabajo también cuenta con la participación de una banda de músicos especialmente convocados para el proyecto, consolidando una propuesta estética que conjuga refinamiento y potencia interpretativa.

Bodas de coral estará disponible en plataformas digitales a partir de este viernes 5 y será el eje de una serie de presentaciones en vivo que celebran la vigencia de uno de los dúos más representativos de la música argentina.

La cantante, guitarrista y compositora marplatense Celeste González se presentará el 6 de junio a las 20:00 en Casa Mariano Mores (Alem 2469), donde ofrecerá un homenaje a Rosita Quiroga a 130 años de su nacimiento, con entrada libre y gratuita.

Radicada actualmente en la Ciudad de Buenos Aires, la artista regresará a su ciudad natal para rendir tributo a una de las grandes pioneras del tango. El espectáculo incluirá la interpretación de clásicos y obras menos difundidas del repertorio de Quiroga, junto con una selección de tangos, milongas y valses de autoría propia.

Acompañada por su guitarra -en sintonía con el estilo de la homenajeada-, González propondrá una experiencia que integrará música en vivo, anécdotas históricas y una conexión directa con el público a través del lunfardo.

Rosita Quiroga, nacida el 16 de enero de 1896 en Buenos Aires, fue una figura clave en la historia del tango. Cantante, guitarrista y compositora, se destacó como una de las primeras artistas de la radiofonía argentina y fue la primera mujer en interpretar tangos en Radio Cultura.

Ivana Barac es ingeniera, actriz, DJ y productora nacida en Basavilbaso, Entre Rios. A los 17 años llegó a Buenos Aires con la meta de convertirse en ingeniera industrial, pero el llamado de las pistas transformó su destino para siempre.

Fusionando la precisión analítica de las ciencias exactas con la libertad creativa y enérgica de los ritmos electrónicos nació Zlata, su magnético alter ego musical.

Bajo su característico estilo hard techno, Zlata logró combinar la precisión, el método y la estructura adquiridos en su formación científica y las complejidades de la producción musical y el diseño de sonido.

Inspirada en su herencia cultural y las clases con Norman Briski, Zlata consolidó su hardpsy sinfónico mediante impactantes puestas en escena, túnicas largas y mezclando música en vivo y teatro.

Actualmente girando con su nuevo álbum La Última Escena se consolida en el hard nacional con presentaciones icónicas en La Plata, Córdoba, Mar del Plata y en breve concretando llevar su potente sonido hacia España, Croacia y Berlín.

Por su originalidad artística y la fuerza arrolladora que le impone a cada presentación, hoy divide por letras su +Chance!!

+ = Cual es tu lado mas positivo / Levantarme todos los días con una sonrisa a pesar de que haya algún inconveniente.

C = ¿Cuándo se despertó en vos la vocación de lo que estas haciendo? / Cuando tenía 23 años en el medio del estudio de mi carrera técnica. Soy ingeniera también.

H = ¿Hacia dónde vas en este mundo actual? / Tengo una visión de hacer algo diferente, fusionando el teatro con la música.

A = ¿Alguna vez pensaste en dejar todo para comenzar una nueva vida? / Si lo pienso todo el tiempo… está en planes de hecho... pero la música y el teatro jamás dejaría.

N = ¿Nunca le dirías Si a qué?  Nunca le diría si a la moda. Me gusta mucho lo diferente en todos los sentidos.

C = ¿Como conectas con tu lado espiritual? / Conecto con mi lado espiritual observando la vida cotidiana con atención. Cada emoción, encuentro, pérdida, alegría o aprendizaje puede convertirse en una historia.

E = ¿Esperas volver en otra vida y haciendo qué? / Me gustaría seguir transmitiendo el mensaje de que el arte puede ser una herramienta de transformación y sanación.

Chacha Durán | @chachaduran

Locutor Nacional . Conductor Radio y Tv.

www.chachaduran.com

Como contábamos la semana pasada, en la década de 1980 diez hitazos se impusieron en el rubo a Mejor Canción Original de los Premios Oscar. Diez canciones que hoy siguen presentes y que han marcado a fuego a una generación, pero incluso sobrevivieron a eso y se mantienen como himnos pop de generaciones posteriores. Pero lo curioso es que, como para demostrar que fue una época gloriosa, si buscamos entre la lista de perdedores encontraremos otra cantidad igual de canciones imborrables, incluso algunas mejores que las que ganaron. 

Dentro de este recorrido por esa década, algunos años impactan por el nivel de los competidores. Allí arriba de todo está 1985, cuando Stevie Wonder se impuso con I just called to say I love you dejando atrás nada más y nada menos que a Footloose de Kenny Loggins, Ghostbusters de Ray Parker Jr. y Against all odds -Take a look at me now de Phil Collins. ¡Tres temazos que hoy integran cualquier lista de éxitos de los 80’s! No queremos generar polémica, pero la de Phil Collins es mejor que la de Steve Wonder.

Si vio algún especial de boxeo, sabrá que no hay forma de musicalizar un montaje sin Eye of the tiger de Survivor, hecho para la banda sonora de Rocky III. Un tema inmortal, que nos traslada inmediatamente al entrenamiento pugilístico. Esta canción inagotable es otra de las grandes perdedoras del Oscar en los 80’s. Sin embargo ese año, 1983, perdió contra la baladaza Up where we belong de Joe Cocker y Jennifer Warnes. Aunque quisiéramos, no podríamos quejarnos.

The power of love de Huey Lewis and the News perdiendo contra Say you, say me de Lionel Richie; 9 to 5 de Dolly Parton cayendo contra Fame de Irene Cara; o Glory of love de Peter Cetera mordiendo el polvo ante Take my breath away de Berlin. La música de los 80’s irrumpía con toda su potencia en las radios y la Academia no podía dejar pasar el viento de época. Podríamos seguir quejándonos por los derrotados, pero qué mejor que escucharlos.

9 to 5 de la película Cómo eliminar a su jefe por Dolly Parton (perdió en 1981 con Fama por Irene Cara)

Eye of the tiger de la película Rocky 3 por Survivor (perdió en 1983 con Up where we belong por Joe Cocker y Jennifer Warnes)

Maniac de la película Flashdance por Michael Sembelo (perdió en 1984 con Flashdance... what a feeling por Irene Cara)

Against all odds -Take a look at me now de la película El poder y la pasión por Phil Collins (perdió en 1985 con I just called to say I love you por Steve Wonder)

Footloose de la película Footloose por Kenny Loggings (perdió en 1985 con I just called to say I love you por Steve Wonder)

Ghostbusters de la película Los Cazafantasmas por Ray Parker Jr (perdió en 1985 con I just called to say I love you por Steve Wonder)

The power of love de la película Volver al futuro por Huey Lewis & The News (perdió en 1986 con Say you, say me por Lionel Richie)

Glory of love de la película Karate Kid II por Peter Cetera (perdió en 1987 con Take my breath away por Berlin)

Nothing’s gonna stop us now de la película Mannequin por Starship (perdió en 1988 con (I've had) The time of my life por Bill Medley y Jennifer Warnes)

Two hearts de la película Buster por Phil Collins (perdió en 1989 con Let the river run por Carly Simon)

Las artistas marplatenses Karina Levine y Flor Cosentino presentarán el espectáculo Mujeres argentinas el próximo viernes 29 a las 21:30 en El Argentino Bar (Chacabuco 3627), donde volverán a compartir escenario tras diez años con un homenaje a referentes femeninas de la música nacional.

La propuesta reúne un repertorio inspirado en figuras como María Elena Walsh, Tita Merello, Eladia Blázquez, Sandra Mihanovich, Celeste Carballo, Marilina Ross, Teresa Parodi, Fabiana Cantilo y Gilda, artistas que marcaron profundamente el recorrido de ambas intérpretes.

Mujeres argentinas propone un recorrido emotivo y celebratorio por canciones de grandes compositoras e intérpretes nacionales, en un espectáculo atravesado por la música, el humor, las anécdotas y la complicidad artística que caracteriza a la dupla, unida también por una profunda amistad.

“Es un espectáculo que nace de nuestras ganas de volver a trabajar juntas y homenajear a intérpretes y autoras argentinas que marcaron nuestras vidas como artistas”, expresaron las protagonistas.

Con voces reconocidas por su calidez y presencia escénica, Levine y Cosentino se reencuentran con un público que históricamente acompañó sus presentaciones conjuntas. El show contará además con la participación de César Monzón en guitarra y Maximiliano Escalante en teclado.

“Gracias le doy a la vida, gracias le doy al señor. Porque entre tanto rigor y habiendo perdido tanto, no perdí mi amor al canto, ni mi voz como cantor”. Fue allá por el disco en vivo El regreso, que quedó patentada esta cita casi textual a El regreso de Martín Fierro al final de Estadio Azteca. De aquella idea, “como cantor”, extrajo entonces Andrés Calamaro el título de esta gira que lo trajo a Mar del Plata, que además de título es también un concepto que viene explorando desde La lengua popular: convertir su cuerpo en herramienta y su voz en una forma de entretenimiento masivo, de saberes populares y eruditos, de autoconciencia de un repertorio infinito y banda sonora de la vida de muchos.

Fueron algo más de dos horas de show en la noche del Polideportivo Islas Malvinas, una fecha poco habitual en el calendario marplatense para el arribo del Salmón (“Mar del Plata, fin de temporada”, bromeó cuando ingresó al escenario). Fueron 25 canciones y algún extra que siempre se filtra (citas a Atahualpa Yupanqui, a Bob Marley), en un concierto que fue una verdadera avalancha de hits. Hace apenas un año y medio Calamaro había venido a la ciudad con la gira de Honestidad brutal, y Como cantor significó el reencuentro con muchísimas canciones que no entraron aquella vez. Y, curiosidad, un ánimo llamativamente parlanchín para un recital que tiene como objetivo celebrarlo como cantante. Calamaro habló hasta por los codos, contó anécdotas, se emocionó al recordarse como aquel pibe que soñaba ser rockero, habló de los 70’s, los 80’s, el Mundial, el fútbol, la yerba misionera, la yerba uruguaya, Julio Iglesias, los éxitos y los fracasos. Habló al nivel de que la clásica presentación de la banda se bifurcó en más anécdotas, por momento impacientando a algún ansioso que fue por las canciones. Pero bueno, que el cantor es también sus circunstancias.

No de gusto Como cantor arrancó con la bellísima Todavía una canción de amor, aquella letra de Joaquín Sabina que dice que “cantar es disparar contra el olvido”. Fue el puntapié inicial de una recorrida por el repertorio de Los Rodríguez que tuvo además escalas en A los ojos, Mi enfermedad, Palabras más, palabras menos y Sin documentos. Porque Calamaro es su repertorio y el de las bandas que integró. Y allí estuvieron también esos himnos del rock nacional que son Mil horas (previo puente con Tres Marías) y Costumbres argentinas, dos de las obras más celebradas de Los abuelos de la nada.

Calamaro como cantor recorrió casi toda su discografía, a excepción de sus primeros tres discos y -para sorpresa- el estupendo Cargar la suerte. Para los nostálgicos hizo dos joyitas de Nadie sale vivo de aquí (elegantes versiones de Pasemos a otro tema y Señal que te he perdido, puenteado sabiamente con Te quiero igual para los espectadores perdidos). No faltaron temas de Alta suciedad (Loco, Me arde, Crímenes perfectos, Alta suciedad, Flaca), Honestidad brutal (Te quiero igual, Paloma), El salmón (El salmón), El cantante (Estadio Azteca), La lengua popular (Carnaval de Brasil, Mi gin tonic, Los chicos), On the rock (Tres Marías) y Bohemio (Cuando no estás, Bohemio). Y fuera de programa, un tanguito: Garúa.

Calamaro como tributo de Calamaro. Un repertorio gigantesco al que dos horas y pico de show le quedan cortas. Y una banda afiladísima que, a los habituales, le sumó instrumentos de viento.

Calamaro habla sobre el escenario de ser rockero como proclama artística, como forma de vida y como manera de conectar con los demás. Y se divierte en un juego de ida y vuelta con la pantalla posterior y la imagen de un dinosaurio que avanza mientras suenan unos potentes riff de Alta suciedad. La pantalla, de una puesta en escena despojada y simple (la atención está puesta en el repertorio), fue un personaje más, con algunas intervenciones cinematográficas que llevaron la experiencia a otro nivel: como el efecto increíble de escuchar Crímenes perfectos con la secuencia de La danza de las valquirias de Apocalipsis Now! de fondo.

La recta final del recital fue elevándose del nivel del suelo con A los ojos, Mi enfermedad, Me arde, El salmón, Palabras más, palabras menos, Alta suciedad y Sin documentos. Y el final fue con los coritos inmortales de Paloma y Flaca, tal vez dos de los hits más potentes de Calamaro y dos de los temas que más han sido elegidos para cerrar sus shows. Obviamente, el Calamaro cantor no podía eludir la responsabilidad de ejecutarlos, aún en esas versiones modificadas con las que siempre sorprende. Ni evitar irse y volver para los bises, que apelaron a la emoción de Estadio Azteca, la cita a Martín Fierro y ese impensado hit de Los chicos, homenaje además a los amigos ausentes, algo que siempre está presente en los shows del artista.

Si en algún momento tardó más de una década en volver a presentarse en la ciudad, entre Alta suciedad y On the rock, estos 17 meses que separaron la Agenda 1999 de Como cantor, han sido un suspiro. Por eso tomamos con honor la promesa de volver a Mar del Plata que hizo sobre el escenario. Sobre todo porque recordamos que cantar es disparar contra el olvido y vivir sin las canciones de Calamaro es dormir en la estación.

El músico León Gieco se presentará el próximo 16 de julio a las 21:00 en el Centro de Arte MDP (San Luis 1750), donde encabezará un espectáculo de carácter íntimo acompañado por Joana Gieco y Alejo León. El show propone un reencuentro cercano con el público marplatense tras una prolongada ausencia de los escenarios locales.

“Este recital que preparamos junto a Joana Gieco y Alejo León -dos músicos excelentes-, tendrá características muy especiales, será intimista, y muy cercano”, explicó el artista.

Asimismo, el cantautor destacó que la velada “contará con fotografías, un repaso histórico en imágenes y anécdotas y sobre todo mucha música para disfrutar y recordar”. La propuesta busca amalgamar la trayectoria de Gieco, reconocida por su fusión de folklore y rock, con un soporte visual que refuerce el contenido social y solidario de su obra.

El elenco musical se completa con la participación de Joana Gieco, pianista y compositora formada en la Universidad Nacional de las Artes y el Conservatorio Nacional de Música López Buchardo, y Alejo León, guitarrista autodidacta y prolífico compositor.

Ambos músicos conforman un dúo con actividad constante en giras y presentaciones, y en esta ocasión aportarán su juventud y solvencia técnica para recorrer el repertorio de clásicos que han marcado la historia de la música argentina.