Desde hace un tiempo que mayo es el mes de Star Wars, no sólo por el famoso 4 de mayo y su juego de palabras con la icónica frase (“May the Force be with you”), sino además porque el 25 de mayo de 1977 fue la fecha de estreno de la película que no solo creó un universo que se sostiene hasta nuestros días, sino que además modificó para siempre la industria y los modos de consumo y promoción de las películas. Ya conocemos la historia, el indescifrable proyecto de George Lucas que mezclaba el western con los relatos de samuráis y ubicaba sus acciones en el espacio, y convirtió en estrellas a Mark Hamill, Harrison Ford, Carrie Fisher, Alec Guinnes y Peter Cushing… bueno, no, Guinnes y Cushing ya eran famosos.

Sí, que Han Solo, que Luke Skywalker, que la Princesa Leia, que Obi-Wan Kenobi, que Grand Moff Tarkin, que esto y que aquello, pero también hay en Star Wars un grupo de personajes que resultan indispensables y cuyos intérpretes, al menos el rostro de cada uno de ellos, sólo se hizo popular con el paso del tiempo y el cariño de los fanáticos. Hablamos de Darth Vader, Chewbacca, C-3PO y R2-D2, sin cuyas presencias las películas no serán lo mismo.

DARTH VADER

Por su supuesto que Darth Vader, no sólo el gran villano de la franquicia sino además uno de los grandes villanos de la historia del cine, tenía un aiconografía que va desde el diseño del personaje, su presencia omnipresente, su voz característica y hasta el leit motiv musical con la Marcha Imperial de John Williams, que hacía cada presencia inolvidable. Sin embargo de Darth Vader no deja de ser sintomático, ya que si el personaje se termina autoensamblando su propia construcción es un mosaico de voz, cuerpo y rostro.

En sí la presencia estelar es la de David Prowse, actor de 1,95, ex fisiculturista británico, que se involucró con el cine interpretando a personajes que se destacaban por su tamaño. Pero si Prowse aportó el cuerpo debajo del traje y el casco (y mantendría una fuerte distancia con los productores a partir de información clave que filtró sobre la trilogía), Darth Vader no sería Darth Vader sin la imponente voz de James Earl Jones. En todo caso la conjunción de ambas cosas da esa síntesis del poder macabro que representa Vader.

Sin embargo, hay un tercer involucrado en la construcción del villano y tiene que ver con el final de El regreso del jedi, cuando finalmente Vader se saca el casco y se ve su rostro. La producción necesitaba un actor veterano y por eso, cuando Vader queda al desnudo, es el actor de extensa trayectoria Sebastian Shaw quien presta el rostro de ese Vader terminal.

CHEWBACCA

Seguramente uno de los personajes más queridos de Star Wars, el wookiee Chewbacca fue interpretado mayormente por Peter Mayhew, quien encarnó al personaje en la trilogía clásica -Episodios IV, V y VI- y regresó brevemente en La venganza de los Sith en 2005. Su imponente altura, superior a los 2,20 metros, fue determinante para construir la presencia física del personaje.

Con el paso del tiempo, el relevo fue tomado por Joonas Suotamo, quien comenzó como doble de Mayhew en El despertar de la Fuerza y luego asumió completamente el rol en las producciones más recientes, incluyendo las secuelas y otros proyectos de la franquicia. Sin embargo Peter Mayhew, actor muy querido y celebrado en las ferias de fanáticos, es reconocido como el auténtico Chewbacca.

C-3PO

Personaje que tenía mucha fuerza en la trilogía original, el servicial robot C-3PO es un caso único en la franquicia, ya que un actor lo ha interpretado en casi todas las películas: Anthony Daniels, quien se metía en ese traje ajustadísimo y brillante. Cuenta el anecdotario que Daniels tenía movilidad reducida y visibilidad muy restringida, lo que incluso dificultaba la puesta en escena de muchas escenas debido a la dificultad para moverse.

Anthony Daniels es otro intérprete muy querido por los fans, especialmente por el vínculo con el personaje, ya que no sólo lo interpretó en las películas oficiales de la saga sino que también prestó su voz en múltiples series animadas, videojuegos y otros contenidos derivados de las películas.

R2-D2

Finalmente nos metemos con otro de los personajes emblemáticos de aquella trilogía original, el droide astromecánico R2-D2, más conocido por estas tierras como “Arturito”. Si bien el actor Kenny Baker fue quien se metía dentro del traje gracias a su 1,12 de altura y lograba manejar las expresiones del robot, a diferencia de otros personajes no dependía sólo de la presencia de un actor.

Porque gran parte de las apariciones de R2-D2 se resolvían mediante unidades mecánicas controladas a distancia, lo que significa que Baker no participaba físicamente en todas las escenas del personaje. Ya con las nuevas películas, la representación del personaje eliminó la presencia humana y ya se hizo uso de animatrónica avanzada, sistemas de control remoto e imágenes generadas por computadoras.

THE MANDALORIAN (serie) creada por Jon Favreau, con Pedro Pascal, Chris Bartlett, Katee Sackhoff. En Disney+.

-Es posible que algunos no sepan de qué se habla cuando se habla de The Mandalorian y por eso el estreno de cines de esta semana le significará nada, pero lo cierto es que a lo largo de tres temporadas la serie creada por Favreau se convirtió en una de las cosas más felices que salieron de esa usina inagotable del universo Star Wars. La serie imagina a un personaje integrante de un particular credo, que tiene que rescatar a una criatura. Punto de inicio de una serie que es pura algarabía, alejándose de la pesadez de los subtextos y las obsesiones de la saga original y tirándose de cabeza a la aventura hecha y derecha, como en los viejos seriales donde los personajes iban de acá para allá sin importar demasiado el trasfondo. Con ese espíritu, la serie crecía a su vez de la mano del carisma que exudan sus dos protagonistas, el lacónico Mando y el muy querido Grogu. Hay capítulos brillantes, donde la aventura y la comicidad se dan la mano, y una lectura acertadísima de Favreau respecto de cómo recuperar las lecciones del cine clásico. Una maravilla.

STAR WARS: THE MANDALORIAN AND GROGU (película) dirigida por Jon Favreau, con Pedro Pascal, Jeremy Allen White, Martin Scorsese. En cines.

-Ni lento ni perezoso, en vez de seguir extendiendo la serie, Disney imaginó que detrás de este universo había una película. Con los mismos responsables a cargo del guion y del desarrollo, y con Favreau también detrás de cámaras, finalmente Mando y Grogu tienen su experiencia de larga duración, que para algunos podrá sonar a un capítulo extendido. Y si bien pueden estar en lo cierto, la verdad es que la película sostiene la lógica de la serie centrada en misiones, en viajes, en aventura, en comicidad y en acción. Aquí el protagonista es enviado a rescatar a una criatura, que está prisionera en otro planeta. Básicamente toda la película es el plan para ese rescate y sus consecuencias. No hay mucho más y es justo lo necesario, lo que tiene que contar una historia sostenida en resortes clásicos donde los contextos de los personajes no son demasiado relevantes. Aquí importa el movimiento, la manera en la que avanzan y van fortaleciendo su vínculo por medio de la acción. Puede que parezca un poco pequeña, o demasiado simple, pero sus imágenes espectaculares, alguna secuencia de acción y el carisma de sus protagonistas son suficiente material para justificar la empresa.

CARÍSIMA (serie) dirigida por Nano Garay Santaló y Federico Suarez, con Julián Kartún, Alex Pelao, Iara Portillo. En Netflix.

-Aquí tenemos el ejemplo contrario al anterior. Caro Pardíaco, personaje surgido de pequeñas intervenciones y apariciones donde importa más la improvisación que otra cosa, es la protagonista de esta serie donde la puesta en marcha de una fiesta se complica ante la aparición de un asesino. Creada por Kartún, Caro Pardíaco tiene elementos que podrían albergar la ilusión en la construcción de un mundo a su alrededor. Pero de las ideas a las concreciones hay un trecho largo, y los episodios, a pesar de durar apenas diez minutos, se vuelven intransitables. Narrada a las apuradas, como si el formato corto le jugara en contra, Carísima es una serie que sólo puede funcionar en el público cautivo y los fanáticos, que son -como sabemos- cultores de la indulgencia. Se agradece el esfuerzo de todos los involucrados, pero el resultado es pobrísimo.

NADA ENTRE LOS DOS (película) dirigida por Juan Taratuto, con Gael García Bernal, Natalia Oreiro, Peto Menahem. En cines.

-En el marco de una crisis empresarial que debe ser atendida durante un fin de semana, dos ejecutivos -él mexicano y ella argentina- se cruzan en un hotel y van construyendo una relación que más que una realidad, es una síntesis de todo aquello que no está del todo bien en el hogar de cada uno. Taratuto vuelve a mostrar su solidez como narrador de este tipo de historias centradas en vínculos personales y sentimentales, a la vez que logra sacar sinceras interpretaciones de García Bernal y Oreiro. Nada entre los dos indaga en los vericuetos del amor, de la vida en pareja, del deseo y la frustración. Lo hace con una mirada atenta a los detalles y diálogos bien escritos. El único problema de la película es que claramente le faltan picos como para que su tono un poco monocorde no termine abrumando. Está todo tan bien en la película, que a veces se extrañan algunas fallas que rayen esa superficie correcta y despeine un poco a sus personajes.

SATISFACCIÓN GARANTIZADA (serie) creada por David Rosen, con Tatiana Maslany, Jake Johnson, Jessy Hodges. En AppleTV.

-La primera secuencia del primer episodio es una muestra de la habilidad de esta serie para meternos en su propio juego: una mujer charla con un muchacho computadora por medio. Parece un pariente, un amigo o un novio. Pero no, es un encuentro sexual de estos que se estilan en la virtualidad. Sin embargo todo da un vuelco cuando ella termina involucrada en una situación policial y su vida comienza a complicarse mucho más: atraviesa un divorcio difícil, con la tenencia de su hija en juego. Si bien recién se vieron sus primeros episodios, Satisfacción garantizada promete por algunos nombres involucrados, como Maslany, Johnson y hasta el mismísimo David Gordon Green, director del piloto. Con guiños a Hitchcock y De Palma, la serie mixtura el thriller, la comedia negra y el drama con mucha solidez, y con un espíritu extravagante. Falta el arco completo, pero el inicio es prometedor.

El reconocido pianista Horacio Lavandera presentará su nuevo espectáculo Cine al piano el próximo 3 de abril a las 20:30 en el Teatro Colón (Yrigoyen 1666). Durante esta velada, el músico argentino propone un recorrido sonoro que vincula la técnica de la música académica con la emotividad de las bandas sonoras más icónicas, ofreciendo una experiencia que atraviesa siglos de historia, desde el Barroco de Bach hasta la épica contemporánea de John Williams.

La primera parte del programa se centrará en el universo de Johann Sebastian Bach a través de obras maestras como la Fantasía cromática y las Variaciones Goldberg (BWV 988). Estas piezas, pilares de la música barroca, han tenido un rol fundamental en la narrativa cinematográfica, destacándose su uso en el film El paciente inglés, donde la interpretación al piano subraya momentos determinantes de la trama.

Posteriormente, el repertorio se adentrará en el Romanticismo de Frédéric Chopin con la Balada No. 1 en sol menor, Op. 23 y el Andante spianato y gran polonesa op. 22. La primera de estas obras alcanzó una renovada popularidad global tras ser una pieza central en la película El pianista, dirigida por Roman Polanski, donde su intensidad acompaña el dramatismo y la lucha del protagonista.

Hacia el cierre, Lavandera ejecutará una adaptación para piano de la emblemática suite de Star Wars, compuesta por John Williams, junto a creaciones de Osvaldo Golijov para la película Juventud sin juventud de Francis Ford Coppola. El programa se completa con la innovación de Astor Piazzolla a través de Oblivion y la Suite Punta del Este, obra que integra la banda sonora del largometraje 12 monos.

“Esta velada es una celebración del poder de la música para contar historias, transformar emociones y trascender fronteras, llevando a la audiencia en un recorrido único a través de los estilos y las épocas que han marcado la evolución de la música para piano”, señaló el artista sobre el concepto del concierto. 

Como cada 4 de mayo se celebra el Día de Star Wars, una jornada especial donde los fanáticos de la saga creada por George Lucas hablan mucho más de las películas de lo que hablan normalmente, se realizan eventos y hasta se reestrenan los diferentes capítulos en los cines. Por eso en este día feliz, que tiene origen en la frase “May the Force be with you” (May the Force, que suena similar a May the 4th, 4 de mayo en inglés) quiero recordar algo verdaderamente trágico: la creación y extinción, cual aliados del Imperio, de Jar Jar Binks, personaje nacido para grandes cosas (sobre todo para vender muñecos articulados), que fue teniendo un rol cada vez más pequeño hasta finalmente volverse uno de los mitos más notables de toda la franquicia.

Era 1999 y George Lucas, a la luz de las posibilidades que brindaba la generación de imágenes creadas por computadora, lanzaba la nueva trilogía que venía a explicar lo que había pasado antes de Una nueva esperanza, el famoso Capítulo IV (ahí mi generación aprendió el concepto de precuela). Con algunos personajes conocidos en versiones más jóvenes, como Obi-Wan Kenobi, y muchos nuevos, entre ellos aparecía alguien especial: Jar Jar Binks. El personaje, que venía a cumplir el rol de comic relief que habían representado C-3PO y R2-D2 en las películas originales, tenía la ilusión de ser la estrella. Y fue la estrella, sí… pero la de la muerte.

Según cuentan, la creación de Jar Jar Binks por parte de Lucas tenía que ver con la representación de la ternura, la ingenuidad y la comicidad física, en un cruce entre Buster Keaton y el Goofy de Disney. Pero además tenía otro valor, el del asombro, ya que era uno de los primeros personajes en la historia del cine en ser creado enteramente por CGI (que es como se llaman las imágenes creadas por computadoras) a partir de la actuación de Ahmed Best, quien brindó su voz y sus movimientos corporales.

Sin embargo el personaje, que era atolondrado e insoportable en sus participaciones, rápidamente se ganó el desprecio de los espectadores, quienes no sólo se mofaban de lo insoportable que era sino que además vieron en él estereotipos raciales que terminaron siendo su sepultura. Y estamos hablando de una era en la que los foros de Internet comenzaban a ser algo novedoso y la industria del cine no sabía cómo manejar esa voz popular que se organizaba desde lo virtual. Hoy tampoco sabe mucho, pero hace 26 años era aún peor. Créanme. Particularmente creo que La amenaza fantasma era aburridísima, pero en vez de hacerse cargo de que la película era un plomo indigerible buscaron un chivo expiatorio: Jar Jar Binks.

En cuanto al detalle ontológico bien Star Wars, Jar Jar Binks es un gungan, una especie anfibia nativa del planeta Naboo, que tiene como características principales la ingenuidad, la torpeza y la lealtad. Su primera aparición fue en La amenaza fantasma, donde funciona como guía de Qui-Gon Jinn (Liam Neeson) y Obi-Wan Kenobi (Ewan McGregor). No obstante, a partir de su irritante participación y el desprecio de los fans, su presencia en el resto de la trilogía fue mermando progresivamente. En El ataque de los clones tiene relevancia en la subtrama política, donde aparece como representante de Naboo en el Senado Galáctico y es manipulado para que Palpatine llegue al poder. Y ya en La venganza de los sith su aparición se resume a unos pocos planos, en la procesión fúnebre de Padmé. Y ese sería su final, más allá de algunas apariciones de relleno de criaturas de la misma especie en otras películas y series de la franquicia.

Si bien podemos llegar a acordar que los fans son una horda bastante difícil de manejar, en el caso de Jar Jar Binks tal vez debamos coincidir con ellos. Pensado desde el vamos como un gran desafío técnico y artístico, el éxito tecnócrata estaba dado (el personaje lucía bien en aquellos años de incipiente CGI) pero la falla estaba dada en su concepción, que resultaba sumamente irritante en su intento por ser gracioso. Se entiende que Lucas lo creó pensando más en un potencial público infantil que se acercaría a ver las nuevas películas, pero el fracaso rotundo también habla de la forma en que subestimaba a ese espectador.

Pero el que la pasó realmente mal con Jar Jar Binks fue el propio Best, quien le dio su cuerpo y voz al personaje. En varias entrevistas confesó haberse sentido muy mal: “Recibí amenazas de muerte, correos llenos de odio. La gente me decía que había arruinado Star Wars. Fue devastador”, dijo en una de ellas. Si hasta en 2018 publicó un posteo en su cuenta de Twitter (conocida ahora como X) donde confesó que por aquellos tiempos enfrentó “un rechazo que aún afecta mi carrera. Este fue el lugar donde casi termino con mi vida”.

De todos modos, con el paso del tiempo algunos se fueron amigando con Jar Jar Binks, o al menos comenzaron a mirarlo con un poco de cariño, especialmente por la inclusión del personaje en la serie animada Clone Wars y hasta Best confió que sintió el amor de los fans por primera vez en la Star Wars Celebration 2019, donde fue ovacionado al aparecer en el escenario. Para el actor fue “un momento sanador” y hasta recordó una frase que le había dicho Lucas en los momentos aciagos: “No te preocupes, el tiempo pondrá las cosas en su lugar”. No sabemos si Lucas se refería a esto, pero Jar Jar Binks se convirtió entonces en modelo para cientos de memes, parodias y chistes. Que la Fuerza lo acompañe.

A los 93 años, murió este lunes el actor James Earl Jones, quien logró lo que pocos. Era un EGOT, uno de los selectos del arte que pudo ganar al menos una estatuilla de los cuatro grandes premios: el Emmy, el Grammy, el Oscar y el Tony (al teatro y la comedia musical). Jones cobró notoriedad por ponerle la voz a personajes trascendentales como el villano Darth Vader en la saga Star Wars o a Mufasa, el padre de Simba en El Rey León.

Jones es considerado como uno de los mejores actores de teatro y cine del mundo. En cuanto a EGOT, ganó no uno, sino dos premios Primetime Emmy, un premio Grammy y tres premios Tony. El Oscar lo recibió como un premio honorífico de la Academia de Hollywood, no por una actuación en particular.

Dueño de una voz grave y reconocible, trabajó en Dr. Strangelove (1964), de Stanley Kubrick, e integró los elencos de algunas de las películas más exitosas de todos los tiempos. Probablemente sea más conocido por su papel de voz de Darth Vader en la trilogía original de Star Wars, y repitió el papel de villano en Star Wars: Episodio III – La venganza de los Sith (2005), aunque no aparecía en los créditos, y Rogue One: Una historia de Star Wars (2016).

Dentro del traje de Darth Vader estaba David Prowse en la primera trilogía de Star Wars, y Jones dobló los diálogos de Vader en la postproducción, porque el director George Lucas consideró que el fuerte acento del Oeste de Prowse no era adecuado para el papel.

Jones también "interpretó" a Mufasa, el padre de Simba, en la exitosa película animada El Rey León (1994) y repitió el papel en la película híbrida, de animación y "acción real" del mismo título estrenada hace cinco años, en 2019.

Nacido el 17 de enero de 1931 en Arkabutla, Mississippi, entre sus innumerables participaciones en el cine se recuerdan Conan, el Bárbaro (1982), una de las primeras películas de Arnold Schwarzenegger; Un príncipe en Nueva York (1988), con Eddie Murphy; la candidata al Oscar El campo de los sueños, (1989), con Kevin Costner; La caza al Octubre Rojo (1990), con Sean Connery; Juego de patriotas (1992), con Harrison Ford. También apareció en Los Simpson en tres oportunidades.

BAD BOYS: HASTA LA MUERTE (película) dirigida por Adil El Arbi y Bilall Fallah, con Will Smith, Martin Lawrence, Vanessa Hudgens. En cines.

-Proveniente del videoclip, a mediados de los 90’s Michael Bay saltó al cine con Dos policías rebeldes, film acción del comienzo del fin del género que fue la carta de presentación de una carrera que lo tendría, más o menos por una década y media, como el rey del género en Hollywood. Era por cierto una película bastante mala, pero tenía la virtud para la estadística de tener a dos actores negros como protagonistas absolutos de una buddy movie mainstream. Esto dio lugar a una franquicia (la segunda es aún peor, de ser eso posible), que tardíamente en 2020 -ya sin Bay en la dirección- presentó su tercera entrega, con Adil El Arbi y Bilall Fallah. Aquella película atomizaba lo peor del humor sexista de la dupla para construir un film de acción que devenía en una desvergonzada telenovela grasosa. Si aquella se llamaba Bad Boys para siempre y uno pensaba en una suerte de despedida, esta Bad Boys hasta la muerte es otra vez un amague de despedida. Y cuando uno creía que le habían encontrado la vuelta, esta nueva entrega es un paso en falso para dos directores con cierto espíritu lúdico. Hay aquí desde lo visual un aspecto decididamente feo, con planos incomprensibles -como uno que se hace desde adentro de un reloj- y una serie de arbitrariedades que quieren pasarse como reflexión sobre la vejez y la muerte. Pero nada de eso funciona, apenas la acción correctamente filmada, aunque sin ninguna secuencia para sorprenderse en la butaca. Rutina.

THE ACOLYTE (serie) creada por Leslye Headland, con Amandla Stenberg, Dafne Keen, Jodie Turner-Smith. En Disney+.

-Star Wars fue en algún momento un evento generacional, pero a esta altura, con la creciente producción de series que exploran todos los rincones posibles de ese universo, digamos que el concepto se encuentra bastante desgastado. Así que cada nueva serie anunciada es celebrada con menos expectativa, aunque esto puede ser positivo: cuando nada se espera las cosas pueden ser mejores. Y un poco pasa con The Acolyte en su arranque (se emitieron dos episodios de un total de ocho), que promete ser mucho más emocionante que la mayoría de las desabridas adaptaciones televisivas de este universo, con excepción de la enorme The Mandalorian. Para los amantes de las cronologías, estamos en tiempos de dominio de los jedi, pero las cosas prontamente parecen ponerse oscuras. Todo arranca con la muerte de una destacada jedi y con la captura de una sospechosa, aunque hay un juego de dobleces y de hermanas que dispara la trama. Lo que sorprende en The Acolyte es el ritmo y el vértigo, la claridad en las secuencias de acción, las buenas coreografías y un espíritu más cercano a la aventura mandaloriana que a la monserga jedi. Por ahora funciona.

EN TIERRA DE SANTOS Y PECADORES (película) dirigida por Robert Lorenz, con Liam Neeson, Kerry Condon, Ciarán Hinds. En Prime Video.

-Para entender el valor de esta película, hay que recordar que Robert Lorenz trabajó muchos años al lado de Clint Eastwood. Entonces, la claridad narrativa, la construcción de personajes nobles a pesar de las trastadas que puedan cometer, se integra con una mirada absolutamente clásica sobre el cine. Con ese título uno hubiera pensado en cosas más grandilocuentes, pero En tierra de santos y pecadores es mucho más simple: en la Irlanda de los 70’s, un asesino a sueldo (Neeson, con el porte de siempre) queda en medio de las disputas de una célula terrorista del IRA tras salir en defensa de una mujer y su pequeña hija. Pero más allá de sus devaneos con un conflicto puramente irlandés, la película se define afortunadamente por sus gestos de cine de género, con elementos que indudablemente remiten al western (si hasta tenemos tiroteo final en un bar). Más allá de algunos giros poco rigurosos, se trata de un tipo de película de las que ya no sea hacen, lejos del mundanal ruido y cerca de la sabiduría para saber narrar un cuentito de reinvención personal y saldo de los pecados del pasado.

SOUTH PARK: EL FIN DE LA OBESIDAD (especial) dirigido por Trey Parker, con las voces de Trey Parker, Matt Stone, April Stewart. En Paramount+.

-Una de las cosas por las que recordaremos positivamente los 90’s es por el renacimiento de la animación: tanto por el revival del cartoon clásico como por la animación para adultos, que tuvo a Los Simpson como el mascarón de proa. En esa tormenta creativa, surgió una serie irreverente conocida como South Park, que aunque usted no lo crea estimado joven lector, sufrió censuras de diverso tipo y le costó afincarse en la televisión del mundo por su lenguaje procaz (recuerden, la generalidad cree que la animación es sólo para niños -y para transmitir valores-) y la virulencia de su contenido. Por suerte, Trey Parker y Matt Stone han continuado, llevan 26 temporadas y no han perdido una pizca de su fiereza, mucho menos en estos tiempos de cristal que les aportan muchos más temas. El fin de la obesidad es uno de los varios especiales que han venido produciendo en el último tiempo, una suerte de capítulos largos donde el humor corrosivo sigue siendo la bandera. Aquí el inmoral Cartman quiere acceder a una droga que le promete perder sus kilos de más y el especial avanza sobre el sistema de salud norteamericano, la fascinación social por las drogas mágicas que prometen mejorar la vida y la hipocresía acerca de cómo tratar la gordura. Tal vez la clave de todo el capítulo sea un gran chiste: porque Cartman quiere adelgazar no por mejorar su salud, sino porque eso le permitiría dejar sin respuestas a todos los que insulta ya que no le podrán decir “gordo” nunca más. Y esto incluye a Pakistán. Todo en poco más de 50 minutos. Vale la pena.

SWEET TOOTH (serie) creada por Jim Mickle y Beth Schwartz, con Christian Convery, Nonso Anozie, Adeel Akhtar. En Netflix.

-Esta serie fue una revelación en tiempos de pandemia severa, cuando todos estábamos adentro de casa. Su fantasía alrededor de los efectos de una epidemia global no hacía más que sembrar incertidumbre en un momento donde no parecía haber salida. En Sweet Tooth había un mundo atravesado por un virus y por la aparición de unas criaturas mitad humanas mitad animales. El protagonista, un niño ciervo, es el botín de guerra entre proteccionistas, farmacéuticas, puros oportunistas y demás siniestros personajes. La primera temporada era muy buena y la segunda estacionaba la acción en un tiempo y espacio, lo que la volvía un poco monótona (también reducía su discurso un poco a la infantil). Sweet Tooth precisa del movimiento, del viaje, donde los personajes puedan descubrirse. Y esta tercera temporada retoma ese espíritu, por lo que la acción y las decisiones que toman los personajes terminan siendo la clave. La serie es en el fondo una historia de vínculos, de vínculos sanguíneos (el gran asunto es la búsqueda de una madre), pero de esos otros que se forman en el transitar de las relaciones y a pesar de las diferencias. Hay un discurso medioambiental de fondo, que no molesta, y una construcción de un mundo que resulta entre tétrica y melancólica. El fin del mundo bajo la óptica de un niño, con su ingenuidad y su necesidad de explorar. Si bien ya no está a la altura del comienzo, se sostiene como una fábula más que atractiva.    

La compañía Disney hizo un anuncio en el que detalló las novedades sobre las producciones que desarrollará en los próximos años. Entre las más importantes figuran diez series nuevas salidas del universo de Star Wars y otras diez basadas en personajes de Marvel.

Serán en total 35 nuevos títulos los que estarán en producción a partir de 2021, entre los que también habrá 15 series de live action de Disney y de Pixar, el estudio creador de la saga Toy Story.

It is time! #DisneyInvestorDay is about to begin. Follow along for all of the big, breaking news!

— Disney (@Disney) December 10, 2020

De acuerdo a lo que publicó el sitio de la revista Variety, Kareem Daniel, el nuevo jefe de distribución de Disney, no especificó el plazo en el que se rodarán las nuevas ficciones. La expansión del mundo de Star Wars no estaba en los planes ni del más optimista de los fanáticos. Hasta el momento la única serie activa de es The Mandalorian, que inició hace poco, su segunda temporada y tiene confirmada una tercera.

Pedro Pascal es el protagonista de esta historia paralela al mundo que plantea Star Wars en sus películas, que ocurre durante la franja temporal entre el final de Episodio VI: El regreso del Jedi y el inicio de Episodio VII: El despertar de la fuerza. The Mandalorian recorre la vida de un pirata espacial que, misión tras misión, lucha contra enemigos impensados y pelea junto a aliados de todo tipo.

Baby Yoda, uno de los personajes de la serie original "The Mandalorian". (Foto: prensa Disney/Lucasfilm)

Entre las certezas que se tenían hasta el momento figuraban las ficciones basadas en el personaje de Obi-Wan Kenobi con Ewan McGregor; una precuela de Rogue One, que indaga en la vida del rebelde Cassian Andor interpretado por Diego Luna; y una ficción creada por Leslye Headland y focalizada en personajes femeninos.

Ahora se saben los nombres de algunas de las nuevas realizaciones: Rangers of the New Republic, Ahsoka, Willow y Lando. A su vez, Darth Vader volverá a verse en la pantalla ya que se confirmó que Hayden Christensen regresará al papel que lo hizo famoso para Obi-Wan Kenobi, una historia que ocurre 10 años después de los eventos del final de Star Wars, episodio III: La venganza de los sith.

Además de los productos de Lucasfilm, Disney ya tiene listas, en algunos casos, y en proceso de terminar, en otros, cuatro series del mundo de Avengers. De la que ya se conoce su fecha de estreno es WandaVision, que será en enero. Sobre Falcon y el Soldado del Invierno y Loki, aún no se sabe a en qué momento de 2021 se podrán ver. La cuarta de la que se tiene información es sobre Hawkeye, que recién está en proceso de rodaje. A través de imágenes que se filtraron de su filmación trascendió que Jeremy Renner y Hailee Steinfeld serán los protagonistas.

Fuente: TN

El diseñador y dibujante Ron Cobb, conocido por haber creado el icónico DeLorean de "Volver al futuro" y algunos aliens de Star Wars, entre muchos otros trabajos, falleció hoy a los 83 años.

El artista falleció el mismo día de su cumpleaños de demencia con cuerpos de Lewy, una dolencia causada por acumulación de proteínas en el cerebro, informó la agencia DPA.

Cobb fue una persona influyente en la estética de películas como "Alien" o "Star Wars" y además trabajó como consultor de "Volver al futuro", proporcionando los diseños iniciales del DeLorean, el mítico auto que funcionó como máquina del tiempo en la trilogía, así como de varias especies alienígenas para el universo "Star Wars".

"Nos entristece conocer del fallecimiento del diseñador Ron Cobb, quien diseñó uno de los personajes más memorables de la cantina de Mos Eisley, Momaw Nadon. También trabajó en "E.T.", "En busca del arca perdida", "Alien", "Volver al futuro" y muchas más. Lo echaremos de menos", publicó la cuenta oficial en Twitter de Star Wars.

We were saddened to learn of the passing of conceptual designer Ron Cobb, who designed one of the most memorable characters in the Mos Eisley cantina, Momaw Nadon. He also contributed to E.T., Raiders of the Lost Ark, Alien, Back to the Future, and many more. He will be missed. pic.twitter.com/TP9RckDiI6

— Star Wars (@starwars) September 22, 2020

Entre sus trabajos icónicos destaca "Alien", donde contribuyó a crear el aspecto exterior de la nave Nostromo y también diseñó sus decorados interiores.

La carrera de Cobb comenzó en 1956, un año después de graduarse en Burbank High School. Trabajó en Walt Disney Studios como artista y participó en "La bella durmiente", luego fue diseñador de producción en "Conan, el bárbaro".

Su filmografía incluye créditos como "Abyss", "Desafío total" y "Leviatán", entre otras.

Fuente: Télam