Esta noche se entregan los premios Oscar, una ceremonia que décadas atrás generaba gran expectativa y que ahora sobrevive como un espacio para hacer bromas en redes sociales. Sin embargo, la noche de hoy puede ser un momento histórico para la estatuilla: en 98 años sería la primera vez que un director negro, Ryan Coogler, se lleve el premio a la Mejor Dirección -por su trabajo en Pecadores-. ¿Ocurrirá? No se sabe, pero lo cierto es que se siente más cerca que nunca.

Desde que se estrenó en abril del año pasado, la película protagonizada en duplicado por Michael B. Jordan generó ruido de premios en la prensa norteamericana. Solo hubo que esperar un año bastante flojo para confirmar que este film de gángsters mezclados con vampiros tendría su lugar confirmado y no solo eso, se convirtió en el principal favorito cuando en enero se anunciaron las nominaciones y batió el récord: disputa 16 rubros. Ninguna película había logrado semejante reconocimiento en 98 años.

Solo la presencia de Una batalla tras otras, del histórico perdedor Paul Thomas Anderson, puede darle pelea y, de hecho, fue la gran favorita durante mucho tiempo, hasta que las encuestas comenzaron a decir lo contrario. De hecho parecía que Leonardo DiCaprio se llevaba un nuevo Oscar, pero luego se comentó que lo perdería a manos de Timothée Chalamet… ahora cancelado por unas declaraciones pavotas y dejándoselo en bandeja a Jordan -dicen-.

Pero vamos a lo que importa. Si bien el candidato número uno en el rubro Dirección sigue siendo Anderon, la verdad es que con el paso de las semanas Pecadores ha ido ganando en consideración. Eso incluye la figura de Coogler, el séptimo director negro en conseguir la dicha de ser nominado. Coogler llamó la atención desde su primer largo, el indie Fruitvale Station, y rápidamente se posicionó en el mainstream dirigiendo Creed, aunque siempre con un toque autoral, dividiéndose entre su pretensión como artista y su búsqueda del gran público: lo demostró con las dos películas de Pantera Negra para Marvel, la primera -de hecho- nominada al Oscar a Mejor Film.

Como dijimos, de llevarse la estatuilla esta noche como Mejor Dirección, Coogler sería el primer director negro en ganar en ese rubro en 98 entregas del premio de la Academia. Antes de Coogler tuvieron el honor de las nominaciones John Singleton por Boyz n the Hood (1991), Lee Daniels por Preciosa (2009), Steve McQueen por 12 años de esclavitud (2013), Barry Jenkins por Luz de luna (2016) -la noche del recordado incidente de La La Land-, Jordan Peele por ¡Huye! (2017) y Spike Lee por El infiltrado del KKKlan (2018).

Como verán, hubo que esperar más de 60 años para que un negro fuera nominado a Mejor Dirección. De hecho, Singleton tuvo el particular placer de ser la persona más joven nominada en ese rubro, con solo 24 años.

Si fueron pocos directore negros los nominados, con las películas dirigidas por negros pasa más o menos lo mismo. Recién la primera en estar nominada a Mejor Film fue Preciosa, y luego le siguieron 12 años de esclavitud, Selma de Ava DuVernay, Fences de Denzel Washington, Luz de luna, ¡Huye!, Pantera negra de Ryan Coogler, El infiltrado del KKKlan, Judas y el mesías negro de Shaka King y Rey Richard de Reinaldo Marcus Green. Solo 12 años de esclavitud y Luz de luna se llevaron el gran premio.

Tal vez los votantes hayan decidido dividir los premios y Una batalla tras otra gane en Dirección y Pecadores en Película. Sin embargo, si se tiene en cuenta la reciente tendencia del Oscar a dar gestos en lugar de reconocimientos, es probable que la del 15 de marzo de 2026 sea recordada como la primera vez que un director negro ganó el Oscar. Y puede, también, que a las pocas horas ya nadie se acuerde.

La actriz Emma Stone destacó en la alfombra roja de los Premios del Sindicato de Productores de Estados Unidos 2026, celebrado el 28 de febrero en Los Ángeles, luciendo un elegante vestido blanco que captó la atención de los presentes.  

Stone, acompañada por su esposo Dave McCary, hizo una de sus pocas apariciones públicas juntos en esta ceremonia mientras paseaban de la mano sobre la alfombra roja. El diseño que eligió fue un vestido largo de tono blanco marfil con detalles de abalorios geométricos inspirados en el estilo Art Decó, que le brindó un aire sofisticado y sobrio. Completó su look con un recogido pulido y un maquillaje suave en tonos rosados.  

La presencia de la actriz en esta gala se da en el marco de la temporada de premios 2026, en la que Stone está nominada a varios galardones por su trabajo en cine. Su elección de un vestido blanco sencillo pero impactante siguió las tendencias actuales de moda en alfombras rojas, donde la elegancia minimalista ha cobrado protagonismo.  

Este jueves en cines de Mar del Plata habrá cuatro novedades, además de dos reestrenos. Entre los primeros, destaca el regreso de Sam Raimi con ¡Ayuda!, protagonizada por Rachel McAdams. Además, la nominada al Oscar a Mejor Film Internacional Sirat: trance en el desierto, Alerta extinción con Liam Neeson y la animada El gran premio: a toda velocidad. Entre los reestrenos, la súper nominada Pecadores y el clásico adolescente del Siglo XXI Crepúsculo.

¡Ayuda! dirigida por Sam Raimi, con Rachel McAdams, Dylan O'Brien, Edyll Ismail.

-Tras un accidente aéreo que los deja aislados en una isla inhóspita, una eficiente trabajadora y su jefe, tan autoritario como insoportable, se ven obligados a cooperar para sobrevivir. La convivencia forzada pondrá a prueba sus capacidades y una relación marcada por el conflicto.

Sirat: trance en el desierto dirigida por Oliver Laxe, con Sergi López, Bruno Núñez, Jade Oukid.

-Un padre y su hijo viajan a una rave en medio del desierto marroquí con la esperanza de hallar a Mar, la joven que desapareció meses atrás en una de esas fiestas interminables. Entre música electrónica, extraños encuentros y un mundo que les resulta ajeno, siguen el rastro de un grupo de raveros rumbo a una última celebración donde creen que podrán encontrarla.

Alerta extinción dirigida por Jonny Campbell, con Joe Keery, Georgina Campbell, Liam Neeson.

-Cuando un hongo mutante extremadamente contagioso se libera de un laboratorio clausurado, dos empleados novatos y un experimentado agente especializado en bioterrorismo quedan atrapados en una noche caótica. Mientras la infección se expande sin control, deberán resistir y evitar que la amenaza aniquile a la humanidad.

El gran premio: a toda velocidad dirigida por Waldemar Fast, con las voces de Gemma Arterton, Thomas Brodie-Sangster, Hayley Atwell.

-Edda anhela convertirse en corredora profesional y, contra todo pronóstico, su sueño comienza a tomar forma cuando un viejo parque de diversiones se transforma en una pista de carreras. Junto a su referente, el piloto Ed, se enfrenta al Gran Premio de Europa y destapa un plan secreto para arruinar la competencia. El desafío será salvar la carrera y evitar el cierre definitivo del parque.

Pecadores dirigida por Ryan Coogler, con Michael B. Jordan, Hailee Steinfeld, Miles Caton.

-Con la intención de dejar atrás su turbulento pero exitoso pasado en Chicago, dos hermanos gemelos regresan a su ciudad natal para empezar de cero abriendo un club de blues. Sin embargo, pronto descubren que una amenaza oscura los aguarda, dispuesta a convertir su regreso en una pesadilla.

Crepúsculo dirigida por Catherine Hardwicke, con Kristen Stewart, Robert Pattinson, Billy Burke.

-Bella Swan, una adolescente solitaria y distinta a sus pares, se muda desde Phoenix al lluvioso pueblo de Forks para vivir con su padre. Allí conoce a Edward Cullen, un estudiante tan enigmático como fascinante, que esconde un secreto capaz de cambiar su vida para siempre.

El jueves se conocieron las diez películas que este año pelearán por el Oscar y obviamente ya comenzó la ronda de apuestas para ver quién ganará, cuál se llevará la estatuilla dorada a casa. Pero además del juego de las suposiciones y la especulación, lo que también sucede para muchos espectadores es que comienza la ansiedad por ver las nominadas, por descubrir en qué lugar están disponibles para llegar con todo visto a la noche del 15 de marzo, cuando se entreguen las estatuillas en Los Angeles, en la 98ª edición de los Premios de la Academia. Entonces, aquí llegamos para hacer una rápida orientación sobre dónde encontrar las nominadas.

Las dos principales contendientes son Pecadores de Ryan Coogler y Una batalla tras otra (13 nominaciones) de Paul Thomas Anderson. La película con Michael B. Jordan alcanzó el récord de 16 nominaciones, superando las 14 que habían obtenido Titanic, La malvada y La La Land. Si bien el film con Leonardo DiCaprio es el favorito casi desde el día en que se estrenó, la Academia puede tener un razonamiento diferente al de otras organizaciones que entregan premios e ir por una distinción más simbólica: de ganar Coogler, sería el primer director negro en llevarse la estatuilla. Ambas películas ya pasaron por los cines y ahora están disponibles en HBO Max.

Si uno quiere ver actualmente en el cine una de las películas nominadas, no tiene otra opción que ir a ver Marty Supremo, la única película en cartelera en salas de Mar del Plata. Esta biografía apócrifa dirigida por Josh Safdie y protagonizada por Timothée Chalamet, actualmente el principal candidato a ganar como actor, aspira a 9 estatuillas.

Luego tenemos una triada que actualmente está disponible en plataformas. En Netflix están Frankenstein de Guillermo del Toro, que aspira a 9 estatuillas, y Sueño de trenes, que va por 4. La primera es favorita en rubros como vestuario, maquillaje o diseño de producción, mientras que la otra no parece tener chance en ningún rubro, aunque seguramente nos permitirá disfrutar de Nick Cave (nominado por su canción original) durante la ceremonia. Por su parte, quienes tengan AppleTV podrán ver la excitante F1, con Brad Pitt y dirigida por Joseph Kosinski. Casualmente el director alcanzó el mismo logro con Top Gun: Maverick, es decir una película mainstream y de género que se cuela en el rubro principal casi como un premio por su nivel de popularidad. Aunque sonido parece ser su estatuilla.

Luego tenemos dos que pasaron recientemente por los cines de Mar del Plata, pero ya no están disponibles en la cartelera. Una de ellas es la noruega Valor sentimental de Joachim Trier, que va por 9 oscars y seguramente se lleve alguno por el lado de las actuaciones. Esta película llegará a MUBI, aunque la plataforma todavía no anunció cuándo será subida al catálogo. Más incierto es el destino de Bugonia, la sorpresa entre las nominadas. La película del griego Yorgos Lanthimos había pasado bastante desapercibida por los cines, pero sin embargo la Academia tiene un cariño evidente por el director. El film está disponible en la plataforma Peacock en Estados Unidos y se estima que por estas zonas se suba al catálogo de Prime Video recién entre abril o mayo.

Finalmente tenemos dos películas que llegarán próximamente a los cines. Una de ellas es Hamnet, la nueva de Chloé Zhao que ganó el Globo de Oro como mejor drama y que parece tener la estatuilla para Jessie Buckley reservada, entre sus 8 nominaciones. Su estreno en salas será próximo, el 5 de febrero. La que nos queda de la lista es la brasileña El agente secreto, de Kleber Mendonça Filho, que aspira a 4 premios. Parece ser casi número puesto como film internacional y la estatuilla para la actuación de Wagner Moura puede ser la sorpresa de la noche. En los cines la podremos ver recién a partir del 26 de febrero.

Noventa y cinco años cumplió Clint Eastwood este sábado y qué mejor que celebrar al gran actor y director norteamericano con breves recomendaciones de algunas de sus películas, de las pocas que lamentablemente hay dando vueltas en plataformas, tan afectas ellas a las novedades. Eastwood es importante porque fue una estrella de las más grandes de la pantalla y supo reconvertirse en uno de los mejores directores, también uno de los últimos cultores de un cine con una ética clásica, que entiende que no todas las imágenes son iguales y que hay cosas que se pueden decir con los materiales más nobles y sencillos. Noventa y cinco años de una carrera inmensa, que aquí reconocemos con un puñado de películas. 

Obsesión mortal (1971)

El debut de Clint Eastwood como director fue con una película de género perfecta, un thriller que instaló algunas reglas del slasher y que tenía ciertas similitudes con el giallo italiano. En su opera prima detrás de cámaras, Eastwood aprovecha su iconografía como actor y galán, su presencia magnética en la pantalla, su aura de estrella, para deconstruirla y ponerla en riesgo. Aquí interpreta a un locutor de radio que tiene un programa nocturno de música. Se enredará sentimentalmente con una fanática que -digamos- no era la persona ideal para relacionarse, en una inolvidable actuación de Jessica Walter, y comenzarán los problemas. A partir de ahí comenzará un juego de gato y ratón, en el que el macho interpretado por Eastwood irá quedando progresivamente en riesgo. Eastwood demuestra conocer las reglas del género y consigue un último acto espeluznante. Gran debut.-Disponible en HBO Max.

Los imperdonables (1992)

Uno de los temas preferidos de Clint Eastwood es el paso del tiempo, la vejez y la carga de conciencia que llega con la muerte. Ya desde la década del 90 viene hablando del final de las cosas y en 1992 estrenó la que es una de sus obras maestras: este western crepuscular que habla no sólo del final de los días de un bandido, sino además del final de los días de un género icónico para el cine norteamericano. Si bien como director venía coqueteando con el prestigio desde hacía unos años, fue con esta película que finalmente abrazó los premios con el primer reconocimiento que le harían la Academia y el Oscar. Su William Munny, ese hombre aquejado por las deudas y que tiene a su cargo una última misión, es además una de sus mejores actuaciones. Película indispensable.-Disponible en HBO Max.

Los puentes de Madison (1995)

Tras ganar el Oscar, Clint Eastwood aplacó sus ansias de ganar premios y se abocó, especialmente en los 90’s, a realizar pequeños films basados en novelas más o menos exitosas, que gracias a su proverbial mirada se convertían en grandes relatos. Lo hizo esencialmente con policiales, pero Los puentes de Madison fue una de sus pocas incursiones en el género romántico, aunque el romanticismo, de diferentes formas, se filtra siempre en sus películas. Y su acercamiento al drama romántico fue con una película que terminaría convirtiéndose en referencia del género, la historia de una ama de casa cuya vida de seguridad colapsa cuando conoce a un fotógrafo que lleva una vida libre y sin ataduras. Qué decir de la actuación de Meryl Streep y de su final angustiante, que Eastwood maneja con la sabiduría de quien conoce las reglas de todo.-Disponible en HBO Max.

Gran Torino (2008)

En la primera década de este siglo Eastwood emprendería nuevamente una búsqueda de prestigio con un lustroso díptico sobre la Segunda Guerra Mundial, y un par de dramas un poco manipuladores y engolados como Río Místico, Million Dollar Baby o El sustituto. Pero sin dudas su mejor película, la más querible, fue Gran Torino, una pequeña comedia dramática (que esconde un western en su interior) con todos los clichés del mundo, pero hecha con un cariño por los personajes que ya no se estila en este mundo cínico. Hacía unos años que no lo veíamos en pantalla y su regreso fue con este personaje increíble, un viejo malhumorado y conservador, que terminará defendiendo a unos vecinos asiáticos de unos mafiosos malos malos. Un film sobre la aceptación pero, y aquí ya decididamente, sobre la muerte y el final de los días. Gran relato que Eastwood presentó como su despedida de la actuación, aunque todavía le quedarían algunas cosas por decir.-Disponible en HBO Max y Prime Video.

El caso de Richard Jewell (2019)

En los últimos años Eastwood se convertiría en un director revisionista de la historia de su país, pero especialmente de sus propias ideas sobre la historia de su país. No de casualidad comenzaría a filmar muchas películas basadas en hechos reales, donde el conflicto tiene que ver con una ética que se pone en crisis. Esta pequeña historia sobre un guardia de seguridad que queda en el centro de la investigación del FBI tras un atentado en los Juegos Olímpicos de Atlanta de 1996 es un otra de sus obras maestras, una película que toma a un ciudadano que cree en las reglas de su país y lo pone en la situación de descubrir que mucho de eso en lo que creía era una falacia. Tras su notable recreación de los hechos, tras las grandes actuaciones y el aire de ligereza marca registrada con que cuenta todo, es uno de los films más duros y personales del director.-Disponible en HBO Max.

Puede que para el cinéfilo más duro el nombre de Sean Baker sea totalmente conocido y su triunfo en la última entrega del Oscar con la excelente Anora haya sido la aceptación del mainstream de su talento. Pero para el público masivo, el que consume películas que están por fuera del radar que el director ha explorado hasta el momento, es sin dudas un gran extraño. ¿Quién es ese hombre simpático que subió al escenario con la tranquilidad de quien va a desayunar un martes y sin el glamour y la pomposidad habitual de los ganadores?

Primero un dato anecdótico, de esos que les gustan a los que adoran las estadísticas en las entregas de premios. Con el triunfo de Anora en los rubros de Mejor Película, Dirección, Guión Original y Montaje (además de Actriz, obvio), Baker ingresó a un club exclusivo que hasta el momento sólo integraban nombres tan disímiles como Walt Disney y Bong Joon-ho: el de las personas que ganaron cuatro Oscars en la misma ceremonia. Imaginen que Alfred Hitchcock ni siquiera ganó uno.

Disney lo hizo en 1954, cuando la división de rubros era diferente y se les daba un fuerte impulso a los cortometrajes: ganó por Mejor Cortometraje de Animación, Mejor Cortometraje Documental, Mejor Cortometraje de Dos Rollos y Mejor Largometraje Documental. Hubo que esperar 66 años hasta que el gran creador de cine animado tuviera un acompañante en ese club, cuando en 2020 Bong Joon-ho logró la osadía de ganarle a Martin Scorsese y Quentin Tarantino con Parásitos los Oscars a Mejor Película, Mejor Películas Internacional, Mejor Dirección y Mejor Guión Original.

El triunfo de Baker es casi como un cuento de hadas, esos con los que coquetea en sus ficciones agridulces sobre personajes marginales que como pueden persiguen su objetivo. Anora, lo dicen enfáticamente sus personajes, es una suerte de reverso de Cenicienta. O, más bien, la imposibilidad de su concreción. La historia de una prostituta que conoce al hijo de un magnate ruso y que vive la vida de lujo y hedonismo hasta que el sueño se termina. Y lo hace con pasajes turbulentos en los que la película va cambiando de género y descolocando al espectador. Es por un lado su película, si se quiere, más convencional (dentro de lo que puede ser convencional el mundo de Baker) y a la vez la más imprevisible.

Los cuentos de hadas ya estaban de alguna manera en otra de sus historias, Proyecto Florida, donde por primera vez alcanzó el interés del público masivo y hasta contó con una estrella del calibre de Willem Dafoe. El actor estuvo nominado al Oscar por su trabajo, en lo que significó la primera demostración de que el mainstream ya había visto el cine singular de Baker y comenzaba a prestarle atención. La estupenda Proyecto Florida seguía a una hija y una madre que vivían en un hotel, cerca de Disneyworld, pero del otro lado, del lado de los marginales y de los que nunca tendrán acceso a ese mundo de sueños.

Si los temas de las películas de Baker parecen lo suficientemente arduos como para impresionar a un espectador sensible -marginalidad, adicciones, prostitución- a no preocuparse, estamos ante uno de esos directores a contramano del cine actual, ganado por la misantropía y el desprecio por la humanidad, cómodamente ubicado en un lugar de distancia lo suficientemente canchero como para ganar el favor de un espectador cínico. Para Baker acercarse a esa marginalidad no es una herramienta para exhibir el horror y mostrarse por encima, sino para ponerse en el lugar de un igual, sin embellecimientos falsos ni romanticismos patéticos. Busca el verismo pero sin dejar de demostrar que está enmarcado en una ficción cinematográfica con sus resortes dramáticos y recursos de guión. Hay que decirlo, Baker es una rara avis: filma casi exclusivamente lo que conoce.

Y vaya si conoce ese mundo. En una entrevista reconoció que hacia fines de los 90’s fue adicto a la heroína: “Tuve problemas con las drogas, fui adicto a la heroína a finales de los noventa, cuando yo era un veinteañero. A veces me asusto cuando me doy cuenta de que me acerco demasiado de nuevo a esos mundos”, comentó antes de agradecer a Narcóticos Anónimos por ayudarlo a salir adelante. Y, claro, del cine, que posiblemente haya sido una herramienta para exorcizar esos demonios. Por eso se entiende también su forma comprensiva de acercarse a esos universos que para otros serían mundos ruines llenos de suciedad y para Baker son espacios hasta claros y diurnos. Pocos directores filman el cielo y la luz como él en el cine actual.

Incluso, para los fanáticos de la tecnología, Baker fue uno de los primeros en filmar películas con celulares, como Tangerine, que fue rodada con tres teléfonos móviles IPhone 5. Un detalle que surgió de los problemas de producción y presupuestarios que venía acarreando, pero que por otro lado fueron una gran elección estética para contar la historia de una prostituta transexual que busca al proxeneta que le rompió el corazón.

La carrera de Baker comenzó en 2000 y en 2004 llamó la atención del circuito independiente con Take out, la historia de un inmigrante ilegal chino que tiene una fecha límite para pagar una deuda. Pero le llevaría unos años más comenzar a escalar en el plano internacional. En Argentina su figura fue conocida gracias al Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, que en 2012 puso en Competencia Internacional a Starlet y en 2015 a Tangerine, que ganó precisamente el premio a la fotografía otorgado por la Asociación de Directores de Fotografía (ADF). Fue el comienzo del despegue de su carrera.

El triunfo en el Oscar fue sumamente importante para las aspiraciones del director, pero también presenta una incógnita: ¿se verá tentado por un mayor presupuesto a hacer otro tipo de cine? ¿Qué historias contará en el futuro? ¿Por dónde seguirá su cine? Si sirve como ejemplo, un éxito parecido en la última década lo tuvo Barry Jenkins con la independiente Moonlight y terminó dirigiendo Mufasa para Disney. Por la personalidad de Baker dudamos que vaya a suceder algo parecido, aunque en el mundo de los sueños -y las pesadillas- de Hollywood todo puede suceder. 

Esta noche se realiza la 97ª edición de los Premios Oscar, que entrega la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas, y como pocas veces en los últimos años, la estatuilla principal, la de Mejor Película, se encuentra en un terreno de incerteza luego del descalabro de Emilia Pérez. Es que el film de Jacques Audiard, con 13 nominaciones, era el principal favorito, pero el escándalo con los posteos en redes sociales de su actriz Karla Sofía Gascón y algunas declaraciones del propio director la convirtieron en un paria, la indeseable de la noche. Entonces algo que teníamos claro, ahora nos lleva a la pregunta: ¿quién ganará el premio principal?

Hasta no hace mucho tiempo se usaba el criterio de más nominaciones para suponer y acertar. Pero lo saben Steven Spielberg con El color purpura o James Cameron con Avatar, esto no siempre es así. Netflix también lo sabe y lo volverá a descubrir esta noche cuando Emilia Pérez, con 13 nominaciones, se vuelva con las manos vacías y será un volver a empezar para la plataforma, a diseñar la próxima gran candidata para el año que viene y cruzar los dedos para que, por fin, se les dé.

Otro argumento que se usa desde hace unos años, sobre todo desde que la sobreinformación nos hace saber a quién premió el Círculo de Críticos de Cine de Oslo, es observar el recorrido de las películas por las diversas entregas de premios. Si antes era el Globo de Oro el termómetro, que la mayoría de las veces tenía un criterio diferente al Oscar (este año allí se impusieron El brutalista en drama y Emilia Pérez en comedia o musical), ahora tenemos cientos de asociaciones entregando su premio.

En ese contexto, debemos decir que Anora, la extraña comedia dramática de Sean Baker, es la que parte en la delantera para esta noche, ya que a la tempranera Palma de Oro en el Festival de Cannes del año pasado le suma distinciones importantes como los Critics Choice Awards, los premios del sindicato de Directores y el del Productores, además del reciente Independent Spirit Awards, que reconoce a las películas independientes del cine norteamericano.

Pero incluso así se le puede pifiar al pronóstico, por lo que ahora tenemos un nuevo parámetro: las casas de apuestas online. Porque todo es mensurable en kilos de timba virtual, lo curioso es que ahora ese parece ser el criterio menos falible.

Y en ese sentido hay que decir que precisamente Anora es la gran candidata a quedarse con el premio. Todos apuestan a que el film de Baker se lleve la distinción principal, por lo que la película es la que menos paga. E incluso sumaría según la especulación de las apuestas las distinciones a Mejor Dirección y Mejor Guión Original. Un éxito absoluto para una película independiente, en la senda de otros films del director como Tangerine o Proyecto Florida, que estuvo nominada hace unos años.

La que le estaría dando pelea a Anora según los apostadores es Cónclave, el film protagonizado por Ralph Fiennes, que en un primer momento sonaba para la temporada de premios pero se fue apagando a medida que Emilia Pérez y El brutalista ganaban posiciones. Habrá que ver también si la frágil salud del Papa Francisco genera algún tipo de incentivo en los votantes. Sin embargo dicen que la sorpresa podría ser El brutalista, lo que sería una gran noticia para los apostadores ya que paga realmente muy bien.

Hay otros premios que parecen mucho más claros y sin necesidad de averiguar en las casas de apuestas, pero igualmente si nos fijamos en ellas Adrien Brody se impondría como Mejor Actor por su interpretación del arquitecto Lazlo Toth en El brutalista, lo que sería el segundo Oscar para el actor luego de El pianista, casualmente otra película centrada en la figura de un personaje atravesado por el Holocausto. El que tiene las chances de destronarlo es Timothée Chalamet por Un completo desconocido.

En el rubro Mejor Actriz los apostadores no dudan en creer que Demi Moore por La sustancia será la ganadora, aunque en las últimas horas, y al calor del rumor de Anora, ha subido en la consideración Mikey Madison, su protagonista. Perdida absolutamente la chance de Karla Sofía Gascón de convertirse en la primera actriz trans en ganar el Oscar, hay que decir que si llegara a ganar rompería las apuestas: paga 50.5. Pero más allá de lo que digan las apuestas, hay que dejarle una posibilidad aunque mínima a Fernanda Torres, la actriz brasileña de Aún estoy aquí. Se sabe del gusto de la Academia en los últimos años por premiar extranjeros, este podría ser un nuevo caso. De hecho la actriz ya ganó el Globo de Oro.

Finalmente en los premios de reparto las cosas parecen estar mucho más claras. Kieran Culkin, por el primo díscolo de Un dolor real, es el principal favorito a ganar el Oscar a Mejor Actor de Reparto, mientras que Zoe Saldaña se llevaría la estatuilla a la Mejor Actriz de Reparto por, sí, Emilia Pérez. Su actuación es tan sólida que ni el evento de Karla Sofía Gascón parece hacerle mella. Y, por otra parte, la actriz fue hábil para despegarse de su colega y ponerse del lado de los ofendidos. Habrá que estar atentos a su discurso si esta noche se llegan a confirmar los pronósticos.

Como sea, habrá que seguir la ceremonia esta noche para ver cuánto de las especulaciones se cumplen. La transmisión se podrá ver, como es habitual, por la señal de cable TNT (con traducción simultánea) o por TNT Series (sin traducción), pero también por la plataforma HBO Max. Desde las 20:00 será el pre-show con la alfombra roja y el desfile de famosos, mientras que desde las 21:00 comenzará a develarse el misterio. Todavía quedan unas horas para apostar.

DÍA CERO (miniserie) creada por Eric Newman, Noah Oppenheim y Michael Schmidt, con Robert De Niro, Jesse Plemons, Lizzy Caplan. En Netflix.

-Un poquito de realpolitik, un poquito de fantasía, un poquito de especulación sociológica y bastante de thriller plagado de giros es lo que trae esta miniserie que cuenta con Robert De Niro como estandarte. Un hackeo masivo a los sistemas tecnológicos genera un caos en Estados Unidos y para investigar el hecho convocan a un ex presidente muy querido (De Niro) para que comande una comisión. Día cero se vale del cliffhanger constante para ir sacudiendo las expectativas del espectador, y algunos de esos giros parecen poner esta ficción en otro(s) género(s). Hay algo lúdico que le funciona y nos hace querer ver más. Tal vez para las posibilidades que maneja, la resolución, más cercana a una reflexión política, puede resultar un tanto decepcionante para algunos espectadores. De todos modos Día cero intenta meterse en el debate actual sobre la verdad, la posverdad, las fake news y la política como juego de los sectores de poder, y tiene un final spilbergiano que apuesta por la nobleza, un valor no muy requerido hoy en la producción audiovisual. No está mal y tiene el plus de un gran elenco, hasta en los roles más secundarios.

AÚN ESTOY AQUÍ (película) dirigida por Walter Salles, con Fernanda Torres, Selton Mello, Valentina Herszage. En cines.

-La película brasileña nominada a tres Oscar es un notable drama basado en una historia real, la de la familia Paiva-Facciolla, que en tiempos de la dictadura en aquel país sufrió la desaparición del padre y el secuestro de la madre y una de las hijas. Salles, que vuelve al largometraje luego de estar relacionado durante más de una década a otros proyectos, construye un drama impecable sin subrayados ni didactismos, con una claridad apabullante sobre cómo deben ser narradas este tipo de historias. Para eso pone el foco en el personaje de la esposa (gran interpretación de Fernanda Torres), quien mira todo desde un lugar que es cercano y lejano a la vez, tratando de interpretar (y lo sabemos por sus gestos y sus miradas) un contexto que se resume entre la violencia y el absurdo. Hay un elemento que Salles utiliza con inteligencia, las fotografías, como testimonio de lo presente y lo ausente, también como captura de un momento trivial que se resignifica con el tiempo o todo lo contrario. Y la sonrisa, que se imprime en una foto para la posteridad y que debe ser algo irrenunciable, como forma de enfrentarse al espanto. Tal vez le sobre un epílogo, puesto ahí para generar algunas lágrimas, pero más allá de ese desliz, un film imperdible.

FLOW dirigida por Gints Zilbalodis. En cines.

-Una película que es una absoluta experiencia, emocional y física. Flow sigue a un gato que queda acorralado en medio de una inmensa inundación. No parece haber salvación posible y su vínculo con otras especies, en un bote, adquiere el rasgo de una aventura enorme y poderosa. En primera instancia la película se vale de su animación, bella estéticamente y potente, para construir un entorno de absoluto realismo que es también puramente cinematográfico. Sin diálogos, Flow se construye desde los gestos de sus personajes y de la imponencia de sus imágenes, algunas de una intensidad poco habitual en el cine actual. Una de las grandes películas del año.

MARÍA CALLAS (película) dirigida por Pablo Larraín, con Angelina Jolie, Pierfrancesco Favino, Alba Rohrwache. En cines.

-El chileno Larraín completa con este acercamiento a la cantante lírica María Callas una suerte de tríptico sobre mujeres poderosas del Siglo XX: hay que sumar a Jackie Kennedy y a Diana Spencer. El principal problema de esta trilogía, terminado el ciclo, es que sus partes son todas más una idea de producción que películas. Larrain encuentra el personaje y un conflicto base, pone a una estrella a interpretarlo (Natalie Portman, Kristen Stewart, Angelina Jolie), se preocupa por el perifollo, y narra todo como si fuera una viaje por la mente con sus cortes, fragmentaciones y disrupciones, haciendo del montaje algo fundamental. Las experiencias suelen ser agotadoras y barrocas, intransitables, y en el último sentido tediosas y repetitivas. Para Larraín, Callas fue una mujer atravesada por conflictos familiares y sentimentales (su vínculo con Onassis) que la llevaron a su autodestrucción final. Lo que narra, entonces, es esa última semana de su vida, entre delirios, reverberaciones personales, automedicación, egomanía y un intento por recuperar su voz tras varios años de alejarse de los escenarios. El problema de María Callas, la película, es que carece de atractivo, de ángel, de magnetismo, algo que estas estrellas tenían de a montón y que mucho del cine contemporáneo se empecina en quitarles en post de una tristeza crepuscular. Sólo algunos momentos de belleza en un film descartable.   

IMPLACABLE (película) dirigida por Hans Petter Moland, con Liam Neeson, Daniel Diemer, Javier Molina. En cines.

-Con Liam Neeson hay una suerte de confusión. Si bien es cierto que de un tiempo a esta parte se dedicó a películas de género y principalmente films de acción y policiales, hay como una tendencia de creer que todas sus películas son Búsqueda implacable con variaciones. Y no es cierto. Neeson se hizo cargo con una nobleza interpretativa apabullante de toda esa tradición de relatos policiales norteamericanos, que cuentan con cierta aspereza y sensibilidad el último gesto heroico de personajes en extinción, como extintas están estas películas. Claro que hay algunas que son de venganza, otras que son menos reflexivas y apuestan al disparate, otra más perfectamente genéricas, pero hay una línea de películas que podríamos llamar eastwoodianas, donde Neeson recorre este camino fatal y final de sus criaturas. Implacable, a partir de contar el dilema de un matón que comienza a tener problemas de memoria y quiere resolver todos sus conflictos, fundamentalmente los familiares, antes de irse, va por esta senda. Neeson ya había trabajado con el director Hans Petter Moland en la muy divertida Venganza, que repensaba precisamente la iconicidad del personaje Neeson y le daba 35 vueltas de tuerca. Aquí el director se olvida de la diversión y aborda esto con una seriedad que por momentos se vuelve un escollo. Y si durante un buen rato Implacable funciona, progresivamente, cuando las acciones se vayan estirando, cuando se sienta demasiado patente cómo se quieren atar todos los cabos, y cómo un surrealismo torpe romantiza algo que no lo es tanto, la película comenzará a ceder y a volverse intrascendente. Neeson las tiene mejores.

Semanas atrás escribíamos sobre las posibilidades de Emilia Pérez de ganar el Oscar a la Mejor Película, pero a la vez sentábamos alguna duda con relación a una suerte de “maldición” de Netflix respecto de que nunca pudo alcanzar ese logro mayor, aún con películas multi-nominadas como El irlandés, El poder del perro o Roma. Nada parecía ensombrecer el camino de Emilia Pérez rumbo a la máxima consagración, hasta que finalmente apareció un escollo impensado: un carpeteo a Karla Sofía Gascón, la actriz trans española, por comentarios realizados tiempo atrás en la red social X, que se convirtieron en un escándalo que no parece tener fin.

La situación podría ser rematada con ese famoso meme de Alberto Fernández un poco despeinado diciendo “¿qué pasó ahora?”. Lo cierto es que los dichos de la actriz podrían generar un efecto dominó sobre la película, mientras Netflix, Zoe Saldaña y el director del film, Jacques Audiard, intentan despegarse de la situación.

Karla Sofía Gascón es una actriz española nacida el 31 de marzo de 1972, que antes de transicionar de género era conocida artísticamente como Carlos Gascón hasta que en 2018 publicó un libro en el que contó que era trans y que adoptaba su nueva identidad. Su carrera se extendió tanto en España como en México, trabajando en múltiples series y películas. Y si bien era una intérprete reconocida, su figura saltó a la consideración mundial a partir de Emilia Pérez, la película en la que interpreta a un narco que precisamente decide hacer la operación de cambio de género.

Gracias a esa actuación, Gascón recibió el premio a la mejor actriz en el Festival de Cannes compartido con sus compañeras, Saldaña y Selena Gómez, además de ganar el Premio de Cine Europeo. Quienes ven el arte como un estadística, señalan que fue la primera mujer trans en ganar la Palma en Cannes además de ser la segunda actriz española en recibir una nominación al Oscar luego de Penélope Cruz, o el cuarto intérprete de ese país si se suman a Javier Bardem y Antonio Banderas.

Todo era felicidad en los mundos de Emilia Pérez y Karla Sofía Gascón el 23 de enero, cuando las 13 nominaciones al Premio de la Academia la hacían ver como la principal candidata y a la actriz como el número puesto. Ni qué decir en el mundo Netflix, donde los rumores señalan que la empresa habría invertido 25 millones de dólares sólo en una campaña de difusión que lleve a la película al tan ansiado lugar.

Pero la felicidad duró apenas siete días. El 30 de enero la periodista canadiense Sarah Hagi publicó una serie de tuits realizados por Karla Sofía Gascón entre 2019 y 2024, con comentarios de esos que no caen muy bien en estos tiempos, incluso alguno en el que consideraba a George Floyd, el ciudadano negro asesinado por la policía norteamericana, como un “drogata estafador”. Se sabe lo sensible que es la comunidad hollywoodense con estos temas, por lo que rápidamente el asunto escaló hasta volverse un escándalo histórico, en el que se llegó a rumorear que le retirarían la nominación a la actriz. Algo que no pasó por ahora, pero no se sabe hasta dónde podría afectar a la película.

“Perdón, ¿es mi impresión o cada vez hay más musulmanes en España? Cada vez que voy a recoger a mi hija al colegio hay más hembras con el pelo tapado y el faldón hasta los talones. Lo mismo el año que viene en vez de dar inglés tenemos que dar árabe... y un cordero”, comentaba Karla Sofía Gascón en uno de esos tuits que eran como un stand up virulento. Además decía que debía prohibirse el Islam “mientras no cumpla los DDHH”.

Otro tuit: “Cuántas veces más la historia tendrá que expulsar a los moros de España... todavía no nos hemos dado cuenta de lo que significa esta amenaza de civilizaciones que constantemente ataca a la libertad y coherencia del individuo. No se trata de racismo, se trata del islam”.

En cuanto al asesinato de Floyd y el movimiento Black Lives Matter, había dicho que “realmente creo que a muy pocos les importó nunca George Floyd, un drogata estafador, pero su muerte ha servido para volver a poner de manifiesto que hay quienes todavía consideran a los negros monos sin derechos y quiénes consideran que la policía es asesina. Todos errados”.

Y, tal vez, su mayor condena. Llegó a burlarse en X -ex Twitter- sobre la entrega del Oscar y su apuesta por la diversidad: “Cada vez más se parecen a una entrega de premios de cine independiente y reivindicativo, no sabía si estaba viendo un festival afrokoreano, una manifestación Blacklivesmatter o el 8M. Les faltó darle un premio al corto de mi primo, que es cojo”. Demasiado para la Academia.

En medio del escándalo, que por ejemplo la llevó a no participar ayer de la entrega del Premio Goya, el máximo galardón del cine español, la actriz recogió el guante, aunque también dijo que muchos de esos tuits eran falsos. Y ensayó una disculpa pública en Instagram tras borrarse de X: “Reconozco que mis publicaciones pasadas han causado dolor. Como alguien que pertenece a una comunidad marginada, conozco ese sufrimiento de primera mano y lamento profundamente haber causado daño. He luchado toda mi vida por un mundo mejor. Creo que la luz siempre triunfa sobre la oscuridad”.

Sin embargo, mientras por un lado trata de tranquilizar las aguas, por el otro genera una tensión con una de sus contrincante, la brasileña Fernanda Torres, acusando al equipo de la película Aún estoy aquí, nominada a Mejor Película, Mejor Película Internacional y Mejor Actriz, de montar una campaña de desprestigio sobre su persona para favorecer a ese film dirigido por Walter Salles. “Si gana ella, estupendo, si ganó yo, estupendo. Lo que no me gusta es que hay un equipo de redes sociales que trabaja alrededor de todas estas personas intentando demeritar mi trabajo y el de mi película, porque eso no lleva a ningún sitio. Para resaltar el trabajo de una persona no necesitas hundir el de los demás”, acusó.

Si hace meses Karla Sofía Gascón era el mascarón de proa de Netflix para promocionar Emilia Pérez (de hecho, eligieron para los premios que la actriz sea considerada protagonista cuando el relato es claramente liderado por Saldaña), a la luz de estos hechos hoy Karla Sofía Gascón y Netflix son asunto separado. La española parece haber quedado sola y marginada, mientras todos tratan de despegarse de su imagen. De hecho, la editorial Dos Bigotes anunció que no publicará la nueva versión de la novela autobiográfica de Karla Sofía Gascón.

The Hollywood Reporter informó que Netflix decidió eliminar a Karla Sofía Gascón de la promoción de la película de cara al Oscar, borrándola de los posters pero también de la cadena de mailes con la que se coordinan las acciones. Tampoco le pagarán el viaje a Los Angeles para participar de la ceremonia, ni el alojamiento.

El mismo camino parecen haber elegido sus compañeros, cuando lejos de sentirse confundidos con los dichos de la actriz, pero cercanos por el trabajo realizado, deciden dejarla más en evidencia. Por ejemplo en una entrevista, el director Jacques Audiard la acusó de presentarse como “víctima”, que sus comentarios son “imperdonables” y que le resultaron “odiosos”.

En el mismo sentido se expresó Zoe Saldaña, quien aseguró estar “muy triste” y “decepcionada”. Y si bien señaló que no puede hablar “por las acciones de otras personas”, sí dejó claro que “no apoyo ninguna retórica negativa de racismo e intolerancia hacia ningún grupo de personas. Eso es lo que quiero defender”.

Con todo esto, el camino de Karla Sofía Gascón hacia el Oscar parece cancelado, y habrá que ver cómo termina afectando a Emilia Pérez. Los fanáticos de las estadísticas tienen un nuevo récord: Karla Sofía Gascón se convierte ahora en la primera persona trans en caer presa de la cultura de la cancelación. 

EL BRUTALISTA (película) dirigida por Brady Corbet, con Adrien Brody, Guy Pearcem Felicity Jones. En cines.

-Ahora que Emilia Pérez cayó en desgracia, El brutalista parece haberse convertido en la gran candidata al Oscar. Dado los pobres resultados de la película de Jacques Audiard, parecía una buena noticia, pero no. El film de Corbet sigue a un arquitecto que sobrevivió a los campos de concentración del nazismo y logró mudarse a Estados Unidos, donde encara una nueva vida. El brutalista es ambiciosa, se pretende un film enorme, megalómano, como la propia obra del arquitecto al que le da vida Brody. Dados sus 214 minutos, la película está pensada con un intervalo que, paradójicamente, marca con precisión el momento en que la película comienza a tener problemas. Serios, de esos problemas que tiene el cine contemporáneo para buscar en lo miserable la forma de señalar los traumas de un tiempo. Corbet nos quiere decir, como tantos otros, que el “sueño americano” es una falacia y que la cultura norteamericana, pautada por lo material y el poder que conlleva, es una desgracia. No sólo que los personajes lo dicen explícitamente, sino que en su último acto cae en todos los males: actuaciones crispadas, situaciones desagradables, excesos y un epílogo que subraya lo que habíamos entendido. El favor crítico que rodea a esta película es otro error. No es un film descartable, tiene sus logros (todo antes del intervalo), pero para megalomanía volvamos a Welles, a Coppola (al de El padrino, no al de Megalópolis por favor) o al mismísimo Paul Thomas Anderson, al que Corbet se quiere parecer y no le ata ni los zapatos. 

AMENAZA EN EL AIRE (película) dirigida por Mel Gibson, con Michelle Dockery, Mark Wahlberg, Topher Grace. En cines.

-Gibson es otro de cine ambicioso y grandilocuente, pero con un grado de locura que lo distingue, como esa violencia sin rodeos. Y además es un gran director. En ese contexto, Amenaza en el aire parecía a priori un ejemplo absolutamente por lo contrario: un thriller ambientado en la cabina de un avión, con tan sólo tres personajes. Se parecía, de hecho, a las películas discretas que Gibson viene protagonizando hace años. Pero, decíamos, es un gran director y aquí deja atrás la grandilocuencia aunque mantiene la locura: y este viaje, en el que una agente debe trasladar a un testigo para que declare contra un mafioso, mientras tiene que lidiar con el piloto que es un psicópata en toda su dimensión, es pura tensión y diversión, de esa diversión despreocupada que sabían dar las películas de hace unas décadas, a donde el director pertenece. A Gibson le encanta la violencia desatada y va encontrando los lugares donde Amenaza en el aire impacta al espectador, aunque trabaja aquí una violencia en off que potencia a los personajes y genera clima. Un thriller perfecto, electrizante como dirían las frases de los pósters de las películas, y en última instancia una invitación a abandonar la credulidad, algo que le cuesta bastante al cine contemporáneo demasiado creído de sí mismo. Gibson es de los buenos, y sabe demostrarlo en este que es apenas un ejercicio de estilo.

TU AMIGO Y VECINO SPIDER-MAN (serie) creada por Jeff Trammell, con las voces originales de Hudson Thames, Kari Wahlgren, Colman Domingo. Disney+.

-Marvel parece haber saturado la producción sobre superhéroes, pero encontró en la animación un territorio fértil donde sus historias funcionan en un nivel más creativo. Aprovechando la estética del cómic, tanto desde la animación que simula las dos dimensiones como la estructura de las viñetas, Tu amigo y vecino Spider-Man es ir a lo seguro con un personaje infalible. Aquí, además, un regreso al territorio de la adolescencia, donde el querido Peter Parker, con sus temores sentimentales y sus dudas, es ese héroe perfecto, el más cercano de todos los superhéroes. La serie se divierte tirando guiños por aquí y por allá, jugando con la presencia de personajes icónicos (también con voces icónicas), pero sobre todo con ser una comedia de aventuras perfecta. Es ágil, es divertida, tiene buenos personajes y la duración exacta de la tira animada, que potencia el carácter serial. Seguramente una de las claves para entender todo sea la reversión del tema clásico de Spider-Man, lo que habla un poco de su surfeo entre lo clásico y lo moderno.

HIGH POTENTIAL (serie) creada por Drew Goddard, con Kaitlin Olson, Daniel Sunjata, Javicia Leslie. En Disney+.

-No es sencillo lo de High potential, busca meterse en el transitado mercado de las series de procedimiento policial con protagonista freaky, piensen de Monk a El mentalista y encontrarán una larga e inagotable lista de propuestas (ahora, hace unos años, hace unas décadas: ¡Columbo!). Aquí lo que tenemos es a una mujer separada que vive con sus tres hijos (Olson), que trabaja limpiando oficinas, pero que demuestra un notable poder de deducción para resolver crímenes, producto de un coeficiente intelectual por encima de la norma. Escrita por Drew Goddard, que a veces se pasa de listillo, aquí no es que no lo intente, pero logra personajes interesantes, con sus dobleces y fallas, mientras va recorriendo la lógica de géneros y subgéneros altamente explotados en la televisión. La sagacidad de la protagonista está acompañada de una narración muy rítmica, que no tiene miedo de detenerse en los conflictos personales. No inventa la pólvora, tampoco lo busca, sólo quiere hacer algo divertido con ella. Por momentos lo logra.

GHOSTS (serie) creada por Joe Port y Joe Wiseman, con Rose McIver, Utkarsh Ambudkar, Brandon Scott Jones. En Netflix.

-Esta sitcom tiene cuatro temporadas ya, pero Netflix apenas subió las primeras dos. La premisa no parece ser demasiado original, ya que volvemos a la comedia de gente que hereda una casa embrujada y los fantasmas que la habitan hacen lo imposible para echarlos. Claro que tiene sus vueltas de tuerca, pero lo que prevalece es en verdad la velocidad de sus diálogos, que responden perfectamente a la tradición de la sitcom (sus creadores son los mismos de New girl) y una serie de personajes de lo más divertidos, que son esos fantasmas de diferentes épocas, desde vikingos, a una hippie que murió por abrazarse a un oso, a un boy scout o un yuppie que murió sin pantalones ni calzoncillos y vaga por ahí un poco impúdicamente. Hay inventiva, hay diálogos chispeantes y hay miles de ideas arrojadas para que algunas funcionen. De hecho, algunas funcionan, y son muy divertidas.

Se conocieron el pasado jueves las nominaciones a los Oscar y, como siempre, comienzan las especulaciones, las apuestas y se habla de los grandes favoritos y los olvidados. Pero como somos argentinos, no podemos dejar de lado el costado chauvinista y destacar por sobre todas las cosas la cuarta nominación al argentino Pablo Helman por los efectos visuales de Wicked, que se convirtió en gran candidata a ganar el premio principal.

La 97ª edición de los Premios de la Academia se entregarán el próximo 2 de marzo en una ceremonia que será conducida por Conan O’Brien. Si bien todavía no lo confirmaron oficialmente, porque en Estados Unidos hubo cambios respecto de la cadena encargada de la transmisión, se verían a priori, y como es habitual, por la señal de cable TNT.

Seguramente ya lo han escuchado por todos lados, la gran favorita desde hace tiempo es Emilia Pérez (ganó el Globo de Oro) y las nominaciones lo terminaron de confirmar. El film de Jacques Audiard obtuvo la mayor cantidad de nominaciones, 13, y cuenta con varios elementos que hoy se valoran mucho más a la hora de los premios que la calidad y los resultados artísticos. En tiempos de gestos y búsqueda de representaciones, habla de un narco que hace la transición de género y su protagonista, Karla Sofía Gascón, es una actriz trans.

Sin embargo hay que tener un elemento en cuenta. Emilia Pérez, que se estrenó en Argentina esta semana pero se había visto anteriormente en el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, es una película de Netflix, y ya sabemos, la Academia de Hollywood y la plataforma, asunto separado. Ya han sido emblemáticos los casos de El poder del perro con 12 nominaciones, El irlandés, Roma y Mank con 10, todas películas de Netflix que se han vuelto para la casa con las manos vacías. Roma al menos ganó como Mejor Film Internacional, pero las películas de la compañía nunca se llevaron el premio principal.

Tal vez Emilia Pérez sea la que venga a quebrar ese maleficio, sobre todo porque no parece haber una competencia demasiado relevante este año. Por ejemplo su principal competidora parecería ser Wicked, pero no tiene nominaciones ni en guión ni en dirección, lo que resultaría curioso en caso de ganar: pocas veces un film sin nominaciones en esos rubros se llevó la estatuilla. A lo mejor la principal contendiente sea El brutalista, que tiene 10 nominaciones, aparece en dirección y guión, y viene de ganar el Globo de Oro. Sin embargo no parece ser la película con el carisma suficiente como para ser la gran ganadora de la noche.

La que finalmente se terminó desinflando a medida que se acercaba la temporada de premios fue Cónclave, el film que habla de la elección de un nuevo Papa. La película toca temas de agenda, tiene todo el aura solemne de la búsqueda de prestigio y premios, pero a pesar de tener 8 nominaciones, tampoco aparece nominado su director, Edward Berger. Con lo cual ha perdido terreno.

Emilia Pérez y Wicked son musicales, y si sumamos Un completo desconocido, la biografía sobre Bob Dylan, se podría decir que son unos Oscars muy musicales. Incluso no se veía tal representación del género en los Premios de la Academia desde que en 1965 compitieron Mi bella dama y Mary Poppins, y que finalmente se llevó la primera.

En cuanto a Emilia Pérez, concretó algo que viene sucediendo con mayor asiduidad desde La vida es bella: fue nominada a Mejor Película y Mejor Película Internacional (lo que antes era Película Extranjera o un poco más acá Película Hablada en Lengua Extranjera), aunque otra película tiene el mismo honor: la brasileña Ainda estou aqui, que además fue nominada a Mejor Actriz por la actuación de Fernanda Torres.

De hecho hay otro detalle en el rubo Película Extranjera, y es nada más y nada menos que la lituana Flow, que peleará aquí y también en el rubro Película Animada, donde parece ser número cantado. Y teniendo en cuenta la maravilla que es esa película, podría haber estado nominada tranquilamente a Mejor Film (en un hecho inédito) de no mediar el habitual desprecio por el cine de animación de los académicos que votan.

En el rubro actuaciones, el rubo Mejor Actor parece tener un premio cantado: Adrien Brody por El brutalista. Ganó el Globo de Oro y la competencia no aparenta ser tan fuerte, aunque en un momento Ralph Fiennes por Cónclave parecía ser el elegido. Claro que habrá que ver si el niño mimado Timothée Chalamet por interpretar a Bob Dylan o Sebastian Stan por interpretar a Donald Trump (ojo con esto) no terminan dando la sorpresa. Se sabe, a los Oscar le encantan las imitaciones de personajes reales.

Más difícil, finalmente, aparece el rubro Mejor Actriz. Sobre todo por esa búsqueda de lo simbólico que persigue la Academia. En la terna hay de todo: una afroamericana como Cynthia Erivo (Wicked), una extranjera y trans como Karla Sofía Gascón (Emilia Pérez), otra extranjera y latina como Fernanda Torres (Ainda estou aqui), que además ganó el Globo de Oro, y el premio al reconocimiento para Demi Moore (La sustancia), que es a priori el número puesto. En este contexto a Mikey Madison (Anora) sólo le queda esperar que la reconozcan por ser joven.

El espíritu de J. R. R. Tolkien está de vuelta en los cines con el estreno de El señor de los anillos: la guerra de los Rohirrim, animé producido por Peter Jackson que regresa a la Tierra Media como una precuela de los hechos narrados en El señor de los anillos. Si estos relatos están repletos de personas que viajan por amplios paisajes, entre criaturas fantásticas y heroicidad épica, es sin dudas también un viaje interesante el de esta obra en la cultura popular y, más precisamente, en la obsesión de Tolkien y, claro, en la del propio Jackson.

Hay que decir, no obstante, que aquella trilogía de Jackson y todo lo que vino después no son los primeros acercamientos a la obra del escritor sudafricano fallecido en 1973. Publicada en los años 50’s, El señor de los anillos convocó la atención del cine inmediatamente y hay varias adaptaciones, muchas de ellas animadas, incluso de otras obras como El hobbit en un cortometraje de 1966. Sin dudas, los más reconocidos son precisamente dos films animados de fines de los 70’s y comienzos de los 80’s: El señor de los anillos de Ralph Bakshi y el telefilm El retorno del rey de Jules Bass y Arthur Rankin Jr.

Nunca sabremos qué le parecieron a Tolkien esas películas, aunque sí es conocido el recelo con el que cuidaba las posibles adaptaciones. Por ejemplo, dejó asentado en una de sus populares cartas que por nada del mundo deseaba que sus textos fueran adaptados por Disney. “Reconozco el talento, pero siempre me ha parecido irremediablemente corrompido. Aunque en la mayoría de las ‘películas’ producidas desde sus estudios hay pasajes admirables o encantadores, el efecto de todos ellos para mí es repugnante”, dijo. Lo irónico de todo esto es que Tolkien, la biografía del autor protagonizada por Nicholas Hoult, se puede ver hoy en la plataforma Disney+.

Desde aquellas películas animadas, los personajes de Tolkien protagonizaron, créase o no, innumerable cantidad de videojuegos, y también alguna miniserie y relatos laterales. Hasta que llegó Peter Jackson con su trilogía y las cosas se precipitaron a otro nivel. Jackson era un director neozelandés conocido por algunas películas clase B que mezclaban el terror, lo escatológico y la comedia. Películas como Mal gusto, Meet the Feebles o Braindead sentaron las bases de una filmografía marginal y muy peculiar, que nada hacía prever lo que pasaría con El señor de los anillos: Jackson convertido en amo del mainstream y reconocido hasta en los Oscar.

La comunidad del anillo, Las dos torres y El retorno del rey fueron filmadas en continuado, todas fueron nominadas al Oscar, aunque la consagración llegó con El retorno del rey que le permitió ganar los premios a Mejor Film, Dirección y Guión. Un total de once estatuillas que igualó el récord de grandes relatos como Ben-Hur y Titanic. Pero además convirtió en estrellas a un veterano como Ian McKellen y a intérpretes con futuro como Viggo Mortensen, Cate Blanchett, Orlando Bloom o Elijah Wood, y hasta a desconocidos como Andy Serkis. Incluso Jackson se dio el gusto de trabajar con una leyenda como Christopher Lee.

El éxito fue descomunal y, paradójicamente, generó en Jackson una suerte de maldición similar a la que el anillo genera en Gollum: toda su carrera posterior fue una combinación de malas decisiones y empecinamientos varios. La ambiciosa King Kong no funcionó comercialmente (aunque es tal vez su mejor película), Desde el cielo fue un intento de seriedad absolutamente ridículo. Incluso su regreso a Tolkien con la adaptación de El hobbit hizo agua, más allá de que logró completar la trilogía de películas a costa de hacerse demasiado evidente que el texto original no daba para tanto. Son películas enormes, pero vacías, que funcionan salvo por momentos, cuando Jackson pone las cosas a andar y la aventura moviliza las acciones.

Pero obviamente que Jackson con su trilogía original renovó el interés por Tolkien, y la Tierra Media y sus criaturas no iban a desaparecer del ecosistema audiovisual, hoy potenciado sólo por secuelas, recuelas, precuelas y todo material basado en materiales preexistentes. Amazon se hizo de los derechos para televisión y produjo la serie El señor de los anillos: Los anillos de poder, bastante aburrida por cierto, casi una heredera de El hobbit en ese sentido, aunque aquí Jackson no tuvo nada que ver.

Donde sí tuvo mucho que ver fue en El señor de los anillos: La guerra de los Rohirrim, película animada con la estética del animé japonés de la que es productor ejecutivo, un film que devuelve la carga épica de los relatos originales, una precuela que imagina sobre lo creado por Tolkien y que resulta una digna integrante de ese universo. De hecho, ya hay comentarios en Hollywood respecto de continuar por esta senda, explorando otros rincones de la Tierra Media.

Volvamos a Jackson. El director desde hace unos años se obsesionó con el documental desde una perspectiva técnica: recuperar viejas imágenes, remasterizarlas, pensar la posibilidad que ofrece la tecnología de volver al pasado como nunca lo vimos. De ahí surge otra obsesión, los Beatles, con Get back, Get back: el último concierto y Now and then. Pero su aventura en la dirección de cine parece que le tiene deparadas nuevas escalas en la Tierra Media. Si bien el camino no está tan claro todavía, el objetivo sería centrarse en spin-off sobre algunos personajes: el que está más definido es uno sobre Gollum, con Andy Serkis en la dirección y Jackson en la producción. Por las dudas, parece que Ian MacKellen, Vigo Mortensen y hasta Orlando Bloom están con el bolso preparado, a la espera de que el director los convoque para una nueva aventura. 

Jesús, Sherlock Holmes, Hitler, Drácula, Papá Noel, Tarzán, Hamlet. Estos son algunos de los personajes más representados en la historia del cine, algunos reales y otros propios de la ficción (no vamos a entrar en discusiones acerca de a qué universo pertenece Jesús porque no es la intención de esta columna generar debates teológicos). Sin embargo, pocos personajes como el Joker, el máximo villano de Batman, que si bien ha tenido apenas cinco recreaciones de carne y hueso (aunque es verdad, muchas más en formato animado) tiene la virtud de haberle dado dos Oscar a dos de los actores que lo interpretaron. La locura, evidentemente, garpa en los premios.

Joker es la representación misma del mal, un villano sin moral que sólo busca generar el caos por el caos mismo: su risa estruendosa e incómoda, un plus. Si bien es cierto que estos personajes tuvieron reinvenciones a lo largo de la historia del cómic, reinvenciones que habilitaron también el hecho de salir de cierta superficialidad y ahondar en profundidades psicológicas, las series y el cine fueron adaptando diversas versiones del mismo personaje. Con el Joker ha pasado, sin dudas, aunque siempre su presencia se acerca al relato criminal, al noir que fue la base del propio Batman en las historietas.

Sin embargo la primera aparición del Joker estuvo bastante alejada de la oscuridad y más cercana a la del payaso desaforado. César Romero, un actor de raíces hispanas que era una figura del jetset hollywoodense, fue el primero en darle vida de carne y hueso: lo hizo en 22 episodios de la histórica serie de los 60’s y en una película. Si bien su actuación es icónica (también el hecho de que por contrato pidió no afeitarse el bigote, el cual tuvo que ser disimulado bajo el maquillaje), estaba en consonancia con una serie que tenía la estética psicodélica de esa década y que era, además, una gran comedia con reminiscencias al cartoon animado. Cómo olvidar esas bombas gigantes con mecha y todo.

El vuelco lo dio decididamente Tim Burton cuando en 1989 reimaginó el concepto de Batman: atrás quedó el kitsch colorido de la serie y se abrazó a un gótico más cercano a su universo personal, de criaturas taciturnas y marginadas. El encargado de interpretar al Joker fue Jack Nicholson en una actuación consagratoria, que además le dio prestigio a un rol que podía pensarse puramente payasesco. Nicholson se llevó gran parte del presupuesto de aquella película, más un porcentaje de las regalías, pero a cambio ofreció un Joker inolvidable: una mezcla de aquel de los 60’s con una personalidad más siniestra.

Con el peso de la invención de Nicholson sobre su espalda, no fue sencilla la tarea de Heath Ledger, quien interpretó al villano en la segunda entrega de la trilogía de Christopher Nolan. Cuando se conoció su nombre hubo muchas dudas, pero el actor refutó las críticas con una interpretación tan mimética que por momentos asusta. Con un universo más cercano a la realidad que las películas de Burton, la aparición de Ledger era fascinante, un imán en la pantalla que hacía explotar la película por dentro cada vez que aparecía. Su actuación fue reconocida con un Oscar como mejor actor de reparto, una rareza para la Academia que mayormente reconoce la mímesis biográfica, aunque no lo pudo recibir porque Ledger se suicidó antes que la película llegara a los cines. Y ahí su actuación gana más espesor. Por cierto, El caballero de la noche es una obra maestra del género.

Si bien el Joker es un personaje que cualquier actor quiere interpretar, lo que nos permite ver siempre actuaciones destacas, hay una mancha negra en este recorrido con el Joker de Jared Leto. Convengamos que Leto ya es un sobreactor de antemano, pero encima le tocó aparecer en una de las peores películas del universo DC: Escuadrón Suicida. Leto hace todo lo que no tiene que hacer un actor con un personaje como este, aunque es una invitación: desbordarse. Nunca encuentra el tono ni se acerca demasiado al interior de su criatura rota. Es apenas un payasito sin gracia al que no le ayuda su aspecto de presidiario pasado de rosca. Hubo polémica porque el actor dijo que en el montaje quedaron sus mejores escenas, versión de la cual nos permitimos dudar un poco.

Así llegamos a la última recreación de carne y hueso del Joker, que este fin de semana tenemos nuevamente la oportunidad de ver en la pantalla grande. El Joker de Joaquin Phoenix es toda una experiencia tortuosa, bien en el plan de los personajes que le gusta interpretar al actor. La película de Todd Phillips se mete como ninguna otra con el tema de la insania y resulta un viaje al interior de la psicología desbordada del personaje. Phoenix, actor de método, refuerza todo con un trabajo corporal impactante, en un par de películas que recrean libremente los comics para avanzar sobre superficies cinematográficas. Películas que son un vehículo para el lucimiento del actor, quien fue reconocida con otro Oscar, el segundo para el personaje.

Como mención especial, no se puede dejar de nombrar a Mark Hamill, quien le dio la voz al Joker en aquella maravillosa versión animada de la serie de los 90’s, una construcción vocal alucinante para darle espesor y carácter siniestro al personaje. Ni tampoco podemos dejar de mencionar a Zach Galifianakis, quien construyó en Lego Batman: la película una versión muy divertida, que reflexionaba sobre la figura del villano y la relación con el héroe.

El Joker es un personaje importantísimo de la cultura popular y sus representaciones, mayormente, habilitan actuaciones destacadas. Su influencia trasciende al universo de los cómics y tiene la capacidad de sostener un relato por sí solo, como lo vimos en las dos películas con Joaquin Phoenix. ¿Cuál es tu Joker favorito?